#poesía expresionista | Explore Tumblr Posts and Blogs

sonyclasica · 1 year

Text

LUKA FAULISI

ARIA

El álbum Aria presenta escenas y arias favoritas de algunas de las más grandes óperas románticas, con arreglos para violín y piano de los más ilustres antepasados de Faulisi. Disponible el 3 de marzo.

Consíguelo AQUÍ

Un viaje a la ópera con Luka Faulisi En su debut con Sony Classical, el violinista Luka Faulisi nos adentra en el "mundo de los sueños" que es la ópera romántica. Entre las joyas operísticas incluidas están la Fantasía sobre Carmen de Franz Waxman (que hizo famosa Jascha Heifetz), la Fantasía sobre temas de Fausto de Gounod de Henryk Wieniawski, el arreglo de Leopold Auer del "Aria de Lensky" de la ópera Eugene Onegin de Tchaikovsky y la propia versión de Fausili de la brillante aria de Violetta "Sempre libera" de La Traviata de Verdi.

Faulisi, a quien el gran Pinchas Zukerman describió como un violinista "con un sonido de un millón de dólares", creció cerca de la Ópera Bastille de París y solía hacer cola para pedir autógrafos en la Puerta del Escenario después de ver las representaciones.

La ópera habita en un mundo ideal de mitos, con su mezcla de teatro, poesía, música y lugares magníficos", afirma el violinista italo-franco-serbio, cuyo padre siciliano solía dar serenatas en casa de conocidos éxitos operísticos.

Además de los clásicos populares, las rarezas del álbum incluyen la impresionante "Aria de Roxana" del Rey Roger, una ópera de 1924 del compositor expresionista polaco Karol Szymanowski (con arreglos de Pawel Kochanski). También se incluye la fantasía de Efrem Zimbalist sobre melodías de la ópera de hadas Coq d'or de Rimsky-Korsakov.

La narración de historias y la sensibilidad de las voces humanas constituyen el núcleo del álbum, afirma Faulisi. “Buscaba arreglos que evitaran cualquier sensación de virtuosismo gratuito y ostentación excesiva”.

En un extraordinario giro del destino, Faulisi tuvo la oportunidad de grabar con el pianista Itamar Golan, después de que ambos músicos se encontraran aislados durante la pandemia de Covid-19. Las grabaciones de Golan con el gran violinista Maxim Vengerov fueron de los primeros sonidos que oyó Faulisi, pues su madre se las ponía para que las escuchara cuando aún estaba en el vientre. Tocar con Itamar me inspiró y aprendí mucho", dijo el violinista.

Luka Fausili fichó por Sony Classical en 2022 con solo 20 años. Estudió en el Conservatorio de Maastricht con Boris Belkin y ahora en la Academia Lorenzo Perosi, Biella, Italia, con Pavel Berman. TRACKLIST

Carmen Fantasie: Prélude – Habanera

Carmen Fantasie: Air des cartes

Carmen Fantasie: Sous les remparts de Séville

Carmen Fantasie: Coda

Eugene Onegin: Lensky's Aria

Fantasia on Themes from Gounod's 'Faust', Op. 20: Introduction

Fantasia on Themes from Gounod's 'Faust', Op. 20: Valentin's Aria

Fantasia on Themes from Gounod's 'Faust', Op. 20: Mephisto

Fantasia on Themes from Gounod's 'Faust', Op. 20: Il se fait tard, adieu!

Fantasia on Themes from Gounod's 'Faust', Op. 20: Waltz

Król Roger: Roxana's Song

Libiamo, ne' lieti calici

Addio, del passato

Sempre libera

Finale

Concert Phantasy on 'Le coq d'or': Prologue

Concert Phantasy on 'Le coq d'or': Hymn to the Sun

Concert Phantasy on 'Le coq d'or': The Tsar's Dream

Concert Phantasy on 'Le coq d'or': Wedding March

Concert Phantasy on 'Le coq d'or': Epilogue

#luka faulisi

0 notes

cmatain · 1 year

Photo

«El estilo [de _Poeta en Nueva York_] participa de una compleja fusión —en distintos grados y cadencias— de temáticas surrealistas, rasgos expresionistas y lejanas huellas gongorinas. A partir de este diálogo múltiple, Lorca alcanza a construir un estilo propio, más próximo a una modalidad expresionista que al surrealismo, si tenemos en cuenta no sólo el énfasis en la sangre, sustancia dadora de vida o signo plástico de muerte, sino también su tono profético-visionario, desabrido y virulento, su tránsito por los pasajes frondosos del cuerpo y los instintos (la saliva, la putrefacción, el vómito, la orina) y su agria pintura de la ciudad industrializada. Resinosa y biliar, de una labrada simbología, su escritura es capaz de integrar en un solo verso el plano fonoestilístico y su dimensión icónico-visual, el más alto espíritu y las deyecciones de la carne, estremecimientos, aguas mefíticas por debajo del gran emporio. El libro exige del lector unas décimas de fiebre.» Texto: José Antonio Llera, _Lorca en Nueva York: una poética del grito_, Kassel, Edition Reichenberger, 2013, pp. IX-X. Imagen: _Poeta en Nueva York. Nueve meses en Manhattan (1929-1930)_, ilustraciones de Fernando Vicente, prólogo de Luis Alberto de Cuenca, Madrid, Reino de Cordelia, 2018. #Literatura #Generacióndel27 #Poesía #Lorca #GarcíaLorca #FedericoGarcíaLorca #PoetaenNuevaYork https://www.instagram.com/p/Cnd_fxyMFfA/?igshid=NGJjMDIxMWI=

#literatura #generacióndel27 #poesía #lorca #garcíalorca #federicogarcíalorca #poetaennuevayork

0 notes

palabras-marginadas · 4 years

Text

Decirle adiós a su aroma quizás fue la cuestión más complicada, pues las imágenes son efímeras y a veces fugaces, ¿pero un olor? El olor correcto puede traspasar cualquier barrera e instaurarse en tu cuerpo y tu memoria por siempre. Tantos que matarían por el aroma correcto, y cuántos en definitiva lo han hecho. Seguramente eso fue lo que primero me enganchó a ti.

Tu tacto sería lo segundo, esas manos inquietas que nunca podían quedarse en reposo, igual que las mías. Claro, las tuyas creando una manta invisible sobre mi cuerpo, mientras que las mías solo servían para autodestruirse y mostrar el pánico de mi alma personificado.

Si tuviera que elegir, siempre volvería a ese martes en el que la escuela pasó a un segundo plano y como un par de vándalos, nos fuimos de la primera clase, Biología, para quizás ver de otra manera la lección nueva de anatomía, fusionados en un enredo de cabello y olores en la parte trasera del viejo carro de tu padre. Ese día no solo nos vimos por primera vez como éramos, sin tapujos ni extravagancias, sino que descubrimos el universo tan extenso que vivía en la mente de cada uno.

Eras como una pintura expresionista, con demasiados trazos de diferentes colores que parecían sacados de otro mundo, pero que realmente eran cómo tú ves la realidad, siempre tan fantástica. Como alguna vez leí en un viejo libro de poesía de mi madre: “la angustia existencial no es más que el principal motor de la verdadera estética”. Eso eras, convertías dolor en alegría. Cogíste las heridas de mis brazos y de ellas lograste hacer crecer todo un campo de girasoles y margaritas.

Cumpliste todos y cada uno de los requisitos que mi mente pedía para finalmente bajar ese muro que existía desde que tenía memoria. El miedo se volvió un propulsor más, y gracias a tí, aprendí a ver al temor como el mejor de los combustibles, pues al vencerlo se pueden crear miles de nuevas posibilidades y llegar a lugares que antes parecían imposibles.

Eras todo y más, y fue por eso que una noche te pregunté por qué me habías elegido, y sin más, tuve la respuesta. No me habías elegido, yo te había elegido a ti. Más bien, te había creado como un simple pasatiempo hasta que ya eras tan indispensable que me acompañabas a todas partes. Eras la suma de todos los recortes de revistas que había hecho en mi adolescencia. Eras el pelo desordenado de manera perfecta, una nariz respingada y pecas por toda tu cara. Eras un cuerpo menudo pero a la vez alargado. Eras las formas extrañas en que se movían tus brazos. Pero más importante, eras tus pensamientos, que siempre hacían lo que yo quería que hicieran.

Había creado una especie de experimento de transplante de partes, donde tu eras el reluciente resultado final, todo un muñeco coleccionable para cualquiera con mis deseos y problemas, vacíos.

Eras todo y eras nada, porque no eras real.

Eras todo y eras nada, porque un día en clase de dibujo te pinté con un fino carboncillo naranja, y desde ahí nunca te volviste a ir.

Eras todo y eras nada, y en cuanto lo supe inmediatamente entendí qué debía hacer.

Decirte adiós no fue fácil. No tenías que ser real para que mi mente me jugara una mala pasada, y lo hizo. Ya tenía todo un camino donde tu y yo pisabamos las marcas en la arena que yo ya había dibujado. La idea de ti me consumía día y noche, todo tenía relación a ti y eras el tema número uno sobre el que siempre quería hablar. Por eso fue difícil decirte adiós, porque eras todo lo que quería y tenía miedo de nunca llegar a obtener.

Eso eras: una bella pintura expresionista. Al final, yo no estaba equivocada del todo.

Al finalizar esa obra de tanto tiempo en el proceso, te colgué en la pared de mi cuarto y por primera vez te vi como lo que eras: mi imaginación. Ahora era tiempo de salir del límite de mi cabeza y seguir, seguir en búsqueda de ese alguien que rompiera ese hilo tan delgado que separa la realidad de la ficción, rompiendo los muros que construí por miedo a no vivir una historia perfecta.

Pero...qué más da, la perfección está sobrevalorada de todas maneras.

#versos #literatura #escritos #poes?a #soledad #desamor #amor #tumblr #escrito #escribir #español #triste #romantico #arte #adios #despedida #monologo #frases de libros #libro #libros

32 notes · View notes

carlosssmh · 4 years

Text

(1) Este poema odioso y cursi es, sin duda, el que más me ha emocionado nunca...

¡Oh, ama mientras te sea posible amar!

¡Oh, ama mientras puedas amar!

La hora llegará, la hora llegará

en que te hallarás gimiente al borde de la tumba.

Y vela por que tu corazón arda

y encierre y alimente el amor,

mientra a él otro corazón responda

en el amor y cálido palpite.

Y al ser que te abra su pecho,

¡dale, por amor, todo cuanto seas capaz!

Hazle felices todas sus horas,

ninguna se la hagas triste.

¡Y cuida bien lo que dices!

Una palabra hiriente se dice en un instante.

Oh, Dios, no había en ella mala intención,

pero el otro se aleja lamentándose.

(Ferdinand Freiligrath)

Insisto que no me gusta un pelo... y llevo unos días recordando este pringue a cuenta de una película de Tarantino, "Malditos Bastardos", con su fulminante escena de la taberna... ¿Puedo explicarlo?

(2) Sigo con el poema rijoso, ese espanto que sin embargo me conmueve tanto.. ¡Venga!

Otro motivo por el que la coplita resta en lugar de sumar en la escala de J. Evans Pritchard, doctor en filosofía, para entender la poesía, es que inspiro la más popular obra de Liszt, el Nocturno nº 3, basado en una canción del mismo compositor, con el texto como letra e igual de remilgado.

Ferdinand Freiligrath era un intelectual muy popular en su época, en la Alemania del romanticismo. Fue fiel amigo de Carlos Marx, que apreciaba sinceramente su obra. Aunque finalmente, el poeta hizo ese extraño viaje desde el socialismo al nacionalismo... Suyo es un belicoso verso sobre de la bandera del país: "¡Negra es la pólvora, Roja es la sangre, y Dorada palpita nuestra llama!"... Bueno, el caso es que en la avenida de Hamburgo que lleva su nombre nació otro poeta, Hans Leip, autor de la letra de otra canción muy popular, "LILI MARLEEN"

La cosa va tomando forma, ya tenemos a Diane Krujer haciendo de una famosa actriz alemana de los 30 y a Lili Marleen... Id sumando (¡!)

youtube

(2,5) Como hemos juntado ya a las actrices alemanas de entre-guerras y al novelista alemán Hans Leip, ya tenemos solucionado parte del enigma, pues de la canción Lili Marlene, repudiada por los Nazis por melancólica y derrotista, cuya letra fue compuesta por Leip a partir de su incapacidad para decidirse por su novia charcutera (Lili) o la hermosa enfermera que curaba sus heridas de guerra (Marleen), fue también muy popular en la voz de cierta actriz exiliada, una tal Dietrich...

Yo desarrolle un gusto por Marlene Dietrich muy jovencito, a partir de esa canción; pero, sin duda, es esta que comparto una de mis canciones favoritas de todos los tiempos... se titula Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt (!!!), algo así como "Enamorado de pies a cabeza"...

youtube

(3) Ignoro que pensará el expresionista cantante after-punk Peter Murphy, hoy por hoy, que ya va para viejo el hombre, cuando interpreta en sus conciertos esta canción... Al fin y al cabo habla del ocaso de los dioses y de un último momento de debilidad y su generación ya tiene los dos píes en ese periodo de la vida de un artista que ha sido hermoso en el que es fácil dejarse caer en la melancolía por el paraíso perdido.

En 1989, en un muy popular disco del cantante (bueno, popular en según que círculos, de acuerdo), Peter Murphy escribía unas herméticas estrofas sobre Marlene Dietrich, en las que pone en voz de la actriz los versos de Freiligrath:

"Derrama cálidas lágrimas mientras recuerda sus lineas favoritas: -Perdona el daño que te he hecho, no te marches con el corazón roto".

https://youtu.be/n9y4AHemqKA

Aunque solo sea por esta canción, el poema, penoso poema, de marras, se hizo con un pedazo de mi alma; pero esta es solo la guinda del pastel.

(4) Finalicemos. Este es el verdadero motivo de que considere que el poema "¡Oh, ama, ama tanto como puedas!" del poeta aleman Ferdinand Freiligrat, un vergonzoso texto lleno de sentimentalismo, sea el que más me conmueve:

Quienes estuvimos atentos a estos temas, pudimos disfrutar a mediados de la década de los años 80, de un documental perfecto sobre la actriz y cantante Marlene Dietrich, realizado por el también actor, el austriaco Maximiliam Schell. El compromiso de la diva era dejarse entrevistar a condición de no aparecer en ningún plano realizado para el film, que solo dispondría de material de archivo. Así las imágenes de sus éxitos eran comentadas con dureza y sarcasmo por una amarga Dietrich, anciana pero, genio y figura, muy, muy borde. Schell estaba desesperado con ella; pero finalmente, de forma casual, el recuerdo de la madre recitando "El poema favorito de Marlene Dietrch", quebró la voz y arranco sollozos a la entrevistada. Quedó como epilogo de la película y de su vida, un poso de derrota y tristeza. (Es obvio que a Peter Murphy también le llegó el mensaje).

No lo he encontrado subtitulado, pero aquí está el plano y el audio; así se hace pedazos una estatua de mármol:

https://youtu.be/fqJiNaXoq1Q

#Marlene Dietrich #Peter Murphy #Maximiliam Schell

5 notes · View notes

geralar · 4 years

Text

Casa giratoria, 1921 por Paul Klee.

Paul Klee (1879-1940) fue un pintor alemán expresionista, aunque lo complementaba con el surrealismo y la abstracción. Llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, llegando a enseñar la teoría del color en la Escuela de la Bauhaus. Klee trabajaba el óleo, la acuarela, la titan y otros materiales combinándolos en un sólo trabajo que frecuentemente aludían a la poesía, la música y los sueños, incluyendo en varias ocasiones palabras o notas musicales.

La Casa Giratoria Thyssen-Bornemisza fue pintada durante los primeros meses de Klee en la Bauhaus, donde enseñó de 1921 a 1931. Durante esos años, influenciado por el ambiente constructivista en la escuela, Klee tendió a una mayor geometrización en su trabajo, aunque su temperamento y la espontaneidad creativa lo puso en guardia contra cualquier forma de constructivismo puro. En la pintura actual aborda el tema de la ciudad, que consideraba el lugar donde el hombre modifica la naturaleza, y donde prevalecen la ley y el orden. A primera vista, vemos una imagen deliberadamente ingenua que se asemeja a la pintura de un niño, en la que las formas arquitectónicas se han reducido a sus elementos esenciales. Además, Klee, en su rechazo persistente de la perspectiva tradicional, evita el punto de vista único y, como se encuentra con frecuencia en su trabajo, utiliza una gran cantidad de ángulos de visión que empapan la imagen en numerosas ambigüedades visuales. Como tendemos a considerar la arquitectura como algo estático, estable y constructivo, nos sorprende la introducción de Klee de un elemento dinámico en la concepción geométrica de las casas, haciendo que giren alrededor de un centro, como si imitaran la rotación de una rueda. Este dinamismo hace que sus arquitecturas vivan en lugar de ser estáticas; inestable en lugar de estable; e intuitivo en lugar de constructivo.

El celo incansable de Klee por la experimentación lo llevó a emplear medios artísticos no convencionales. En este caso, ha montado en el soporte de papel un trozo de tela fina de queso, que se ha recogido con bastante soltura para crear un efecto de tridimensionalidad que aumenta aún más por la irregularidad de los bordes de la tela. Los colores se aplican libremente y de manera desigual en capas finas, sin cubrir toda la superficie. El tejido de la tela es visible en algunas partes de la pintura y en otras, donde se absorbe la pintura, crea un efecto intencional de textura que, junto con el uso de una gama de tonos terrosos, imita las propiedades de la arena y la arena. cemento. Impulsado por su deseo de relacionar el tema representado con el medio empleado para explorar la naturaleza de las apariencias, el artista logra reproducir en la pintura los materiales con los que se construirían estas casas en la vida real.

La ambigüedad irracional de Klee fue aplaudida tanto por los dadaístas como por los surrealistas, pero su mundo mágico no era en absoluto onírico. Al mismo tiempo, su relación con la abstracción geométrica lo ha convertido en uno de los pioneros de la pintura abstracta, a pesar de que su obra no es en absoluto abstracta y siempre estuvo en constante "diálogo con la naturaleza". No debe olvidarse que para Klee el arte fue una "metáfora de la creación" y rechazó la aspiración artística tradicional de imitar la naturaleza a favor de intentar explicar cómo funciona la naturaleza. Su ensayo Creative Credo, escrito en 1918 y publicado en 1920, comenzó precisamente con la famosa declaración:

"El arte no reproduce lo visible: más bien lo hace visible ”

(paulklee.net)

1 note · View note

elmartillosinmetre · 5 years

Text

La música que se interroga

[Luciano Berio (Imperia, 1925 - Roma, 2003)]

La editorial Acantilado publica seis conferencias leídas en Harvard en el curso 1993-94 en las que el compositor Luciano Berio desveló algunas de las claves de su pensamiento musical

En el mundo de la composición de la segunda mitad del siglo XX, dominado por los postulados de Darmstadt, Luciano Berio (Imperia, 1925 - Roma, 2003) se singulariza por una preocupación muy especial por el pasado y la memoria. Los jóvenes impulsores del serialismo integral pretendían (por boca de Boulez) haber matado a Schoenberg, siempre contaminado por la tradición expresionista (luego, romántica) alemana, y se agarraban a Webern, cuya concisa abstracción les parecía el único camino posible para una música que deseaban alejada del reciente y ominoso pasado, ya que, en palabras de Adorno, tras Auschwitz no era posible la poesía (ni la melodía). "La nueva música ha asumido para sí toda la oscuridad y la culpa del mundo. Toda su dicha procede de reconocer la desdicha; toda su belleza, de rechazar la apariencia de lo bello", dejó escrito el filósofo alemán. En Boulez latía el deseo de empezar de cero, de encontrar un lenguaje que no debiera absolutamente nada al ayer. Stockhausen, por su parte, pretendía hacer de cada obra un experimento que fuera radicalmente diferente al anterior.

Berio en cambio hace de la memoria y de la historia el ancla en la que sostener su mundo creativo. Por supuesto, eso no significa una vuelta al pasado, pues la música, como arte interpretativa, está en continuo progreso. Para Berio, "las técnicas interpretativas, los instrumentos musicales e incluso los espacios en que se interpreta la música, son lugares de la memoria". Desarrolla Berio al respecto una idea del tiempo que conecta con la que ha expuesto en sus conferencias el madrileño Alfredo Aracil, quien habla de tiempo-burbuja para definir ese movernos sin barreras por la historia musical, atrás y adelante, que nos permite hoy la tecnología. En palabras de Berio: "...en las estanterías de nuestro espacio musical, el pasado y el futuro, el antes y el después, son realidades relativas e intercambiables". Para el compositor italiano, "la historia de la música occidental parece desarrollarse mostrando un interés, que es sólo ocasional, por su secuencia cronológica". Pero existe una distancia entre la experiencia estética y los recorridos imprecisos de la historia, lo que "nos permite una saludable e imparable manipulación de la memoria".

El catálogo de Berio refleja estas preocupaciones. Ya en sus primeras obras de los años 40 recurre a la música popular, aun lejos de lo que con el tiempo asumiría de su admirado Bartók, es decir, esa forma de mimetizarse con el pueblo hasta el punto de que ya no es necesario citar ni transcribir las melodías tradicionales, sino que pueden inventarse. Algunas de aquella piezas primitivas acabarían incorporadas a sus Folk Songs de 1964, una de sus obras más célebres, en la que junto a armonizaciones de piezas realmente populares se camuflan ya composiciones del propio Berio y de cantautores americanos. Admirador de Joyce y de Mahler, hay en el concepto de memoria de Berio algo de la memoria joyceana, algo del universo sinfónico de Mahler, esa idea de darle forma coherente a elementos heterogéneos, aportes abigarrados, que en Berio superan siempre con mucho la mera idea del collage: "La música debe ofrecer muchas capas de significación; la música ha de enseñar a descubrir los caracteres y los elementos más alejados entre sí".

[Cathy Berberian, primera esposa y dedicataria de muchas obras de Berio]

El tercer movimiento de su Sinfonía (1968), escrita para ocho voces amplificadas y orquesta, es un homenaje, un comentario al scherzo de la Sinfonía nº2 de Mahler. Berio utiliza la música de Mahler como soporte en el que se encajan citas explícitas de Beethoven, Schoenberg, Debussy, Ravel, Strauss, Berg, Stravinski o Boulez junto a textos de Samuel Beckett, Claude Levi-Strauss o eslóganes del Mayo francés. El torrente original del scherzo mahleriano deviene así en una corriente integradora en la que la voz, los instrumentos, los textos, las citas (repito: explícitas, perfectamente reconocibles) crean un universo propio que asume y recrea la historia. En aquellos años 60, Berio estuvo muy interesado por este tipo de experiencias, por hallar diversos grados de continuidad entre esos elementos que a menudo incluían también la electrónica. Detrás de ellas estuvo a menudo la voz peculiar de la que fue su primera esposa, la extraordinaria mezzo americana Cathy Berberian, para quien Berio compuso las Folk Songs, Circles (1960), basados en tres poemas de e. e. cummings, y Visage (1961).

Berberian fue también la dedicataria de la tercera de sus Secuencias, un ciclo de obras para instrumentos solistas (y voz femenina en el caso de la número 3), escrito entre 1958 (flauta) y 2002 (violonchelo), con variantes y revisiones y como puertas para otro tipo de composiciones, Chemins, escritos para diversos conjuntos instrumentales a partir de las Sequenze (1964-1980, también con variantes). Se reúnen aquí varias constantes de la obra de Berio, la cita, en este caso de música propia, pero también la concepción de opera aperta, que le debe tanto a su amigo Umberto Eco, y la del virtuosismo, que no es sólo un virtuosismo de la técnica y la agilidad manual, sino un virtuosismo de la mente y el espíritu, pues "el único tipo de virtuoso aceptable hoy en día es el virtuoso sensible e inteligente".

Acantilado acaba de publicar la traducción de seis conferencias que Berio dio en la Universidad de Harvard en el curso 1993-94 como titular de la cátedra de poética Charles Eliot Norton, creada en 1926 y en la que se alternan anualmente desde entonces grandes personalidades de la cultura. Por ella pasaron antes que él Igor Stravinski, John Cage, Leonard Bernstein, Italo Calvino o Umberto Eco, con quienes tanto se relaciona su figura. En esas seis conferencias, Berio plantea muchas de estas cuestiones desde este irrenunciable punto de partida: "Me gusta leer o escuchar la música que se interroga a sí misma, que nos interroga e invita a una revisión constructiva o, incluso, a una suspensión de nuestra relación con el pasado, y a su descubrimiento cuando se la piensa en términos cuyas huellas conducen a caminos futuros".

Memoria, historia, interpretación, transcripción, work in progress, tecnología, análisis, poética, semántica, ópera, teatro... se imbrican en un pensamiento musical que nos interroga y nos exige, como lectores y como consumidores de música, como en ese final enigmático de Un re in ascolto, ópera que Berio escribió entre 1979 y 1983 sobre textos de Italo Calvino, unos versos que dan título a este volumen: "La memoria custodia el silencio / recuerdo del futuro la promesa / ¿qué promesa? Esta que ahora llega / a rozar con el linde de la voz / y te esquiva como el viento acaricia/la oscuridad en la voz el recuerdo / en penumbra un recuerdo al futuro".

[Diario de Sevilla. 13-05-2019]

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY

1 note · View note

heraclito71 · 6 years

Text

Imaginemos a un arquero con la intención concreta de dirigir su flecha hacia un objeto, hacia un blanco. Si el mundo fuese únicamente matemático, podría decirse que conociendo la distancia, la velocidad con que sopla el viento y ciertas circunstancias materiales de su entorno, podría describir matemáticamente el ángulo requerido para un eficaz lanzamiento de la flecha. Pero en la vida real eso no se da, pues en la urgencia de lanzar su flecha está siempre implícito el riesgo de fallar y morir en manos del enemigo.

¿Por qué? Porque además de la lógica de la matemática, nuestro arquero también cuenta con el conocimiento de la virtud de los materiales con que fueron hechos el arco y la flecha. Es decir, la relación que tuvo el arquero con su arco, el tiempo invertido en la práctica, finalmente le dan la maestría y la experiencia para calcular el ángulo con el cual habrá de lanzar la flecha.

El conocimiento lógico y, por tanto, matemático, puede ser fácilmente expresado a través de un lenguaje numérico ó alfabético. No ocurre lo mismo con el conocimiento que le brinda al arquero su relación con el arco, pues si quisiera expresarlo, tendría que ayudarse de elementos simbólicos, es decir, de un mito, de una metáfora, de un dibujo, del arte, de la poesía, etc. Por esa razón Lacan afirmaba que el lenguaje no sirve para informar sino para evocar, es decir, hablaba de la función poética más que representacional o expresionista del lenguaje. Descombes lo dijo así: no hay primero una situación vivida y una necesidad imperiosa de expresarla, de donde derivaría la invención de una forma de expresión correspondiente a esa vivencia. De ahí ¿Cómo enunciar lo imprevisto?

En fin, con todo esto, lo que quiero decir es que la evidencia no puede "echar a patadas" al mito, o viceversa, si antes no se comprende la relación que uno y otro conocimiento tienen acerca de un hecho. Así mismo, nuestro arquero puede "salvar el pellejo" gracias a que no ignora ni a uno ni a otro.

#jacques lacan #vincent descombes #arquero #popocatepetl #lógica #mito #lenguaje #filosofía #textos en español #heráclito 71

55 notes · View notes

ochoislas · 2 years

Text

EL ÁRBOL

Junto al foso anegado, en la pradera, se alza un roble vetusto y desgarrado, que mordió la tormenta, vació el rayo. Zarzas y ortigas le hacen corro fosco.

Una borrasca se arruma a la tarde. Señero en el bochorno, azul, del viento intacto, ciñe corona de vanos relámpagos que en silencio fulguran contra el cielo.

Revuelan bajo en torno golondrinas. Precipitosos quiebros de murciélagos ciñen el yerto gajo fulminado que le apunta en la frente: palo de horca.

¿Qué piensas, árbol, por filo la noche con la tormenta? ¿Charla de la siega, cuando en la siesta la ronda hace el jarro, yacen hoces tiradas por la yerba?

¿O quizá pienses cómo en tiempo viejo viste colgado un hombre de tu cima, retortijar las piernas, soga al cuello, la lengua azul pendiendo de la boca?

¿Piensas los años que arrostró el invierno, por diversión bailando con el cierzo, y —tal badajo que royó la roña— cuál contra un cielo de peltre batía?

DER BAUM

Am Wassergraben, im Wiesenland Steht ein Eichbaum, alt und zerrissen. Vom Blitze hohl, und vom Sturm zerbissen. Nesseln und Dorn umstehn ihn in schwarzer Wand.

Ein Wetter zieht sich gen Abend zusammen. In die Schwüle ragt er hinauf, blau, vom Wind nicht gerührt. Von der leeren Blitze Gekränz umschnürt, Die lautlos über den Himmel flammen.

Ihn umflattert der Schwalben niedriger Schwarm. Und die Fledermäuse huschenden Flugs, Um den kahlen Ast, der zuhöchst entwuchs Blitzverbrannt seinem Haupt, eines Galgens Arm.

Woran denkst du, Baum, in der Wetterstunde Am Rande der Nacht? An der Schnitter Gered, In der Mittagsrast, wenn der Krug umgeht, Und die Sensen im Grase ruhn in der Runde?

Oder denkst du daran, wie in alter Zeit Einen Mann sie in deine Krone gehenkt, Wie, den Strick um den Hals, er die Beine verrenkt, Und die Zunge blau hing aus dem Maule breit?

Wie er da Jahre hing, und den Winter trug, In dem eisigen Winde tanzte zum Spaß, Und wie ein Glockenklöppel, den Rost zerfraß, An den zinnernen Himmel schlug.

Georg Heym

di-versión©ochoislas

#Georg Heym #literatura alemana #poesía expresionista #árbol #horca #siega #di-versiones©ochoislas

2 notes · View notes

rafaelvolta · 3 years

Text

Septiembre 2021

El ocio de Septiembre fue muy básico en cuanto al cine. La buena noticia es que un poema y un cuento mío fueron publicados en antologías.

Las antologías del premio municipal de cuento Nacho Padilla son el verdadero termómetro de la narrativa queretana. Recomiendo que las consigan de manera gratuita en la Secretaría de Cultura del Municipio de Querétaro o las pidan prestadas en las bibliotecas de la ciudad.

¿Qué leí? 1.- Antología Premio Municipal de Cuento 2019 Ignacio Padilla 2.- Antología Premio Municipal de Cuento 2020 Ignacio Padilla 3.-Cuentos Breves de Horror para seres ocupados. Ángeles Ortiz Espinoza 4.- Morgue y otros poemas expresionistas de Gottfried Benn 5.- Yo quería llamarme Emilio, como tú, y otros poemas. Antología del taller de poesía. Editorial Grafografxs UAMEX ¿Qué vi? 1.- La venganza de los nerds. Dir. Jeff Kanew 2.- Drácula de Bramstoker. Dir. Francis Ford Coppola

#rafaelvolta

0 notes

praza-catalunya · 3 years

Text

Informalismo e inconformismo nas obras de Rafael Canogar

Nas décadas dos anos 50 e 60 do século pasado xermolaron contra a ditadura franquista unha pléiade de artistas, e en diferentes xéneros creativos, que agora, coa distancia dos tempos, sorprenden se pode máis e acadan estaturas sobredimensionadas ao recoñecer a valentía daquelas persoas. Entre as tebras da longa noite, por medio dos grises fascistas, tiveron un rol importante Rafael Canogar e mais todo o grupo que conformou EL PASO. Como veu “o réxime” a estas mocidades inconformistas? Aproveitouse delas?

Lito Caramés

Canogar. Dintel, 1958

Canogar. Els anys informalistes. Galería Mayoral

La gestualidad empastada con que tocaba el lienzo generando figuras disruptivas, como si se tratase de un refulgente barro negro impactado, que, a su vez, producía un efecto de violento contraluz, tal y como se nos manifiesta en sus cuadros de fines de 1950, se mantiene viva en los años posteriores, aunque se haga visible mediante cortes, desgarros, troceamientos. (...) Parece como si la energía volcánica de Canogar coagulase de una forma mineral. (F. Calvo Serraller, 2013).

A comezos deste ano 2021, Segundo Ano da Pandemia -tempos (outra volta?) de negritude cultural, de populismos estériles e de pretendidos radicalismos maniqueos-, a galería de arte Mayoral continúa co seu programa de presentar en Barcelona a artistas rachadores e innovadores dos anos 50 da centuria pasada. Artistas que polas súas creacións e polos seus compromisos sociais e políticos son quen de seguir a darnos leccións de coherencia, de integridade ética. Entre os anos 50 e 60 próximos pasados ferven baixo a ditadura franquista as necesidades de liberdade, de tronzar as cadeas do pensamento único. Bo exemplo son a aparición de dous grupos artísticos como El Paso ou Dau al Set, e obras literarias como Tiempo de Silencio, Jarama, A modo de Esperanza e mesmo Longa Noite de Pedra. Outro tanto atópase se se mira cara o cinema: Plácido, El Verdugo, Muerte de un Ciclista, Viridiana. E se é o campo da fotografía o observado, resalta con luz explosiva a obra a redor da revista AFAL (Almería) e de afeccionados como o sen par Carlos Pérez Siquier.

Como contrapunto, hogano parecen imperar as propostas exclusivistas, as confrontacións sociais, tal e como mostran opcións tan perigosas como o trumpismo e imitadores.

Rafael Canogar (Toledo, 1935) segue creando e mantendo a súa integridade consigo mesmo. Agora Mayoral presenta a exposición Canogar. Els Anys Informalistes, unha oportunidade para volver ver en Barcelona pezas magníficas daqueles anos de finais dos 50 e comezos dos 60 que tanto reflectían as preocupacións estéticas e ansias de liberdade da mocidade que se atopou vivindo nunha sociedade desfeita por unha guerra e represora pola ditadura. Unha nova ocasión para comprobar como Canogar e demais artistas albiscaban o futuro rebuscando na propia conciencia vital as respostas que lle eran negadas na realidade diaria: procurar as saídas no cotiá en branco e negro. Como escribiu o propio Canogar anos máis tarde (Espejismo y realidad, 2011): El negro es en nuestra cultura española un símbolo de luto y muerte, connotación trascendental de tránsito a otra dimensión, incógnita y misterio siempre presente en el horizonte del hombre. Hai nestas verbas alusións a Goya? E ao Cristo de Velázquez, e a certas pezas que El Greco pintara na súa cidade natal?

A mostra Canogar. Els Anys Informalistes está comisariada polo especialista Enrique Juncosa, poeta e comisario; ex-director do Irish Museum of Modern Art de Dublín (IMMA) e mais do Museo Reina Sofía, entre outros. Ten publicados numerosos traballos sobre arte, comisariado importantes exposicións (na Tate Britain, no CCCB, no Guggenheim de Bilbao) e publicado dez libros de poesía. A palabra e a imaxe sempre a carón, sempre á procura da abstracción das existencias.

Canogar. Raza, 1958

Canogar. Els anys informalistes. Grupo EL PASO

EL PASO nace como consecuencia de la agrupación de varios pintores y escritores que por distintos caminos han comprendido la necesidad moral de realizar una acción dentro de su país. EL PASO pretende crear un ambiente que permita el libre desenvolvimiento del arte y del artista, y luchará por superar la aguda crisis por la que atraviesa España en el campo de las artes visuales (sus causas: la falta de museos y de coleccionistas, la ausencia de una crítica responsable, la radical separación entre las diferentes actividades artísticas, la artificial solución de la emigración artística, etc.) (Manifiesto do grupo EL PASO, 1957).

O Grupo El Paso nace na posguerra española, alá polo ano 1957, coa intención de romper a escura noite de pedra que prohibía a expresión artística durante a ditadura de Franco. É dicir, xa nacen criticando o deserto expresivo e reivindicando a liberdade de creación. Entre os membros fundadores están os pintores Rafael Canogar, Luís Feito, Juana Francés, Manuel Millares, Antonio Saura, Antonio Suárez; os escultores Pablo Serrano y Martín Chirino, e os críticos Manuel Conde e José Ayllón. Este grupo de artistas -igual que lle acontecía aos creadores de Dau al Set en Barcelona e mais ao mangado de escultores vascos- está moi condicionado pola recen acabada Guerra Civil, pola posguerra (represións, asasinatos) e mais pola triste perspectiva que se lles ofrecía diante dos ollos se seguían en España. a unidade deste grupo informalista vén aportada polo que sufre a sociedade: a vida en gris, o dominio do negro e branco, a constrición de materiais, como se a miseria material e espiritual prohibise usar pinturas ou materiais alegres e vivos.

O poeta e crítico de arte Juan Eduardo Cirlot xa definía ao Grupo El Paso (no ano 1959) como unha tropa de xente nova (moitos entraron no grupo con menos de 25 anos) que refusaban as cores -o negro como elemento estético, definidor e manifesto de rebeldía-, que apostaron pola calidade plástica recorrendo ao emprego de escasos elementos e signo expresivos, á non imaxe e ao recurso de utilizacións reiterativas de recursos estéticos que os emparenta co ascetismo e austeridade de séculos pretéritos. Deste xeito, atopan solucións plásticas ben críticas que creadoras e creadores empregan para dar contido ético á situación persoal e social que padecen naquelas momentos por obra e graza da ditadura franquista.

Canogar, Toro de fuego, 1959

Cómpre recoñecer, tamén, que paralelamente á rebeldía antifranquista as persoas que decidiron crear obras contrarias ás propostas oficiais (realismo, arte naturalista) tiveron aliadas aquelas persoas que noutras xeografías optaron por buscar novas sintaxes expresivas. En especial a mocidade da chamada Escola de New York, coñecidos como os expresionistas abstractos (Pollock, de Kooning, Rothko, Gorky, Tobey). Estes nomes van da man de técnicas como a action painting, onde o lenzo non é precisamente un espazo sobre o que a/o artista pensa proxectar a idea que leva un tempo matinando nos seus miolos. Non. A tela é un espazo, un teatro, onde representar unha función, unha performance que nace, que se fai ao tempo que é executada. Estes artistas maduran á raxeira de tantas e tantos surrealistas europeos que se refuxiaron en EEUU antes e durante a II Guerra Mundial (Miró, Tanguy, Breton, Dalí). Por tanto o inconsciente é guieiro nos seus traballos. Desde hai uns anos está demostrado que a CIA e os gobernos ianquis estiveron por tras deses creadores, foron os seus mecenas: formar unha escuadra de artistas que se puidesen opoñer aos europeos, progresistas e tamén comunistas (Picasso, Matisse, etc.).

Os integrantes do grupo EL Paso tamén foron influenciados polos informalistas europeos (Fautrier, Burri, Wols). En concreto, no mesmo ano que se funda EL PASO en Madrid ábrese unha exposición (Otro Arte, organizada polo crítico francés Michel Tapié) na que foi doado contemplar pezas de Canogar, Feito, Millares ou Saura a carón de pinturas teatrais de Pollock, de Kooning, Tobey e tamén de informalistas europeos (Fautrier, Wols) e tamén a Tàpies, daquela no grupo barcelonés Dau al Set. Todo un luxo para aqueles anos de peche, de racionamento espiritual e cultural. (Hogano, por outras causas, estase a pasar tamén por tempos de peche social; derivará tamén a pandemia nun peche intelectual?).

A galería Mayoral xa executou nos derradeiros anos exposicións memorables sobre case todos as/os membros do grupo EL PASO. Mesmo levou a cabo unha mostra antolóxica e monográfica, hai xusto un ano, sobre a artista Juana Francés, a única muller fundadora de EL PASO. Muller artista que como tantas outras foi relegada e mesmo esquecida. O crítico Tomas Llorens afirma sobre Francés que a súa obra respira Llibertat “existencial” i individual, i també política. Con anterioridade a mesma galería da rúa Consell de Cent mostrou o sentido dramático e tráxico das creacións de Antonio Saura, moi en paralelo do que o seu irmá (Carlos Saura) facía no cinema, ou a combinada Zóbel-Chillida, ben atractiva ao afrontar dous faceres tan (a priori) dispares. A destacar, por suposto, ampla e magnífica presentación de composicións de Manolo Millares; a lectura da realidade que fixo Millares levouno a omitir as cores, a rachar o material e, na súa procura dunha saída da longa noite, a recoser e adubar as pezas co obxectivo de dar sitio á perspectiva dun mundo mellor; interpretación válida para o momento actual.

Canogar. Gallo, 1960

Canogar. Els Anys Informalistes. Enerxía e rabia

Cruzo un desierto y su secreta / desolación sin nombre. / El corazón / tiene la sequedad de la piedra / y los estallidos nocturnos / de su materia o de su nada. / Hay una luz remota, sin embargo, / y sé que no estoy solo; / aunque después de tanto y tanto no hayas / ni un solo pensamiento / capaz contra la muerte, / no estoy solo. (José Ángel Valente. Serán ceniza... en A Modo de Esperanza, 1954).

No medio da escolma de compoñentes do grupo EL PASO, Canogar ten as súas especificidades. A súa enerxía é orientada nos lenzos, primeiro pola súa aprendizaxe de Vázquez Díaz, para seguir logo polas súas preferencias ante as plásticas de grandes mestres como Velázquez e Goya, e tamén do pintor que inventou o seu propio mundo en Toledo, El Greco. Con estas varas o cesto de Canogar vai encamiñado cara a poesía, a poesía plástica. Moitas das súas pezas, algunhas exhibidas agora en Mayoral (Canogar. Els Anys Informalistes), combinan a rabia provocada por ter que vivir nunha sociedade reprimida en todos os sensos da vida cun saber traballar as cores, o simbolismo das súas formas e mais das liñas. Canogar conxuga o informalismo en futuro imperfecto, pero cunha físgoa aberta. Con anterioridade xa se foron vendo pinturas de Canogar na galería Mayoral en exposicións anteriores. Un dos casos máis relevantes e floridos é o da mostra Venezia 1958, un traballo exhaustivo sobre o pavillón español na Biennale desa cidade. Ese pavillón, organizado polas autoridades franquistas é un dos exemplos nos as lecturas son diversas: o franquismo utilizou aos artistas?, os artistas aproveitaron esa plataforma para darse a coñecer e berrar denuncias no exterior?

Agora en Mayoral está unha magnífica peza que ben podería ser o testamento artístico de Canogar daquela época: Dintel (1958). O lenzo vertical é estruturado de xeito sinxelo, con liñas verticais que mesmo convidan a pensar na lumieira de calquera porta. Liñas verticais á esquerda e dereita que fan pensar nesa abertura branca que ocupa o centro de toda a obra (futuro imperfecto?), abertura chea de luz. Por contra o que rodea o branco é só negro. Esa creación que semella pousona, reflexiva, que ben podería lembrar as pezas que daquela andaba a argallar Marc Rothko (a man sube e baixa cangada dun dos dous pigmentos exclusivo, ou branco ou negro; a xestualidade, pintar como acto teatral). E onde había estar (suponse) a pedra lumieira xurde a rabia, a rabia do pincel accionado con toda a enerxía, con brutalidade. Con isto Canogar quere eliminar o “dintel”? Quere informar de que non hai saída á represión que están a padecer?

Rafael Canogar, como todos os compoñentes de EL PASO (e moitos outros) emprega moito, moito a cor negra, en clara alusión á ditadura, aos tempos de tebras e pedra que viven daquela. O mesmo acontece nos filmes de Carlos Saura (La Caza, 1966, por exemplo) e nas obras de Berlanga. Cómpre non esquecer unha das escenas finais de El Verdugo (1963) na que o verdugo (Nino Manfredi) mira polo ollo da pechadura da cela onde está o reo e di: está todo negro, e inmediatamente sae de dentro un cura. O negro definidor do drama existencial.

Canogar. Barbecho. 1963

Entre as pezas de Canogar. Els Anys Informalistes sobresae a titulada Raza (1958). Curiosamente neste caso domina totalmente a composición a cor amarela, aínda que tamén aparecen o branco, parte de riba, e negro, á dereita. A peza garda certo paralelismo coa anterior, Dintel, en canto á súa estrutura. Ese amarelo intenso obrigatoriamente remite a creacións de Rothko; esas cores esparexidas pola tela dun modo case uniforme, con xesto reiterativo; levado pola forza do inconsciente? E tamén parte superior emerxe a xestualidade incontida, frenética: un novelo de amarelos e negros á turra por se impoñer un sobre o outro. Por que ese título? En 1941 o director de cine Saenz de Heredia firma a película Raza, baseada na novela homónima do ditador Franco (que a firmara co pseudónimo de Jaime de Andrade). Raza, en branco e negro, é prototipo de filme franquista e quere mostrar a traxedia da historia de España do século XX e a xustificación daqueles feitos nos que participou o ditador. Esta peza de Canogar, coa súa luminosa cor amarela, é unha burla ao filme de Franco? Sexa así ou non, o que é evidente é a querenza de Canogar polos amarelos que tan ben soubera plasmar El Greco nas súas telas.

Outras pezas que se atopan en Canogar. Els Anys Informalistes xa falan de propiamente a utilización do xesto para dar forza informal ao contido. Así se pode falar de Toro de Fuego (1959) ou de Gallo (1960). En ambas creacións dominan o branco e o negro, e algunhas matizacións de grises. Pero o artista traballa as cores con absoluta liberdade de movementos co obxectivo de propender á interpretación libre e pasional de dous animais que non chegan a ser representados como tales. Son dúas pezas cheas de enerxía, de forza, e tamén de poesía rabiosa. Trazos que soben e baixan, que se moven de esquerda a dereita como provocados pola incontinencia dun de Kooning. Tratamento diferente levou a peza coñecida como Barbecho (titular corrosivo e denunciador dos baldíos culturais?). Nesta obra hai unha liña horizontal que delimita a masa negra inferior das circunvolucións xestuais da parte superior. A terra negra, erma? A superficie, ou espazo aéreo, vén sendo unha realidade delirante, convulsa, tensa e incómoda; informalismo próximo a un de Kooning, manchas e siluetas a cabalo entre as pinturas negras de Goya e o Guernica de Picasso. En data ceda como 1959, o propio Canogar dicía das súas obras: En mis pinturas, la forma cede su puesto a la luz, que la baña en sus partes salientes, creando imágenes que surgen de la oscuridad. Una luz como de acero muerde mis pinturas, formando paisajes de pesadilla bajo un cielo negro y pesado.

Lito Caramés

EXPOSICIÓN: Canogar. Els Anys Informalistes

Galería Mayoral

ata finais de marzo de 2021

0 notes

ezinestesia · 4 years

Photo

La pintura expresionista se caracteriza porque el objeto de representación no tiene importancia, lo fundamental es la utilización del color para expresar emoción; es el color ligado a las emociones y no a la descripción del objeto. Esto me lleva a plantear una conexión entre la pintura expresionista, en particular con “El grito” de Edvard Munch y una referencia que hace Ana María Gómez Somos Revista Sinestesia® revista.sinestesia en Instagram, @ezinestesia en otras redes, www.revistasinestesia.com Síguenos en nuestras redes sociales, comparte y comenta el contenido, es para ustedes nuestros siempre respetados y respetadas lectoras. #LeerEsSinestesia #sinestesia #arte #Poesía #literatura #magazine #art #literature #munch #münchen https://www.instagram.com/p/B9rqJfxpzRN/?igshid=c94eooua87at

#leeressinestesia #sinestesia #arte #poesía #literatura #magazine #art #literature #munch #münchen

0 notes

bitacoracydiuamazcstephanie-blog · 4 years

Text

Vanguardia (1905-1937)

Galería Nacional de Noruega El fovismo, también conocido como fauvismo fue un movimiento pictórico originado en Francia, alrededor de 1904 a 1908. Luego se desarrolló a otros países, en años posteriores. Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede de la expresión les fauves ‘las fieras’, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en la Sala VII de la tercera exposición del Salón de Otoño, en el Gran Palacio de París, en 1905. Lo usó por primera vez en su crítica de arte publicada en el periódico Gil Blas, el 17 de octubre de 1905, en un artículo dedicado al salón artístico. Fue un movimiento sincrético5 donde se usaban e incluían características de movimientos artísticos próximos, en su espíritu de transformación de volver a la pureza de los recursos, de no ser sumisos ante la herencia pictórica, el grupo quería ir más allá de lo logrado en la pintura, razón por la cual fueron vanguardistas.

Con distinción y separación, algunos consideran como el precursor o el líder de este movimiento a Henri Matisse. Por otra parte, Guillaume Apollinaire le atribuye la invención del fauvismo a Henri Matisse y André Derain. Otra posición afirma sobre "un triángulo esencial del fauvismo con Matisse, Derain y Maurice de Vlaminck, para surgir y desarrollarse, al debilitarse esa unión, se desvanece el movimiento

Autor: André Derain

Título: "Paisaje en Chatou"

Año: 1904

Dimensiones: 56 x 46 cm

Técnica: Óleo sobre tabla

URL:https://es.wahooart.com/@@/8XXN9E-Andr%C3%A9-Derain-Paisaje-cerca-de-Chatou

Se conoce con el nombre de Vanguardia al conjunto de manifestaciones artísticas que se desarrollaron en las primeras décadas del siglo XX y que se caracterizan por el énfasis puesto en la innovación y en la confrontación con las normas estéticas canonizadas. Para comprender el fenómeno, basta con analizar el término que le da nombre; la vanguardia es la línea que entra en contacto por primera vez con el enemigo, es decir, es la más avanzada. Así, uno de los objetivos principales de la vanguardia era crear escuela, iniciar una nueva tendencia separándose del pasado.

El contexto social en el que se desarrollaron las vanguardias fue extremadamente agitado. Todavía quedaban frescas las consecuencias de la revolución industrial cuando se produce la primera guerra mundial y la revolución rusa, trazando un nuevo mapa político. Como hecho agravante de esta convulsionada situación, el sistema económico sufría su crisis más grave de la historia. Es por ello, por los importantes cambios que se estaban padeciendo y por la sensación de que podía contribuirse positivamente en ellos, que las vanguardias pretenden tener injerencia social a través de su arte. Así, una obra ya no estaba solamente destinada a la contemplación, sino a reflejar estos cambios.

Autor: Edvard Munch

Título: El grito

Año: 1893

Dimensiones: 91 cm × 74 cm

Técnica: Óleo, temple y pastel sobre cartón

Lugar: Galería Nacional de Noruega

URL: https://es.wikipedia.org/wiki/El_grito

El Cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, creado por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume Apollinaire. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por ¨pequeños cubos¨ y figuras geométricas . Se originó así el concepto de ¨cubismo¨. El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y no tienen una métrica específica ni se organizan en versos.

Autor: José Victoriano Gonzales

Título: Retrato de pablo picasso

Año: desde enero de 1912 hasta febrero de 1912

Dimensiones: Altura: 933 mm (36.73 ″); Ancho: 744 mm (29,29 ″)

Técnica: óleo sobre lienzo.

Lugar: Instituto de Arte de Chicago

URL: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Juan_Gris_-_Portrait_of_Pablo_Picasso_-_Google_Art_Project.jpg

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, arquitectura, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas «vanguardias históricas». Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista.

Autor: Louis de Marsalle

Título: Fränzi delante de una silla tallada

Año: 1910

Dimensiones: Altura: 71 cm (27.9 ″); Ancho: 49,5 cm (19,4 ″)

Técnica: óleo sobre lienzo

URL: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Ernst_Ludwig_Kirchner_-_Fr%C3%A4nzi_in_front_of_a_Carved_Chair.jpg

Abstraccionismo. El Impresionismo de finales del XIX, desemboca en unas corrientes emergentes de las dos primeras décadas del siglo XX (Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Pintura Metafísica, Expresionismo, Dadaísmo), posibilitadas por los planteamientos de Cézanne, Gauguin y Van Gogh, creando un caldo de cultivo, que nos va a conducir a unos planteamientos pictóricos radicales. A estos movimientos y tendencias se les denominará Abstraccionismo o Pintura Abstracta.

Por lo tanto, esta corriente artística, surge en contraposición a la figurativa descriptiva, anecdótica y literaria, dando un papel prepoderante a la forma y el color, postulando "la libertad en la creación y el arte como un fin en sí mismo" la vigencia moderna de esta tendencia surge con el artista ruso Vasili Kandinski en 1910, cuya característica principal de este artista es que no descompone las imágenes como los cubistas sino que imprime a sus obras un impetuoso sentido del color.

Autor: Wassily Kandinski

Título: Composición VII

Año: 1913

Dimensiones: Altura: 79 ″ (200,6 cm); Ancho: 119 ″ (302,2 cm)

Técnica: óleo sobre tela

Lugar: Moscú, Rusia

URL:https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Vassily_Kandinsky,_1913_-_Composition_7.jpg

El surrealismo o superrealismo (del francés “surréalisme”) fue un ´´movimiento literario y artístico que buscaba trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional, cuyo primer manifiesto fue firmado por André Breton en 1924. Se considera su antecedente inmediato, el dadaísmo, como oposición a la razón positivista y rebelión contra las convenciones literarias burguesas. Los escritos surrealistas pretendían expresar la verdad mediante la llamada escritura automática, que omite las correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión de emociones. En la pintura, tuvo su elemento más popular a Salvador Dalí

Autor: Salvador Dalí

Título: La persistencia de la memoria

Año: 1931

Técnica: Óleo sobre tela

Lugar: MoMa, NY

URL:https://www.culturagenial.com/es/surrealismo/

El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales que la historia del arte consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

El futurismo es un movimiento fundamentalmente italiano. El poeta italiano Marinetti recopiló y publicó en el diario francés "Le Figaro" los principios del futurismo en el Manifiesto futurista el 20 de febrero 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.

El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Ademàs, incluso la lìnea que utilizaban procedìa directamente del Divisionismo.

Autor: Benedetta Cappa Marinetti

Título: Speed of motorboat

Año: 1922

Lugar: Gallery of Modern Art, Rome

URL:https://www.artribune.com/arti-visive/arte-moderna/2019/08/balla-boccioni-aeropittura-futurismo-domodossola-mostra/

0 notes

creativityexplored · 5 years

Text

Poetry Workshop with Leticia Hernández-Linares ~ Taller de Poesía con Leticia Hernández-Linares

During two warm August days, Ana Teresa Fernández and poet Leticia Hernández-Linares collaborated in leading multidisciplinary workshops with CE artists. Ana Teresa led artists in making molas, traditional Panamanian textiles with animals figures depicted on them. CE artists created their own molas by drawing on felt with markers. After drawing for a while, Leticia guided artists in a poetry workshop. Since artmaking at Creativity Explored focuses primarily on visual art, many artists leapt at the opportunity to try out a new medium.

A poet, spoken word artist, and educator based in San Francisco’s Mission District, Leticia developed a workshop to make poetry accessible and engaging for CE artists. Equipped with giant Post-It papers on the walls, markers, Lotería cards, and her own voice, Leticia inspired CE artists to get creative with their words.

Before beginning the workshop, Leticia performed a couple of her own “poemsongs” from her book Mucha Muchacha for the entire studio, which involved elements of song, instruments, and choruses of call-and-response. Once artists were in the expressive spirit, groups of artists joined her to write their own poetry. Ricardo Estella, who frequently narrates his artmaking aloud in the studio, said he “always wanted to do something like this.” Ricardo participated in the first group, which was conducted in both Spanish and English.

By using different poetic techniques, Leticia guided the groups in thinking of colors, animals, places and people they felt connected to. Inspired by the Lotería cards and their molas created with Ana Teresa, artists began writing lines of poetry: “Black panther in the blue trees, the white monkey hangs over the rainbow.” The first poem of the day at CE1 read:

Bidi Bidi Bom Bom

Butterflies fly flower to flower Mariposas vuelan de flor a flor

Smelling flowers Oliendo flores

Black+ white wings Smelling flowers Oliendo las flores

At CE2, our Potrero Hill studio where another group of artists work, a group of 6 artists participated in the workshop. This group enjoyed embodying the sounds of words; many poems had an element of “sass,” and particularly sassy words were often accompanied by gestures like a hand on the hip, or two hands in the air. CE artist Ada Chow enjoyed showing off her sassiest poses as Leticia recited the poems. Even Kaocrew “Yah” Kakabutra, one of CE's resident abstract expressionist painters who is also nonverbal, participated in the workshop by pointing to colors and listening to poems being recited aloud, laughing at the theatrical movements.

Poem topics ranged from fruits, to whales, to societal issues. After writing the poems as a group, Leticia would read the poems aloud, encouraging artists to repeat after speaking each line.

Leticia spent some time with Kevin Roach, who asked her if poems could be revolutionary. “Absolutely,” she said. Together, they created a poem about violence, discrimination, history and compassion based on Kevin’s experiences growing up in San Francisco.

When I was growing up there was Martin Luther King Violence against people of color of course People were getting shot who spoke up for the right cause Even though, San Francisco was still more calm you could go anywhere Today, I want to go to Washington D.C. chain myself up, when are you gonna wake up? Rough neighborhoods can be rough, but violence can be anywhere Madness happens It isn’t one neighborhood, 6th street, the projects, people can be nice as can be You just have to be street smart in every culture

The poems written during the workshop will be transcribed and added to the digital media library to be used in the final installations. Stay tuned to see how all the artistic elements produced in these workshops weave together to tell the stories of CE artists!

This project is generously funded by Kenneth Rainin Foundation, National Endowment for the Arts, and California Arts Council.

Scroll down for photos!

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Durante estos dos últimos cálidos días de agosto, Ana Teresa Fernández en colaboración con la poeta Leticia Hernández-Linares, impartieron unos talleres multidisciplinarias con artistas de CE. Ana Teresa invitó a los artistas a hacer molas, textiles tradicionales panameños con representaciones de animales. Los artistas de CE crearon sus propias molas dibujando en fieltro con marcadores. Después de dibujar por un tiempo, Leticia guió a los artistas en un taller de poesía. Ya que el arte en Creativity Explored se enfoca principalmente en artes visuales, muchos artistas aprovecharon la oportunidad para probar un nuevo medio.

Poeta, artista de la palabra hablada y educadora, basada en el Distrito de la Misión de San Francisco, Leticia desarrolló un taller para hacer la poesía accesible y atractiva a los artistas de CE. Equipada con papeles gigantes de “Post-It” en las paredes, marcadores, tarjetas de Lotería, y su propia voz, Leticia inspiró a los artistas a ser creativos con sus palabras.

Antes de empezar el taller, Leticia representó para todo el estudio unos de sus “cantapoemas” de su libro Mucha Muchacha. Estos cantapoemas estaban formados por canciones, instrumentos musicales, y coros de llamada y respuesta. Una vez que los artistas estaban en modo expresivo, un grupo de artistas se juntó con ella para escribir sus propios poemas.

Ricardo Estella, quien frecuentemente narra su proceso creativo en voz alta en el estudio, dijo que “siempre había querido hacer algo como esto.” Ricardo participó en el primer grupo, que Leticia condujo en español y ingles.

Usando diferentes técnicas poéticas, Leticia guío a los grupos a pensar en colores, animales, lugares y personas con las que sintieran una conexión. Inspirados por las tarjetas de Lotería y sus molas creadas anteriormente con Ana Teresa, los artistas empezaron a escribir líneas de poesía: “Pantera negra en los árboles azules, los monos blancos cuelgan del arco iris.” El primer poema del día en CE1 se leyó así:

Bidi Bidi Bom Bom

Butterflies fly flower to flower Mariposas vuelan de flor a flor

Smelling flowers Oliendo flores

Black and white wings Alas blancas y negras Smelling flowers Oliendo las flores

En CE2, nuestro estudio en Potrero Hill, otro grupo de seis artistas participó en el taller. A este grupo les gustó personificar los sonidos de las palabras; muchos poemas eran un poco atrevidos, y las palabras más descaradas eran acompañadas por movimientos corporales, como una mano en la cintura o los dos manos en el aire. La artista Ada Chow disfrutó demostrando su postura más atrevida mientras Leticia recitaba los poemas. Incluso Kaocrew “Yah” Kakabutra, una de las artistas expresionistas abstractos residente en CE que es no verbal participó en el taller, apuntando a colores y escuchando los poemas recitados por otros compañeros, y riéndose de los dramáticos movimientos de los demás.

Los temas de los poemas variaron desde frutas, a ballenas, o cuestiones sociales. Después de escribir los poemas en grupo, Leticia leyó los poemas en voz alta, alentando a los artistas a repetirlos después de cada línea.

Leticia pasó algún tiempo con Kevin Roach, que le preguntó si los poemas podían ser revolucionarios. “Absolutamente,” le respondió. Juntos, empezaron a crear un poema sobre la violencia, la discriminación, la historia y la compasión basado en la experiencia de Kevin creciendo en San Francisco. Se lee:

Cuando yo estaba creciendo había Martin Luther King Violencia contra gente de color, por supuesto La gente era disparada por hablar por la causa correcta A pesar de todo, San Francisco era más tranquilo Se podía ir a cualquier lado Hoy, quiero ir a Washington D.C. encadenarme, cuando van a despertarse? Barrios ásperos pueden ser ásperos, pero la violencia puede estar en cualquier parte La locura sucede No es solamente un barrio, Calle 6, los proyectos, la gente puede ser amable como puede ser Solo hay que tener sentido común, en cada cultura

Los poemas escritos durante el taller serán transcritos y añadidos al archivo de digital media para utilizarlos en las instalaciones finales. Sigan en contacto para ver cómo todos los elementos artísticos producidos en estos talleres se entrelazan para contar las historias de los artistas de CE.

Kenneth Rainin Foundation, El Fondo Nacional para las Artes, y el Consejo de Artes de California han apoyado generosamente este proyecto.

¡Mira hacia abajo para las fotos!

Images:

1. CE artists Quintin Rodriguez and Peter Cordova creating molas with Ana Teresa Fernández and Leticia Hernández-Linares 2. José Nuñez looking at an animal oracle card 3. Kevin Roach, Camille Holvoet, and Andrew Bixler creating molas with Ana Teresa and Leticia 4. Kevin Roach, John Iwaszewicz, and Quintin Rodriguez writing poetry with Leticia and Ana Teresa 5. Kevin Roach writing a revolutionary poem with Leticia 6. Ada Chow, Allura Fong, Makeya Kaiser, and Kaocrew “Yah” Kakabutra making molas and writing poetry at CE2

Imagenes:

1. Artistas de CE Quintin Rodriguez y Peter Cordova creando molas con Ana Teresa Fernández y Leticia Hernández-Linares 2. José Nuñez mirando a una tarjeta de oráculo animal 3. Kevin Roach, Camille Holvoet, and Andrew Bixler creando molas con Ana Teresa y Leticia 4.Kevin Roach, John Iwaszewicz, and Quintin Rodriguez escribiendo poesía con Leticia y Ana Teresa 5. Kevin Roach escribiendo un poema revolucionario con Leticia 6. Ada Chow, Allura Fong, Makeya Kaiser, y Kaocrew “Yah” Kakabutra haciendo molas y escribiendo poesía en CE2

0 notes