#neón museum

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#vegas #las vegas #hard rock cafe #neon #neón museum #neon lights

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APTO PARA CURIOSOS: MUSEOS EXTRAÑOS

Por Joshua C

Muchos artistas inmortalizan sus obras en museos para que la gente conozca su arte, pero en la actualidad no solo se exponen pinturas clásicas o esculturas históricas. A lo largo del mundo se pueden encontrar una gran variedad de museos de todo lo que te puedas imaginar, desde uno dedicado a la sandia hasta uno sobre cabello, chécalos.

Museo del pelo (Turquía)

Está ubicado en Avanos, una ciudad de Turquía y fue creado por Galip Körükü  quien es un maestro de la cerámica. Tal vez se preguntaran ¿Por qué un maestro de cerámica creó un museo así? Pues todo comenzó cuando una amiga suya fue a visitarlo en 1979 y al momento de su partida Galip le pidió un mechón de cabello, algo inusual pero a lo que ella accedió.

Esto le generó la idea de recolectar más de sus amigas, lo cual continuó haciendo hasta que consiguió 16,000 tiras de cabello con las cuales decidió abrir un museo.

Cada uno de estos se encuentran colgando de las paredes con su nombre y de donde proviene. Se ha vuelto tradición que los turistas también pasen a dejar su mechón para que sea exhibido, además de que el museo cuenta con un record Guinness.

Museo de las cucarachas (Estados Unidos)

El experto en plagas Michael Bohdan  hizo parte de su profesión un gran negocio ya que creo el “Cockroach Hall of Fame” (Salón de la fama de cucarachas) ubicado en Texas en el cual expone a uno de los insectos más complicados de exterminar como lo son las cucarachas, pero lo curioso es que están disfrazadas de diversos personajes famosos como Elvis Presley, Marilyn Monroe, La Estatua de la Libertad e incluso Santa Claus, todos ellos en el cuerpo de este insecto.

Museo de ventrículos  (Estados Unidos)

Los muñecos de ventrículo se usaron por mucho tiempo en programas de televisión y shows de comedia, y fue tal su relevancia que se planeó crear el Museo Vent Haven ubicado en Kentucky, Estados Unidos para brindarles un espacio.

En el lugar hay aproximadamente 700 ventrículos, la mayor parte de ellos en dedicatoria a Edgar Bergen y su muñeco Charlie McCarthy, quien fuera parte importante en el mundo de estos títeres. Cada año los días 18 al 20 de julio se lleva a cabo la Convención del Vent Haven en el cual asisten varios ventrílocuos para exponer sus mejores actos en escenario.

 Museo de la comida quemada (Estados Unidos)

Este Museo fue idea de la artista estadounidense Deborah Henson-Conant. La idea surgió un día  que se encontraba haciendo de comer y por accidente se le quemó la comida, pero él no tirarla fue el origen del “Museum of Burnt Food”  (Museo de la comida quemada).  

Establecido en Arlington, Massachusetts, abrió sus puertas al público en el año del 2010 y dentro de él se puede observar distintos platillos quemados como tostadas, tortas, frutas, verduras, donas y cualquier tipo de comestible que te imagines, incluso te dejan hacer tu propio alimento quemado el cual es exhibido temporalmente.

 Museo de las relaciones rotas (Croacia)

Este museo aparte de tener una sede en Sarajevo Croacia también cuenta con una en Los Ángeles California, Estados Unidos. Juntando los 2 museos se pueden encontrar más de 10,000 objetos donados por personas alrededor del mundo.

Esta idea surgió gracias a Olinka Vištica y Dražen Grubišić quienes se preguntaron ¿Qué pasará con las cosas que le regalaste a tu expareja? ¿Las personas seguirán guardando todo esto? Y con base en estas dudas decidieron recolectar objetos de relaciones pasadas para exhibirlas por un tiempo definido en un museo y la gente pudiera depositar ahí esos recuerdos para dejarlos atrás.

Cada objeto donado cuenta con una etiqueta en la cual explican cómo se convirtió en algo con gran valor sentimental para esa persona. Podemos observar desde un vestido de novia quemado hasta un boleto de las olimpiadas de México del 68.

Museo de la Sandía (China)

¿Museo de la sandía? Aunque no lo creas este museo existe desde el año 2002 en Pekín y es uno de los museos más visitados en todo el mundo. Ahí podrás enterarte de sus orígenes, sus características, su comercialización, su nacimiento en el sur de África y su travesía por el mundo.

Se exponen más de 170 tipos de sandias repartidas en diferentes salas donde se puede dar un paseo en algún cultivo al aire libre. Este espacio fue diseñado desde un punto de vista futurista con muchas luces de neón que le dan un toque especial, por lo que ningún asistente se resiste a sacarse fotos con alguna sandía.

Dentro del recorrido ofrecen degustaciones, asi que si eres un amante de esta fruta y te encuentras por China en la zona de Beijing la vas a pasar muy bien, pero ojo, no hay nada en ingles así que tendrás que llevar un traductor o poner en práctica unas clases de chino antes de asistir.

Es increíble ver como en donde nosotros vemos una simple rebanada de pan algunos pueden ver una obra de arte, o donde nosotros vemos un recuerdo triste algunos pueden verlo como una pieza digna de ser exhibida al público ¿Qué te pareció? Si alguna vez tienes la oportunidad, no dudes en visitarlos.

#Museos #museum #cabello #comida #ventrilocuo #cucarachas #desamor #sandia #mexico #injuve

[furtho]

Playlist 2018

Music posted on furtho.tumblr.com during 2018 (Spotify playlist here):

Aaah...!’s Slip Away, thrilling early 80s synth, complete with echoes of Blancmange

Aeron’s The Breeze At Dawn, towering ambient drone

Alaskan Tapes ft Chantal’s Waiting, echoing ambient with contextualising field recording

Andrea Polli’s Walking On Taylor Glacier, gripping field recording

Arc En Ogive’s Visée, Nintendo-friendly francophone bleep pop  

Arizon’s Break Free (ft Jkrs), infectious cut and paste experimentation

Arto’s Betty Boop, jagged, Normal-esque electropop

Bedroom’s Nothing Lasts, resigned indie sadness... with a twist

Bicep’s Metro, captivating electronic dance music

Binbag Wisdom’s Hospitality, groovalicious acoustic rap

Boris Dzaneck’s Dance, shouty-but-catchy minimal synth

Boy Pablo’s Everytime, ultra-charming Youtube sensation indie

Cariño’s Momento Inadecuado <​/​3, treble-friendly tweepop  

CARW’s Lanterns, shining, big-voiced modern synthpop

Cheap Fantasy’s Life Of Glass, listless-yet-exciting dreampop

Cigarettes After Sex’s K, whispered ambient rock, surely with a nod to Bizarre Love Triangle?

Cornelius’ Drop, super-tight acoustic groove from Japanese indie king

Corridor’s Le Grand Écart, urgent new wave pop, with some unexpectedly languid experimentation at the end

Deerful’s N1C, minimal synthpop tune packing an emotional punch

Die Doraus & Die Marinas’ Fred Vom Jupiter, homemade early 80s synth

Doric’s The Suspect, Casiopoppy minimal synth from Greece

Dronjo Kept By 4′s Lemonn, noisy indie rock ‘n’ roll

Eddie The Wheel’s Leave Behind, hypnotic motorik electro-indie

Eliane Radigue’s L’Isle Re-sonante, longform minimal ambient experimentalism

epic45′s We Were Never Here, delicious post-rock musings on the old photo album of life  

Filipinki’s Walentyna Twist, Polish girl group hymn to cosmonaut Valentina Tereshkova

Finnmark!’s Transpennine Express, catchily low key indiepop

Fire Engines’ Get Up And Use Me, angular post-punk classic

Foreign Architects’ Talk To A Scientist, big-chorused indie rock

Fountains Of Wayne’s Maureen, powerpop tale of lust and love

Fritz’s Summer Holiday, teenage indiepop

Furniture’s Why Are We In Love?, heartfelt will-they-won’t-they post-punk experimentalism

Galatée’s Une Danse Bête, glossy-but-sad modern synthpop 

Gingerlys’ Turtledoves, sweetly uptempo indie

Girl In Red’s Forget Her, heartbreak, heartbreak, heartbreak...

Graham Dunning’s Way Too Much Time, glitchy mechanical techno experimentation

Greg Gorlen’s Moldflowers 01, tape-decayed ambient loops

Gulp’s Claudia, laidback St Etienne-ish 60s-style pop

Happy Spendy’s Flex, beautiful, tiny electro

Haruo Okada & Fabio Perletta’s Kaiko, dreamy long-form field recording

Heligoland’s Orion, laidback, sweet-voiced post-rock

Herlights’ She, big booming shoegaze

Hibou’s Sunder, super-catchy frantic dreampop

Hiroshi Yoshimura’s Clouds, stunning, delicate Eno-influenced ambient

Human Puppets’ A Night To Remember, urgent-but-resigned synthpop minimalism 

Intertwine’s Let Go, laidback modern synthpop

IT & My Computer’s Trouver Quelqu’un, infernally catchy homemade electropop

Ivy’s No Guarantee, up-tempo catchy acoustic strum

Jake Lowe’s Sarah, modern classical romanticism

Jarub’s Boing De Guayaba, hazy, subaqua dreampop

Joe McBride’s pOlychAEte, Suction Records-esque minimal electronics

Joep Beving’s Ab Ovo, rippling modern classical piano

Kana Nishino’s Pa, uber-catchy J-pop sensation

Kinder Meccano’s Before You, wonky electronic experimentalism, complete with great video

Klangriket & Sjors Mans’s Leidseplein, restrained ambi-classical 

Kompakt Kat’s Svetlana Orlova, bedroom ambient homage to Soviet screen legend

KSDS’s Gimli’s Dream, pounding hauntological experimentation

Lake Ruth & Listening Center’s To Recife, weightless baroque pop

League Of Nations’ Thin Ice Door, rickety homemade electropop

Leisure Walks’ What Am I Going To Do, languid lo-fi indie

Lilacs’ Solitary, lo-fi trebly Japanese dreampop

Marbled Eye’s Leisure, trashy post-punk from Oakland

Maria’s I Remember What It Was To Feel, noisy indiepop that occasionally strays onto a fourth chord

Massage’s Lydia, pleasingly ramshackle indie

Melenas’ Cartel De Neón, grungily twee indie 

Mich Cota’s Why Try 2 Love, ecstatic waves of electronics

Michael Cutting’s Smoke, glitchy tape experimentation

Mikado’s Par Hasard, breathy Francophone homemade synthpop

Mitra Mitra’s Snakes, hisssssy minimal electro

Mitski’s Nobody, utter isolation dressed up as sugar-sweet pop

Motorama’s By Your Side, delicious Russian indie romanticism

My Life Story’s I Love You Like Gala, stunning, sprawling, emotive ballad

Nation Of Language’s On Division Street, swooping, echoing synthpop

Nick Cave & The Bad Seeds’ Into My Arms, swoonsome Gothic ballad

OMD’s 4-Neu, atmospheric paean to German legends

Only Satellites’ Low In The Sky, haunting electronic pop

Oppenheimer Analysis’ Men In White Coats, ecstatic Cold War-era synthpop

Otto A Totland’s Vates, characteristically elegant modern piano 

Our Girl’s I Really Like It, sweet indie rock with a blissed-out noise-pop finish

Pet Shop Boys & Dusty Springfield’s What Have I Done To Deserve This? (extended mix), classic 80s chart hit 

Pia Fraus’ Mute The Birds (Ulrich Schnauss remix), big-as-the-skies ambient remix of Estonian indie types

Ping Pong Club’s Venetian Blinds (The Countless Kisses remix), warmly infectious synth reworking of indie tune  

Planningtorock’s Beulah Loves Dancing, super catchy pop house shot through with kindness and love

Plant Cell’s Cyan, shattering shoegaze noise

Proserpine’s Lost Fragment, acoustic ambient soundscape 

Quando Quango’s Go Exciting (12″ mix), infectiously angular post-punk rhythms

Quiet Evenings’ Quiver, restrained ambient drone

Radio Europa’s Post Update, quietly angry electro-experimentalism from Wales

R Beny’s Fernwood, glittering, bokeh-style ambient

Renge’s To The Girl Standing In The Edge Of A Summer, uber sweet Japanese indie folk

Rework’s October Love Song, affecting minimal synth cover of Chris & Cosey’s cult classic

Roedelius’ The Diary Of The Unforgotten, looping pastoral experimentation

Sachiko Kanenobu’s Look Up, The Sky Is Beautiful, legendary Japanese folk singer/songwriter

Salad Boys' Exaltation, infectious Flying Nun-esque indie jangle

Sauna Youth’s Percentages, in-and-out, no messing about thrashy punk

Say Sue Me’s Good For Some Reason, fuzzed up guitar pop from South Korea

Scritti Politti’s Oh Patti (extended version), gorgeous 1980s gloss-pop

Sharesprings’ Pocketguides, incomprehensible but super-catchy Indonesian janglepop

Shinichi Atobe’s Regret, minimal pulsing house

Simmer’s Juno, bright harmonies lighting up melancholy indie

Sinerider’s Farmland, warmly degraded ambient loops

Sink Ya Teeth’s If You See Me, minimal, super-catchy electronic dance tune

Smokescreens’ Used To Yesterday, Flying Nun-style jangle

Snowbirds’ Love Will Come My Way, trebled-as-fuck indie fuzzpop

Solid Space’s Spectrum Is Green, two-note DIY synthpop

Space’s Magic Fly, extraordinary footage of the futuristic disco classic performed on Italian TV

Spanky Wilson’s Sunshine Of Your Love, irresistible funk brass and drums, topped with livewire vocal

Stephen’s Shore’s Let’s Go Home, sweet-voiced indie jangle

Store Front’s Go For Broke, urgent indie rock

Sunset Graves’ Gruesome, wonky-but-focused techno experimentalism

Swoop And Cross’ St No, shining, elegant modern electronics & piano

Sympathy Nervous’ Polaroid, twitching homemade minimal synth

System’s Stille, lovely chiming minimal electronics

Ta Toy Boy’s This Town, superior slice of modern Greek indie

.tape.’s Dream Machine Lullaby (I Am Robot & Proud remix), infectiously bleepy electropop

Taylor Deupree’s The Lost See, quietly rippling ambient piano 

Teleman’s Cactus (Boxed In remix), dancefloor-friendly electropop reworking

Tennis Club’s Vodkas, from the lo-fi rockabilly end of indie jangle

The Bats’ Give In To The Sands, epically understated folk ballad

The Beths’ Happy Unhappy, fuzzed up indie 

The Blow’s Parentheses, super catchy pop tune about love and mutual support

The Boys With The Perpetual Nervousness’ Nervous Man, deeply soppy janglepop, obviously 

The Caraway’s The Rainy Day, exuberant indie jangle from Japan

The Catherines’ Every Time You Say It’s Okay I Know It Is Okay, Merseybeat-inspired guitar pop 

The Clean’s Beatnik, three-chord post-punk pop

The Cosmopolitans’ (How To Keep Your) Husband Happy, withering post-punk

The Cure’s Friday I’m In Love, classic janglepop hit

The Dadacomputer’s Computer Bank, extraordinary pulsing synth experimentalism

The Detox Twins’ I’m Not Available, bleepy minimal synth 

The Ears On The Trees’ Daily Routine, slowly looping ambient 

The Essex Green’s Don’t Leave It In Our Hands, exhilarating, urgent indie

The Flamin’ Groovies’ You Tore Me Down, sweet jangly Merseybeat 

The Heartwood Institute’s Hvin-Lettir, beautiful hauntological electronics

The Jellies’ The Conversation, one-off slice of dub from 1981 

The Keep Left Signs’ You’re The One, Rickenbacker-driven harmony-packed indie jangle

The Mourning After’s Never The Same, shiny Swedish synthpop

The Sweetest Touch’s Crystal Shades, saccharine dreampop from Indonesia

The Unwanted’s Another Tragedy In A German Sleeping Room, lost gem from Germany’s indie scene of 1992

The Wake’s Uniform (live at the Hacienda, Manchester), gloomily poignant post-punk

Tight Knit’s Too Hot, fuzzed up, lo-fi indie

Tiny Ruins’ Me In The Museum, You In The Winter Gardens, heartbreaking folk ballad

Toshimaru Nakamura’s NIMB 53, minimal electronic experimentation

Vashti Bunyan’s Across The Water, spellbinding acoustic ballad

Wall Of Voodoo’s Call Of The West, stunning post-punk American story-telling

White Lies’ Time To Give, portentous, melodramatic indie rock

яблоня‘s мысли, minimal lo-fi indie synthpop from Russia

Yorick van Norden’s Door Into Summer, cover of The Monkees’ country pop classic

Your Favourite Colour’s Former Life, charmingly low-key but catchy indiepop 

Youthcomics’ Youth In Our Backyards, invigorating high-tech indie jangle 

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The playlist for 2017 is here. The playlist for 2016 is here. The playlist for 2015 is here. The playlist for 2014 is here. The playlist for 2013 is here.

#folk #ambient #indie #indiepop #acoustic #experimental

[spanishlandia]

50 Aesthetic-ish things in Spanish ✨

Requested by anon. ✨ Listen while studying

La Luna y las estrellas. The moon and the stars

Luciérnagas en la oscuridad de la noche. Fireflies in the darkness of the night

Mañanas con niebla. Misty mornings

Piedras preciosas. Precious gems, gemstones

Luces de neón. Neon lights

Fotos polaroid. Polaroid pictures

Pétalos de cerezo. Cherry tree petals

Discos de vinilo. Vinyl records

Rosas rosas. Pink roses

Algodón de azúcar, nube, nube de algodón. Cotton candy 

Una copa de vino. A glass of wine

Collar de perlas. Pearl necklace

Caminar descalzo/a. To walk barefoot

Una película antigua. An old movie

Galaxias y constelaciones. Galaxies and constellations

Velas. Candles

Las nubes en el cielo. The clouds in the sky

El océano. The ocean

Novelas románticas. Romantic novels

Una ventana con vistas. A window with a view

Sábanas de seda. Silk sheets

Poemas de amor. Love poems

Castillos y palacios. Castles and palaces

Margaritas. Daisies

Una taza de café. A cup of coffee

El amanecer. Dawn

Rayos de sol. Sunshine

Cubitos de azúcar. Sugar cubes

Museos de arte. Art museums

Perfume. Perfume

El bosque. The forest, the woods

Un carrusel, tiovivo, calesita. A carousel

Antigüedades. Antiques

Agua cristalina. Cristal clear water

Un piano de cola. A grand piano

Una inmensa biblioteca. An immense library

Un reloj de arena. An hourglass

Sala de juegos, salón recreativo, los recreativos. Arcade

Lámpara de lava. Lava lamp

Terciopelo. Velvet

Sombra de ojos. Eyeshadow

Cartas del tarot. Tarot cards

Carreteras infinitas. Infinite roads

Una hoguera, fogata. A bonfire

El primer día de nieve. The first day of snow

Vino blanco. White wine

Flores en el pelo. Flowers in your hair

Un diario. A diary

Una boa de plumas. Feather boa

Las historias de cuando éramos niños. The stories of when when we were kids

my vocab lists ✨ request here

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[mi4mi-b1tchh]

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[acquaaltaproducciones]

EL NUEVO MUSEO NEON AND LIGHT MUSEUM.

EL NUEVO MUSEO NEON AND LIGHT MUSEUM.

PRESENTA EXHIBICIONES PARA VER DE PIE, POR DEBAJO Y ALREDEDOR DE 70 ESCULTURAS DE NEÓN Y DE LUZEN UNA EXPOSICIÓN INMERSIVA DESLUMBRANTE Y ELECTRIZANTE. Chicago 18 de agosto de 2021.  El nuevo Neon and Light Museum invita a los visitantes a ver de pie, por debajo y alrededor de unas setenta esculturas profesionales de neón y luz en una exhibición inmersiva deslumbrante y electrizante que se…

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#ACQUA ALTA PRODUCCIONES #Acqua Chic #Arte #CARLA RIVERA #Chicago #Color #Cultura #TECNOLOGÍA #Tradición #Turismo

[historia-popart]

La menesunda

Tras su regreso a Buenos Aires, Minujín presentó varios proyectos en el Instituto Di Tella en 1965. Entre ellos destaca La menesunda, considerada una de las primeras instalaciones en la historia del arte y un hito del arte argentino. Creada junto con Rubén Santantonín, y en colaboración de Pablo Suárez, David Lamelas, Rodolfo Prayón, Floreal Amor y Leopoldo Maler, La menesunda atrajo a miles de visitantes y causó revuelo entre los medios de comunicación y la escena artística bonaerense.

“Menesunda” significa “mezcla” o “confusión” en lunfardo, una jerga rioplatense que data de finales del siglo XIX. La revolucionaria pieza consiste en un laberinto con 11 “estancias” de diversas formas y tamaños que buscaban estimular todos los sentidos, desde las luces de neón que evocaban a la bulliciosa calle Florida y un espacio con televisores que reproducían la imagen del visitante, hasta un gabinete funcional con maquilladoras en sitio y el íntimo dormitorio de una pareja.

El legado de La menesunda aún es palpable hoy en día, por lo que la pieza ha sido montada de nuevo en los últimos años; primero en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, después en el New Museum de Nueva York en 2019, y pronto se anunciarán las fechas para su apertura en el Tate de Liverpool.

#Youtube

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Galerías Virtuales

Como todos sabemos, el Covid-19 ha realizado cambios enormes al rededor del planeta, tanto que a estos cambios se les ha puesto un nombre, Nueva Normalidad. Un término que esta para quedarse, como una etapa de evolución para la humanidad. Ejemplificando, hablamos de cambios en el día a día, nos vemos obligado a usar tapabocas en la calle, lugares públicos y privados, cambió la forma de lavarnos las manos, cambiaron la tiendas, el mercado tuvo que trascender a lo digital, como una forma de sustento, incluso hasta trabajar, y reunirse es diferente, lo hacemos mediante un espacio virtual frente a una cámara.

  Los cambios no fueron negativos, en realidad en muchos casos positivos, ya que semejante problema, planteó un sin fin de nuevas resoluciones, permitiendo a todo creativo ¨pensar fuera de la caja¨. Hemos presenciado una gran cantidad de inventos nuevos, soluciones más higiénicas, reglas preventivas y muchas cosas más. 

  Desligándome un poco de todos los aspectos generales, me gustaría aplicar un caso más específico, sobre lo que actualmente es mi vocación o de mi importancia. Me llamó la atención, y me encantó la idea de cómo el arte y el diseño, pasó a adaptarse a ésta nueva normalidad, o Normalidad con matices, como me gusta llamar en el blog.

  Estamos hablando del desarrollo de las ideas creativas virtualmente, la forma de comercializar o compartir arte y diseño, galerías virtuales, o museos virtuales. 

  Es así que surge la idea del Covid Art Museum. Un museo virtual, mediante una cuenta de instagram, que reúne las obras de unos 1.000 artistas de todo el mundo, lugar donde podemos encontrar entre ellos a los más conocidos, o prestigiosos, Banksy, Tanaksa Tatsuya, Ellen Sheidlin, entre otros.

The Covid Art Museum https://www.instagram.com/covidartmuseum/?hl=es-la

La idea de este museo dedicado a la pandemia, surgió en los primeros días de cuarentena en España. Los creadores se llaman Emma Calvo, Irene LLorca y José Guerrero, conocidos de la escuela de creatividad Brother, y trabajan juntos en una agencia de publicidad en Barcelona. Los primeros días de la emergencia sanitaria se dieron cuenta del impacto que tuvo en la red, y cómo los artistas alrededor del mundo convirtieron las redes sociales en una galería de forma virtual. Y sintieron de alguna forma que necesitaban llevar a cabo alguna forma de registro de todo lo que estaba pasando en el mundo del arte y el diseño a nivel virtual.

 "Vimos que muchos de nuestros conocidos usaban el arte para evadirse durante el confinamiento. Luego advertimos que no eran solo ellos, sino que con la cuarentena la producción se disparó y era necesario dejar un registro", cuentan a galería.

Los artistas van tocando y refiriendo una serie de temas, a modo de protesta, conflicto o reflexión, sobre todos los cambios que vivimos en la Nueva Normalidad. Está bueno ver como cada uno interpreta a su manera las diferentes situaciones o estados de las personas frente a un problema que nos engloba a todos. No importaba si los artes finales fueran memes, obras super detalladas o proyectos mega desarrollados, entendieron que el lenguaje se transmitía de forma universal. Tampoco se sabía quién lo hacía ni de dónde venía, porque todo el mundo ya estaba conectado con algo en común, el COVID-19.

  Las obras reflejan el miedo, el exceso de información, el encierro, las medidas sanitarias, o movimientos que realizaban los gobiernos frente a la situación. Se habla de una nueva corriente, en términos artísticos, un espacio donde se comparten varias interpretaciones de un mismo tema, no se separan las obras por espacios, ni diferentes galerías, todas conviven en un mismo muro de instagram, en una cuenta con 143 mil seguidores. Fotografías, pinturas, videos, animaciones, memes, sátiras y un sinfín de técnicas, expresadas por más de 1000 artistas contemporáneos. Desde la apertura de la cuenta, al principio de la pandemia, 19 de marzo, los curadores estimaron la curaduría de 500 piezas de 50 países por día. Un número que hoy en día no nos sorprende

  El covid art museum, no solo fue un espacio inclusivo, que invita al pensamiento o a la reflexión de la situación, sino que dió lugar a muchos proyectos del mismo estilo a ser desarrollados, luego de que alguien descubrió una solución a un gran problema.

Galería Mi Mente, una galería virtual para democratizar el espacio artístico

Felipe Pantone es un artista Argentino, especializado y radicado en España. Comenzó en el área del grafiti cuando tenía 12 años. Es graduado con el titulo de Fine Arts degree en Valencia, donde actualmente es la cede de su estudio. Pantone trabaja con el concepto de dinamismo, transformación, revolución digital y temas relacionados al presente.

Pantone evoca un espíritu en su trabajo que se siente como una colisión entre un pasado analógico y un futuro digitalizado, donde los seres humanos y las máquinas inevitablemente fallarán entre sí en un prisma de gradientes de neón, formas geométricas, patrones ópticos y cuadrículas irregulares.

Con sede en España, Pantone es un subproducto de la era tecnológica en la que los niños desvelaban los misterios de la vida a través de Internet. Como resultado de este tiempo de pantalla prolongado, explora cómo el desplazamiento del espectro de luz impacta el color y la repetición.

“El color solo ocurre debido a la luz, y la luz es la única razón por la que ocurre la vida”, dice Pantone. "La luz y el color son la esencia misma del arte visual. Gracias a la televisión, las computadoras y la iluminación moderna, nuestra percepción de la luz y el color ha cambiado por completo".

Para Pantone, su arte es una meditación sobre las formas en que consumimos información visual. Inspirándose en artistas cinéticos como Victor Vasarely y Carlos Cruz-Diez, quienes utilizaron el efecto muaré (en el que las líneas de color contrastan, dan la impresión de movimiento), su obra contemporánea produce la sensación de vibración a medida que cambia la posición del espectador en relación con la obra. Para lograr el efecto deseado, Pantone utiliza un software de modelado que permite obtener información 3D en un proyecto, que luego se puede traducir en frescos, murales, pinturas y esculturas que dan mérito táctil a lo que está ocurriendo en el mundo digital.

POMS, o Poms1, en contraste de Felipe Pantone, no sabemos mucho de él, se expresa mediante el ámbito del Graffitti, y el arte digital, y parece ser argentino, dado a la sátira y la gracia de sus obras, con hechos o características de la sociedad argentina.

Su identidad al igual que la de Pantone permanecen en misterio. Pero este dúo se las ingenió de maneras innovadoras y creativas para llevar a cabo un proyecto revolucionario, para el mundo de los museos y el arte. Una galería completamente virtual, en estilo 3D y realidad aumentada.

¿Cuantas veces no fuiste a una muestra pero la viste por internet?

El Coronavirus, y su eterna cuarentena obligatoria , han cambiado la historia. Costumbres, hábitos, salidas… ya nada será como antes. De eso no hay duda. Y el mundo del arte, no escapa a esta triste realidad que afecta a todos. Se desconoce cuándo volverán a abrir los museos. 

La exposición, está rodeada de obras de tres grandes artistas: POMS, creador del espacio, Felipe Pantone y Nase Pop.  Se llama Galería Mi Mente, un espacio donde puede entrar quien quiera y cuando quiera.

https://www.instagram.com/galeria_mimente/?utm_source=ig_embed

“Se trata de un proyecto colaborativo, creado para poder exponer de manera virtual, para que todo el mundo pueda visitarla, a cualquier hora y desde cualquier lugar. Sin horarios y con muestras para siempre”, relata POMS.

“El futuro, o el presente en realidad, del mundo del arte y su lógica de funcionamiento tiene más que ver con el trabajo en equipo y lo colaborativo, más que con roles tan estancos“, cuenta Vic Tolomei, curadora y mucho más en esta galería. 

“Hacía tiempo que no curaba una muestra, (lo hice durante 5 años en la Fundación ICBC y después de manera independiente), y principalmente no lo hacía porque no encontraba mucho mi lugar. Me parece que esa propuesta tan dirigida a roles como “el curador”, “el artista”, ya fue, siento que el futuro va por otro lado, y un poco esta crisis viene a dejar en evidencia eso no?, como que el sistema artístico está caduco, como otros tantos sistemas”

“Así fue que le propuse a POMS fue que seamos un equipo donde incluso pensemos nuevos roles. Porque además si es una galería de arte virtual debería tener otra lógica y otra forma de relacionamiento y de pensar su propuesta de experiencia, y eso es en equipo. Esto es desde un programador, una persona a cargo de realidad aumentada, un curador, un retocador, un comunicador, un montón de roles que pueden participar de una exposición virtual”, dice Vic Tolomei.

La galería va a contar con la participación de artistas nacionales e internacionales, así como también de diferentes curadores y amantes del arte. Por ahora se va a ver solo por instagram, pero la idea es que también se pueda recorrer con realidad virtual.

La oportunidad que genera el espacio virtual para democratizar y hacer más accesible el arte. Un espacio que no tiene limitaciones ni restricciones, no tiene derecho de admisión, no tiene horarios, se puede ver cuando uno quiera, no tiene tiempo de duración, algo muy importante y diferente a la gran mayoría de las galerías de arte en el mundo.

Son dos manifestaciones o dos lenguajes que están un poco desconsiderados del circuito tradicional, ya que los museos o galerías no se han hecho mucho cargo de estos movimientos, no los terminan de validar. Y por otro lado son artistas que tienen una intención compartida, que es la de ocupar un espacio. En este caso, el Graffiti como espacio físico, como material, de un tren a un mural, y en el caso del arte digital, o los artistas que trabajan en territorios virtuales, es el de ocupar un espacio virtual, pero que también conserva la intención, recordando que este espacio también es público.

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[janlouise]

Coolest place in #lasvegas #neón #theneonmuseum #lights #vintage #art (at The Neon Museum) https://www.instagram.com/p/CDpLCtBBbA0/?igshid=12wa4qss5mucs

#lasvegas #neón #theneonmuseum #lights #vintage #art

[tratomaseliasgonzalezbenitez]

CAMDEN TOWN: EL BARRIO LONDINENSE MÁS CONOCIDO

Londres es muy grande e incluye monumentos y lugares de visita obligada. Uno de ellos es Camden Town. Su mercado es uno de los más famosos y alternativos. Te cuento más en este post.

¿Qué es Camden Town?

Es un barrio de Londres, ubicado en el centro de la ciudad. Es una parada obligada en tu viaje a la capital de Reino Unido. Perfecto para los apasionados de la música, el rock y el estilo alternativo. A mediados de los años setenta, los comerciantes abrieron los primeros puestos para convertirse, hoy en día, en el foco más ecléctico de Londres. Colores, extravagancia, graffitis…Camden lo tiene todo junto.

¿Qué hacer en Camden Town?

El mercado de Camden Town ofrece una gran variedad de actividades para todos los gustos. Ropa, bisutería, música, tatuajes, detalles de Londres, etc. Está formado por varios mercados. Los más importantes son Camden Market (ropa alternativa, joyería, accesorios); Stables Market (pintura, ropa, estatuas, antigüedades) y Camden Lock Market (textil y moda).

El nombre de Stables Market proviene del uso de los caballos en el trabajo diario de la época industrial. Fue una zona de establos y hospital ecuestre. En la actualidad, destaca la estatua de bronce de Amy Winehouse. La cantante vivió en el barrio.

Gracias a la multiculturalidad del mercado, puedes acceder a las comidas de todos los países. En restaurantes, bares, puestos móviles, soportales al aire libre… Funcional como un mercado, también puedes comprar alimentos de todo tipo.

El canal Regent es símbolo del mercado de Camden Town. Anteriormente, lo usaban las instalaciones y almacenes. Ahora es foco de turistas, y puedes disfrutar de sus tiendas y puesto de comida, alrededor de él. Su puente está lleno de visitantes haciéndose fotos.

En la tienda Cyberdog, tienes ropa, accesorios cibernéticos, juguetes eróticos…Todo ello ambientado entre luces de neón, dj’s y gogós.

También encontrarás diferentes puntos de salida nocturna, en bares, salas, pubs. Aunque no es muy recomendable la visita a estas horas.

El mercado de Camden Town es el lugar más famoso del barrio. Pero también puedes visitar la iglesia victoriana de St. Pancras; el teatro Roundhouse; la British Library, con numerosos manuscritos del British Museum; o caminar por Inverness Street, y disfrutar de los edificios y fachadas victorianas.

¿Qué día ir a Camden Town?

Reserva un día entero para visitar Camden Town. El mejor es domingo porque hay más ambiente.

El horario es de 10:00 a 18:00, los fines de semana. Entre semana, de 10:30 a 18:00. Hay establecimientos que extienden un poco más sus horas. La mejor opción de llegar es con la línea negra del metro y bajar en la parada de Camden Town Station.

Conclusión

Camden Town es el lugar turístico por excelencia de Londres. Recibe, al año, alrededor de cinco millones de visitas. Si tienes pensado un próximo viaje a la capital de Reino Unido, asegúrate de que Camden sea una parada obligatoria.

[femmetravel]

Yo me enamore completamente de esta ciudad, su ambiente es genial, las personas son muy amables y de mente abierta. Sus calles son hermosas puedes caminar por horas por toda la ciudad y maravillarte con sus edificios, calles, canales o entretenerte con los shows callejeros. Los museos en Amsterdam son impresionantes, hasta ahorita el Museo de Ana Frank y el de Van Gogh son mis favoritos y volvería a repetirlos una y otra vez. También es una excelente ciudad para salir de fiesta con tantos bares, antros¹ (boliche) y coffee shop o simplemente recorrer el barrio rojo con los amigos. Estuve 3 días en Amsterdam pero la verdad no fueron suficientes para conocer bien la ciudad y sus alrededores.

 ¹ Antro: es un nombre alternativo en algunos países de Hispanoamérica con el que se conoce a los grandes clubes nocturnos, discotecas, bares, table dance y otros, comunes del mundo desarrollado. Los antros son lugares donde los concurrentes pueden bailar, socializar o consumir bebidas alcohólicas y, en general, tienen el entretenimiento como objetivo.

¿Qué visitar en Amsterdam?

Dividiré que visitar en Amsterdam en 2 secciones,  la primera: el Amsterdam cultural: las cosas que pueden hacer las personas de todas las edades como museos, parques, actividades recreativas, y la segunda La Amsterdam para adultos: donde les hablare sobre las coffee shop, el barrio rojo, el ambiente gay, y  sobre donde me hospede.

Amsterdam Cultural.

¿Qué visitar en Amsterdam si te gustan los museos, las actividades tranquilas o vas con niños?

1.- Museo Casa de Ana Frank: Para los que no saben quien es Ana Frank , ella es una niña judía de 13 años que vivió la segunda guerra mundial. La historia empieza cuando Otto Frank el padre de Ana le regala un diario personal justo días antes de que los nazis llegaran a Amsterdam. Aquí Ana escribió como fue vivir en una casa escondida dentro de la empresa familiar junto con su familia y otra familia ( en total eran 8 personas), durante 2 años hasta que un día fueron delatados (hasta la fecha no se sabe quien los delató). Todos fueron llevados a los campos de concentración, incluyendo a 2 de las 4 personas que ayudaban a esconderlos. De los 8 solo sobrevivió Otto Frank, quien al terminar la guerra hizo todo lo posible para encontrar a su esposa e hijas pero ellas habían muerto. Así que Otto decidió hacer museo la casa donde se refugiaron y publicar el diario de su hija Ana para hacer conciencia en las personas y dedico el resto de su vida a luchar contra la discriminación y los prejuicios.

Ir a la casa de Ana  Frank es una oportunidad que no te puedes perder, y si no has leído el libro, léelo ya!. Estar en esta casa, ver todos los cuartos, recordar como vivieron estas personas por dos años, saber todo lo que padecieron, sufrieron, y de repente estar ahí es una experiencia que no se vive todos los días, haber leído el libro te hace comprender mejor todo lo que sufrieron las personas en el holocausto, es imposible no llorar ahí y por unos minutos te trasladas a 1942.

El primer diario no fue en el único donde escribió Ana, cuando este se lleno ella continuo escribiendo en libretas. ,La casa se encuentra vacía ya que la casa fue vaciada por orden de los nazis, cuando Otto Frank decidió hacerla museo, decidió que la casa permaneciera vacía. El vacío de la casa simboliza el vacío de millones de personas deportadas que nunca regresaron.  Aunque se encuentra vacia hay varias fotos sobre como era la casa con muebles y dentro de la casa esta prohibido tomar fotografías.

“Algún día esta horrible guerra había terminado, algún día volveremos a ser personas y no solamente judíos” Ana Frank,  11/Abril/1944.

2. Van Gogh Museum: Este museo se convirtió en uno de mis favoritos en todo el mundo, ya antes había visto pinturas de Van Gogh y escuchado  sobre la vida del pintor pero nunca como me lo mostró este museo.  No soy de rentar audioguias en los museos pero en este hice una excepción y fue la mejor opcion que pude haber tomado, la forma en que te trasporta a la historia de cada pintura y te explica cada trazo de ellas, y como te explica la vida del pintor es impresionante, después de esta visita Van Gogh termino siendo mi pintor favorito.

El museo cuenta con 3 plantas,  cada planta va en orden por como fue la trayectoria de Van Gogh como pintor hasta su muerte. El museo cuenta con más de 200 pinturas y más de 400 dibujos, aquí se encuentran la mayoría de sus grandes obras en todo el mundo. https://www.vangoghmuseum.nl/en/plan-your-visit/ticket-prices

3. El Rijksmuseum o Museo Nacional de Amsterdam:   El museo es un edificio asombroso, posee la más famosa colección de pinturas del Siglo de Oro holandés así como una rica colección de arte asiático y egipcio. Y afuera de él es donde se encuentran la famosa frase “I’m Amsterdam“.

4. Conocer Amsterdam y sus alrededores : Amsterdam es una ciudad muy fácil de recorrer, y puedes hacerlo ya sea caminando, en bicicleta o en crucero. Te recomiendo ir al barrio de Jordaan, visitar los parques de esta ciudad, beber una cerveza en un molino, o buscar una excursión a los pueblos cercanos, y si quieres visitar más museos  puedes ir a el Museo Marítimo Nacional, el Museo de los Trópicos, y el Foam.

Amsterdam para adultos.

Amsterdam es una ciudad muy “Open Mind” por su aprobación a la marihuana, su barrio rojo y su comunidad gay. Si te  gusta mucho el ambiente open mind, esta ciudad es perfecta para ti, pero hay unas cosas que tienes que saber antes de querer hacer cualquier actividad de estas.

1. Coffee Shop: No es difícil  encontrar una Coffe shop en Amstedarm o tiendas que vendan productos de Marihuana, (como dulces, pastelillos, condones, bongs etc.). Las hay por todas partes de la ciudad. En el barrio Rembrandtplein  encontraras varias Coffe Shop así como bares y antros, igual las encontraras cerca y en el barrio rojo.

La Marihuana y el Hashish son legales en los países bajos pero como turista no puedes consumirlo en todas las ciudades de los Paises bajos.

La Marihuana se vende en las famosas Coffee shop, solo te venden un máximo de 5 gr. por persona, no venden alcohol ni a menores de edad (-18 años).

 La posesión de más de 5 gr. puede interpretarse como uso comercial y conlleva una multa de hasta 3.500 €. La posesión de más de 30 gramos es un delito que acarrea una pena máxima de prisión de dos años y/o una multa de hasta 16.750 €.

Esta prohibido consumir marihuana en las calles y no aceptes drogas de vendedores ambulantes.

También podrás encontrar tiendas o vendedores que vendan tachas, hongos entre otras drogas pero esto es un delito y es bajo tu propio riesgo comprar ahí.

2. Fabrica de Cerveza Heineken: Es la primera fabrica de la marca construida en 1867, el museo es un recorrido sobre la historia de la cerveza y de la marca, así como su proceso de fabricación y  una degustación de la cerveza al final.

3. Comunidad Gay: Holanda fue el primer país del mundo en legalizar los matrimonios del mismo sexo en 2001. Por lo que la tolerancia con la comunidad gay permea casi todas las esquinas de la ciudad.  Si deseas más información puedes ir al Pink Point    que es el quiosco de información gay oficial de Ámsterdam, y está situado junto al monumento a los homosexuales en la Westermarkt.

4. Barrio Rojo:Este barrio es conocido por ser un sitio en el cual la prostitución es legal y expuesta en grandes aparadores. Te recomiendo ir en la noche ya que es cuando las luces de neón se prenden y puedes encontrar  más aparadores abiertos a la vista de los caminantes, Aunque este barrio esta lleno de  prostíbulos, coffe shops y el vicio total (Sexo, alcohol y drogas), es un barrio muy seguro en las noches.

 Te recuerdo Ellas/ellos son personas normales que alquilan el escaparate en el que trabajan y contribuyen con sus impuestos como cualquier trabajador holandés y esta prohibido tomarles fotos o molestarl@s, así que no querrás meterte en problemas.

Y lo más importante, si decides solicitar algún servicio con ellas no olvides usar protección,  ellas tienen tienen revisiones anuales pero eso no impide que puedan tener alguna enfermedad de transmisión sexual.

Mapa

Hospedaje

Yo me hospede en el Hotel Rembrand Square  se encuentra en una zona rodeada de bares, antros y Coffee shops, y cerca de estaciones por lo cual es fácil moverse en la ciudad. De hecho la foto de arriba de la Coffe shop es el hotel donde me hospede. Bajo de el se encuentra una Coffe shop por lo cual huele todo el día a marihuana. Mi hospedaje incluía desayunos, y es en el antro de alado (jamas había desayunado en  un Antro¹), en las mañanas ese antro se transforma en restaurante buffet del hotel para los huéspedes. Si buscas un ambiente más tranquilo, sin ruido en las noches, este hotel no es para ti.

ROBO DE PASAPORTES

Hay que tener mucho cuidado con el robo de pasaportes en Europa, en los últimos años a aumentado este tipo de robos debido a los problemas de inmigración que existen en el continente. A mi me ocurrió en dos ocasiones que personas completamente desconocidas se acercaron a nosotros para pedirnos nuestros pasaportes, una fue en mi ultimo día en parís, en la estación París Nord y la otra en Amsterdam.

Aquí en Amsterdam estábamos sentados en una banca de una plaza de la ciudad, habíamos estado caminando mucho y queríamos descansar antes de ir a nuestro próximo lugar. En la banca  había dos viejitas sentadas también, en eso observamos a un grupo de jóvenes todos se veían de origen europeo, pidiendo los pasaportes a todos los turistas que veían, obvio llego el momento que se nos acercaran y te dicen en ingles: “Hola, podrías prestarme tu pasaporte, es que entre mis amigos y yo estamos jugando a ver quien consigue más pasaportes, te lo devolvemos en un rato”  a lo cual yo respondí que no hablaba ingles y que no había entendido nada de lo que decía. Así que la chica se fue, toda frustrada por no poderse comunicar con nosotros por la barrera de idiomas. en eso las viejitas que estaban a lado y que se dieron cuenta de  todo nos dicen en ingles “Esta muy bien que no dieran sus pasaporte por que así se los roban, no le den su pasaporte a nadie” a lo que le di las gracias por sus recomendaciones y estuvimos un rato platicando con ellas en ingles, jajjaja…

AMSTERDAM: ¿Que visitar adultos & niños? Yo me enamore completamente de esta ciudad, su ambiente es genial, las personas son muy amables y de mente abierta.

[estudiodedecoracion]

Martino Gamper

Martino Gamper. Diseñador de productos, de interiores y comisiones únicas.

Martino Gamper (1971, Merano, Italia) vive y trabaja en Londres.

Martino Gamper, que creció en los Alpes italianos, comenzó cuando tenía 14 años como aprendiz de un ebanista en su ciudad natal de Merano.

Más tarde se inscribiría en dos escuelas de arte en Viena (una de ellas, la Academia de Bellas Artes de ésta ciudad), donde estudió escultura y diseño con Michelangelo Pistoletto.

Después, regresó a Italia para trabajar para un arquitecto, pero rápidamente descubrió que el mundo del diseño industrial era demasiado alienante.

Además explica, “Italia a mediados de los 90 estaba muerta. Todos los iconos del diseño legendario habían desaparecido“.

Gamper pensó entonces en Londres, ciudad que estaba llena de personalidades experimentales tan interesantes como Tom Dixon, o Ron Arad.

Martino Gamper se mudó a Londres en 1997 para estudiar en el Royal College of Art, donde en el año 2000 completó un Máster y donde también estudió con Ron Arad.

En el Royal College of Art forjó interesantes conexiones entre los diferentes departamentos y con miembros del naciente colectivo de diseño gráfico Åbäke, colaboradores habituales desde entonces.

La llegada de Gamper a Londres marcó el comienzo de un período creativamente expansivo para el diseñador.

Así desarrolló exposiciones emblemáticas como “100 sillas en 100 días” de 2007, donde re-configuró 100 sillas abandonadas que había rescatado de diferentes lugares durante un período de dos años.

O “En un estado de reparación“, Rinascente, Milán (2014), para el cual se invitó a la gente a traer sus artículos rotos, desde bicicletas hasta productos electrónicos, para que los reparara un grupo de artesanos que había seleccionado.

Gamper también ha sido anfitrión del proyecto “Trattoria al Cappello“, una serie de cenas de arte pop-up donde, con la ayuda de sus colegas, hace de todo, desde la comida hasta el mobiliario.

Desde el año 2004, ha ayudado a dirigir una pequeña editorial llamada Dent-De-Leon que produce monografías para amigos como Max Lamb, el diseñador de modas Peter Jensen o el artista Ryan Gander.

Interesado en el aspecto social del diseño de muebles, Martino Gamper usa materiales recuperados o reciclados y usa muebles para crear nuevos trabajos que reflejen este proceso.

Gamper tiene una comprensión profunda de la historia del diseño integrada en el proceso de creación. Él sabe que crear una articulación de una manera no es simplemente una opción práctica, sino que también está cargada de significado.

“Me gusta usar materiales de uso cotidiano en un contexto diferente para darles una nueva vida“, dice Gamper, que en la última década se ha hecho un nombre internacional al reutilizar materiales humildes y objetos no deseados, así como volver a re-interpretar piezas clásicas de iconos de diseño italiano, como Gio Ponti y Carlo Mollino, transformándolos en muebles híbridos y salvajes.

El diseñador reconoce que: “Nunca quise ser un diseñador industrial porque no me importan los múltiples“.

Sin embargo, Martino Gamper también trabaja a menudo con clientes que producen sus productos comerciales de forma masiva -muebles producidos en serie- como la firma italiana Moroso, para la que ha diseñado por ejemplo la silla apilable “St Mark” (2015), una silla simple que permitía a los cafés o restaurantes crear áreas de asientos interiores y exteriores con una estética unificada.

También ha hecho bolsas para la firma Valextra, o instalaciones para la firma de moda Prada, entre otras muchas colaboraciones.

El diseñador italiano está casado con la escultora neozelandesa Francis Upritchard, que suele colaborar con él en muchas de sus muestras y exposiciones.

La pareja se conoció después de que Upritchard viera un póster para el espectáculo de Gamper “Confronting the Chair” en el Design Museum de Londres en 2006 y decidió visitar su estudio.

En la casa del diseñador y su mujer en Londres hay numerosos ejemplos de su diseño de improvisación. El espacio es una antigua fábrica de impresión de siete mil pies cuadrados que Gamper y Upritchard han asumido en su totalidad con unos pocos amigos y dividido en cuartos de estar y de trabajo.

Upritchard, al igual que su esposo, se siente atraída por las extrañas paletas de colores alegres como los verdes de los años 70 y las naranjas de neón.

“Nunca me siento limitado por los materiales, las técnicas o el color en mi práctica“, dice el diseñador de muebles italiano.

Por ejemplo, en 2007, la galerista milanesa Nina Yashar (Galería Nilufar) encontró varias cabeceras y puertas de gabinetes diseñadas por Gio Ponti en un antiguo hotel en Sorrento.

Yashar no estaba segura de qué hacer con estas piezas, así que se los ofreció a Gamper, quien los transformó en aparadores gráficos y mesas que se parecen a caramelos de menta gigantes.

Martino Gamper, da así a los objetos no deseados nueva vida como muebles. “Admiraba que eran de Gio Ponti, pero también me gustaban el diseño y el material, y no solo que tuviera este prestigioso pedigrí“, dice.

En 2012, el espacio Pirelli HangarBicocca, espacio de arte contemporáneo de Milán, reunió los 60 años de éxito de la marca de diseño italiana Moroso, uniendo el mestizaje de referencias, edades, experiencias y culturas de las alianzas firmadas con nuevos talentos.

Así fue que la empresa fundada por la pareja Agostino y Diana Moroso en 1952 se convirtió en un nombre fuerte en el diseño de mobiliario, y al mismo tiempo catapultó la carrera de diseñadores como por ejemplo la española Patricia Urquiola, el israelí Ron Arad, o el italiano Massimo Iosa Ghini.

En la exposición “Metamorphosis. Behind, After or Beyond“, el diseñador y artista Martino Gamper propuso una nueva visión de la empresa (comandada hoy por los hermanos Roberto y Patrizia Moroso) desde una perspectiva muy particular, creando nuevas formas y prestando otras funciones a los muebles.

Entre las nuevas formas Martino Gamper concibió una serie de ocho piezas clásicas de Moroso, re-interpretadas para el 60 aniversario de la compañía.

Gamper hizo referencia a artículos de mobiliario de varios diseñadores conocidos, tomando elementos de una parte de la obra original y añadiéndola a otra, utilizando un tipo de collage físico para crear nuevos diseños.

Trabajando con el equipo de la fábrica de Udine, Gamper hibridó/manipuló las formas originales utilizando estructuras de espuma moldeadas sobre acero y estructuras de madera como un tema para unir los diferentes sofás, sillas y asientos, con un tejido de patchwork colorido.

Desde el principio de su carrera Martino Gamper se ha involucrado en una gran variedad de proyectos, desde diseño de exposiciones, diseño de interiores, comisiones únicas relacionadas con el arte y muebles personalizados, y el diseño de productos fabricados en serie para la vanguardia de la industria internacional del mueble.

Las estructuras experimentales se extienden desde las primeras investigaciones de Martino Gamper sobre la re-elaboración de muebles con proyectos como “Gio Ponti Translated by Martino Gamper“, Design Basel (2007); “100 sillas en 100 días“, 5 Cromwell Place, Londres (2007), y/o “Martino with Carlo Mollino” (2008).

Otras que destacan son: “Bench to Bench“, mobiliario urbano público en East London en colaboración con LTGDC (2011); “Gesamtkunsthandwerk” (Karl Fritsch, Martino Gamper y Francis Upritchard), Galería de Arte Govett-Brewster, Nueva Plymouth – Nueva Zelanda (2011); “Bench Years“, comisión del London Design Festival, Victoria & Albert Museum, Londres (2012).

“Tu casa, mi casa“, The Modern Institute, Glasgow (2013); “Sala de Periodos“, Palais de Tokyo, Paris (2013); “El diseño es un estado mental“, Serpentine Sackler Gallery, Londres (2014); “Transformers“, MAXXI, Roma (2016); “Below Stairs“, Museo Sir John Soane, Londres, Reino Unido (2016); “Middle Chair“, The Modern Institute en Pollock House, Glasgow (2017).

Martino Gamper ha sido galardonado con el Brit Insurance Designs of the Year, ganador del premio Furniture (Muebles) 2008 por su proyecto “100 sillas en 100 días“; el Wallpaper, Premio al mejor alquimista (2008), o el Premio Moroso de Arte Contemporáneo en 2011.

Martino Gamper (pág. web).

Fuente: (New York Times).

Martino Gamper y una de las ocho piezas de la colección “Metamorfosi” (2012) para el 60 aniversario de Moroso.

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