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natlacentral · 8 days

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DALLAS LIU THRIVES UNDER PRESSURE

Few franchises have captured the imaginations of a generation as wholly as Nickelodeon's iconic Avatar: The Last Airbender, which ran for three seasons during the mid-2000s. Fewer still have demonstrated the series' ability to cross generational divides and maintain a lasting impact on the cultural psyche while continuing to enthrall successive generations as a touchstone of youth-oriented animation. Often regarded as one of the greatest narratives in television history, the show has spawned a massive and dedicated fanbase whose ethical boundaries have been imprinted by the mature yet sensitively portrayed moral quandaries presented therein. The world of Avatar draws upon Asian and Indigenous spiritual practices and traditional martial arts to construct an alternate reality where four nations, each attuned to one of the four elements (water, earth, fire, air), are home to different “bending” abilities—portions of their respective populations are connected to and able to control the element of their nation. The Avatar, capable of bending all four elements and serving as the human manifestation of spiritual light and peace, is tasked with maintaining balance between the nations and the spirit world as well as nurturing prosperity and peace. In its massive scope, the show touches upon a slew of issues including diplomacy, genocide, social responsibility, cultural conflict, ecology, and parental abuse—heavy material for a kids' show.

Given the entertainment industry’s recent streak of adaptations and reboots, it is no wonder that Netflix tuned in to the incredible demand for more Avatar. With the last attempt at live-action adaptation remembered as an unequivocal disappointment—the M. Night Shyamalan-directed 2010 film whiffed on its whitewashed casting and soulless direction—devoted fans followed the casting and production of the new miniseries closely in hopes for a vision truer to form. In the months leading up to the show’s release, conversation picked up immensely. The official trailer racked up over ten million views on YouTube and nearly two hundred thousand shares on Instagram alone, leaving the internet abuzz.

Avatar: The Last Airbender notably features an ensemble of characters who span across generations and the live-action casting follows suit (Gordon Cormier, portraying lead protagonist Aang, is only fourteen). Until now, Dallas Liu—who portrays the banished Crown Prince Zuko of the Fire Nation—had been used to being one of the youngest on any project. His first role was in the 2009 martial arts film Tekken, released when he was only eight years old, and until now he was best known as Shuji, the older brother of Maya Erskine's seventh-grader in Pen15. “Most of the time when I'm going on set, I'm the most inexperienced person. I take the role of a student and try to pick everyone's brain and take in as much knowledge and wisdom as possible,” Liu points out. Now twenty-two years old, he found himself asking while filming Avatar, “‘How can I also be a leader [to the younger actors]?’ [I was] trying to mentor them to become professionals and how to handle themselves on set. I feel lucky enough for them to have let me into their hearts and allow me to take this role of an older sibling they can rely on.”

Although older than many of his fellow leads, Liu also had the opportunity to draw upon decades of experience through multiple seasoned actors in the ensemble, particularly scene partners Daniel Dae Kim (Zuko's father Ozai), Ken Leung (antagonist Commander Zhao) and Paul Sun-Hyung Lee (Zuko's uncle Iroh). While filming, Liu found the older cast members to not only be sources of wisdom but also grounded peers. “Those guys had set the bar for me in terms of what kind of person I wanted to be on set,” he recalls. “It wasn't like people [had to look] up to them. [They] all created an interesting environment where everyone was equal. That's the way it should always be. I think the way people felt valued by them was something I really wanted. I want to be like that, that's a real leader.”

When the show's cast was announced, many viewers were particularly interested in Liu's selection as fan favorite Zuko, an embattled and exiled warrior prince hunting down the titular Avatar in hopes of reconciling with his cold-hearted, world-conquering father, the authoritarian imperialist monarch Fire Lord Ozai. Zuko's character development drives much of the plot of the story, tracing a redemption arc parallel to his coming-of-age in a high-pressure, war-torn environment. Liu's portrayal is pivotal in bringing the story to the franchise's new format and charting a course from brutal angst to principled compassion. The conjunction of the show's immense hype and Zuko's plot-driving character arc resulted in a unique strain of pressure for Liu, himself an avid follower of the original series, in assuming the role.

“The first thing that I ever remember seeing of The Last Airbender was Zuko training on his boat with Iroh. I fell in love with the show,” Liu recalls. “It was one of the reasons I ended up taking part in martial arts,” which he practiced competitively throughout his childhood and led to his acting career after he was referred to audition for Tekken by one of his instructors.

As he considered the scope of responsibility in portraying Zuko and how to apply his own idiosyncrasies to the character, Liu turned to Dante Basco, the original voice actor. Basco, aware Liu had been inspired by the initial show in his youth, encouraged his younger counterpart to embrace the differences between live-action and cartoon animation. “Dante had certainly set a high bar. Instead of trying to match him, try to surpass it, [we] talked about it,” Liu recalls. “He said, ‘What you're going to do is different. By all means, you have your own experience of Zuko from your childhood as well.’”

Liu's precise training and familiarity with action and combat have played a key role in his acting career, as he has joined franchises such as Tekken, Mortal Kombat, and Marvel's Cinematic Universe in Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings. Elemental bending is a central component of the world of Avatar, requiring the actors to study several different fighting styles. “They had us learn every single bending style to really differentiate,” Liu says. “We had an understanding so that on the day, they could make a certain shot work and we had to come up with something on our own.” The collaborative nature of the stunt work allowed Liu ample opportunity to impart his expertise to the other cast members. “We were in this boot camp,” he adds. “Helping the kids out, I was having a blast—just hanging out and kicking it because that stuff is like second nature to me.”

That blending of acting and martial arts in Avatar required Liu to reflect on the mortal nature of some of the circumstances in which Zuko finds himself. “You're going to do whatever it takes to come out of that situation,” he notes of some particularly perilous moments that he believes are more impactful in the live version. “I incorporated that into the fight scenes. Even the stunt team was willing to let me have some creative input.” At one point near the end of the season, for example, Commander Zhao tricks Zuko into boarding a boat rigged with explosives, causing Iroh and the rest of their naval forces to believe him dead. In the finale, their conflict comes to a head in a battle to the death; as Zuko is rocked by a revelation from Zhao, the commander goes for the kill. “In the animation, people forget,” Liu adds. “This is a life or death situation!”

If you ask Liu, he and Zuko share a proclivity for absorption in their endeavors. “It's almost two-and-a-half years since we started shooting the show. I've definitely grown more as a person, and when I was growing as a person, that also developed my acting,” the actor notes. “I was like, ‘I'm going to come into work, I'm going to stay focused.’ It wasn't because I didn't like anyone, it was because I was scared of getting distracted. I understood the responsibility and the pressure that came with doing this.”

Avatar: The Last Airbender is now streaming on Netflix.

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healthiffy · 5 months

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Mr and Mrs smith (2024): Release Date, Cast, Trailer, Plot, where to watch?

When it comes to seamlessly amalgamating espionage and romance, few stories can rival the success of Mr and Mrs Smith. This 2005 action-comedy, penned by Simon Kinberg, captivated audiences with the tale of a married couple realizing their shared double lives as spies working for rival agencies. With its simple yet enthralling premise, the movie delighted viewers with a blend of thrilling action and intoxicating allure. Now, after 18 years, this iconic film is being reborn as a remarkable TV series, set to stream exclusively on Amazon Prime Video.

Table of Contents

Mr and Mrs smith Release Date?

Mr and Mrs smith cast?

Mr and Mrs smith Trailer?

Mr and Mrs smith Plot?

where to watch Mr and Mrs smith?

Mr and Mrs smith Release Date?

The highly anticipated Mr and Mrs Smith series will debut on Prime Video on February 2, 2024, inviting viewers into a world teeming with danger, intrigue, and passions running high.

Mr and Mrs smith cast?

Headlining the Mr and Mrs Smith series are the talented Donald Glover as John Smith and Maya Erskine as Jane Smith. Glover, a multifaceted actor, comedian, writer, and producer, brings his immense creative prowess to the table, building on the success of his hit show Atlanta and other ventures such as Swarm. Erskine, an accomplished actress, writer, and producer, acclaimed for her comedy series Pen15 and her breakout role in the rom-com Plus One, proves to be a perfect counterpart to Glover’s charisma. Additionally, the series has enlisted the talents of Michaela Coel, Paul Dano, John Turturro, Parker Posey, and Wagner Moura, with their roles remaining securely under wraps.

Mr and Mrs smith Trailer?

While an official trailer for the series is yet to be released, Amazon Prime Video offered a thrilling glimpse into the show in a sizzle reel featured during Prime Day on July 13. The tantalizing footage showcased the chemistry between Donald Glover and Maya Erskine as the eponymous couple, blending moments of civility with high-octane action sequences, where guns and running were abundant.

Mr and Mrs smith Plot?

The Mr and Mrs Smith series represents a reboot and adaptation of the original 2005 action film that starred Angelina Jolie and Brad Pitt. Before reaching this point, the story had already been explored in a short-lived 1996 TV series and an ill-fated 2007 pilot meant to serve as a continuation of the film. Across all iterations, the central theme revolves around a married couple leading a dual life: as domestic partners and skilled assassins. It is only when their respective missions demand one to eliminate the other that they uncover the truth about their spouse’s secret identity. The allure of Mr and Mrs Smith lies not only in its espionage-laced action, but also in the complexities of a romance forced to navigate a treacherous terrain of honesty and deception.

Although differences exist between this new interpretation and the 2005 film, the series harbors a deep reverence for the essence of the original story. By diligently capturing the fusion of action and twisted romance, the combination of Glover and Erskine in the lead roles sets high expectations for a faithful homage to the source material.

where to watch Mr and Mrs smith?

Through a preexisting deal with Amazon in 2021, the Mr and Mrs Smith series will exclusively stream on Amazon Prime Video. This partnership, which previously produced Glover’s other series, Swarm, released in early 2023, solidified the show undeniable connection with the renowned streaming platform.

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shamurph · 6 years

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MAYA ERSKINE in INSECURE

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mesheelynn · 3 years

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pauline-lewis · 3 years

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Calendrier de l’avent bilan - 2020

Parce que cette année j’en ai le temps et l’envie je lance un petit calendrier de l'avent qui fera aussi un peu office de bilan. L'idée c'est de parler, sans pression, d'une œuvre que j'ai aimée cette année. Film/série/livre/musique. Inspirée par le hashtag #choisirlesfemmes qui circulait suite à la polémique liée au "Génie Lesbien" d'Alice Coffin, je n'ai choisi que des œuvres réalisées par des femmes et personnes non-binaires. D'ailleurs je ne sais même pas si c'est vraiment un choix puisque cela fait partie de mon quotidien depuis quelques années de leur donner plus de place sur mes écrans et sur mes étagères. Parce que depuis le jour où j'ai intégré la fac de Paris 10 et que mes profs de littérature et ma lecture obsessionnelle de "The Bell Jar" de Sylvia Plath ont mis des mots sur toute cette rage sous-jacente, j'ai eu la chance, moi qui ne m'étais jamais reconnue dans la féminité, de me reconnaître dans le féminisme. Et quelle joie ! L’article sera mis à jour tous les jours par ici !

Jour 1 - La captive, Chantal Akerman (2000)

Lorsque le premier confinement a été annoncé, nous avons commencé avec Aurore à regarder des films français (et francophones) réalisés par des femmes pour faire notre petit zine "Ce n'est pas joyeux mais c'est vivant". C'était chouette de voir ces films à distance, dans un moment où nous étions un peu perdues, et de les débriefer, de faire chacune quelque chose autour et de voir pourquoi ils nous touchaient. Nous avons choisi La captive de la réalisatrice belge Chantal Akerman parce que j'avais vu une autrice que j'aime beaucoup le conseiller sur Twitter (Jakuta Alikavazovic), que j'aimais l'affiche ET que je nourris une passion àlavieàlamort pour l'œuvre de Proust.

Je ne le dis même pas par pédantisme mais bien parce que la lecture de la Recherche s'est imprimée très profondément en moi : à la fois les mots en eux-mêmes et le souvenir de la lecture. Je peux repartir chercher dans ma mémoire ce que je ressentais à chaque tome. La Captive" s'inspire de La Prisonnière, un de mes préférés. Le film explore la jalousie de Simon (Stanislas Merhar) et son idéalisation de la vie d'Ariane (Sylvie Testud). Chantal Akerman disait que la seule manière d'adapter Proust c'était de partir de son souvenir de l'œuvre. C'est peut-être pour ça que, exactement comme La Recherche, La Captive m'a laissé des sensations et s'est mêlé aux angoisses du moment. La moiteur de la salle de bain, les couleurs de la nuit, les phares de la voiture, les regards complices devant l'horizon infini de la mer. Des émotions qui flottent encore en moi, huit mois plus tard.

Jour 2 - Plutôt couler en beauté que flotter sans grâce, Corinne Morel Darleux (éditions Libertalia)

Pendant le premier confinement j'ai lu ce petit essai (je dis petit parce qu'il est court, mais pas du tout parce qu'il n'est pas important) de Corinne Morel Darleux qui parle d'écologie et qui offre de nombreuses réflexions poétiques et politiques sur l'état de la planète. C'est un livre qui ne culpabilise pas, qui ne vous fait pas croire que vous allez sauver la planète en achetant vos lentilles en vrac à la biocoop, mais qui donne par contre vraiment envie d'agir et de s'organiser (ce que je n'ai pas encore fait, mind you). Ce qui m'a particulièrement touchée dans son essai c'est la manière dont elle fait appel à de nombreuses références littéraires et artistiques, de Romain Gary aux lucioles de Pier Paolo Pasolini. En plein confinement j'ai eu la chance de l'interviewer pour la newsletter interview de Women Who Do Stuff !

Jour 3 - Yentl, Barbra Streisand (1983)

Fin 2019 j'ai regardé Funny Girl et j'ai développé une petite obsession pour Barbra Streisand. Avant de voir le film, je ne savais pas grand chose de Barbra, j'imagine que j'avais d'elle une image de diva capricieuse. Depuis, je l'adore et je pense qu'elle est bien plus que tous les clichés qui lui collent aux baskets. Je me suis lancée dans un petit marathon, avec de vraiment belles découvertes (The Way We Were de Sydney Pollack notamment, elle n'y chante pas mais elle y est merveilleuse) et notamment Yentl qu’elle a réalisé. Il s'agit d'une adaptation de la nouvelle du même nom d'Isaac Bashevis Singer (il n'a d'ailleurs pas du tout apprécié le film). Il raconte l'histoire d'une jeune femme juive qui refuse d'être une femme au foyer. Son père, en lui enseignant en secret le Talmud, lui a donné envie d'être, elle aussi, une intellectuelle, de s'éduquer et de réfléchir au sens de la vie. Elle décide donc de se déguiser en homme et d'intégrer une école religieuse normalement interdite aux femmes. Tout le film réfléchit aux opportunités que l'on ferme aux femmes, au désir d'émancipation et aussi, un peu, au sens de la vie. S'y mêle toutes sortes de quiproquos amoureux ET la musique du one and only Michel Legrand. Name a more iconic duo.

Jour 4 - Atlantique (soundtrack), Fatima Al Qadiri (2019)

Ma découverte cette année du très beau film de Mati Diop Atlantique (oui j'étais un peu en retard) m'a permis de décrocher un peu de mon obsession pour la bande originale de Jackie composée par Mica Levi. Une obsession qui dure depuis quatre ans, ça fait long. Bref, je ne vous apprends pas que le milieu de la bande originale de film est très masculin. En juin 2020, un groupe de compositrices de musique de films a d'ailleurs poussé un coup de gueule après avoir appris qu'une seule femme figurait parmi les 28 nommés au prix UCMF (Union des compositeurs de musiques de films).

Il se trouve que la BO d’Atlantique, l'objet de l'obsession dont je voulais parler aujourd'hui, est particulièrement sublime et qu'elle a été composée par une femme. Fatima Al Qadiri, compositrice et productrice de musique éléctronique koweïtienne, qui a su capter quelque chose de l'ambiance étrange du film et du ressac de la mer. Une mer aussi belle qu'inquiétante, sur laquelle viennent se refléter les sentiments les plus complexes. Cette BO est une merveille qui a tourné en boucle dans mon casque toute l'année, tandis que j'étais moi-même hantée par le danger, l'incertitude et une forme insidieuse de résignation.

Jour 5 - PEN15 saison 2 (2020)

L'année dernière la série PEN15, co-crée par Anna Klonke et Maya Erskine était très très haute dans mon bilan de l'année, toutes catégories confondues. Elle m'avait complètement éblouie par son humour décapant mais aussi par sa force émotionnelle. Chaque épisode était une petite bombe qui me faisait remonter des tonnes de souvenirs du collège, douloureux ou non. Jusqu'à cette scène euphorisante sur Dreams des Cranberries qui me rappelait les heures heureuses où j'étais amie avec la fille du gérant du Shopi de Concarneau qui était beaucoup plus cool que moi et qu'on courait dans la réserve comme s'il n'y avait pas de lendemains. J'ai retardé sans cesse le moment de regarder la saison 2 de PEN15 parce que j'avais super peur d'être déçue, comme si Anna et Maya étaient désormais mes amies à la vie à la mort.

Mais je n'aurais jamais dû douter d'elles : cette nouvelle saison est une merveille, notamment dans la manière qu'elle a de raconter les relations mères-filles (d'Anna et de Maya). Ça parle avec beaucoup de subtilité de jalousie, de slut-shaming, de harcèlement, de la douleur de se rendre compte de qui on est et de ne pas être sûre d'être okay. Elle est encore plus poignante que la saison 1 je crois.

En tous cas elle est superbement écrite et je ne peux que vous conseiller de vous lancer dans un marathon si vous l'avez ratée jusqu'ici (elle est visible sur Canal+ !), ce qui devrait rendre votre fin d'année 300% plus cool selon mes calculs scientifiques. J’avais écrit dessus pour Retard si ça vous dit !

Jour 6 - Wanda, Barbara Loden (1970)

J'ai déjà parlé sur Instagram de Wanda de Barbara Loden, qui a été une belle découverte pour moi cette année. Je dis "belle" mais le visionnage de ce film a été aussi assez douloureux, parce que je trouve qu'il raconte vraiment quelque chose de la violence des hommes. Et j'ai eu depuis des conversations sur la passivité du personnage, sa manière de subir. C'est dur de voir l'image d'un personnage qui a un peu abandonné, qui semble complètement seule. Aussi cela semble contraire à ce que l'on veut aujourd'hui revendiquer dans un certain féminisme : les récits de l'empowerment individuel ou collectif, des "femmes puissantes". Oui mais il y a aussi des femmes qui restent, qui ne peuvent pas partir, qui sont coincées. Il faut aussi raconter leurs histoires. C'est ce que fait Wanda avec une force qui est restée me hanter des jours et des jours et des jours. Il m'a d'abord laissée dans une forme de torpeur avant d'infuser en moi sur le long cours. L'effet que me font les meilleurs films, imho.

Jour 7 - The Watermelon Woman, Cheryl Dunye (1996)

J'ai aussi déjà parlé plusieurs fois de The Watermelon Woman de Cheryl Dunye mais c’est un film sur lequel je suis revenue plusieurs fois cette année, j’y ai beaucoup pensé. C'est une sorte de mockumentary dans lequel une jeune femme, interprétée par Dunye, part sur les traces d'une actrice noire. À force de la voir dans de nombreux films des années 30, sans jamais voir son nom au générique, l’héroïne se demande : mais qui est cette femme ? Pourquoi a-t-elle été sans cesse invisibilisée ? Cette recherche lui permet de réfléchir aux rôles stéréotypés que cette actrice a été obligée d'interpréter et à sa propre relation amoureuse avec une femme blanche. Elle y intègre aussi une histoire d'amitié complexe.

Le film explore vraiment son identité de femme lesbienne noire et la manière dont elle se reconnaît ou non dans l'histoire du cinéma, il mêle sans cesse les trajectoires individuelles et collectives. Alors Cheryl se demande : n'est-il pas temps qu'elle invente ses propres récits ? Comment le faire dans un milieu culturel très blanc ? Le film est tour à tour drôle et émouvant et il est vraiment porté par le charisme et l’énergie formidable de Dunye.

Jour 8 - L’une chante, l’autre pas, Agnès Varda (1977)

Vous reprendrez bien un peu de ma théorie préférée : les-films-arrivent-au-moment-où-on-a-besoin-d'eux ? Ça faisait quelques temps que L'une chante, l'autre pas d'Agnès Varda était sur ma liste de films à voir absolument, parce que plusieurs personnes m'avaient indiqué qu'il se situait au carrefour de tout ce que j'aime : la comédie musicale, le féminisme et les amitiés fortes. Et pourtant j'ai attendu d'être au cœur du mal, dans le ventre mou du confinement, pour enfin voir ce film. Grand bien m'en a fait puisqu'il a vraiment insufflé quelque chose de joyeux en moi avec ses couleurs vives et ses chants de femmes. Il a aussi concrétisé une envie que j'avais depuis quelques temps et m'a donné le courage pour me dire que je pouvais y arriver (et avec moi ce n'est : jamais gagné, merci Agnès).

Il m'a rappelé le bonheur d'avoir des amies, d'écrire, la manière dont en racontant sa vie personnelle on raconte un peu du monde. J'ai toujours écrit des lettres dans ma tête, quand je marche dans la rue, et ça m'a vraiment bouleversée de voir ce même procédé dans le film comme si d'un coup j'étais un peu moins seule. Et ce film m'a surtout fait penser à toutes les personnes avec qui l'on a des relations en pointillés qui n'en sont pas moins précieuses, ces personnes dont on colle les carte-postales un peu partout dans l'appartement en attendant de futures retrouvailles. Bref ce film a rempli mon cœur comme peu de films ont su le faire à cette période et j'avais besoin de lui pour que quelque chose en moi se débloque et fasse un petit "clic !".

Ça parle du corps des femmes, d'avortement, de faire entendre ses droits, de se battre mais surtout de la douceur de l'amitié et des mots que l'on se dit les unes aux autres et qui guérissent et qui réparent et qui donnent envie, peut-être, de croire un peu en soi.

Jour 9 - L’autre moitié de soi, Brit Bennett (éditions Autrement)

J'aime particulièrement Brit Bennett, déjà parce qu'elle est brillante, mais aussi parce que c'est l'une des personnes que j'ai préféré interviewer ces dernières années, à un des énièmes moments où je me questionnais sur mon envie d’être journaliste. Je l'ai rencontrée à la rentrée 2016 pour Le cœur battant de nos mères et je me souviens de ma panique au moment de la dernière question quand je me suis souvenue cinq minutes avant la fin qu'à force de décortiquer le livre avec elle j'avais complètement oublié de lui poser une question sur l'élection de Trump et que je me suis dit que j’étais la pire journaliste (tout simplement).

J'attendais donc beaucoup de ce second roman, que je ne suis pas loin de trouver encore plus beau et plus fort que le premier. Brit Bennett y raconte l'histoire de deux jumelles et des trajectoires très différentes que leurs vies vont prendre. C'est une étude très fine et profonde de la société américaine, ça parle de colorisme et d'être une femme noire aux États-Unis au fil des décennies. Mais ce que je préfère chez Brit Bennett c'est vraiment l'empathie incroyable avec laquelle elle écrit, sa manière de creuser chaque personnage, de leur donner une chance d'être pleinement qui iels sont, dans toute leur complexité.

Quand on avait discuté en 2016 je lui avais dit en rigolant que j'étais en colère en lisant Le cœur battant de nos mères d'être aussi émue par le personnage masculin, qui avait pourtant typiquement le genre de discours qui m'irrite irl. Mais voilà le genre de romancières qu'elle est et j'ai vraiment hâte de lire ce qu'elle écrira par la suite. J'ai mis la couverture en anglais (parce que je l'ai lu en anglais) mais le roman est paru en français aux éditions Autrement, dans une traduction de Karine Lalechère. En en petit bonus voilà l'interview que j'ai menée avec Brit Bennett (par mail cette fois) en août dernier et qui est parue dans la newsletter de Women who do stuff !

Jour 10 - Betty, Tiffany McDaniel (éditions Gallmeister)

Quand je travaille sur la rentrée littéraire, je lis beaucoup de livres à la suite. C'est un exercice que j'aime bien, une sorte de sprint de lecture. Je choisis ce sur quoi je vais écrire, et parmi cette sélection quelques romans surnagent vraiment. Je ne sais pas si ce sont forcément les *meilleurs romans*, je n'ai pas l'égo de penser que j'ai des goûts supérieurs à quiconque, mais ce sont ceux qui m'ont bousculée profondément. C'est ceux dont je vais parler ailleurs et plus tard, avec mes phrases à la première personne et pas mes mots de journaliste.

J'ai vécu avec l'héroïne de Betty une expérience très forte. Je me vois encore assise sur mon fauteuil rouge ne pas réussir à lâcher ce livre très dur dans lequel la poésie est brutale. Elle déchire le roman, elle force le passage. Betty est rempli des particularités de son héroïne (née d'un père cherokee, victime du racisme, confrontée aux violences sexuelles et à la précarité) mais quand son histoire a atterri en moi j'ai trouvé qu'elle racontait tout simplement ce que cela fait d'être une adolescence puis une femme. C'est aussi un roman très puissant sur la façon dont la beauté essaie de se frayer un chemin à travers la laideur - parfois c'est formidable et parfois ça fait un mélange indigeste que Betty a simplement envie de vomir.

Je ne saurais pas dire pourquoi Betty, plutôt qu'une autre, a su me tirer le bras si puissamment, pourquoi mes yeux sont devenus les siens et ses souffrances sont devenus les miennes et pourquoi j'ai oublié qui j'étais pour vivre ce qu'elle vivait et m'initier une nouvelle fois à cet univers étrange dans lequel nous vivons. Mais en tous cas quand la littérature me fait ça, j'ai tendance à me dire que je suis face à un roman que je ne suis pas prête d'oublier.

Paru aux éditions Gallmeister, traduit par François Happe

Jour 10 - Travolta et moi, Patricia Mazuy (1993)

Travolta et moi n'est pas vraiment un film, c'est un téléfilm qui a été réalisé par Patricia Mazuy pour Arte. J'ai toujours eu une passion pour les films et livres qui traitent de l'adolescence parce que c'est une période de ma vie où je n'ai pratiquement rien vécu et qui pourtant m'a laissé des souvenirs infinis. L’adolescence a scellé plein de choses en moi : ma capacité à tourner en boucle, mon obsession pour la fiction et une certaine fragilité que, selon les jours, je chéris ou je hais. Sur ma veste, d'ailleurs, j'ai un pin's qui dit : "Relentless adolescence".

Travolta et moi c'est justement le récit de tout cela. L'histoire d'une adolescente que ses parents laissent gérer leur boulangerie un jour comme un autre et qui va se mettre à tourner en boucle. En boucle sur le garçon qu'elle a croisé dans le bus, en boucle sur John Travolta, en boucle sur les Bee Gees, en boucle sur cette rage adolescente tellement difficile à sortir de soi. Je crois que c'est l'un des films vus cette année qui m'a laissé le plus d'images, imprimées en moi à tout jamais : le regard de braise de Leslie Azzoulai, le froid de la patinoire, les corps qui tournoient qui se trouvent et se séparent. Jusqu'à cette scène finale qui m'a frappée le visage comme le premier matin froid de l'hiver.

J'ai souvent pensé qu'on ne représentait pas assez les adolescentes comme elles sont dans la fiction. Travolta et moi le fait, c'est le portrait tellement juste d'un âge absurde où l'on vit tellement profondément à l'intérieur de soi que presque tout fait mal. Aujourd'hui, j'ai beaucoup de tendresse et même d'admiration pour mes obsessions adolescentes. Je vous mets en visuel la superbe affiche d’Aurore qui, je crois, était ma préférée du zine.

Jour 12 - Les abysses, Rivers Solomon (éditions Aux Forges de Vulcain)

River Solomon est clairement l'un·e de mes auteurice contemporain·e préféré·e. L'année dernière au moment de la rentrée littéraire j'ai vraiment pris une claque avec L'incivilité des fantômes, un roman de science fiction extrêmement brillant, très politique, qui parlait du désastre économique et écologique et de lutte des classes.

Je me souviens avoir été très impressionnée de rencontrer Rivers Solomon dans une salle de la maison de la poésie. Nous avions parlé longtemps et j'avais trouvé que c'était l'une des personnes les plus passionnantes que j'avais pu rencontrer jusque là. Sa prose est un mélange vraiment savant d'un regard politique très affuté, de réflexions sur le genre et d'une vraie capacité à faire émerger la poésie au moment où on l’attend le moins. Iel construit des mondes d'une complexité infinie et s’approprie vraiment la littérature pour parler de sujets encore trop peu explorés.

Les Abysses est un roman plus court que L'incivilité des fantômes mais tout aussi réussi. Solomon y parle d'identité et surtout de mémoire, individuelle et collective, en explorant l’héritage de l'esclavage. Avance-t-on mieux en lui faisant une place ou en l'oubliant sans cesse ? Comment composer avec les injustices et les crimes dont ses ancêtres ont été les victimes ? Il y a beaucoup de beauté, aussi, dans ce questionnement douloureux. Et en bonus je vous linke un article que j'ai écrit pour Cheek sur la traduction dans lequel j'interroge notamment le traducteur des Abysses, Francis Guèvremont.

Paru aux éditions Aux Forges de Vulcain, traduit par Francis Guèvremont

Jour 13 - Olivia, Jacqueline Audry (1951)

Quand on a travaillé sur notre zine avec Aurore (désolée d'en parler autant mais je crois bien que, avec le numéro 2 du magazine Women Who Do Stuff c'est bien la chose qui m'a apporté le plus de joie cette année), je me suis rendue compte du nombre de cinéastes dont j'ignorais tout. Du nombre de femmes dont l'existence et les films m'avaient complètement échappée. Parfois par ma faute (parce que je n'avais pas su aller à la rencontre de leur œuvre) et souvent parce qu'elles sont oubliées, invisibilisées. Absentes des rétrospectives, des diffusions à la télévision, des livres. Peut-être que c'est pour cela qu'on a autant parlé (dans mes cercles Twitteriens) de ce très beau film de Jacqueline Audry, Olivia et de sa diffusion sur Arte. Un huis clos lesbien qui se passe dans une école pour jeunes filles.

Tout comme Travolta et moi, Olivia parle de cristallisation émotionnelle, d'obsession et de tous les liens qui se nouent entre professeures et élèves. Olivia tait beaucoup de choses à l'écran mais la majorité des messages du film passent par les sensations, la sensualité qui déborde du cadre. Dans son très beau discours aux assises pour l'égalité, la parité et la diversité dans le cinéma et l'audiovisuel, Agnès Jaoui a expliqué avoir regardé ce film avec un homme très cinéphile qui s'est endormi au bout de cinq minutes.

Jacqueline Audry a réalisé seize films et deux séries. Pourquoi ne connaît-on toujours pas son nom ?

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Jour 14 - Glass Town, Isabel Greenberg (éditions Jonathan Cape)

Je suis très triste que Glass Town ne soit toujours pas traduite en français parce que je crois bien qu'Isabel Greenberg est l'une de mes autrices de BD préférées et je trouve qu'elle mérite qu'on lise ses livres partout dans le monde. Elle a cette capacité à inventer des contes féministes et enchanteurs. Son imagination me semble sans limite et son dessin me bouleverse. Évidemment quand j'ai appris qu'elle allait travailler sur les mondes imaginaires des sœurs (et frère) Brontë, Glass Town, Gondal et Angria, j'étais plus qu'enthousiaste. Et le résultat est une pure merveille. Il ne s'agit pas d'un travail biographique, même si Greenberg dresse des ponts entre l'imaginaire et la réalité.

Ce livre raconte toutes les façons dont la fiction peut sauver nos vies, en aidant à surmonter un deuil ou en nous apprenant à comprendre le monde qui nous entoure et à l’accepter (utile, en 2020). La fratrie Brontë se réfugie dans ce monde inventé où ils peuvent exercer une forme de contrôle qu’ils n’ont absolument pas dans cette réalité cruelle qui leur file entre les doigts. Le style inventif et vif de Greenberg fait vivre sur les pages la démesure de Glass Town et son immense talent de conteuse lui permet de passer du monde réel au monde inventé avec beaucoup de dextérité, en explorant l'imaginaire dans tout ce qu'il a de merveilleux et de triste. Elle nous embarque de la première à la dernière page. Si vous aimez la littérature et que vous lisez l'anglais offrez vous Glass Town !

Jour 15 - Le jour où le désert est entré dans la ville, Guka Han (éditions Verdier)

Je crois qu'il s'agit de l'un des premiers livres que j'ai lus cette année. Peut-être que je pressentais que cette année allait être particulièrement merdique, en tous cas en janvier j'ai enchaîné une ou deux semaines d'insomnie à lire la rentrée littéraire sur le canapé-lit. Tous les romans de cette période me semblent donc comme autant de souvenirs de longues balades étranges aux confins de mes angoisses.

Le jour où le désert est entré dans la ville est le premier livre de l'autrice coréenne Guka Han, qui écrit en français. Ce sont des nouvelles (toutes liées) très étranges et écrites avec un style remarquable qui explorent un monde dont les personnages essaient sans cesse de s'échapper. Quand j'y repense aujourd'hui je trouve que ce livre épousait parfaitement ce qui deviendrait notre quotidien dans toute sa singularité et son irréalité. Je vous conseille vraiment de le rattraper si vous ne l'aviez pas lu et je vous conseille aussi ce très bel entretien mené par Johan Faerber pour Diacritik que j'avais trouvé particulièrement passionnant où l'autrice explique notamment ce que cela fait d'écrire dans une langue qui n'est pas sa langue maternelle.

Jour 16 - I May Destroy You saison 1 (2020)

J'aime beaucoup l'idée d'avoir découvert et aimé Michaela Coel en 2016 avec la mise en ligne sur Netflix de la géniale Chewing Gum et de la retrouver en 2020 avec une proposition radicalement différente et tout aussi brillante. I May Destroy You raconte l'histoire d'Arabella, une jeune autrice qui vit à Londres. Un matin, après être sortie avec des ami·e·s alors qu'elle devait avancer sur son manuscrit, elle se réveille avec le souvenir qu'un homme inconnu l’a violée dans les toilettes du bar où elle buvait des verres. Elle porte plainte. Commence alors l'après. La suite de cet événement, qui semble aux yeux de tous·tes très ordinaire mais qui ne l’est pas du tout pour Arabella. I May Destroy You parle de syndrome post-traumatique et des marques que cette nuit va laisser sur l'héroïne.

Le ton est fort, percutant, par moment on a presque du mal à regarder parce que cette histoire est singulière mais qu’elle ressemble à tant d’autres que nous avons déjà entendues. Aussi parce que Michaela Coel a ce talent pour imaginer des personnages profonds, complexes, et qu'elle creuse toutes les storylines avec la même rigueur. I May Destroy You parle du viol et de la culture du viol mais de beaucoup d'autres choses : d'être une autrice noire en 2020, d'amitié à la vie à la mort, d'éducation, de consentement, de zone grise, des réseaux sociaux et en règle générale de la confusion. Confusion des corps, des sentiments, du monde qui nous entoure. Les costumes sont sublimes, la musique aussi, le rythme est incroyable, et le casting est parfait. Du premier au dernier épisode on est avec Arabella, pour le meilleur et pour le pire, pour une introspection à couper le souffle. À rattraper sur OCS !

Jour 17 - Between the Lines, Joan Micklin Silver (1977)

J'ai découvert Between the Lines un peu au hasard en regardant les ajouts de Criterion. J'ai vraiment beaucoup apprécié ce film et j'ai été assez surprise (bon, pas tellement) de voir que Joan Micklin Silver n'avait pas eu une grande carrière au cinéma par la suite. Il ne nous reste donc qu'à découvrir son second long métrage dans lequel elle suit le quotidien de la rédaction d'un petit journal indépendant qui attend de savoir si le titre va être vendu et perdre son indépendance. Rassurant de voir que ce sujet n'a jamais cessé d'être d'actualité ! L'équipe est peuplée de personnalités fortes : le journaliste égocentrique qui pense que sa petite amie n'est là que pour l'aider à se dégager plus de temps pour lui, le critique rock qui est ravi de toucher sa paie sans rien faire du mois; la photographe pleine de talent sous-utilisée à la rédac...

Tous ces personnages réfléchissent au prix de l'indépendance, à leurs engagements et à leur rapport à l'écriture et les nombreux questionnements qui animent le film ont toujours beaucoup de sens en 2020. Comment la mission d'information du journaliste peut-elle s'inscrire dans une société capitaliste obsédée par le profit ? J'ai particulièrement aimé, évidemment, les personnages féminins qui essaient de tirer leur épingle du jeu dans cette rédac' peuplée d'hommes. Elles refusent d'être condamnées à être les cheerleaders des hommes alors qu'elles aussi elles écrivent, elles réfléchissent, elles photographient. Et souvent mieux que leurs homologues masculins.

Jour 18 - C’est comme ça que je disparais, Mirion Malle (éditions La Ville Brûle)

J'ai tellement aimé C'est comme ça que je disparais que j'ai double-interviewé Mirion cette année, pour Cheek et pour la newsletter de Women Who Do Stuff. Ça a été sans conteste mon premier coup de cœur de l'année, je l'ai lu dans cette période molle et sensible de janvier, au moment où personnellement je me trouve la plus fragile, accablée par les bonnes résolutions qu'il faudrait prendre et que je n'ai toujours pas envie de tenir. Donc la BD de Mirion Malle et les larmes de son héroïne qui coulent dans la neige froide sont arrivées à un moment idéal.

C'est comme ça que je disparais parle de ces moments où l'on perd le goût de vivre. Elle raconte l'isolement, les amitiés qui se fissurent, les mots qui ne veulent pas sortir, les phrases tapées sur le clavier qui n'ont plus autant de sens qu'avant, les joies qui n'arrivent plus à sédimenter. Je pense souvent à cette phrase de François Truffaut que mon père me cite régulièrement qui dit que pleurer c'est une joie et une souffrance. Il y a de ces deux sentiments dans la bande dessinée, dans les mots mais aussi dans le trait mélancolique de Mirion Malle, dans les grandes mains qu'elle dessine et qui recouvrent les yeux de son héroïne. Dans les yeux immenses de Clara où l'on se plonge volontiers. La douceur et la douleur se rencontrent.

Bref, j'en ai beaucoup parlé cette année mais c'est un récit d'une grande force et d'une grande douceur (parce que les deux ne sont pas incompatibles) que je ne peux que vous conseiller de rattraper asap.

Jour 19 - Ce que je ne veux pas savoir et Le coût de la vie, Deborah Levy (éditions du sous sol)

J'ai tout de suite eu envie de lire les deux premiers tomes de l'autobiographie de l'autrice britannique après avoir vu sa traductrice Céline Leroy en parler sur Twitter et aussi grâce aux couvertures et aux titres que je trouve magnifiques. Grand bien m'en a fait. C'est un livre qui parle d'être une écrivaine, de soucis matériels et existentiels, de maternité et de filiation, de relations qui s'achèvent, du quotidien dans tout ce qu'il peut avoir de tristement banal et de parfois incroyable. Deborah Levy y explique qu'il lui a fallu du temps pour trouver sa chambre à elle. Et bizarrement, et je crois que c'est la première fois qu'un livre m'aidait à combattre ma peur de vieillir. En la lisant je me suis dit que le temps n'était peut-être pas l'ennemi de l'écriture. Et que, malgré tout ce qu'on nous disait, il n'était peut-être pas non plus forcément l'ennemi des femmes.

J'ai mis plein de post-it dans le livre pour marquer les phrases qui parlent de l'écriture ("j'avais dit à l'épicier chinois que pour devenir écrivaine j'avais dû apprendre à interrompre, à parler haut, à parler fort, et à revenir simplement à ma propre voix qui ne porte que très peu"), les petites références qui me touchaient : "Judy voulait ressembler à Liza Minnelli dans Cabaret." Et ces phrases qui restent comme si elles m'étaient destinées, écrites puis pliées sur des petits papiers que j'aurais trouvé sur mon chemin. "Cette façons que nous avons de rire. De nos propres désirs. Cette façon que nous avons de nous moquer de nous-mêmes. Pour devancer les autres. Cette façon dont nous sommes programmées pour tuer. Nous tuer. Mieux vaut ne pas y penser." Je vous conseille l'entretien qu'elle a mené avec Marie Richeux dans son émission (toujours parfaite), un moment magique et vraiment suspendu dans le temps.

Paru aux éditions du sous-sol, traduit par Céline Leroy

Jour 20 - Losing Ground, Kathleen Collins (1982)

Kathleen Collins m'a beaucoup accompagnée cette année et j'en ai parlé à plusieurs endroits. J'ai notamment chroniqué son livre posthume Journal d'une femme noire paru aux éditions du Portrait cette année pour Cheek, un recueil de textes réunis par sa fille. Kathleen Collins est morte en 1988 mais j'ai aimé me dire que son œuvre, même si je la découvrais tardivement, m'atteignait à travers les années. Après avoir été très touchée par ses textes (et notamment par ses lettres à sa fille), j'ai regardé Losing Ground, un film sorti en 1982 mais redécouvert par le public américain en 2015. Elle l'a écrit, réalisé et il est souvent considéré comme l'un (le ?) des premiers films américains réalisé par une femme noire.

Il raconte l'histoire d'un couple de new-yorkais, une universitaire et un artiste, qui décident de quitter la ville pour l'été. Elle se retrouve à tourner dans un film (et qu'elles sont belles ces séquences musicales) tandis qu'il se rapproche d'une jeune femme qui l'inspire. Ce que j'ai aimé dans Losing Ground c'est la manière dont Kathleen Collins fait voler en éclats le mythe de "l'intelligence universitaire" vs la "créativité". Son personnage montre qu'elle contient des multitudes, qu'elle est bien plus qu'un rat de bibliothèque. Et puis ce film est bourré de scènes très inventives, notamment celle de l'image présentée ici où le regard masculin est symbolisé par ce monocle. Deux conseils en un donc, voyez "Losing Ground" et lisez les textes de Kathleen Collins, peut-être qu'elle vous fascinera autant qu'elle m'a fascinée cette année.

Jour 21 - High Fidelity saison 1 (2020)

Je sais que ce reboot de High Fidelity, imaginé par Veronica West et Sarah Kucserka, n'a pas fait l'unanimité. D'ailleurs la série a été annulée par Hulu, ce qui m'a fait beaucoup de peine (on a connu pire cette année me direz-vous). La première adaptation du roman de Nick Hornby par Stephen Frears en 2000 a été très importante à un moment de ma vie, comme elle l'a d'ailleurs été pour beaucoup de personnes fans d'indie rock (whatever that means). Pour autant elle confirmait à mes yeux que je n'avais pas vraiment ma place dans ce monde dominé par des hommes à la recherche de meufs cool. Et puis la série est arrivée, avec une Zoë Kravitz magnifique de flegme dans le rôle de Rob, et elle a agi comme une sorte de catharsis pour moi. Qu'est-ce que j'ai trouvé ça cool de voir une meuf parler à un mec de musique pendant 10 minutes sans être interrompue. Que ce soit elle qui merde, qui soit parfois difficile à aimer, arrogante, pédante. Qu'elle mette, elle, les disques sur la platine.

J'ai adoré les deux personnages qui l'entourent, Simon (David H. Holmes) et surtout Cherise (Da'Vine Joy Randolph) qui reprend avec une fougue incroyable le rôle de Jack Black (et j'adorais ce personnage dans la version originale, même s'il critiquait Belle and Sebastian et que ça me brisait un peu le cœur). RIP la saison 2 qui devait se concentrer sur elle. Bref, il y avait quelque chose de très libre dans cette série, notamment au niveau de la bande originale, qui me laissait entrevoir que les choses seraient moins cloisonnées et pénibles pour la nouvelle génération. Et je vous hook up sur un texte que j'ai écrit sur mon blog au moment de la sortie de la série, qui parle basiquement d'être une meuf pas cool et pas jolie sur la scène indie de la fin des années 2000. Daughters of Albion, tmtc.

Fiona Apple, Fetch the Bolt Cutters (2020)

J'ai pas mal réfléchi aux raisons pour lesquelles je n'ai pas écouté beaucoup de disques en 2020. Je crois que c'est parce que j'étais angoissée à peu près tout le temps et que je cherche vraiment refuge dans la musique. J'ai un disque pour chaque occasion, il sert un but précis. Je peux vraiment vivre deux mois dans la même chanson. Donc très certainement que 2020 sera l'année la plus vide de nouveautés. (le seul chanteur qui est entré dans mon cœur c'est Lee Hazlewood)

Mais évidemment, j'ai trouvé une place entre mes oreilles pour le nouveau disque de Fiona Apple cause true love lasts a lifetime et que je l'attendais depuis bien longtemps. Je pense régulièrement à cette chanson de l'album qui dit "I grew up in the shoes they told me I could fill / shoes that were not made for running up that hill / and i need to run up that hill". Fetch the bolt cutters est un disque de rythme et de sensations, qui me parle vraiment à un niveau très intime et personnel. J'ai l'impression que Fiona Apple l'a écrit pour tous·tes les anxieux·ses de cette planète et qu'elle leur chante à l'oreille que l'on finit par s'en sortir en s'entourant bien et en réussissant à s'en foutre un petit peu.

2020 était une année vraiment décevante sur à peu près tous les tableaux et ça m'a vraiment fait ressentir beaucoup de joie que Fiona ne nous déçoive pas et de sentir (et peut-être que je me trompe totalement) qu'elle est un petit peu plus libre qu'avant. Vivement la suite.

Jour 23 - Qui sème le vent, Marieke Lucas Rijneveld (éditions Buchet/Chastel)

Je me souviens d'avoir lu Qui sème le vent cet été à Brest et d'avoir été un peu sonnée. Je ne pouvais pas me permettre, il me restait plein de romans à lire, il fallait immédiatement que je me remette en selle. Marieke Lucas Rijneveld est un·e auteur·trice de 29 ans qui écrit de la poésie et travaille dans une exploitation agricole aux Pays-Bas. Pour écrire son premier roman, iel s'est inspiré de son enfance dans une famille protestante orthodoxe réformiste.

Qui sème le vent raconte l'histoire d'une famille qui vit dans une ferme des Pays-Bas et dont le fonctionnement quotidien va être complètement bouleversé par la mort de l'un de ses enfants à l'âge de 12 ans. Le roman est narré du point de vue de Jas, 10 ans, persuadée d'être responsable du décès de son frère. Le récit, écrit avec un style très cru et imagé qui m'a vraiment retournée à chaque page, est une longue balade dans les méandres du cerveau de Jas tandis qu'elle essaie de comprendre les mensonges de ses parents, les non-dits et qu'elle explore ses désirs. J'avais rarement lu un roman qui explorait avec autant d'acuité la bizarrerie de l'enfance. Le rapport de l'héroïne au sexe est l'un des points les plus étranges et réussis du roman. Tout m'a fascinée dans ce récit d'un "coming of age" très singulier. L'auteur·trice a remporté l'International Booker Prize, je m'en fiche un peu des prix à vrai dire mais ça ne m'empêche pas de trouver que celui-là est plus que mérité.

Paru aux éditions Buchet/Chastel traduit par Daniel Cunin

Jour 24 - Moi aussi je voulais l’emporter, Julie Delporte (éditions Pow Pow)

J'ai choisi l'ordre de ce calendrier en mélangeant toutes les œuvres pour avoir un résultat très aléatoire. Toutes, sauf celle d'aujourd'hui. J'étais sûre que je voulais que la BD de Julie Delporte ferme la marche, parce qu'elle a eu une importance toute particulière pour moi. Elle a vraiment redéfini le cours de mon année. L'année dernière j'ai interviewé Catherine Ocelot et j'avais été très émue par la manière dont elle parlait d'œuvres de ses contemporaines en disant qu'elles lui donnaient des "permissions". Je me disais mais comment Catherine Ocelot, qui est si douée, peut avoir besoin de permissions ? Tout cela pour dire que les livres de Julie Delporte m'ont donné des permissions. Parce qu'elle parle d'écrire sur soi, de partir de soi pour faire une œuvre, de tendre à exprimer beaucoup en disant peu.

Après avoir lu Moi aussi je voulais l'emporter je me suis sentie autorisée à écrire et ressentir. J'ai pleuré toutes les larmes de mon corps en lisant ce livre et pourtant il m'a fait faire un reset complet. J'ai repris des projets d'écriture mis sur pause. J'en ai imaginé de nouveaux et je me suis dit que ce n’était pas grave si j'abandonnais tout, d'ailleurs. Si vous vous faites un cadeau de Noël je vous conseille vraiment de vous acheter Moi aussi je voulais l'emporter, de vous mettre sous la couette, de la lire du début à la fin et puis de la relire une deuxième fois. Vous allez voyager avec Tove Jansson. Vous allez ressentir de la peine, entrevoir des colères sourdes. Vous allez voir des objets du quotidien qui vous sembleront superbes. Vous allez réfléchir à votre passé. Vous allez comprendre pourquoi ce que vous avez à dire peut avoir une importance. Pourquoi les règles de grammaire, les Moomin, les souvenirs d'enfance sont politiques. Vous allez lire des phrases de parfois cinq mots et découvrir qu'elles ont des échos infinis. À la fin, vous aurez appris un secret précieux. Peut-être que vous ferez comme moi et que vous prêterez ce livre à votre meilleure amie pour qu'elle ressente cela aussi. Et combien de livres font cet effet-là ? Combien ?

Merci de m'avoir lue et passez une bonne soirée, peu importe ce que vous avez prévu de faire ! See you on the other side of 2020.

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easyfoodnetwork · 4 years

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‘Pen15’ Season 2 Celebrates the Grosser Features of Middle School Snacks

Anna Konkel and Maya Erskine play two tweens fumbling their way through middle school in Pen15 season two. | Hulu

The delightfully awkward Hulu show by Anna Konkle and Maya Erskine takes us right back to the year 2000 — and all of its glorious snacks

In the first episode of Pen15’s second season, there’s an Oreo cookie severed at the seams and rebonded with about 12 additional slabs of cream filling, creating a huge cookie tower. The super-stuffed snack is constructed and implicitly consumed off screen, but anyone who's eaten a Oreo can picture a kid meticulously twisting the chocolate cookies apart and messily peeling away the loosened frosting with sticky fingers.

In junior high, I might have taken to stacking and smooshing together custom-stuffed Oreos privately at home, out of sight of judgmental peers. But this particular pile in Pen15 is sitting in front of Brendan, Anna Kone’s (Anna Konkle) first-season boyfriend; viewers know him as one of those kids who by some miracle seems to exude no shame or embarrassment, no matter his age. He’s peeling apart Oreos, but he’s surrounded by a pool party filled with seventh graders who are consumed by their own self-consciousness. He is who he is.

Pen15 is a show that thrives on discomfort, while at the same time capturing the satisfying, weird, and wonderful moments of being in seventh grade. At its heart it’s a show made by adults, for adults, about being a preteen and it features two adult women — creators Konkle and Maya Erskine — playing their preteen analogues in a cast filled with actual preteens. Each episode is a capsule of horny, embarrassing, tragic seventh grade life that’s built so effectively viewers sometimes forget they’re watching mature women act immature. But the great thing is that these are two adult women, who have the knowledge of hindsight to see that sometimes kids can be cruel and rude as well as occasionally gross with their food.

Ask any kid (as Eater did, recently), and they can tell you in intimate detail their favorite snacks and what they mean to them as a person. And in junior high, where everyone’s opinion seems to matter, snacks are a status symbol. What’s Brandt, the boy who fumbled in a closet with Anna and Maya Ishii-Peters (Erskine) eating at the pool party? An entire bag of Hot Cheetos — the snack for kids that want to show they can handle spice.

No episode captures the power behind kid snacks better than episode four, in which Maura, an image-obsessed girl who peppers her sentences with the word “fool,” literally buys people’s adoration by handing out Ring Pops at school. Later, she seals Maya and Anna’s friendship with a visit to her home pantry, which is neatly organized with packs of iconic millennial snacks like Pop-Tarts, Gushers, Squeezeits, Hi-C, and Pringles.

Maura’s mother wanders into the kitchen and offers the girls drinks, listing from a fridge filled with Yoplait and Capri Suns. Maya blurts, “Yes.” She and Anna each take three bottles of Powerade. The best friends are so mesmerized by the choices that they overlook the extremely rude interaction Maura has with her mother, and turn their gaze to the crystal jars on the counter filled with jawbreakers, a candy that I probably haven’t thought about since I was 13. Soon the three of them are strolling, arms locked, through the halls of school, their mouths plugged with jawbreakers and a ring of sugary film coating their lips. Drool trails out of their mouths.

Where other shows like Stranger Things use popular food brands and packaging as a visual timestamp, Pen15’s creators embrace the underlying signals of kid snacks in the middle school, as well as the frequently icky ways we interact with these foods. And it’s these layers of understanding of the true awkward, terrible, beauty of being an adolescent tween that make Pen15 such a worthwhile cringe watch — not to mention one that’s made me nostalgic for Squeezeits. I suggest you make a night of it by binging all seven episodes with a can of Surge and some Little Debbie Cosmic Brownies. Don’t worry, no one’s judging your snack choices on your quarantine couch.

Pen15 Season 2 premieres on Friday, September 18 on Hulu.

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Anna Konkel and Maya Erskine play two tweens fumbling their way through middle school in Pen15 season two. | Hulu

The delightfully awkward Hulu show by Anna Konkle and Maya Erskine takes us right back to the year 2000 — and all of its glorious snacks

Pen15 Season 2 premieres on Friday, September 18 on Hulu.

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#Blogger #cooking #Eater #food #recipes

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news-mashable-yahoopartner-blog · 5 years

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Here are the most relatable depictions of women masturbating on TV and in movies

May is National Masturbation Month, and we're celebrating with Feeling Yourself, a series exploring the finer points of self-pleasure.

For too long, female pleasure was portrayed on-screen through the prism of the male gaze.

When it came to TV and movies, scenes portraying women masturbating were basically straight out of a male director's sexual fantasy. More often than not, the woman would writhing around on her back and she'd usually begin moaning the moment her hand came into contact with her vulva. If only it were that easy.

Truth is: We don't masturbate like that. We're not always thrashing about on our back making loud fake orgasm noises. It's usually pretty mundane and unglamorous. And we can get pretty creative with positions and props depending on how we're feeling.

SEE ALSO: This sex toy company uses niche meme accounts to spread the joys of masturbation

Thankfully, times are changing. TV and movie depictions of self-love sessions are becoming more realistic, more anatomically accurate, and much, much more relatable.

We've ranked some of the most iconic on-screen female masturbation moments for their realism and relatability.

Samantha's priest fantasy in 'Sex And The City'

Sex and the City's Samantha Jones (Kim Cattrall) did a lot of good in smashing the stigma surrounding female sexuality. But, it needs to be said that some of the orgasm scenes were a tad melodramatic. In "The Agony and The Ex-tacy" Samantha meets a good looking priest who she quickly dubs "Friar Fuck" — only problem is, this friar won't, uuuh, fulfil her fantasy. Samantha ends up masturbating about him, during which she breaks out into a full-on operatic orgasm. If only masturbating were actually that good.

Marnie's bathroom break in 'Girls'

In Season One of Girls, Marnie Michaels (Allison Williams) does something many of us have but dreamed of doing. She becomes so aroused after talking to bonafide arty douchebag Booth Jonathan that she has to go masturbate in the bathroom of an event space. "I want you to know, the first time I fuck you it might scare you a little because I'm a man and I know how to do things," Booth says to Marnie. Soon after, Marnie locks herself in the loo, puts her hand down her tights and cracks one out while standing up. I mean, it's a great idea in principle, but who among us has ever had great success masturbating in an upright position (not me!).

Betty Draper and the washing machine

In Season 1, episode 11 of Mad Men, we witness Betty Draper become overcome with horniness after meeting a good looking door-to-door salesman. After he asks to come inside to measure windows upstairs (we've heard that one before), she decides against it and instead asks him to leave. Once he's left she begins fantasising about him and rubs herself up against the vibrating washing machine. Anyone who's ever tried this move at home will know that it's a nice idea in theory, pretty anti-climactic in practice.

The cry-wank in 'Mulholland Drive'

Naomi Watts' masturbation scene in Mulholland Drive is not bad. It's free from all the inauthentic thrashing around that you often see in porn, and all you see is Betty (Naomi Watts) sweaty, pained expression (accurate) as she makes repetitive motions with her hand down her unbuttoned trousers. The only thing we'd change is the fact that she's aggressively crying. I'm just not one for masturbating when I'm upset.

Naomi Watts in 'Mulholland Drive' in 2001.

Image: Studiocanal/REX/Shutterstock

The giant vibrator in 'Slums of Beverly Hills'

Back in 1998, long before Russian Doll, Natasha Lyonne was already making quite the impression on screen. In Slums of Beverly Hills, Vivian (Lyonne) decides to try out her cousin Rita's (Marisa Tomei) massive vibrator. One tip though: Try not to use other people's sex toys.

Image: Fox Searchlight/Kobal/REX/Shutterstock

The bidet in 'Broad City'

When it comes to portrayals of sex and masturbation, Broad City is a damn delight to watch. Free from the male gaze sex scenes of old, Abbi and Ilana have sex and masturbate like you and me. Ilana's bidet scene was a wild, wet ride — the only note I'd give is that if she'd turned her body around to face the tap, she'd have a better chance of having an orgasm. But, hey, whatever floats your boat (or bidet).

Ilana Glazer told Out magazine what makes Broad City's portrayals of female desire just so brilliant: "It's like these girls are horny but not under the male gaze. They're horny, period. Just starting from the vagina, not starting from some man looking at them."

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The 'Black Swan' 'bating sesh

All too often, on-screen depictions of female masturbation show women in the same position: lying on her back with her legs spread apart. Newsflash: we don't all masturbate in the one position. That would be pretty boring. This scene gets bonus points for showing a woman masturbating in the face-down position, which is a pretty popular position that you don't often see in TV and movies.

Image: Fox Searchlight/Kobal/REX/Shutterstock

Aimee's first time in 'Sex Education'

You always remember your first time. The first time you wank, that is. When Sex Education's Aimee Gibbs admitted that she'd never had to masturbate before, wannabe sex therapist Otis stepped in to offer up some advice. "So you're prescribing a wank?" she asked him. Correct.

Aimee's first time has a familiar feel to it — she tried out a bunch of different positions like she's on a voyage of orgasm discovery. When she finally comes, she has a sudden pang of post-orgasmic hunger. We've all been there, Aimee.

Aimee discovers the joys of masturbation.

Image: netflix

The pillow hump in 'The To Do List'

Aubrey Plaza stars as virginal valedictorian Brandy Klark who decides to draw up a list of sexual escapades to complete before heading off to college. In the film, we see Brandy masturbating by riding a pillow, which frankly you don't see often enough in movies.

Aubrey Plaza and Rachel Bilson in 'The To Do List.'

Image: Kobal/REX/Shutterstock

The dead battery in 'Insecure'

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In Season 1, episode 3 of Insecure, Issa goes to grab her vibrator only for the batteries to die pretty much immediately. Obviously, she doesn't give up on that dream straight away, so she trawls through her apartment looking for batteries and yelling out "fuck!" when she fails to find one. It's a highly relatable moment, to say the very least.

Issa Rae told Glamour about the significance of this moment: "In the [writers’] room we were talking about what it feels like to be thirsty and how we don’t really get to see female characters masturbate. Even in a funny way. Especially black women! So we wanted to portray that, while remaining true to our show and showing sexual frustration."

The Obama speech in 'Fleabag'

Anyone who's ever masturbated with a computer in front of them will be all too familiar with the specific laptop-wobble that comes, uhh, hand in hand with the act of self-love.

In Series 1 of Fleabag, Phoebe Waller-Bridge brought us a refreshingly honest masturbation scene. Not everyone can attest to having masturbated to Barack Obama delivering a speech about democracy while their boyfriend's asleep in the bed next to them, but this particular masturbation scene felt mundane and real. There were no writhing around or fake orgasms in this scene, just a woman wearing her pyjamas masturbating noiselessly under her duvet as her laptop moved up and down with her hand.

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Puberty hits in 'PEN15'

Puberty is rough. Especially the rush of extreme horniness that comes with it. Episode 3 of PEN15 features one of the realest depictions of teenage self-exploration ever shown on TV.

When Maya Ishii-Peters (Maya Erskine) first discovers the wonders of masturbation, she can't stop herself from doing it all the time (who can blame her, tbh). But, Maya also feels ashamed of what she's doing — a feeling that many of us can identify with. "I'm a pervert, and I really shouldn't be doing what I'm doing," she tells her friend Anna. "I've been putting my hands down my pants — my area — down there to feel good."

The episode is about learning to masturbate without feeling shame — which is a rite of passage that's not often talked about, let alone shown on our TV screens.

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Happy masturbating!

WATCH: Consent-oriented condom packaging says four hands are needed to open it, but then again – maybe not

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editfandom · 3 months

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Jane Smith - Mr. & Mrs. Smith, S01E08

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mrmichaelchadler · 5 years

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#352 April 16, 2019

Matt writes: The 21st annual edition of Roger Ebert's Film Festival (a.k.a. Ebertfest), concluded last Saturday, and you can find all the onstage Q&As embedded in our festival coverage. Brian Tallerico covered the opening night screening of "Amazing Grace," while Nick Allen covered the Day 2 panels ("Challenging Stigma Through the Arts" and "Women in Cinema") and screenings ("Coeur Fidele," "Rachel Getting Married" and "Bound," culminating in an unforgettable Q&A with Jennifer Tilly and Gina Gershon). Peter Sobczynski covered Day 3 of the festival ("Sebastian," "Cold War," "Cane River," "A Year of the Quiet Sun" and "Romy and Michele's High School Reunion"), and Nick did the write-up for Day 4 ("Maya Angelou: And Still I Rise," "Won't You Be My Neighbor?", "Almost Famous" and "Sideways"). The 2018-19 University of Illinois College of Media Roger Ebert Fellows, Curtis Cook, Pari Apostolakos and Eunice Alpasan, also contributed their own dispatches. Below I have embedded the Q&A for "Won't You Be My Neighbor?", where Nick and I were joined onstage by Chaz Ebert and the film's director, Morgan Neville. At the 16:45 mark, I share the letter that Fred Rogers wrote me when I was five years old.

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Trailers

Star Wars: The Rise of Skywalker (2019). Directed by J.J. Abrams. Written by J.J. Abrams, Chris Terrio, Colin Trevorrow and Derek Connolly (based on characters created by George Lucas). Starring Daisy Ridley, Billy Dee Williams, Mark Hamill. Synopsis: The final chapter of the saga from a galaxy far, far away. Opens in US theaters on December 20th, 2019.

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The Perfection (2019). Directed by Richard Shepard. Written by Richard Shepard, Eric C. Charmelo and Nicole Snyder. Starring Allison Williams, Alaina Huffman, Steven Weber. Synopsis: When troubled musical prodigy Charlotte seeks out Elizabeth, the new star pupil of her former school, the encounter sends both musicians down a sinister path with shocking consequences. Debuts on Netflix on May 24th, 2019.

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What's My Name: Muhammad Ali (2019). Directed by Antoine Fuqua. Synopsis: One of the most iconic figures in athletic history, Muhammad Ali's incredible story from world champion boxer to inspiring social activist is explored through his own voice and never-before-seen archival material. Premieres on HBO on May 14th, 2019.

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Wine Country (2019). Directed by Amy Poehler. Written by Liz Cackowski and Emily Spivey. Starring Amy Poehler, Maya Erskine, Maya Rudolph. Synopsis: When a group of longtime girlfriends goes to Napa for the weekend to celebrate their friend's 50th birthday, tensions from the past boil over. Debuts on Netflix on May 10th, 2019.

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Anna (2019). Written and directed by Luc Besson. Starring Sasha Luss, Helen Mirren, Luke Evans. Synopsis: Beneath Anna Poliatova's striking beauty lies a secret that will unleash her indelible strength and skill to become one of the world's most feared government assassins. Opens in US theaters on June 21st, 2019.

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The Last Summer (2019). Directed by William Bindley. Written by William Bindley, Scott Bindley and April Prosser. Starring K.J. Apa, Maia Mitchell, Norman Johnson Jr.. Synopsis: A group of young people in Chicago come together during the summer before they head off to college. Debuts on Netflix on May 3rd, 2019.

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The Professor (2019). Written and directed by Wayne Roberts. Starring Johnny Depp, Zoey Deutch, Justine Warrington. Synopsis: A college professor lives his life with reckless abandon after being diagnosed with a terminal illness. Opens in US theaters on May 17th, 2019.

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Pavarotti (2019). Directed by Ron Howard. Synopsis: A look at the life and work of opera legend Luciano Pavarotti. Opens in US theaters on June 7th, 2019.

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The Addams Family (2019). Directed by Greg Tiernan and Conrad Vernon. Written by Matt Lieberman and Pamela Pettler (based on the comic strip by Charles Addams). Starring Charlize Theron, Oscar Isaac, Elsie Fisher. Synopsis: An animated version of Charles Addams' series of cartoons about a peculiar, ghoulish family. Opens in US theaters on October 11th, 2019.

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My Son (2019). Directed by Christian Carion. Written by Christian Carion and Laure Irrmann. Starring Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist. Synopsis: The disappearance of his child sends a man on a dark path to find the truth. Opens in US theaters on May 10th, 2019.

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Parasite (2019). Written and directed by Joon-ho Bong. Starring Kang-ho Song, Sun-kyun Lee, Yeo-Jeong Cho. Synopsis: All unemployed, Ki-taek's family takes peculiar interest in the Parks for their livelihood until they get entangled in an unexpected incident. US release date is TBA.

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Homecoming (2019). A film by Beyoncé. Synopsis: This intimate, in-depth look at Beyoncé's celebrated 2018 Coachella performance reveals the emotional road from creative concept to cultural movement. Debuts on Netflix on April 17th, 2019.

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Trial By Fire (2019). Directed by Edward Zwick. Written by Geoffrey Fletcher (based on the New Yorker article by David Grann). Starring Laura Dern, Jack O'Connell, Emily Meade. Synopsis: The tragic and controversial story of Cameron Todd Willingham, who was executed in Texas for killing his three children after scientific evidence and expert testimony that bolstered his claims of innocence were suppressed. Opens in US theaters on May 17th, 2019.

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Stuber (2019). Directed by Michael Dowse. Written by Tripper Clancy. Starring Kumail Nanjiani, Dave Bautista, Mira Sorvino. Synopsis: A detective recruits his Uber driver into an unexpected night of adventure. Opens in US theaters on July 12th, 2019.

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J.T. LeRoy (2019). Directed by Justin Kelly. Written by Justin Kelly and Savannah Knoop (based on Knoop's memoir). Starring Kristen Stewart, Laura Dern, Diane Kruger. Synopsis: A young woman named Savannah Knoop spends six years pretending to be the celebrated author JT LeRoy, the made-up literary persona of her sister-in-law. Opens in US theaters on April 26th, 2019.

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My Spy (2019). Directed by Peter Segal. Written by Erich Hoeber and Jon Hoeber. Starring Dave Bautista, Kristen Schaal, Ken Jeong. Synopsis: A hardened CIA operative finds himself at the mercy of a precocious 9-year-old girl, having been sent undercover to surveil her family. US release date is TBA.

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Domino (2019). Directed by Brian De Palma. Written by Petter Skavlan. Starring Carice van Houten, Nikolaj Coster-Waldau, Guy Pearce. Synopsis: A Copenhagen police officer seeks justice for his partner's murder by a mysterious man. Opens in US theaters on May 31st, 2019.

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Joker (2019). Directed by Todd Phillips. Written by Todd Phillips and Scott Silver. Starring Joaquin Phoenix, Zazie Beetz, Robert De Niro. Synopsis: A failed stand-up comedian is driven insane and becomes a psychopathic murderer. Opens in US theaters on October 4th, 2019.

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Claire Denis on "High Life"

Matt writes: I recently had the opportunity to chat with one of the world's greatest living filmmakers, Claire Denis, about her latest triumph, "High Life," starring Robert Pattinson and Juliette Binoche. We also discussed black holes, child actors, the death penalty and the unmatched landscapes of Africa. Click here for the full conversation.

Star Wars Celebration 2019

Matt writes: While Ebertfest unfolded in Champaign, Illinois, the 2019 Star Wars Celebration was making headlines in Chicago, and our contributor David Fowlie was there to cover the highlights, including the trailer premiere and title announcement for "Episode IX," as well as a sneak peek of the upcoming series, "The Mandalorian," co-starring Werner Herzog.

Free Movies

The Grissom Gang (1971). Directed by Robert Aldrich. Written by Leon Griffiths (based on the novel by James Hadley Chase). Starring Kim Darby, Scott Wilson, Tony Musante. Synopsis: Set in the Depression, a gang of half-witted small-time hoods led by Slim Grissom kidnap heiress Barbara Blandish and Slim proceeds to fall in love with her.

Watch "The Grissom Gang"

The Boxer (1971). Directed by Francesco Prosperi. Written by Lucio Battistrada, Adriano Bolzoni, Armando Crispino and Don Carlos Dunaway. Starring Robert Blake, Catherine Spaak, Ernest Borgnine. Synopsis: Boxer Teddy Wilcox leaves his manager and relocates. He finds Nick, a manager/trainer. Before Wilcox's first fight, Nick receives a threat-- Wilcox loses, or Nick will die.

Watch "The Boxer"

Kiss Shot (1989). Directed by Jerry London. Written by Carl Kleinschmitt. Starring Whoopi Goldberg, Dennis Franz, Tasha Scott. Synopsis: A detached black mother loses her job and also the ability to pay back her credit. She recalls her billiard skills and begins to play for money. Will she be cool enough to be a pro in such a game?

Watch "Kiss Shot"

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aion-rsa · 3 years

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How the Star Wars Obi-Wan Series Made Ewan McGregor Feel Like a Kid Again

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Upcoming Disney+ series Star Wars: Obi-Wan Kenobi is set to serve as the live-action bridge between the franchise’s 1999-2005 trilogy of prequel films and the Disney-delivered modern era. Yet, for star Ewan McGregor, who reprises his legacy role from those films, a surreal confluence has been created over the presence of a certain monochromatic army: Stormtroopers. Indeed, while he’s spent his share of screen time with Clone Troopers, there’s something about being around the Empire’s armored legion that has McGregor feeling childlike.

The star, who has been shooting Obi-Wan Kenobi since its pandemic-delayed production launched this past April, took some time to participate in a mostly Star Wars-centric “Actors-on-Actors” Variety interview with a fellow franchise star in The Mandalorian’s Pedro Pascal. While the two wax ecstatic about their respective shows, McGregor—more so than Pascal—is clearly walking a tightrope regarding what he can discuss, seeing as Disney’s veil of secrecy still prominently obfuscates even the slightest of plot points for his series. However, in offering an enthusiastically heartfelt anecdote about the presence of proper, Original-Trilogy-style Stormtroopers on the Obi-Wan Kenobi set, McGregor confirms a detail—even if said detail was already generally accepted as fact.

“I’ve got to be so careful. There’s no secret to when this series is being set, but I had to walk past two Stormtroopers,” muses McGregor to Pascal. “I realized I’ve never acted with a Stormtrooper because mine were clones, you know? It was the Clone Army. So, I’d never seen a Stormtrooper. So, I was walking past them in this scene. I turned around—and I was 6 years old again.” McGregor isn’t just throwing around hype, since his love for the franchise, which is well-known, goes back to the release of 1977’s original Star Wars, during which the Scottish actor was, as he states, 6 years old; a memory likely magnified by the fact that his own uncle, Denis Lawson, fielded the Trilogy-spanning role of Rebel pilot Wedge Antilles. Yet, for all the fame that McGregor achieved playing the young version of Alec Guinness’s aged Jedi Master in the prequel films, his connection to the franchise he knew as a kid still felt somewhat detached. Consequently, his sharing a set with the kind of Stormtroopers seen in the Original Trilogy was clearly a fulfilling experience in that regard.

Disney+

Pascal—whose Mandalorian character Din Djarin dispatched more than his share of Stormtroopers on the series, albeit during a later point in the Star Wars timeline—would press McGregor on his feelings for this particular moment, leading the star to offer the potent adjective of “insane” about being in the presence of a brigade of bad-shot bucket-heads. “I was feeling like I was 6 again or something, because I’m so close to one and I got a fright, you know? So crazy,” he continues. “Then I asked someone, ‘Were there Stormtroopers in my films? Because I don’t think I’ve seen a Stormtrooper for real before.’ They were like ‘No, they weren’t Stormtroopers; they were clones.’ And Jawas, I had another scene with a little Jawa.”

McGregor’s confessed confusion about the troopers is understandable, since the distinction between Stormtroopers and Clone Troopers was a rather convoluted topic after the release of the prequel films. Notably, the introduction of the Clone Army in 2002 middle act Attack of the Clones—bringing to life what was once just expositional dialogue by Guinness’s Obi-Wan in the 1977 original film—was creator George Lucas’s way to explain how the iconic Stormtroopers of the Original Trilogy came about. As a result, it became accepted lore that the Stormtroopers were indeed the clone successors of the similarly white-armor-clad force that fought in the Clone Wars—even if they were not as imposing and less-impressive on the battlefield than the wartime batches. This was even reflected during the post-Prequels, pre-Disney era in Hasbro’s Star Wars 3 ¾” action figure line, which routinely released Original Trilogy Stormtroopers with removable helmets that revealed faces resembling the Jango-Fett-templated clones. However, this narrative would not endure in the era of Disney’s restructuring.

Movies

10 Best Star Wars Villains Ranked

By Megan Crouse

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By Joseph Baxter

Consequently, a retcon was implemented to better explain the glaring differences between Stormtroopers and Clone Troopers. This manifested with canon-acknowledged, era-appropriate animated offshoots such as Star Wars Rebels introducing the idea that Clones were phased out after the war—ironically, in a similarly cruel manner to the Jedi they had been programmed to exterminate. This was due to the fact that Clones generally had short lifespans and their—as it turns out—rather unpredictable nature, as evidenced by clones such as Rex, Wolffe and Gregor abandoning the Empire, and, of course, the series-starring tandem of Clone Force 99, a.k.a. The Bad Batch. Thus, in the current canon, the Stormtroopers from the Original Trilogy are a mix of conscripted citizens and natural-born humans raised to live in fealty to the Galactic Empire, the latter of which was exemplified by the First Order with John Boyega’s Finn in Sequel Trilogy. Yet, with The Mandalorian having also canonized in live-action form concepts such as the black-clad Deathtroopers and Dark Troopers, we can expect to see a lot more than just the classic variety of childhood-inspired Imperial canon-fodder..

Nevertheless, McGregor will have some intriguing, non-Stormtrooper, company on Star Wars: Obi-Wan Kenobi. Besides a Revenge of the Sith reunion on Tatooine with Joel Edgerton’s “Uncle” Owen Lars, Bonnie Piesse’s “Aunt” Beru Lars—and, purportedly, Luke Skywalker as a child—the series will also feature characters by players such as Indira Varma, Rupert Friend, Kumail Nanjiani, O’Shea Jackson Jr., Sung Kang, Maya Erskine, the appropriately-named Simone Kessell and more. Plus, someway, somehow, Hayden Christensen will be back as Darth Vader, potentially setting up a heretofore unknown pre-A New Hope confrontation between the two. There’s also potential for more surprise cameos, like, say, from a certain late Jedi mentor with a very particular set of skills.

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Star Wars: Obi-Wan Kenobi has not revealed a release date as of yet, but it will eventually premiere on Disney+ to what should be tremendous fanfare.

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#aion-rsa #Den of Geek

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bcwallin · 5 years

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Tribeca Film Festival 2019

From the Beacon Theatre down to the Tribeca Film Center on Greenwich Street, the 18th annual Tribeca Film Festival arrived in New York City on April 24, bringing with it two weeks of feature and short film premieres, Tribeca Talk special events, revivals and immersive forms of film experiences.

Award-winning films included Burning Cane for the Founders Award for Best Narrative Feature, Scheme Birds for Best Documentary Feature and Audience Award winners Plus One and Gay Chorus Deep South. Here are some films The Ticker was able to cover at the 2019 festival:

Framing John DeLorean directed by Don Argott and Sheena M. Joyce, has the interesting premise of showing both a documentary about carmaker John DeLorean, with recreations starring Alec Baldwin and Morena Baccarin and interviews with Baldwin discussing the craft behind the recreations. The less interesting part is the execution, as the structure adds little to the movie and feels like an unnecessarily self-referential artifice.

Framing spends too much time telling viewers that DeLorean’s story is thrilling, but there’s not much excitement to it. DeLorean’s car, the DMC-12, became iconic in Back to the Future as the automotive time machine. Maybe DeLorean’s life had a lot going for it, but Argott and Joyce botch the telling of it, dragging out the dull parts more than any moments of intrigue.

Framing John DeLorean will play in select theaters and video on demand on June 7.

The documentary The Quiet One is another chronicle of a life, this one of The Rolling Stones bassist, Bill Wyman. The Quiet One is director Oliver Murray’s first documentary feature and it plods along for all 109 minutes of its runtime. Like Framing, this film is obsessed with its subject’s legend, giving nothing to viewers who aren’t fans of the Stones — and possibly even to the fans, too.

Immersed in dull nostalgia, much of The Quiet One is filmed in Wyman’s storage room, packed to the brim with Stones memorabilia. The history of the Stones feels inevitable, like it was always going to happen as it did.

There’s no sense of drama, nor any doubt about the future of a band claiming to stay away from following trends. There are better ways to remember the past than by scanning wistfully through a storage room, especially when it doesn’t end with a garage sale.

The Quiet One will play in U.S. theaters on June 21 and on video on demand on June 28.

The Gasoline Thieves is flawed, but nonetheless interesting. In Mexico, characters siphon gasoline in a life-and-death game of sneaking, trying to avoid the consequences of being caught and killed.

The Gasoline Thieves is a thriller, powered by Sam Baixauli’s editing and Carlo Ayhllón’s intense score. With a 93-minute runtime, the film could be cut down, but it works more often than it doesn’t work.

The Gasoline Thieves works because of its humanity. Eduardo Banda plays the 14-year-old Lalo, joining the world of thievery because he’s poor and crushing on a girl who wants a cellphone. Even through Lalo’s repeatedly reckless actions, he exudes an earnestness that gives the film some of its drive. By no means the best Tribeca has to offer, The Gasoline Thieves has a mostly moving story to tell.

The Gasoline Thieves is currently seeking U.S. distribution.

Audience award winner Plus One is very obviously a crowd-pleaser. Like a less cynical version of 2018’s small release Destination Wedding, the film has long-time friends Ben and Alice enduring a summer of weddings together, taking each other to their friends’ weddings, trying to avoid the misery that comes with being single and surrounded by love.

Alice, played by Maya Erskine of Hulu’s series PEN15, is the breakout star of the movie with a fun presence and no qualms about cuddling with a friend.

Plus One’s rom-com structure is fairly standard, but the relationship between the main characters gives it life. Directors and writers Jeff Chan and Andrew Rhymer use wedding toasts to establish time and place, and the choice works.

As Ben and Alice endure badly written clichés and embarrassing speeches, the movie shows some fun innovation that helps make it the kind of film anyone could stumble upon and have a nice time watching.

Originally published in Baruch’s The Ticker

#bc wallin #film review #capsule reviews #ticker #tribeca film festival #delorean

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hellofastestnewsfan · 5 years

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This post contains light spoilers through Broad City, Season 5.

In the finale of Broad City, the web series–turned–Comedy Central show celebrating the hijinks of two millennial New Yorkers, Abbi and Ilana do the thing they’ve never managed to do together, over all the time they’ve lived in the city: They walk over the Brooklyn Bridge. There’s an expensive toilet involved (they found it abandoned on a street in lower Manhattan and then chained it to a skateboard and have been rolling the whole Frankensteinian contraption with them as they walk, and … like many things in Broad City, it’s a long story). The path Abbi and Ilana take over the bridge, though, ends up exploring not their show’s brand of gross-out humor, but rather the bigger thing around which Broad City has revolved: the relationship between the two best friends. The way it might be changing now that Abbi, newly accepted to an artists’ residency in Colorado, is about to leave New York.

“You know, Ilana, me and you, we’re still going to be us, no matter what,” Abbi tells her best friend, as they pause to look over the bridge’s railing. “That’s never going to change. Even if we’re in different cities, that’s never going to change.”

“I know,” Ilana replies. “But it is going to change. But this is still going to be the most beautiful, deep, real, cool and hot, meaningful, important relationship of my life.”

“Me too,” Abbi says.

“I’ve never felt so cool,” Ilana says, fighting tears.

“I’ve never felt so cool.”

“Really,” Ilana says, “not as cool as when I’m with you.”

Abbi and Ilana look out over the East River, suspended, with their reclaimed street-toilet, on the iconic bridge, the horizon spreading before them. Abbi takes a Sharpie and writes something on the railing of the wind-tossed landmark. Soon, the show’s roving camera reveals the message she has scrawled: “ABBI + ILANA FOREVER.”

It’s a fantastic scene, and only in part because it takes one of the running themes of Broad City—Abbi and Ilana, treating New York’s topography as a playground for their adventures—and distills it down to something iconic. The scene also summons another of Broad City’s long-running jokes: the notion that the show that follows the familiar contours of the buddy comedy has also been, all along, a rom-com. The series has been explicit about that: It has repeatedly emphasized Ilana’s attraction to Abbi (Ilana once proposed marriage to her friend); it featured, as the premiere to Season 4, a Sliding Doors–inflected exploration of how the star-crossed friends almost didn’t cross paths at all—the pathos of love’s accidents.

But the idea has been stressed more subtly, too. The relationship Abbi and Ilana share is platonic but characterized still by the woozy warmth most traditionally associated with romantic relationships. Their affection for each other is unconditional. They find each other magical. They are the loves of each others’ lives. This is the stuff of sonnets and love songs, applied to the promises of best-friendship. As Abbi tells Ilana, finding her own kind of poetry, “I didn’t even know my ass was dope until you taught me it was!”

It’s an approach that can read as a rebellion, and that’s because it is. Broad City is in some ways a studiously small show: Its focus, over its five remarkable seasons, has been the wacky adventures and, more often, the wacky misadventures, of its two protagonists. Abbi and Ilana have had other friends, and also boyfriends, and also girlfriends, and also parents, and also siblings, and also roommates, and also coworkers. Those relationships have all been secondary, though, to the relationship around which all the others have orbited. The pair’s friendship is total, and totalizing. The most beautiful, deep, real, cool and hot, meaningful, important relationship of my life.

That has helped to make the show, precisely in the narrow scope of its story line, so very broad. It is a rare thing, after all, to see a friendship between women given such myopic focus, and such deep attention, and such steadfast love. It is far more common, on television, to see such relationships treated, effectively, as plot devices: as vehicles for drama, and/or jealousy, and/or pettiness, and/or pathos. It is far more common to see stories about women’s friendship assumed to be competitive—the brute logic of a zero-sum society applied to individual relationships. It’s a pernicious idea, but a common one: women, even when they’re friends, competing with each other for partners, for professional success, for status. And Broad City has rejected its premise.

As Broad City has been wrapping up its run on Comedy Central, another show has been getting started on Hulu. PEN15 is a coming-of-age comedy that is set at the turn of the 21st century but offers a distinctly modern twist: It’s the story of two 13 year olds, navigating the indignities of seventh grade, as told by two women, Maya Erskine and Anna Konkle, who emerged from that fraught time to tell the tale. (Sam Zvibleman is the show’s third creator.) The twist is that the two young teenagers are played by Erskine and Konkle, who are now in their 30s—while their fellow seventh-graders are played by actors in their teens—and the disconnect, which could have tired as a sight gag or become fraught in myriad other ways, ends up capturing a truth about how it can feel to be a girl of that age: torn between childhood and adulthood, uncomfortable in a body that is somehow neither and both, feeling generally out of place.

PEN15, too, starts with the friendship between Maya and Anna, and the show’s wry comedy can sometimes adopt notes of horror as that friendship navigates the winding hallways and dark corridors of middle school. Anna begins hanging out with the school’s popular girls; will that threaten the duo’s friendship? She starts dating a guy at school; could that do the same? Maya, new to AIM, gets an online boyfriend; could he somehow take the place of Anna in her life?

Friendship, among 13 year olds, can be a source of both strength and vulnerability; it is armor made of notably soft stuff. The relationship between Maya and Anna, accordingly, can sometimes seem desperately fragile. PEN15 recognizes that, and weaves the implications of friendship-fragility into its storylines; it never, however, gives in to the idea that the threats facing the relationship might be existential. Rather, it insists, just like Broad City does, that this friendship is to be fought for and worked for. It assumes that their friendship is in fact the central relationship in Maya and Anna’s lives—contra the rom-coms and TV shows and love songs of the late ’90s and early 2000s that argue otherwise—and operates from that assumption. “We have a boyfriend!” the girls squeal to each other when their bandmate, Brendan, passes Anna a note asking her to go out with him; the we there, much more than the boyfriend, reveals the show’s ultimate concerns.

This shouldn’t be so revolutionary. On TV, however, it is. “We,” on TV, when young women are involved, so often—too often—becomes “they.” Shows, traditionally produced by writers’ rooms dominated by men, have made narrow assumptions about what women’s friendships are, and mean, and can provide. Under that regime, Brenda and Kelly becomes Brenda versus Kelly. Ginger versus Mary Ann. Serena versus Blair. Betty versus Veronica. Jordyn versus Khloé. Real Housewife versus Real Housewife. They can’t unconditionally love each other, the logic goes, because the world demands that they must, on some level, resent each other. The notion of mutuality cedes to the notion of competition.

This is not how many people experience friendship in their own lives, and Broad City and PEN15—along with, of course, so many other shows—acknowledge that. Here are characters who experience their friendships as vehicles of respite, and as a kind of romance, and as a kind of love. Here are shows that take the assumptions of the rom-com and apply them to platonic relationships. And here is the versus that once divided women, in many shows, giving way to an and: Issa and Molly. Grace and Frankie. Missy and Jessi. Maya and Anna. Abbi and Ilana. So many more. They are all, as Grey’s Anatomy put it of that other iconic friendship, each others’ person.

The final scene of Broad City takes Abbi and Ilana—who are still in comically constant touch, through text messages and phone calls, despite the new distance between them—and then does something remarkable: It moves the focus away from its two central characters. Ilana walks through Union Square, happily chatting with Abbi, and then goes down into the subway to get on with her day; as she descends, other pairs of friends come up the stairs and into the daylight, two by two, chatting, laughing, gossiping, delighting in each other. Their conversations merge, as they scatter, and the show’s camera zooms out, the pairings blending into an impressionistic scene of friendship itself—the soft spaces within the hard ones. It’s a final argument that Broad City, a very specific show about two very specific friends, offers on behalf of its own bigness: Abbi and Ilana, that ultimate scene insists, are unique but not singular. Their relationship is exceptional but not, as it turns out, extraordinary. There are so many other friends out there—so many others ands out there—navigating the world, together.

from The Atlantic https://ift.tt/2HZ0F2v

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