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Avatar, libro del agua (P1)
Hablemos de Avatar, la leyenda de Aang o Avatar, el último maestro del aire. Y no, no son las personas azules, aquí hablamos de los cuatro elementos:
Agua, tierra, fuego, aire. Hace mucho tiempo, las cuatro naciones vivían juntas en armonía. Pero, todo cambió cuando la nación del fuego atacó. Solo el Avatar, maestro de los cuatro elementos, podía detenerlos, pero cuando el mundo más lo necesitaba, se desvaneció.
Esta serie de dibujos ha llegado a los corazones de muchos, porque ha pesar de su apariencia infantil, es una serie que trata temas muy adultos que van desde guerras hasta conflictos internos de personajes tratando de descubrir quienes son y cuál es su destino en el mundo (En ese sentido es una serie que me recuerda mucho a One Piece), de este show se puede hablar de muchísimas cosas, pero me voy a centrar en el diseño de las distintos elementos.
Para empezar tenemos el agua, en el mundo de Avatar hay varias agrupaciones de tribus del agua, pero las más importantes son las de los polos, esto tiene mucho sentido ya que esta población está inspirada en los Inuit norteamericanos (pero cuentan con rasgos de muchas otras culturas como la Siberiana), tanto en los rasgos físicos, son personas de piel morena y pelo oscuro, en la serie vemos que la mayoría de ellos tienen ojos azules, como en el tipo de ropa que llevan.
Cuando conocemos a los personajes principales de la tribu del agua Sokka y Katara llevan ropas de pieles muy pesadas que les impiden moverse bien, a lo largo de la serie vemos como sus prendas evolucionan a unas que les permiten moverse mejor y que representan su personalidad, sin perder rasgos clave como el formato túnica de Katara o el color azul y blanco de esta tribu.
De esta tribu nacen los maestros del agua, capaces de controlar el elemento a su voluntad, buscan transmitir con los movimientos que hacen esa fluidez del agua por lo que están muy inspirados en el Tai Chi, un arte marcial que se originó en China en el siglo XVII y ha ido evolucionando hasta nuestros días, se centra en lo físico y en lo mental. Si nos fijamos en cualquiera de los maestros del agua cuando los vemos combatir, la mayoría de movimientos los hacen con los brazos, utilizando su cuerpo para mantener el equilibrio o cambiar de dirección.
Podemos ver que entre las tribus del norte y las del sur hay mucha diferencia en cuanto al tema arquitectónico, la tribu del sur que lleva años asediada por la Nación del fuego, viven en pequeñas aldeas y en iglús, mientras que en la tribu del norte, que está protegida por una gran muralla han podido mejorar la arquitectura enormemente, aunque los edificios siguen siendo de hielo. La manera en la que está distribuida la ciudad recuerda mucho a Venecia, con los canales por los que se mueven góndolas, no por nada se conoce a esta ciudad como la Reina del Adriático.
Cerrar con una mención honorifica a los maestros del agua del pantano.
Life happens wherever you are, whether you make it or not -Uncle Iroh.
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Donquixote Doflamingo
One Piece, el anime de piratas más conocido y uno de mis animes favoritos. Sigue la historia de Luffy, un chico de goma que quiere convertirse en el rey de los piratas (Kaizoku ou ni ore wa naru!), a los largo de los viajes de Luffy y sus Nakamas conocemos a muchos personajes que tienen un diseño impresionante y muy característico.
Pero, en este caso me gustaría hablar de uno en concreto, Donquixote Doflamingo (Doffy para los amigos). Todo en su diseño es curioso, desde el nombre que hace referencia a Don Quijote, de Miguel de Cervantes. Y no solo es él, su hermano se llama Donquixote Rosinante (¿Y quién se llama Rocinante? El caballo de Don Quijote), pero las referencias a nuestra cultura no se acaban ahí. A pesar de que no es la primera vez que oímos hablar de Doflamingo, la primera vez que lo vemos es en la ciudad de Dressrosa, esta ciudad está inspirada en las culturas españolas e italianas, teniendo trajes sevillanos y palabras en español, además de que la atracción principal de la ciudad es un coliseo de gladiadores.
Volviendo a Doffy, su diseño es tan curioso porque es un villano. Y uno de los peores. Pero su diseño: rosa chillón, teniendo en cuenta lo que transmite cada color, el rosa no es la primera elección para un personaje que pretende dar miedo. Y ya no solo esto, si analizamos su conjunto base, vemos que lleva pantalones de estampado que le quedan un más cortos de lo necesario, zapatillas negras en punta que le dan una sensación de poder, de riqueza. Un cinturón naranja potente, una camisa blanca abierta y por último una de sus prendas más distintivas: Un abrigo rosa de plumas de flamenco, haciendo referencia a su nombre. Siempre lleva unas gafas que le ocultan los ojos y que tienen una forma alargada.
Y pesar de que su apariencia tiene más pinta de persona hortera que quiere ir a la moda, el autor (Eiichiro Oda) se las arregla para que en todas las apariciones que tiene te quede claro que es un villano, una persona manipuladora que ni tiene miedo de mancharse las manos. Además su personalidad también es muy opuesta a lo esperado en los villanos, siempre tiene una sonrisa en la cara o se está riendo y en este caso, al contrario de parecer una persona contenta, no hace más que reforzar esa sensación de que Doflamingo no es buena persona y que oculta algo.
Para mi, el hecho de haber tomado la decisión de hacer un villano cuyo diseño va en contra de lo que se suele tomar como “el diseño del malo” es lo que más hace resaltar a Doflamingo y lo que más le hace ser un personaje terrorífico. Sin duda alguna el diseño de este personaje es algo increíble.
Para terminar, los villanos en One Piece estan muy bien construidos a nivel personalidad y valores (Realmente todos los personajes lo están) y esta es una de las frases de este personaje que más me marcó:
"Pirates are evil? The Marines are righteous? These terms have always changed throughout the course of history! Kids who have never seen peace and kids who have never seen war have different values! Those who stand at the top determine what's wrong and what's right! This very place is neutral ground! Justice will prevail, you say? But of course it will! Whoever wins this war becomes justice!”
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EPIC the Musical
EPIC the Musical, es una adaptación de “La Odisea” de Homero, realizada por Jorge Rivera-Herrans. Este musical está teniendo mucho éxito en las redes sociales, consta de nueve sagas, tres de ellas ya publicadas, la última The Ocean Saga ha conseguido entrar en los tops de Spotify en la primera semana de su lanzamiento.
Pero hablemos de las portadas de la sagas
La primera de ellas es The Troy Saga en esta se narra la salida de la tripulación de Odiseo desde Troya, y parte de la guerra. En la portada de este álbum, vemos al conocido caballo de Troya, en el cual se infiltraron los guerreros para asediar la ciudad y en contraposición, usando colores complementarios (azul-rojo) vemos una hoguera sin humo de la que se habla en las canciones cuando llegan a la primera isla.
La segunda saga es The Cyclops Saga, narra el enfrentamiento de Odiseo con el cíclope Polifemo y lo engaña diciéndole que su nombre es “Nadie”. La portada de esta saga es mucho más oscura que la anterior, acorde con las canciones, además vemos el uso de la gama de rojos y naranjas, en el diseño muestra el ojo del cíclope y los dientes, se conecta con la portada anterior en dos puntos, visualmente la hoguera de la que se hablaba antes aparece en el ojo de Polifemo y sobre todo y más importante la letra.
La tipografía utilizada en ambas sagas en la palabra EPIC, es un tipo de letra con serifa pero lo que es curioso es la C que forma una ola, destaca porque en estas sagas no se pasa mucho tiempo en el mar y la diosa que aparece es Atenea. Pero, habiendo escuchado la última saga que se ha publicado The Ocean Saga parece ser que este tipo de letra era un avance de lo que nos esperaba, una saga narrada por completo en el mar y con la aparición del dios del mar, Poseidón.
En esta portada volvemos a los colores complementarios en contraposición con la anterior, vemos a los barcos ser azotados por una tormenta y en el cielo la isla flotante de la diosa del viento.
Destacamos la letra de nuevo, a pesar de que se sigue insinuando la ola, está separada de la C, y a pesar de que es un tipo de letra con serifa es completamente distinta, más afilada, sobre todo en la E.
Esto nos lleva a pensar, está presagiando algo sobre la siguiente saga, sabemos que se va a tratar de la llegada a la isla de Circe, así que solo nos queda esperar y ver que sorpresas nos depara la nueva saga.
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La "simplicidad" en logos
¿Por qué todas las marcas están rediseñando su logo?
Cada vez más vemos que las marcas están cambiando su logo hacia una tendencia más minimalista. La simplicidad, la claridad y la elegancia se han convertido en las piedras angulares de la identidad visual de muchas marcas.
Ojo, hablamos de minimalismo, pero no nos referimos a quitar elementos, es más bien, capturar la esencia de una marca en su forma más pura y simple posible. Este tipo de logos buscan transmitir un mensaje claro y directo.
Vivimos en un mundo donde la información es una constante, estamos todo el tiempo recibiendo información de todas partes, por lo que cuanto más compleja es más cuesta procesarla por lo que al optar por un logo más simple va a ser más fácil para los consumidores retenerlo y asociarlo.
Pero no solo esto, para las marcas es mucho más útil tener un logo que ya está vectorizado porque para el tema online se puede reducir o ampliar el tamaño y no hay peligro de que no se vea o se pixele, desde la foto de perfil de instagram hasta una valla publicitaria gigante.
Esta tendencia no parece que se vaya a quedar aquí, sino que sigue siendo una fuerza dominante, las marcas están descubriendo cómo son capaces de comunicar más con menos. Sobre todo se busca quitar ruido innecesario, para que su marca llegue directamente a los consumidores.
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¿Colores?
¿Nunca os habéis parado a ver el cielo y habéis pensado: “Que colores tan bonitos”?
Yo también, vemos la vida a través de colores o de la falta de ellos. Notamos cómo cambian, cómo se mueven y afectan a nuestros sentimientos pero… ¿De qué color es la alegría? ¿De qué color es la tristeza? ¿La furia? Si le preguntamos a Disney, parece que lo tiene claro.
Pero… ¿De qué color ves a tu mejor amiga? ¿Y a tus padres?
Mi amiga es rosa, siempre ha sido rosa, desde el primer momento que la conocí.
El rosa es cálido, más claro que el rojo, luminoso y alegre, es un color lleno de vida, alegre sin estridencias. Son tonos frescos, se asocia con lo nuevo y suele resultar inspirador, no es de extrañar que esté asociado con la creatividad y la belleza. Este tipo de colores cálidos también se asocian con emociones fuertes, la impulsividad o la ira. Y por muy opuesto que suene con la sensibilidad, la dulzura y el amor.
Ella es rosa, es amabilidad, es emociones sin freno, es quien da vida a una habitación y con quien te sientes como en casa incluso fuera de ella.
Siempre la he asociado con el rosa, de manera inconsciente, pero los colores tienen más significado que solo un adjetivo.
Los colores transmiten emociones y son una herramienta que hay que comprender y saber utilizar para llegar a la gente.
Si quieres transmitir pasión y utilizas de color principal el azul estas generando una contradicción en la mente del recpetor.
Por esto no nos suena raro decir que pensamos en colores, incluso en gamas, es común hablar de colores cálidos o colores fríos, incluso de manera inconsciente ¿De qué color son las paredes de tu casa? ¿Por qué? ¿Por qué hay veces que entramos a un sitio y decimos: “Uf, esto parece un hospital”? La mayor parte de las veces es porque las paredes son blancas.
Sin duda uno de los ámbitos en los que más se utiliza la denominada “psicología del color” es el del marketing y la publicidad. Es habitual creer que las decisiones que tomamos tras un análisis racional, pero no, las empresas piensan en cómo piensan sus consumidores, que colores les atraen, qué colores van a identificar con la marca, que color va a destacar, que les va a llamar la atención… Y miles de detalles que hay en los puntos de venta de los cuales no nos damos cuenta pero influyen significativamente en la toma de decisiones.
Como conclusión el uso de los colores no es aleatorio, incluso si lo parece a simple vista, siempre hay un razonamiento, una teoría de la psicología del color detrás.
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KISS DRY and SOLID
Kiss dry and solid. ¿Qué? Parece una frase sacada de Pinterest para una publicación de instagram del 2012 ¿Verdad?
Pero no lo es (Sorpresa!!), estas tres palabras hacen referencia a los principios del diseño.
KISS
Keep it simple, Stupid!, Manténlo simple, ¡Estúpido!, es una norma que no solo se dedica insultar a todo el que lo lea, es una filosofía para la vida que aboga por la simplicidad.
En un mundo cada vez más saturado y complejo, donde no hay espacio para respirar, la normal KISS se vuelve crucial.
Se trata de simplificar las cosas hasta su forma más básica y efectiva, eliminando esa complejidad, a menudo innecesaria que puede obstaculizar el progreso.
DRY
Don’t Repeat Yourself, No te repitas. ¿A quién no le ha pasado que no deja de hablar para evitar un silencio incómodo? Siento ser yo quien os lo diga: No funciona. Cuanto más hablas más lias a las personas que te escuchan, se eficiente en tus explicaciones, una vez es más que suficiente.
En el diseño pasa igual, leer un cartel y que ponga la misma cosa más de dos veces… Uf, qué aburrimiento.
¡Evita la redundancia!
SOLID
Este representa 5 principios fundamentales (Unos poquitos ¿Eh?)
Single responsibility principle: Cada elemento debe cumplir una función específica, poner cosas por poner no sirve.
Open/Closed principle: ¡Adaptate! Con sinceridad ¿Por qué trabajar dos veces en vez de una? Crea diseños que se puedan adaptar a diferentes contextos.
Liskov principle: Los elementos no pueden comprometer la coherencia del diseño. La posibilidad de cambiar componentes sin que la integridad estética.
Interface segragation pirnciple: Para gustos colores ¿No? No. Busca cosas que se adapten a todos los públicos sin perder su funcionalidad.
Dependency Inversion Principle: Volvemos a lo de antes. No trabajes dos veces. Diseña de manera que puedas incorporar nuevas ideas, permitiendo que diferentes componentes dependen de abstracciones en lugar de detalles concretos.
Por resumir, es el clásico: Menos es más. No trates de sobrecargar tu vida por muy atractivo que pueda parecer, porque al final lo único que consigues es generar ruido a tu alrededor.
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¿Qué está pasando con los libros de fantasía?
Actualmente en la industria editorial, más concretamente en los libros de fantasía se están viendo una serie de patrones que voy a dividir en: Palabras, tipografía y diseño. Palabras: Haciendo referencia a una serie de palabras que se repiten en los títulos de los libros, por ejemplo: Kingdom (Reino), Kingdom of the wicked, The crooked kingdom, Kingdom of ash, Kingdom of flesh and fire.
Blood (Sangre): From blood and ash, The blood trials, Bloodmarked, House of earth and blood…
Shadow (Sombra): A shadow in the ember, Queen of shadow, Shadow and bone, The Shadow between us… Y muchos más como: corte, rey, reina, ceniza, corona…
Además hay una estructura muy popular que es: nombre de nombre y nombre, lo vemos en títulos como: Una corte de rosas y espinas, Casa de cielo y aliento, Casa de sal y lágrimas… Pasando al tema de la tipografía, hay muchas portadas que utilizan los mismos tipos de letras con alguna pequeña variación, voy a hablar de tres ejemplos muy populares.
La primera es: Yana
La segunda es: Artisan
La tercera es: Cincel decorativo
Aquí podemos ver la tendencia a las letras con serifa y adornadas. Por último, el diseño de las portadas. Aparecen una serie de elementos repetitivos: serpiente, espada, corona, rosas…
También se está viendo un uso de la técnica de comparación que consiste en oponer elementos: Furyborn, Gallant, Una magia más oscura, La corte de los milagros…
En conclusión, todos los libros están siguiendo las tendencias de moda, desde las palabras que usan hasta las fuentes tipográficas y el diseño de las portadas, por una simple razón, el target. Este tipo de libros está dirigido a un nicho de mercado muy concreto, por lo que utilizan estos elementos, más que para diferenciarse de su competencia, para que sus lectores los identifiquen por lo que son de un solo vistazo.
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El castillo ambulante y las corrientes artísticas
El castillo ambulante es una película del estudio Ghibli, conocida por su estilo característico. Su estreno fue en 2004, y fue dirigida por Hayao Miyazaki. El público no solo es testigo de un espectáculo visual, sino que cuenta con relatos llenos de magia y emociones y enseñanzas que nos acompañan durante toda la vida.
Si estas películas destacan por algo es por la belleza de sus planos, sobre todo en el caso de esta película, influenciada por estilos que van desde el Art Nouevau del siglo XIX hasta el Steam Punk, pasando por el estilo de decoración gótico clásico.
Pero, ¿Dónde vemos todo esto? Bueno, a lo largo de la película hay escenas y elementos que nos recuerdan a estos estilos. Yo me voy a centrar en explicarlo en el castillo ambulante. En el interior nos encontramos con la habitación de Howl, y es probable que lo primero que nos venga la mente al verla es: "¡Oh! Cuántas cosas". Y si, resulta que no somos los primeros en pensar algo que algo es demasiado. En el siglo XIX se empezó a usar la expresión "Horror Vacui" cuya traducción literal es el miedo al vacío. Por aquel entonces se aplicaba estilos barrocos, rococó, y victorianos, que resulta que influencian sustancialmente esta película.
¿Cómo? Todos estos estilos tienen en común el maximalismo, por lo general se expresa en: colores, elementos, patrones, o materiales que cubren todo el espacio, dando personalidad a los diseños. En el caso de la obra de Miyazaki, en la habitación, vemos el gran uso que se hace de los colores rojo, verde y, amarillo, jugando con sus tonalidades y su saturación.
También aparecen una gran variedad de elementos repetitivos, flores, cristales… Que recuerdan a los patrones del movimiento del Art Nouveau que estaba surgiendo en ese mismo siglo, un ejemplo de esto serían los patrones de las sábanas. Así mismo, vemos la influencia del maximalismo en la gran cantidad de joyería que hay en la habitación, representando los valores hedonistas de este movimiento.
Avanzando un poco en el tiempo, en los años 90, aparece un estilo llamado Whimsigothic, consiste en una amalgama de elementos: místicos, plantas, cristalería, lámparas, patrones, colores, vibrantes… Crean un balance entre lo oscuro y sombrío del gótico y la diversión y suavidad de cluttercore. ¿Te suena de algo esto? Es una gran descripción de la habitación de Howl ¿Verdad?.
En contraposición con el interior, lleno de vida, plantas y luz, en el exterior nos encontramos con una corriente retrofuturista que pone su foco en la Segunda Revolución Industrial. Esto, desde luego, no es una casualidad ya que el director tiene mucha influencia de artistas como Alpes Rovira, que encaja con la mirada al futuro desde el pasado que este estilo pretende transmitir.
Esto se enlaza con la estética Victoriana de la que hablaba antes, ya que es donde suele ir ambientado el steampunk, al ser pre-eléctrico y centrarse en el vapor obliga a buscar soluciones creativas para las máquinas. Por esto vemos que cuando el castillo se desplaza suelta vapor. Además, la estética, con las ventanas redondas que sobresalen recuerda a las gafas típicas de este estilo, que son aquellas que tienen cristales redondos y remaches de metal.
Para terminar, volver a mencionar la contraposición del Castillo con todo su entorno, que parece seguir una filosofía impresionista centrada en “atrapar” la belleza, ya que los colores vibrantes son predominantes y se juega mucho con la luz. Todas las escenas de la película están bellamente adornadas y cargadas, sin perder ese aire misterioso y extravagante que dotan a la película de esta singular estética que atrae a todos aquellos que la ven.
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