#efecto estético

[caminodelermitano]

El Tarot como Espejo del Alma: Cómo los Arcanos Mayores Reflejan la Energía de los Signos Zodiacales ✨

Conocer las asociaciones astrológicas de las cartas de tarot se presenta como un conocimiento invaluable, dotado de un sinnúmero de aplicaciones que nos permiten comprender y aprovechar las influencias cósmicas en nuestra vida. Desvelar estas conexiones nos brinda la capacidad de evaluar los tránsitos celestiales, los períodos astrológicos y las estaciones que entran en efecto, dotándonos de una perspicacia que trasciende los límites.

Además, esta sabiduría nos permite sumergirnos en las profundidades interpretativas de cada carta individual, desvelando su esencia íntima y misteriosa al comprender la astrología asociada que influye sobre ellas. Conscientes de que abarcar las correspondencias astrológicas de las 78 cartas demandaría un libro completo, centraré mi atención en los 12 arcanos mayores que son asociados con sus respectivos signos zodiacales. En esta primera parte veremos los primeros 6.

En estas reveladoras correspondencias, me basaré en la ancestral y venerada orden hermética de la aurora dorada, refiriendo a la fascinante obra de T. Susan Chang y M.M. Meleen, titulada "Tarot Deciphered: Decoding Esoteric Symbolism in Modern", la cual nos sumerge en un océano de sabiduría esotérica.

El Emperador/Aries: "El Yo Soy"

Aries es representado como el bebé recién nacido que proclama "YO SOY". Es un signo cardinal regido por el elemento fuego, que marca el comienzo de la primavera, enfatizando la idea de principios y de ser el primero. En los arcanos mayores del tarot, Aries se relaciona con El Emperador, quien es visto como un pionero, líder, innovador, guerrero y emperador. Posee una tremenda fuerza de voluntad y poca paciencia para lo que se interponga en su camino. Tanto la carta como el signo están influenciados por Marte, el planeta de los impulsos, la valentía, la guerra y la motivación.

El Emperador es representado como un hombre marcial y líder que ha tenido que experimentar y aprender en situaciones de guerra para adquirir el arte de dirigir a un grupo. La cabeza y la visión influyen tanto en el signo Aries como en la carta del tarot El Emperador. Por esta razón, El Emperador impone una estructura o marco en su mundo y proyecta su voluntad sobre su entorno.

El Hierofante/Tauro “Yo tengo”

El Hierofante, en su esencia, encarna la poderosa conexión entre el cielo y la tierra, un símbolo que trasciende el plano material y penetra en las profundidades del conocimiento esotérico. Representa la sabiduría transmitida a través de enseñanzas ancestrales y la construcción de sólidos puentes entre las dimensiones espirituales y terrenales. La luna encuentra su exaltación en este signo, como lo refleja su distintivo glifo, una luna llena coronada por una creciente, simbolizando la plenitud de la fertilidad y la armonía cíclica de la naturaleza.

La frase "Yo tengo" que acompaña a Tauro adquiere múltiples significados que se entrelazan Por un lado, se vincula estrechamente con el mundo material, con el deseo de adquirir riquezas y el placer estético de disfrutar de los lujos y el confort que ofrece la vida. Es aquí donde el influjo de Venus, planeta de la belleza y el placer, deja su huella en el alma del Tauro. Pero más allá de la simple búsqueda de posesiones terrenales, "Yo tengo" también encarna una conexión sagrada con la tierra misma, una profunda afinidad con la naturaleza y una comprensión íntima de los secretos de la tierra fértil. El Tauro, como el Hierofante, es un sabio guardián de los misterios de la vida, manteniendo un vínculo especial con los ciclos naturales y la energía primordial de la Madre Tierra.

Los amantes/Géminis “Yo pienso”

La separación nos brinda la consciencia de la "otredad", nos revela que somos una secuencia de decisiones que nos encaminan hacia nuestro destino. Gobernado por Mercurio, el maestro de la comunicación, la curiosidad y los trucos, Géminis adopta una naturaleza multifacética y versátil.

En su expresión más elevada, el objetivo de Géminis es unirse al servicio de la unión creativa, ya sea a través de la conexión con almas gemelas o simplemente al integrar su propia mente con la divinidad. La palabra "Amantes" evoca de inmediato pensamientos de amor, pero su significado es más trascendental; refleja la dualidad inherente en la carta, donde se presentan un hombre y una mujer representando polaridades complementarias que se atraen y se funden en un abrazo simbólico.

Tanto Géminis como la carta de Los Amantes están profundamente asociados con la mente, esa entidad que pronuncia el "Yo pienso" antes de cada toma de decisiones. La mente de Géminis es ágil y en constante búsqueda de conocimiento y comprensión. Es a través del intelecto y la conciencia que se forja su camino en la vida, en un eterno juego de dualidades que buscan encontrar su complemento.

El Carro/Cáncer “Yo siento”

En la mayoría de las representaciones, el conductor del Carro está elegantemente vestido con una armadura, lo cual simboliza la protección y a su vez, evoca la imagen del caparazón del cangrejo, asociado al signo zodiacal de Cáncer. Con maestría, sostiene las riendas de dos caballos poderosos, que se yerguen sobre sus patas traseras, impetuosos y llenos de energía. La presencia de las lunas crecientes en sus hombros hace alusión al dominio lunar que rige el signo de Cáncer, realzando su conexión con las mareas emocionales y la profundidad de los sentimientos.

Cáncer, un signo de gran importancia en el zodiaco, se caracteriza por su habilidad para manejar con maestría el ámbito emocional y es frecuentemente asociado con una esencia maternal. A primera vista, podría parecer extraño ver al Carro marcial representando a Cáncer; sin embargo, esta asociación tiene una fuerte base simbólica. Pues, ¿qué hay más feroz y protector que una madre defendiendo a sus hijos?

Los cangrejos, criaturas sensibles y cautelosas, llevan consigo su morada en un caparazón duro que les brinda seguridad y les permite refugiarse en momentos de vulnerabilidad. Asimismo, el Carro se asemeja a un trono portátil o incluso a una casa móvil, ofreciendo un refugio al conductor mientras emprende su viaje. Aunque el movimiento del Carro no siempre es lineal o directo, se encamina siempre hacia una meta definida. Es la perseverancia y la determinación las que guían su rumbo en esta travesía.

La fuerza/Leo “Yo lo haré”

Podemos considerar que la fuerza es un atributo meramente físico, pero en el tarot y la astrología, nos referimos a una fuerza más profunda: la que emana del interior, del espíritu mismo. Es la fuerza del coraje y la voluntad la que se manifiesta en su esplendor. Leo, representado por el majestuoso león, personifica la nobleza y la extravagancia, irradiando un brillo propio como el sol, que precisamente lo rige.

Leo se percibe a sí mismo como el centro del universo, reflejando el orgullo que caracteriza al sol. El símbolo del infinito presente en la carta de La Fuerza puede simbolizar la sensación de libertad de acción que Leo experimenta. Sin embargo, también puede aludir al analema solar, la trayectoria que traza el sol en su recorrido anual desde la perspectiva de la Tierra. Esto implica una comprensión más profunda de las energías cósmicas que influyen en Leo y su capacidad para conectarse con la naturaleza misma.

En esta carta, podemos observar cómo Leo aprende la invaluable lección de domar la bestia que reside en su interior: sus pasiones y deseos. Descubre que la verdadera fuerza reside en la delicadeza y la aceptación, comprendiendo que tratarse con cariño es esencial para conquistar su naturaleza interna. Así, Leo aprende a equilibrar y canalizar su poder interior con sabiduría y compasión.

El Ermitaño/Virgo “Yo analizo”

Profeta de lo eterno, mago de la voz lumínica; comprende que el conocimiento es medicina y luz, pues a través de él ilumina la oscuridad de la ignorancia. Tanto El Ermitaño como Virgo son seres adaptables y modestos, capaces de sumergirse en un trabajo solitario y profundo, en búsqueda constante de su propia luz para luego irradiarla sobre los demás.

En muchos casos, la representación de la virgen de Virgo se ve reflejada en la mitología griega como Perséfone, quien fue abducida por Hades y vivió bajo tierra. De manera similar, el Ermitaño carga consigo una antorcha, al igual que Perséfone, iluminando su camino y trayendo luz a los rincones más oscuros. Sostiene esta antorcha en alto, como si quisiera arrojar su luz sobre los detalles más pequeños, revelando así la belleza oculta y los misterios profundos.

El Ermitaño también es el guardián del sol y la fuerza vital que éste representa. Sostiene con firmeza un bastón dorado, destacando su conexión con el sol y su dependencia de él. Esta responsabilidad hacia el sol refleja su proximidad mercurial y su sabiduría espiritual.

Hasta acá llega la primera parte, espero poder compartir con ustedes la segunda parte la próxima semana. Escribir estos artículos toman mucha investigación y tiempo, amo hacerlo pero se me complica concentrarme por tiempos tan prolongados. Nos vemos en el próximo post, recuerden que también tengo mi canal de Youtube, Instagram y TikTok donde también comparto contenido más audiovisual:

https://linktr.ee/caminodelermitano?utm_source=linktree_profile_share&ltsid=5ef3942b-5865-4fb1-b54f-40d68e84e063

#magia #astrología #tarot #brujería tradicional #witchcraft #brujeria #magick #wicca #hechiceria #magia negra #magia blanca #adivinacion #blog post #articulo #mitologia #astrology

[miscelanea-afectiva]

close (2022) y el mandato masculino

Close retrata de forma cruda y honesta la forma en cómo el mandato masculino rompe la vida y los afectos, desde donde se le mire, sin importar el cuerpo que afecte. No es “masculinidad frágil” o “masculinidad tóxica”, no vislumbro ningún tipo de autonomía, decisión libre o satisfacción por la elección de ésta más allá de la presión social por cumplir un cierto rol. Como cuerpo feminizado me deja más preguntas que respuestas, y una afectación profunda a un lenguaje tan complejo.

En la infancia todo es borroso y el lugar que una se da en el mundo es completamente plástico, maleable y nebuloso. Una simple señal, un simple gesto proveniente del entorno condiciona actitudes que tienen grandes efectos; por ejemplo, un momento que he estado meditando estos últimos días, en el que, aun siendo una niña (12, 13), acostada en la cama donde dormía con mi abuela cuando íbamos de visita, una pariente me dijo que mi posición y la pijama que tenía hacía que se me vieran los cucos y con ellos el vello de mi entrepierna que aún hoy día me avergüenza, y que me persigue en la incomodidad que me genera usar vestido de baño. (Y que también me hace preguntar, lejos de apuntar a la pedofilia: ¿qué hacía esta mujer viendo a mi entrepierna? Y… ¿qué le importaba?) 

 Ante la sensibilidad de la infancia cualquier pequeño momento es significativo y definitorio, y aún más a la pubertad (edad de los niños protagonistas y mía en ese recuerdo) donde la definición en una identidad y una forma de ser empieza a ser más imperante; quizás con ésta el condicionamiento estético y de comportamiento.

 Esto es lo que pasa con Remi y Leo. Y aquí es donde puedo repetir la frase que susurro entre compañer_s de que “el patriarcado nos afecta a tod_s desde puntos muy diversos”. Como un ritual de iniciación en el nuevo espacio social al que ingresan, la cercanía de Remi y Leo es inmediatamente sexualizada (¿quién les enseñó a est_s niñ_s a sexualizar la cercanía y el cariño?). Los intentos de defensa ante tal definición quedan en las palabras y los límites discursivos que Leo trata de poner sobre la mesa, cuando podemos ver bien la forma en que lo interpela. El rechazo a su compañero que lo lleva a la sexualización homosexual por parte de su entorno (porque no sólo es sexualización sino también es lejana a lo heterosexual) es casi inmediata y con ésta se desencadenan quiebres (también borrosos) que son naturales en la infancia, pero tan definitorios. 

 Me recuerda a todos aquellos amigos que me acompañaron antes de entrar a la pubertad y cómo la imposición explícita de este mandato nos fue separando y re-configurando nuestras propias relaciones; e incluso la relación con mis primos junto a quienes crecí, caminé y jugué durante tantos años. De un momento a otro dejé de visitarlos, de un momento a otro dejamos de jugar, de un momento a otro nuestro relacionamiento se empezó a sexualizar. La cercanía que lográbamos en la infancia desapareció, y yo intento retomarla de a pocos cada vez que ahora nos encontramos como jóvenes-adultos. 

 ¿Realmente vivimos estos duelos? Duelos que no llegan a ser tan crudos o específicos como el de Leo, pero aun así, ¿lo vivimos? ¿lloramos esas distancias, o las asumimos como el movimiento de una vida que aún no comprendemos? (y mi pregunta ¿en algún momento la comprendemos? porque yo todavía no). ¿Por qué se dan estas distancias, cómo afecta la socialización sexualizada que de un momento a otro llega a ser protagonista? 

 La masculinidad de Leo y Remi no es tóxica; la verdad es que ni siquiera llegan al fin de su infancia, como para llamar a sus comportamientos tóxicos o frágiles. Son profundamente complejos e intermitentes, como lo muestra la película, porque la vida sigue andando a grandes pasos, y sobretodo desde un cuerpo en desarrollo. La amistad de Leo y Remi ni siquiera cabe en lo queer (y si para otr_s si lo hace pues bien, pero desde mi punto saltan a mi ojo otras cosas); y aquí es donde me asalta otra gran pregunta: ¿a los hombres/niños les enseñan a tener amigos, amigas? ¿y de qué forma, bajo qué normas y parámetros? 

 ¿Alguna vez tuvieron amistades cercanas que se vieron interrumpidas con la sexualización de sus cuerpos y tuvieron que trasladar todos esos afectos a pactos de fraternidad o a desfogue deportivo, como Leo? ¿Y qué pasa con los cuerpos que no pueden asimilar ese quiebre, como Remi, y adoptan lugares marginales? ¿Es aquí donde se conforma la feminización de los cuerpos como aquello de lo no-hombre y no sólo desde lugares fisiológicos? ¿Dónde empieza en las infancias la reproducción de estos roles, más allá de la ropa azul o rosada y los juguetes de carros o bebés? 

 ¿En qué momento el mandato masculino comienza a ser tan explícito en los cuerpos y los comportamientos, o acaso lo es desde que salimos del vientre de nuestra madre? ¿Incluso antes? 

 ¿Cómo este tipo de ejemplos mostrados en las películas nos hace ver los quiebres que genera el mandato masculino en todos los cuerpos? El mandato masculino que separa a Leo y Remi es el mismo que habla en la sexualización de los cuerpos de las niñas y el mismo que lleva a la violencia sexual. Como si fueran ramas de un mismo centro, todas enraizadas en una misma voz que encuentra la forma de reproducirse mental y corporalmente como casete viejo. 

 En este análisis puedo estar perdiendo otras profundidades que espero descubrir con más respiro (sabiendo que escribo esto justo después de terminar de llorar en el final del film), como la profundidad en que se muestra el duelo. Yo también fui una niña que atravesó duelos y quiebres inmensos a edades tempranas y eso trajo efectos a mi vida que hasta ahora voy comprendiendo. Siendo que mi tema de obsesión ahora es la violencia relacionada con el mandato masculino, es lo que veo. 

 Espero encontrar otras miradas sobre la misma peli. La apertura, que llaman

#close movie #2022 #blog

[thisgameisaplateaux]

the village of the damned te envuelve atmosféricamente desde los comienzos: aquí por ejemplo, va el efecto estético con la music y la imagen, las sombras y esos nombres en celeste. dirige john carpenter, claro

..........

[después, los primeros diálogos tan llenos de cine gringo. j carpenter también los usa, uh]

#john carpenter #the village of the damned #1995 #cine

[la-semillera]

ELENA DEL RIVERO & CRISTINA RIVERA GARZA

¿Qué significa escribir hoy en ese contexto? ¿Qué

tipo de retos enfrenta el ejercicio de la escritura en un

medio donde la precariedad del trabajo y la muerte

horrísona constituyen la materia de todos los días?

¿Cuáles son los diálogos estéticos y éticos a los que

nos avienta el hecho de escribir, literalmente, rodeados

de muertos? Estas y otras preguntas se plantean a lo

largo de las páginas que siguen, sin olvidar, tampoco,

que las comunidades literarias de nuestros mundos

posthumanos atraviesan lo que ha llegado a ser acaso

la revolución de nuestra era: el auge y la expansión del

uso de las tecnologías digitales. En efecto, la muerte se

extiende a menudo en los mismos territorios por donde

avanzan, cual legión contemporánea, las conexiones

de Internet. La sangre y las pantallas, confundidas. Si

la escritura se pretende critica del estado de las cosas,

¿cómo es posible, desde y con la escritura, desarticular

la gramática del poder depredador del neoliberalismo

exacerbado y sus mortales máquinas de guerra?

- Cristina Rivera Garza en "Los muertos indóciles. Necroescrituras y desapropiación".

#cristina rivera garza #elena del rivero

[mariana-gbr]

CONCLUSIONES PARCIAL #2. EQUIPO #5: PALLADIO.

Giulio Carlo Argán que fue un Profesor y político decide escribir este ensayo donde busca argumentar el anticlasicismo de Palladio. En principio lo compara con diferentes personajes como lo son Milizia, Winckelmann y Mengs que fueron exponentes del Neoclasicismo y de esta manera a pesar de que en un principio podríamos pensar que Argán nos está presentando a Palladio como un referente del Neoclasicismo, nos damos cuenta de que este no es su propósito, sino más bien, nos quiere mostrar como a pesar de que este tiene características que lo podrían sitiuar como un neoclasicista, este no termina de serlo. Argán nos explica como Palladio toma elementos clásicos, pero los usa de tal forma que sale de los estándares clásicos que se perfeccionaron durante el Renacimiento, logrando una reinterpretación de los mismos y obteniendo nuevas cualidades espaciales, este "absurdo", como dice Argán, nos lleva a ver que, dentro de los esquemas clásicos, los gustos de Palladio no tienen cabida y expresan la antítesis de lo estético. La innovación de Palladio consigue una dualidad de valores entre distintos elementos. En caso de los órdenes, ya no tienen solamente un valor estructural, sino que adquieren una importancia meramente decorativa y compositiva para la época en términos de perspectiva.

A pesar de la influencia evidente de la arquitectura clásica en sus obras, el texto sugiere que Palladio no puede ser etiquetado fácilmente como clasicista. Más bien, nos sumerge en la esencia del pensamiento arquitectónico de Palladio, destacando su singular manera de abordar la arquitectura. Nos hace cuestionar la idea preconcebida de asociar a Palladio con movimientos estilísticos específicos como el clásico, romano, renacentista o barroco, ya que su enfoque escapa a estas categorías.

Teniendo en cuenta que, para los tiempos de la formación de Palladio, el manierismo era el nuevo movimiento que desplazaba paulatinamente al renacentista, un movimiento que buscaba todo lo contrario de la tradición clásica. Siendo los protagonistas del mismo la complejidad, la tensión en la composición y la inestabilidad como nuevas formas de representación, ajenas a la proporción y a la armonía que caracterizaba a la arquitectura de los antiguos. Por otro lado, tenemos a la obra de Palladio que se sirve de los cánones clásicos, pero los reinterpreta de una forma distinta, rompiendo las tipologías prestablecidas, más coherente, más racional, su propia forma, una que se separa por completo de los congéneres de su profesión quienes habían abrazado por completo al manierismo.

Argán hace un análisis crítico de Palladio para explicarnos como, según su punto de vista, es totalmente anticlásico, finalmente nos presenta esta idea de la fórmula del cromatismo de Palladio que según Argán "es la única, de hecho, que puede explicar el valor luminoso, que es fundamental para la expresión artística de Palladio. El efecto máximo al que tiende este artista es la yuxtaposición del negro y del blanco, es decir, de la máxima intensidad de oscuro y la máxima intensidad de claro..." de esta manera también nos presenta a Palladio como un artista en cierta medida, pero aún después de todas estas comparaciones nos damos cuenta de que él parece encajar en todo y en nada a la vez, Palladio básicamente maneja la Yuxtaposición de diferentes elementos logrando así un estilo único y siendo así vemos que no hay una corriente en la que podamos encasillar a Palladio, llegando así a la conclusión de que no hay una conclusión a la que podamos llegar con Palladio, él puede ser analizado desde diferentes puntos de vista y puede encajar en cualquiera de estos.

Aunque el texto presenta un argumento contundente, los lectores somos instados a reflexionar y formar nuestras propias opiniones. Mientras el autor sostiene que Palladio no se adscribe a ninguna corriente arquitectónica de su época, el texto deja espacio para la interpretación y la discusión. Desde nuestra perspectiva, basada en experiencias en clase, compartimos la noción de que Palladio no puede ser fácilmente clasificado dentro de los confines de un estilo arquitectónico específico. Su impacto trasciende las etiquetas tradicionales, y tal vez, Palladio representa un movimiento arquitectónico en sí mismo, influenciando y transformando el paisaje arquitectónico de su tiempo y más allá.

Para entender el texto, investigué al autor:

BIOGRAFÍA DEL AUTOR. GIULIO CARLO ARGAN

(Turín, 1909 - Roma, 1992) Ha sido uno de los más grande historiadores y críticos italianos del siglo XX. Como otros ensayistas de su generación, Giulio Carlo Argan recibió la influencia del gran historiador y crítico literario italiano Benedetto Croce y de Carlo Ludovico Ragghianti.

Inspector de los museos del Estado y profesor de historia del arte en las universidades de Palermo y de Roma, de cuya ciudad fue alcalde (1976-1979), desarrolló después de la Segunda Guerra Mundial una intensa actividad en la promoción y difusión del arte contemporáneo. De su abundante bibliografía hay que citar los análisis de la historia de la arquitectura, que abarcan desde el Renacimiento y el Barroco hasta las modernas corrientes del siglo XX (Arquitectura barroca en Italia, 1957), las monografías de artistas (Botticelli, 1957, y las dedicadas a Fra Angélico y Francesco Borromini) y otros ensayos diversos (El arte del siglo XX, 1977), libros todos ellos que reflejan su interpretación conceptual de la obra de arte.

*Obras de Julio Carlo Argan

El arte moderno (1970)

Renacimiento y Barraco (1987)

Walter Grupius e la Bauhaus (1951)

Mariana Bonilla. Historia II. Prof: Rebec Tineo.

#studying #history #architecture #classic #andrea palladio

[vtxrix]

Analísis-Brunelleschi

-¿Como debería ser la relación de un arquitecto y su ciudad?

Creo que la relación entre un arquitecto y su ciudad debería ser de mutua colaboración y entendimiento, ya que el arquitecto tiene la responsabilidad de diseñar espacios que sean funcionales, estéticos y que respondan a las necesidades de la comunidad. A su vez, la ciudad debe ofrecer al arquitecto la oportunidad de tener un impacto positivo en la calidad de vida de sus habitantes y de mantener viva la identidad cultural y arquitectónica de la ciudad, de la mano de algunos conocimientos previos, como lo seria la historia o tradiciones de un sitio, para poder construir en base a la escencia y armonia de un lugar, pero no necesariamente viendose obligado a dejar de inovar. Por otro lado, la ciudad debe reconocer y valorar el trabajo del arquitecto, otorgándole la libertad creativa necesaria para llevar a cabo su labor. Además, es importante que se promueva la colaboración entre arquitectos y diferentes actores urbanos, como urbanistas, ingenieros y autoridades municipales, para lograr un desarrollo coherente y sostenible de la ciudad. El mutuo convenio de estos dos nos permitiria desarrollar grandes proyectos e ideas.

¿Con que razgos/valor de Brunelleschi te quedas, y por que?

Me quedaria con el sentido de belleza y orden que Brunelleschi trató de mantener en cada obra, teniendo como inspiración la historia y cariño que tenia hacia Florencia. Me quedo también con la pasion que tenia por lo que hacia, y que le llevó a superarse a si mismo y a sus contemporáneos, a pesar de las criticas o los limitantes de la epoca.

¿Ya tienes algun edificio favorito?

Si se refiere a mi favorito entre los mencionados en la clase, la iglesia de Santo Spiritu me gustó mucho. La iglesia Santo Spirito es un ejemplo impresionante de la arquitectura renacentista italiana. Su simplicidad y pureza de líneas son características distintivas de ese estilo arquitectónico, y la hacen un ejemplo impresionante al momento de dibujar en perspectiva. La fachada de la iglesia es relativamente sencilla pero su interior es impresionante; resaltada por las varias obras de arte que alberga. La nave central es amplia y espaciosa, y está iluminada por amplios ventanales que permiten la entrada de luz natural, resaltando la belleza de los detalles arquitectónicos. La cúpula, con su elegante forma y proporciones, crea un efecto visual impactante.

Uno de los aspectos que más me llemaron la atención de la arquitectura de Santo Spirito es su sentido de equilibrio y proporción. Cada elemento, desde los arcos y las bóvedas hasta los detalles decorativos, está cuidadosamente considerado y armonizado, creando una sensación de orden y belleza muy agradable.

[minimalismo2023]

El minimalismo VS El consumismo publicitario: MENOS ES MÁS 

 El minimalismo es tan solo una moda o una solución en contra del consumismo en Estados Unidos post pandemia?

Desde sus inicios las bases de la Publicidad fueron potenciar constantemente el consumismo y hacer que luego de que el público vea una publicidad, sienta la necesidad de comprar y de poseer lo que desea. De este modo, es importante saber que luego de la pandemia los ciudadanos americanos notaron que para poder ser felices no necesitaban de tantos bienes materiales. Descubre cómo esto también impactó en la nueva forma de hacer publicidad.

última campaña creada por Leo Burnett para McDonald’s, en la que los arcos amarillos del logo de la famosa cadena de hamburguesas se cuelan en los hogares llenándolos de luz y de apetitosos menús de la marca.

Con poco se puede decir todo. Y lo mismo piensan las marcas estadounidenses que apuestan cada vez más por la publicidad minimalista, se han dado cuenta que funciona  bastante bien simplificar el concepto por muy complejo que sea. El movimiento llamado minimalismo nació dispuesto a durar, llevando la imagen a su mínima expresión, alejándose así de un movimiento estético fruto de la moda, generando una simplicidad visual fácil de decodificar desde el primer momento. Porque a veces para llamar la atención del público y captar su atención solo se necesita una buena idea con unas dosis de creatividad sin necesidad de manipulaciones asombrosas, efectos espectaculares o composiciones fotográficas que te dejen sin habla. Muy atrás quedan esos anuncios en prensa llenos de texto e ilustraciones donde los publicistas tenían que ser un as del tetris para poder encajarlo todo. Y aun estando todo bien la sensación era de anuncio recargado y ornamentado.

El minimalismo se caracteriza por la extrema simplicidad de sus formas, líneas puras, espacios despejados y colores neutros. Ante todo se privilegian los espacios amplios, preferentemente altos, y libres. Un entorno armónico funcional, fuera del concepto de exceso, saturación y contaminación visual. Se evita también la cacofonía, la repetición y cualquier tipo de redundancia visual. Se podría considerar un antibarroquismo estético. Todo debe ser suavidad, serenidad y orden, nada de elementos superfluos y barrocos, de excesos muchas veces ajenos al mundo exterior. Sobriedad sin ornamentación. En síntesis, la filosofía del minimalismo persigue construir cada espacio con el mínimo número de elementos posibles, de forma que se elimine o evite todo cuanto pueda resultar accesorio. Todos Los elementos deben combinar y formar una unidad priorizando el todo sobre las partes.

Los creativos de hoy en día lograron ver las necesidades de la sociedad. Una sociedad que con el paso del tiempo fue desarrollando cierta inmunidad a los mensajes publicitarios. El consumidor cada vez tiene menos tiempo y ganas para descifrar mensajes complejos, siendo más eficaz un mensaje corto y directo. La pandemia transformó los hábitos de consumo en las familias americanas, luego de una gran incertidumbre, miedo y paranoia muchas personas se dieron cuenta de la importancia de la vida y agradeciendo todos los días por contar con salud y el amor de sus familiares y amigos dejando en segundo plano el consumismo tan característico de la cultura norteamericana. 

Por Lola González.

#publicidad #minimalismo

[tengomilpalabrasparati]

El running no es solo la excusa para ponerse las zapatillas llamativas. Es un deporte que le aporta muchísimos beneficios a la salud, tanto físicos como mentales. De hecho, cada vez son más los que se suman a la tendencia, seguramente porque ya conocen todas sus ventajas. Los preparadores de Personal Running hablan de diez de ellas. ¿Sabes cuáles son?

Reduce el riesgo de contraer enfermedades. Si practicas ejercicio regularmente, el riesgo a padecer diabetes de tipo II, colesterol, hipertensión u obesidad es mucho menor que el que sufren las personas sedentarias.

Mejora el sistema cardiorespiratorio. A pesar de que al empezar a correr parece que no se va a poder aguantar ni un asalto, lo cierto es que, poco a poco, el cuerpo se va adaptando y va adquiriendo resistencia.

Fortalece los huesos. El ejercicio de impacto es la mejor medicina contra la osteoporosis. Ayuda a que los huesos se fortalezcan y aumenten su densidad.

Regenera la masa muscular. Con el running se tonifican las piernas, el abdomen, la espalda y hasta los brazos. Es una manera muy completa de ponerse en forma y conseguir unas curvas definidas y atractivas.

Permite perder y controlar el peso. El trabajo aeróbico que se realiza durante la carrera aumenta el gasto calórico del día, apoyando así la pérdida de peso o a mantenerlo a raya. No hay una receta más eficaz para adelgazar que complementar dieta con ejercicio.

Combate la celulitis. Como la grasa disminuye en todo el cuerpo, también lo hace la acumulada en la zona de las caderas, causante de la anti-estética celulitis.

Favorece el descanso. Cuanto más activo ha sido el día, más se nota el cansancio al meterse en la cama. Por eso, cuando llega el momento de irse a dormir, es mucho más sencillo conciliar el sueño.

Ayuda a combatir el estrés y la ansiedad. Son muchos los estudios que prueban los efectos beneficiosos del deporte en la salud, no solo física sino también mental. Correr ayuda a dejar atrás las tensiones segregando endorfinas, también conocidas como hormonas de la felicidad.

Aumenta la autoestima. La carrera no aporta solo fondo y agilidad. También a nivel estético se notan grandes cambios cuando se entrena running con frecuencia. Verse bien y con energía es un elemento muy importante para afianzar la confianza en uno mismo.

Es un arma de socialización. Aunque a simple vista es un deporte individual, permite compartir entrenamientos y experiencias con mucha más gente que también lo practica.

Por eso, ya sea solo, con música, en pareja, o en grupo, Todas las opciones son válidas para abrocharse las zapatillas y empezar a correr.

No es necesario darse una gran carrera, con 15 minutos diarios  es suficiente 

Run Forrest, Run 🏃

ℜ𝔬𝔰𝔞 🖤

#vídeo #foto #running #personalme #hacer ejercicio

[andreasaarr]

~COSMÉTICOS DE LA ANTIGÜEDAD~

Países en donde las mujeres usaban sustancias químicas peligrosas para embellecer su rostro y diferentes tipos de estándares de belleza.

EGIPTO

Usaban sombras para sus ojos desde hace más de 5000 años, tanto por razones estéticas como prácticas. Dicha pintura era una pasta espesa hecha de Malaquita. La malaquita es un mineral del grupo V (carbonatos) según la clasificación de Strunz, de fórmula química Cu2CO3(OH)2 (dihidróxido de carbonato de cobre. Posee un 57,0% de cobre. Su nombre viene del griego malaqh, que significa ‘malva’, en alusión a su color verde.​ En la antigüedad era usada como colorante, pero hoy en día su uso es más bien como piedra semipreciosa.

GRECIA

Una tez pálida era considerada más atractiva que una sonrosada, así que las mujeres se embellecían el rostro con albayalde, El término albayalde (del árabe al-bayūd, ‘blancura’) designa al carbonato básico de plomo, un pigmento empleado tradicionalmente en pintura artística, y, por extensión, también al color de ese pigmento. Anteriormente se usaba como ingrediente para la pintura con plomo y un cosmético llamado cerusa veneciana, debido a su opacidad y la mezcla suave y satinada que hacía con algunos olios secables. Sin embargo, tendía a causar envenenamiento por plomo, por lo que actualmente su uso está prohibido en la mayoría de los países. Este les daba una palidez vistosa pero a la larga les envenenaba.

INGLATERRA

Fueron muy populares los tratamientos basados en agua de rosas para el cabello, el ungüento de flor de saúco, la salvia para blanquear los dientes, los baños en vino, la máscara de clara de huevo, miel para alisar las arrugas, y los pétalos de geranio como rojo de labios. Sorprendentemente estos métodos y técnicas no eran tóxicas ni peligrosas para la salud y eran recomendables por estar hechas de materiales completamente naturales sin químicos o sustancias dañinas para ellas.

Y para finalizar este blog corto hablaré de la era más interesante a mi parecer.

EUROPA RENACENTISTA

La famosa “Belladona” fue empleada con fines estéticos, de cuyo fruto se obtenía un extracto de efectos narcoticos, pues cuando se aplica en los ojos se dilatan las pupilas y las hace brillar, dándoles la perfección a su rostro que tanto buscaban y deseaban alcanzando el estándar de belleza en la época.

#egipto #grecia #inglaterra #beauty #makeup #maquillaje

[osturbain]

Cerca del 2015, Paulo me dió a fumar de su pipa. Ascendimos por las Margaritas hasta llegar a la casa de Ulises, sitiada en la cima del barrio, enterrada casi, dónde se abría un jardín con un castaño, perales e higueras adornadas por un centenar de esculturas abstractas hechas de metales soldados en composiciones experimentales, como si las hubiera hecho un aficionado de esos que tienen un talento inherente en cualquier forma de arte, matando el rato se llevó mucho tiempo y en algunas era notable su progreso. Aunque no soy quién sepa algo sobre esculturas y mucho menos si esas eran abstractas. Abstracto se usa de forma indiscriminada, desde cierta ignorancia para referirse a cosas desfiguradas o sacadas de un orden estético común etc.

Llegados a ese lugar repleto de animales, piezas de arte, libros amontonados y empolvados conocimos a un Ulises de algo así como 16 años. No los conocía bien, hubo una interacción burda que nos unía. Se nos hizo chistoso que Paulo y yo nos casaramos en una de esas ferias de pueblo donde hay un falso fiscal que avala un matrimonio falso. Nos daba mucha risa esa mierda y nos habíamos hecho buenos amigos.

Nunca había probado la hierba y le pareció que era un buen lugar para que yo la probara. No recuerdo cuanto fumé ese día, pero fue demasiado. Todo tenía un efecto onírico y ensordecedor, las hojas del castaño se movían lentamente, como si te dejaran adivinar el ritmo con las que se empujaban sus ramas. Sentados en círculo bajo él, fumamos y hablábamos lo de siempre, más o menos. Porqué solo estaba diciendo incoherencias de lo que sentía, sumamente difícil de explicar incluso ahora.

Entre muchísimos detalles como su gato inmortal Moloko que maullaba como un pájaro milenario y con su compasión inagotable me cuidó durante todo ese dulce y memorable viaje casi lisergico. Cómo creí que el Moloko en cuestión era una especie de dios encarnado, entre el efecto slomo reverberado que me provocaba esa hierba extraña y las cagadas de risa infinitas.

La pasé de verdad bien, fue una tarde memorable, es de esas cosas que mi memoria no ha matado del todo. Tardé años en entender lo que se guardaba en ese lugar, la casa de un abogado que ayudaba a los comunistas en un tiempo donde ser comunista te podía costar la vida, dónde echaron raíces un montón de árboles y gatos que perecieron en el mismo patio, hoy los cuida una figura del Buda apacible y sonriente, las esculturas erguidas como totems que resguardan a los que ahí aún moran, como Isaac, como yo.

Este último año hicimos mucha música ahí adentro, encierros dónde nos embriagamos entre saturaciones de sonidos y olores, de conflictos etílicos, de lágrimas y una lucha constante contra nuestras mentes afligidas y deterioradas, llevamos a incontables personas a colaborar o escuchar, y trabajamos religiosamente así como nos embriagamos religiosamente, y entre esta serie de devociones al final lo hicimos sin beber.

Nunca había probado la hierba cuando llegué ahí, tampoco había abierto los ojos entre lágrimas en medio de una canción solo para ver cómo Isaac y Ulises también se derretían en sus caras, el salado y las voz cortada. Ese día había muerto Zapata y lo único que pudimos hacer fue tocar para él una noche entera, aunque probablemente no le hubiera gustado como le gustaba el jazz, Sé que lo habría apreciado como la gran persona que era, (y es, aún después de su muerte) con el enorme amor que sentía por sus camaradas. Tocamos para él, para nosotros, para la rabia y tristeza que sentimos.

Está casi listo y aunque aún nos enfrentamos a la distancia, a las intermitentes sesiones de escritura y los trabajos que odiamos, hay una sensación como de un hilo que no se rompe, de un hiel en el pecho que no ha salido, que arde por salir para desquebrajarse.

[phantoma-net]

El cuerpo como materia post-digital: Chromaperformance y otros hipervinculos.

Chromaperformance no es un movimiento artístico. No se trata de una tendencia, ni mucho menos de un manifiesto que busque englobar determinadas prácticas para hacerlas cumplir alguna agenda discursiva en particular. Chromaperformance se trata del espacio; un espacio plástico que se puede estirar y retorcer; un espacio que se puede extender, explotar y expandir más allá de cualquier noción de lógica espacial.

Chromaperformance se trata del cuerpo; el cuerpo vinculado al espacio post-digital, a los píxeles transformados en carne, a la identidad contenida dentro del flujo.

Chromaperformance es un efecto; efecto del internet migrante, del cyberespacio rompiendo las pantallas.

Es el chroma key el principal posibilitador del chromaperformance. La pantalla verde en sí misma es una geometría, un perímetro establecido según las posibilidades del espacio donde se monte; es materia concreta en espacio concreto. La esencia del chroma key radica en su relación con las herramientas de producción y edición de imagen en movimiento, particularmente con el software de edición, y es a partir de estas herramientas que el chroma key pasa de ser una gran tela cuadrada a ser un contenedor capaz de albergar al casi-infinito (de no se por las limitantes del formato ventana).

Es verdad que el vínculo entre performance, videoarte, internet y espacialidad digital no es algo nuevo, sin embargo, desde un entendimiento generacional me resulta sumamente importante, pues el chromaperformance es el efecto de las identidades permeadas por la web y la virtualidad; hablamos de nativas digitales; artistas que crecieron con el internet desde un vínculo emocional, donde la tecnología no fue un territorio de migración, sino un acompañante natural; de esta manera, la tecnología se presenta como una herramienta capaz de formular y experimentar el mundo, afectando las formas y el rumbo de las acciones creativas. En este sentido, chromaperformance es una aproximación a una serie de prácticas artísticas que navegan en las olas de la web, entre gifs, provocaciones, colores RGB y múltiples referencias a la cultura popular. Entre los referentes que vinculan a estas artistas está el uso del video como vehículo para la transmisión mediática, el uso de pantallas verdes, filtros, realidad aumentada, fotomontaje, actuación, personificación, disfraces, cuerpo, mensajes y memes.

Entonces pienso instantáneamente en el trabajo de la artista colombiana Valentina Cadena (@videotramp), quien a través del video auto referencial, el bordado y el dibujo ha desplegado un enorme entramado de referencias a la cultura web al mismo tiempo que explora la sexualidad, lo espiritual y la noción del trabajo en relación con lo femenino. Es interesante ver como el trabajo de Valentina converge con la idea de los hipervínculos, pues al observar sus piezas, siempre hay una que te remite a otra o a varias al mismo tiempo, como si de las ramificaciones de un árbol se tratara. Ninguna pieza camina en solitario, si no que coexisten en aquel universo que la propia artista ha creado. Entrar a su web oficial es toda una experiencia visual que se desvincula del diseño genérico de las páginas web y sus ideales estéticos. Desde el nombre, solobobadas.com, ya podemos darnos una idea de la posición de Valentina en torno a la producción artística; cuestiones como el DIY, estéticas precarias, imágenes pobres y retromanía. La web simula un escritorio de PC, lleno de iconos de carpetas y gifs en movimiento al puro estilo de la web 2.0, recordándonos que existió un tiempo en el que la gente personalizaba sus dominios de manera libre, jugando con los colores y los banners, creando así un entorno personalizado mas apegado al desarrollo de una identidad que a la seductora practicidad de los sitios actuales.

La primera pieza que vi de Valentina fue un video titulado Iluminación Programada, en donde la artista, desarrollando el papel de una conductora de un programa de meditación, realiza una sesión de yoga, mientras que la voz guía enuncia mensajes de concentración y motivación para alcanzar el éxito económico en los shows webcam. Trabajo sexual, cybertrabajo, alma, energía, abundancia, éxito y realización se transforman en un mantra dentro de un entorno que pasa de ser un montaje escenográfico a un estado mental representado por colores nebulosos y patrones abstractos que podemos reconocer en los resultados de Google cuando buscamos las palabras “budismo zen”. En este trabajo, la cámara web resulta el nuevo dispositivo de subjetivación por excelencia, una forma específica de observar el cuerpo, el trabajo, la explotación y los puentes que se establecen entre el deseo, los placeres y el internet.

El cuerpo va más allá de sí mismo. El cuerpo se fragmenta y se recompone a partir del uso de distintas tecnologías que lo expanden, no solo físicamente, sino también simbólicamente, generando la capacidad de articular discursos que cuestionen el bío-poder y las políticas de supresión y sumisión del sujeto en relación con el libre uso de su cuerpo. En este sentido, el chromaperformance entra como un medio poético/político de emancipación de los autoritarismos tecnológicos de las macro corporaciones.

Al hacer memes de sí misma, la artista mexicana Daniela de La Torre (@danidelatower) genera una consciencia de la corporalidad en relación con la viralidad de las imágenes puestas en circulación dentro de las redes sociales y la manera en la que estas se despliegan como dispositivos que moldean la identidad y la fragmentan en una multiplicidad de nodos que navegan en los flujos de la web.

En Los chismes son los mitos del futuro, Daniela nos presente a una criatura post tolkien, un híbrido entre los modos salvajes de Golum y la estética de los elfos, que interpreta para los viajeros una canción hyperpop saturada de autotune donde cuenta la historia del choque generacional y el ejercicio del poder como una estructura inherente dentro del mundo artístico. La acción se lleva a cabo en un escenario boscoso, hostil y frío, oculto entre las sombras de grandes árboles y rocas estilo N64. Esta criatura se esconde en lo más recóndito del mundo del arte, despliega las telarañas del chisme y desaparece. De alguna manera, esta criatura misteriosa me parece el propio chisme encarnado; aparece al calor de los encuentros, se presenta, se esparce, se transforma y se multiplica, solo para desaparecer y ser sustituido por un chisme nuevo, uno más fresco.  Algo que me llama mucho la atención es que recurre a un chisme sobre el consagrado artista y posiblemente el más mitificado del país en cuanto a arte contemporáneo se refiere, Gabriel Orozco. Aquí Orozco deja de ser el artista y se convierte en un artificio, en una ficción, en una probabilidad. En este caso, los chismes no son solo los mitos del futuro, sino que también son realidades a medias que funcionan como bloques para construir la idea que tenemos sobre la persona involucrada. Los chismes son los mitos del futuro me parece un enunciado lo suficienteente subversivo como para cuestionar la historia y la creación de la identidad social a partir del relato. Me gusta pensar entonces que mucho del relato actual esta construido por varios acuerdos entre verdades a medias, mentiras y colaboración comunicativa.

La pantalla verde nos sitúa en un escenario de fantasía, un mundo donde el personaje de Daniela siempre estará esperando el encuentro para contar sus chismes.

La libertad del performance, de verse bien ante la cámara, de soñar con ser famosa, el coqueteo y la música, son tópicos en la reinterpretación de la canción “Yo quiero un hombre”, intervenida por la artista colombiana Paula Patiño (@paulapatinho), quien decidió cambiar la letra de la canción tropical a la de “Yo NO quiero un hombre”, replanteando la intención de la pieza musical en un ejercicio de performatividad donde se asume una postura que va más allá del enunciado, es decir, una actitud que reafirma el amor propio y el rechazo a la norma; se trata de la tradición de la música tropical colombiana replanteada para efectuar pequeños ejercicios de empoderamiento y la afirmación de una voluntad que se justifica por si sola.

Sin embargo, en el caso particular de este video, es interesante ver como el telón verde se representa a sí mismo, es decir, ya no se trata de una herramienta para la representación de ambientes y espacios que doten de contexto a la acción, sino que aquí aparece el fondo del mismo color verde, como si no existiera necesidad de sumergir la acción en un escenario, sino que el telón se revela a sí mismo como una estética, como una representación de la propia herramienta de montaje. En NOT EVEN A GIRL, video que se presenta como un tráiler de un falso documental y que podemos encontrar en el canal de Viemo del Festival HelloWorld, Paula personifica a un personaje que a través de la música y el performance inicia su búsqueda por encontrar la fama al mismo tiempo que nos platica su proceso creativo, su manera de entender su práctica y la manera en la que se entiende a sí misma a través del formato entrevista donde podemos reconocer al fondo el material de trabajo: Tela verde, lámparas y focos neón. De alguna manera, esto nos revela el esqueleto de su trabajo.

Si bien estos son algunos ejemplos que me interesan de chromaperformance, es importante mencionar que estas dinámicas no están sujetas a ningún programa de contenidos.

El telón es una ventana, una herramienta discursiva, un campo expandido. El mundo material puede aparecer en la tela, aunque siempre descansan en ella ciertos indicios de artificialidad. 

Chromaperformance es una interfase y una meta herramienta

Chromaperformance es la poética del cuerpo en el mundo post-digital.

Links a los videos:

NOT EVEN A GIRL, Paula Patiño https://vimeo.com/646220326

Iluminación programada, Valentina Cadena https://vimeo.com/videotramp

Los chismes son los mitos del futuro, Daniela de la Torre https://www.youtube.com/watch?v=OREiqt1JZkM&t=266s

[srepgames]

Se anuncia Need for Speed Unbound para PC y consolas – Detalles y trailer.

Electronic Arts y Criterion Games anunciaron Need for Speed Unbound para PC (Steam / Epic Games Store / Origin), PlayStation 5 y Xbox Series. Su lanzamiento será el 2 de diciembre.

La emoción de las carreras y la adrenalina de las persecuciones están de regreso. Need for Speed Unbound pone a los jugadores de todo el mundo en el asiento del piloto de carreras callejeras de fantasía, a medida que burlan a la policía y demuestran tener lo que se necesita para ganar The Grand, el máximo desafío de carreras callejeras de Lakeshore.

Este título presenta un estilo visual único y completamente nuevo que combina elementos del arte callejero con los autos más realistas en la historia de la franquicia. La innovadora campaña para un jugador ofrece emociones y consecuencias a través de una narrativa inmersiva que introduce a los fans en la ciudad de Lakeshore mientras compiten, coleccionan, mejoran y personalizan los autos de más alto rendimiento del mundo en su camino hacia la cima de la escena.

"Need for Speed Unbound se trata de autoexpresión, tomar riesgos y alterar el status quo simplemente siendo tú mismo, a través de tu estilo de carrera, autos con modificaciones únicas, moda, música y mucho más", dijo Kieran Crimmins, director creativo en Criterion Games. "Queremos crear un universo único, donde los jugadores se vean representados a sí mismos dentro el juego. La experiencia visual de Unbound redefine las expectativas, con un nuevo estilo artístico característico que da vida a los graffitis, intensifica la competencia, y crea acción de alta velocidad y adrenalina.”

Acerca del juego:

El mundo es tu lienzo en Need for Speed Unbound. Demuestra que tienes lo necesario para ganar el Grand, el desafío de carreras callejeras definitivo de Lakeshore. A lo largo de 4 semanas de carreras intensas, gana dinero suficiente para participar en eliminatorias semanales, vence a la competencia y deja tu huella en la escena de las carreras callejeras, al manejar mejor que la policía y burlarte de ella. Llena tu garage con autos personalizados con detalles precisos y deslumbra las calles con tu estilo único, atuendos exclusivos y una banda sonora global vibrante dirigida por A$AP Rocky y AWGE. Exprésate al máximo con los nuevos estilos artísticos y los grafitis característicos que te representan a la perfección. Con distintas campañas para un jugador y multijugador, esta última edición de la franquicia Need for Speed de Criterion Games ofrece horas de acción electrizantes y llenas de adrenalina.

Características principales:

• El mundo es tu lienzo: El grafiti cobra vida en Need for Speed Unbound con un estilo visual único y totalmente nuevo que combina elementos del arte callejero más recientes con los autos más realistas en la historia de Need for Speed. Accede a un nuevo conjunto de opciones de efectos visuales y de sonido de alta energía para expresar tus habilidades de manejo, entre las que se incluyen las ráfagas de nitro, que son una nueva táctica de impulso que proporciona una velocidad vertiginosa.

• Comienza desde abajo y escala hasta la cima: Para llegar a la cima tienes que arriesgarte. Elige cómo y cuándo jugártelo todo, hacer grandes derrapes en la calle, burlar a la policía o hacer apuestas secundarias con tus ganancias contra tus rivales. El tiempo es oro, así que encuentra la forma más rápida de ganar suficiente dinero para participar en las eliminatorias semanales y llegar a la carrera definitiva de Lakeshore, el Grand.

• Corre por estas calles: Entre más compitas, más presión se genera. Mientras la policía aumenta la presión, tienes que tomar decisiones tácticas con nuevas mecánicas de escape para tomar el control de la persecución. ¿Superarás a la policía, la enfrentarás o te esconderás en el mundo clandestino de Lakeshore? Corre por estas calles y cosecharás recompensas.

• Exprésate con todo: Ve a un encuentro y presume de estilo único con cientos de artículos estéticos que están a tu disposición, incluido el equipo exclusivo de algunos de los innovadores y pioneros en moda del mundo. Lleva ese estilo a tu auto y transfórmalo con diseños únicos y novedosos para obtener el aspecto legendario definitivo. Y cuando te asegures el primer puesto, no olvides vacilar a la competencia con tus poses de victoria.

Need for Speed Unbound ya se encuentra disponible para reserva hasta el 29 de noviembre de 2022. Quienes reserven ahora recibirán un pack exclusivo de contenido de Unbound, que incluye un paquete de efectos de conducción, vinilos, una matrícula, un arte de banner, stickers y $150,000 en su billetera cuando ingresen por primera vez al modo multijugador y más.

Los miembros de EA Play también pueden jugar Need for Speed Unbound de forma anticipada con una prueba de 10 horas a partir del 29 de noviembre y disfrutar de beneficios exclusivos dentro del juego. Además, los miembros de EA Play Pro en PC disfrutarán de acceso ilimitado a la Edición Palace a partir del 29 de noviembre, tres días antes del lanzamiento oficial.

¡La carrera no termina con el lanzamiento! El mundo de Lakeshore no se detendrá ya que contará con actualizaciones de contenido gratuitas que estarán disponibles luego del lanzamiento e incluirán nuevas características, experiencias, drops de contenido y más. Pronto se revelarán detalles adicionales sobre el contenido que estará disponible luego del lanzamiento.

Ver galería de imágenes.

#Need for Speed Unbound #Electronic Arts #Criterion Games #PC #PlayStation 5 #Xbox Series #Noticias

[cuentamemascdmx]

008 | ARTES ESCENICAS |

Las artes escénicas son las disciplinas artísticas que están destinadas a ser representadas frente a una audiencia, estas manifestaciones pueden ocurrir en entornos destinados especialmente para ello, pueden ser escenarios, teatros y salas de espectáculos o bien pueden llevarse a cabo en el espacio público como plazas o parques.

Existen3 grupos de artes escénicas: la danza, el teatro y la música, dentro de estos grupos se incluyen diversas formas artísticas, como el ballet, la ópera, el recital, los títeres, el performance y todas aquellas disciplinas que requieran de un espacio escénico, en algunas ocasiones se incluye a los desfiles, procesiones religiosas, fiestas populares o carnavales.

Las representaciones artísticas son un tipo de arte efímero porque ocurren en un tiempo y lugar concreto y se valen de recursos como la palabra, la música, el movimiento y el sonido, pueden incluir objetos, escenografía, vestuario, maquillaje, tecnología y todo aquello que ayude en el proceso de producción de la obra o pieza artística.

Los principales tipos de artes escénicas son:

Teatro. Es una de las artes escénicas más cultivadas y de mayor impacto, que consiste en impartir un mensaje a través de la representación, por parte de uno o varios actores, de una historia real o ficticia. En su puesta en escena suelen darse otras artes escénicas (como el canto y la danza) y también elementos de la literatura, como los diálogos y el guion. Además, el teatro suele utilizar objetos o escenografía que ayudan a dar contexto a las obras (que pueden ser comedias, dramas, musicales, tragedias, entre otras). Danza. Es un arte que consiste en el movimiento del cuerpo al ritmo de una música. Existen distintos tipos de danzas que son llevadas a cabo por uno o más bailarines, como el ballet clásico, la danza contemporánea o las danzas folclóricas. Es una de las formas artísticas más antiguas de la humanidad y solía formar parte de celebraciones y rituales. Música. Es una de las formas estéticas más complejas, que logra mediante sonidos realizados con diversos instrumentos producir sinfonías de diversa complejidad y longitud que evocan distintos sentimientos e impresiones. Existen distintos estilos musicales y formas en las que se representan, como los conciertos, recitales, coros, óperas, entre otros. Circo. Es un arte que se basa en una puesta en escena y en la exhibición de destrezas, como malabarismo, equilibrismo, trapecismo, y personajes circenses como los magos y los payasos. Los circos suelen hacer puestas en escena itinerantes y son herencia del legendario circo romano, al que se le incorporaron elementos menos agresivos. Performance. Es un arte formado por manifestaciones más o menos definidas de distintas disciplinas, que suelen ser improvisaciones o actos preparados que ocurren en un escenario o en lugares públicos. Algunos ejemplos de performances son el happening o el fluxus. ¿Cuáles son los elementos de las artes escénicas? Las artes escénicas requieren de los siguientes elementos principales:

Intérpretes. Son actores, poetas, bailarines, músicos o cualquiera otra persona o grupo que emplea su cuerpo en escena y asume un rol para producir un efecto estético. Son indispensables para llevar adelante cualquier representación.

Público. Está formado por un grupo de personas frente al que se realiza la representación. En algunos casos, el público es convocado por los artistas para asumir un rol activo dentro del espectáculo.

Escenario. Es el lugar físico en el que se lleva adelante la acción cultural. Este escenario puede estar en un teatro o en una sala de espectáculos, o puede ser la calle, una tarima improvisada, una plaza pública, entre muchos otros.

Objetos. Son aquellos bienes materiales que funcionan como apoyo dentro de la representación. Estos objetos pueden formar parte del decorado escénico, pueden ser partícipes de la representación o funcionar como ayuda técnica para producir un efecto deseado.

-----------------------------------------------------------------------------------------------------

*Este episodio es presentado por Tumblr

*Este episodio es presentado por Flickr

#esilvestre #tumblr #mytumblr #teatro #artes #escenicas #musical theater #theater #arte #art #cultura #culture #post #my post #nikon 890-0084-xxq #008

[unifearquitectura]

Universidad: Universidad: Universidad Femenina del Sagrado Corazón (UNIFÉ)

Curso: Acondicionamiento Ambiental III Sección A

Semestre académico: 2020-II

Tema: Análisis de confort térmico, lumínico, acústico de una vivienda en tiempos de pandemia.

Estudiantes: Milenka Castillo Sánchez.

Docente: Arq. Marlenne Giovanna Uría Toro.

Memoria descriptiva:

Este curso está orientado al desarrollo de la evaluación de las condiciones Térmicas Lumínicas y Acústicas en la arquitectura, desde condiciones de entorno hasta la elección de un ambiente especifico de una edificación. Entender lo ambiental va por la identificación de nuestro territorio, los climas, las estrategias a diferentes escalas propias de la clasificación climática, la determinación de perforaciones en las fachadas, los materiales, la transmitancia térmica de ellos y como estos al interior o exterior pueden tornarse determinantes en el confort y más en el confort del usuario independiente a la función que cumpla el ambiente a estudiar.

Las evaluaciones van por una metodología de medir diferentes parámetros en cada área según normativas, contrastar y analizar resultados, si bien por condiciones actuales la ruta se vio forzada a evaluaciones teóricas mediante formulaciones matemáticas en algunos casos, mediciones con aplicativos, o análisis de casos en otros para los referentes que pudieran identificar el quehacer de esta investigación.

 En este caso se decidió trabajar a nivel de viviendas, y desarrollar un análisis de la particularidad de ser evaluada en época de aislamiento por pandemia, lo que condiciona a un cambio de uso de los diferentes espacios, siendo utilizados de distinta forma y exigiendo un mayor confort en cada uno de ellos.

Para efectos de exposición se trabajó un panel síntesis del trabajo de investigación.

La presión sonora, el ruido de fondo, la geometría del espacio, las condiciones térmicas, las renovaciones de aire, la ventilación adecuada, como exigencia de esta pandemia, el flujo luminoso en los planos de trabajo y más parámetros fueron considerados para entender que la arquitectura en esencia busca la satisfacción de los usuarios y eso implica desarrollarla más allá de lo estético y funcional para poder garantizar calidad de vida.

 Palabras Clave: transmitancia térmica, incidencia solar, flujo luminoso, presión sonora, ruido de fondo, confort.

#unifearquitectura #disenoambiental #acondicionamientoambiental

[atrevete-belleza]

Tratamientos Estéticos para Labios

Vamos a ver los mejores Tratamientos Estéticos para Labios en la actualidad.

Una de las mayores preocupaciones de las mujeres es tener unos labios bonitos, hidratados, luminosos y con volumen.

No importa cuál sea tu edad, todas queremos lucir unos labios carnosos y voluminosos. Pero con el tiempo y la edad, la piel de los labios pierde su elasticidad y se reseca. 

Con el fin de mantener su belleza, las mujeres recurren a tratamientos estéticos para labios. Hay diferentes Tratamientos para Labios con los que puedes conseguir unos labios bonitos y asimétricos. 

El Ácido Hialurónico para labios consiste en aumentar el labio mediante la inyección de un gel de colágeno o ácido hialurónico. Estas inyecciones sirven para llenar los labios y hacer que se vean más carnosos. 

Los Tratamientos Estéticos para Labios que tenemos hoy en día son los siguientes:

-  Perfilado Labial

-  Aumento de Labios

-  Hidratación

-  Lip Refresh

-  Corregir Asimetrías

-  Efecto Gloss

Si quieres saber, tienes más información en la web de Atrévete Belleza.

#labios #lips #beautiful lips #cute lips #tratamiento labios #atrevete #atrevete belleza

[miblog01-2022]

La Música

chido''''

La música es un arte, por su ritmos e instrumentos que la conforman ya que la música es algo que te relaja y te hace sentir bien a ti mismo, al igual esta conformada por diferentes tipos de géneros que a ti te guste o te llamen la atención.

El origen de la música es desconocido, ya que inicialmente no se utilizaban instrumentos musicales para interpretarla, sino la voz humana, o la percusión corporal, que no dejan huella en el registro arqueológico. Se puede inferir que la música se descubrió en un momento similar a la aparición del lenguaje

Se estima que la música cuenta con gran importancia para el ser humano ya que le permite expresar miedos, alegrías, sentimientos muy profundos de diverso tipo. La música permite canalizar esos sentimientos y hacer que la persona aliviane sus penas o haga crecer su alegría dependiendo del caso.

La música es una de las llamadas Bellas Artes, es decir, a un género artístico, que consiste en conseguir efectos estéticos a través de la manipulación de sonidos vocales o instrumentales, conforme a estándares culturales de ritmo, armonía y melodía.

Nuestro arte establece para ello tres elementos que se entretejen para alcanzar la expresión artística: son el ritmo, la melodía y la armonía. En cualquier obra musical encontraremos estos elementos fundamentales

La música para mí es una forma de sentir la vida, cada melodía va ligada a un sentimiento, estado de ánimo, vivencia, compañía, situación, lugar,…es simplemente imprescindible.

Y es que, a través de la música se puede llegar a desarrollar la inteligencia emocional, fomentar la sociabilidad, la tolerancia, la empatía o el trabajo en equipo. También es útil para crear nexos sociales, reforzar el respeto y fortalecer su autoestima.

La música es el lenguaje del mundo. Un fiel reflejo de nuestra personalidad y experiencia. Ambas cambian a lo largo de nuestra vida en consonancia con la madurez que vamos adquiriendo y según nuestros estados de ánimo.

La música puede definirse a muy grandes rasgos como una sonoridad organizada, coherente, significativa. Se caracteriza por el empleo de los sonidos (y de los instrumentos para producirlos) con el objetivo de producir una secuencia estéticamente apreciable y significativa.

ELEMENTOS DE LA MÚSICA: RITMO, MELODÍA Y ARMONÍA

Son las llamadas por los físicos cualidades del sonidos: tono, intensidad y timbre. Tono: Entonación o altura de cada sonido. Intensidad: Fuerza de cada sonido o conjunto de sonidos. Timbre: Cualidad por la que diferenciamos la fuente productora de cada sonido.

En suma, los elementos de la música son las piezas esenciales y fundamentales sobre las cuales reposa la teoría musical de todos los tiempos. Es el engranaje perfecto para que todo logre llegar a la llamada cuadratura musical. Ritmo, melodía, armonía y matiz fusionados en un solo contexto