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azul-maria-elias · 2 months

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«With The Beatles» (1964)

The Beatles

Reseña y análisis de álbumes por mí, una simple mortal que ama la música (y a esta banda).

Historia y contexto

Si buscas enterarte de qué álbum antescedió a la salida de With The Beatles o no tienes idea de quiénes son o cómo comenzaron su carrera musical The Beatles, te invito a que leas mis dos trabajos previos:

Conociendo a The Beatles. Breve introducción a la banda más importante en la historia de la música.

Please Please Me (1963)

Las canciones sin álbum: entre «Please Please Me» y «With The Beatles»

Dicho esto, a continuación sólo haré un breve repaso por la creación de With The Beatles.

El ascenso inevitable

Con Please Please Me, los cuatro de Liverpool consiguieron su primer Número Uno. Su inevitable ascenso los llevó a cosechar el single más vendido en la historia de Gran Bretaña: She Loves You.

El inmenso éxito significó una agenda mucho más apretada para grabar su próximo álbum. El 13 de octubre de 1963 se presentaron en el programa Sunday Night At The London Palladium, donde fueron vistos por un público de 15 millones de espectadores. Al mes siguiente tocaron para la Reina en The Royal Variety Show y poco después cosecharían su tan esperado éxito en los Estados Unidos con su actuacion en The Ed Sullivan Show. Durante esta época, la prensa británica acunó el término de la "beatlemanía" para referise al impacto de la banda sobre sus fanáticos.

En este contexto, a pesar de no repetir la fenomenal hazaña de grabar diez canciones en diez horas, la grabación y producción de With The Beatles fue toda una odisea. Grabaron en cuatro sesiones distanciadas entre sí debido a las obligaciones del grupo.

Habida cuenta de esas circunstancias, With The Beatles no es sólo una gran secuela, sino un logro en sí mismo; el solo hecho de probar que podían hacer otro disco sólido constituía un gran éxito. Pero fueron más allá de eso. Aquí es donde "los flequilludos" se convirtieron en verdaderos profesionales, donde los cuatro chicos de Liverpool se consolidaron oficialmente como estrellas pop. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La primera sesión fue el 18 de julio de 1963: los Beatles llegaron a los Estudios EMI a las diez de la mañana. Grabaron hasta las 13.30, cuando debieron salir rumbo al Playhouse Theatre de Londres para grabar una aparición en el programa de radio de la BBC Saturday Club (grabaciones que después serían recopiladas en BBC Live). Regresaron a eso de las cinco de la tarde donde continuaron trabajando en el álbum sin siquiera parar para cenar. La enorme dedicación de los jóvenes por trabajar en su próximo álbum se condecendía con su disfrute genuino del proceso de grabación.

Lo que más nos gusta es entrar en el estudio para grabar discos nuevos... Lo que más nos gusta es escuchar cómo una de nuestras canciones toma forma en un estudio de grabación... y después escuchar las cintas para ver cómo salió. — Paul McCartney, 1963

Retomaron las grabaciones el 11 y 12 de septiembre y una última sesión el 3 de octubre.

With The Beatles mantuvo el formato de Please Please Me de contener tanto composiciones propias como covers por dos motivos:

Por un lado, los compromisos en vivo de la banda impedían que pudieran concentrarse en el disco varios días seguidos y de la misma manera, las canciones había que componerlas al vuelo: tanto Lennon como McCartney recuerdan discutir ideas en situaciones lejos de lo ideal, como habitaciones de hotel y micros de giras.

Por otro lado, existía un motivo comercial: no querían cambiar demasiado la fórmula que había hecho del primer disco un éxito espectacular.

Esto, junto a otras similitudes, como la observación de McCartney sobre que "Money (That's What I Want) provocaba las mismas reacciones en vivo que "Twist And Shout", hacen de Please Please Me y With The Beatles álbumes hermanos.

Cuando With The Beatles salió en el Reino Unido el 22 de noviembre de 1963, el disco resultó mejor de lo que nadie asociado con el proyecto hubiera imaginado, especialmente considerando el poco tiempo que tenía la banda por encontrarse cada vez con más demanda. Desplazó a Please Please Me en la cima del ranking británico de discos, y rápidamente vendió más de medio millón de ejemplares en dicho país. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Madurez musical

Aunque las similitudes con Please Please Me son evidentes, With The Beatles presenta unos Beatles mucho más maduros que en su debut. El éxito desmedido del primer disco permitió que los Beatles se tomaran ciertas libertades en cuanto la elección de canciones. Sobre todo, en su segundo álbum predominó el R&B y el Motown, reflejo de los gustos de Lennon y la idea que él tenía para la banda.

En la primera época, obviamente, yo dominaba el grupo. — John Lennon

Es evidente la influencia de Smokey Robinson (a quien alguna vez declaro Lennon como "la voz más perfecta que hay") no sólo en el cover del hit de los Miracles, "You've Really Got A Hold on Me", sino también en los temas propios de Lennon, como "Not A Second Time".

[Sobre "All I've Got to Do"] Es otro de mis intentos por imitar a Smokey Robinson. — John Lennon, 1980

Acompañando esta faceta más madura del grupo, With The Beatles señala el comienzo de la experimentación de George Martin con las técnicas de sonido y grabación:

(...) muchas canciones del disco tienen primeras voces grabadas en dos pistas; en varias, Martin toca el piano o el órgano y, en unos pocos casos, hay pedacitos de algunos instrumentos editados e insertados por medio de cintas en las tomas definitivas. De todos modos, en términos generales el disco es un fiel reflejo del sonido en vivo de los Beatles. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La portada

La icónica imágen de la portada fue obra del fotógrafo británico Robert Freeman. Los Beatles habían quedado impresionados las fotografías que Freeman había tomado del músico estadounidense John Coltrane.

George Harrison expresó que With The Beatles fue el principio de la participación activa en el arte del grupo.

El grupo le pidió a Freeman que se inspirara en las fotografías que su amiga Astrid Kirchherr les había tomado en Hamburgo entre 1960 y 1962.

Para lograr este resultado, el 22 de agosto de 1963 los fotografió en un pasillo de un hotel. Para adaptarse al formato cuadrado de la portada se puso a Ringo Star en la esquina inferior derecha, diciendo que era el último en unirse al grupo y también porque era el más bajo de estatura.

McCartney describió el resultado como "malhumorado" y agregó:

Nos dispuso en el pasillo de un hotel, muy poco parecido a un estudio. El pasillo estaba bastante oscuro y había una ventana al final. Usando la fuente natural de luz de esta ventana que venía desde la derecha, tomó cada una de esas fotos malhumoradas. La mayoría de la gente cree que tuvo que trabajar en ellas un montón de tiempo. Pero fue sólo una hora. Se sentó, tomó un par de rollos, y eso fue todo. — Paul McCartney, 1963

El concepto original era que la imagen ocupara de borde a borde la totalidad de la portada, sin sangrado, título o crédito del artista, un concepto que iba en contra de la práctica de la industria musical de la época, por lo que fue rechazado. El primer álbum en llevar una portada de borde a borde fue el debut homónimo de los Rolling Stones, lanzado cinco meses después.

Canción por canción

1. It Won't Be Long

Esta canción, compuesta por John Lennon y atribuída al dúo Lennon/McCartney, es la perfecta apertura del álbum

La letra usa un juego de palabras entre «be long» («mucho tiempo») y «belong» («pertenecer»), similar a lo que previamente Lennon había hecho con «Please Please Me». El final, en cuanto a su estructura musical, es muy similar con el de «She Loves You».

Tiene casi todos los rasgos característicos de los primeros años: voz principal grabada en dos pistas, un juego de palabras ingenioso ("It won't be long 'till I belong'), ásperos riffs de guitarra y una sentida armonía tríple. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

2. All I've Got to Do

Como cité con anterioridad, Lennon había expresado que All I've Got to Do fue uno de sus múltiples intentos por imitar a Smokey Robinson.

Compuesta por Lennon, las estrofas están construidas sobre los acentos débiles, una difícil figura recurrente que depende de un preciso engranaje de la guitarra rítmica y el hit-hat. Las espectrales armonías vocales que se escuchan en el estribillo influenciron a todo el mundo, desde Abba hasta los Zombies. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

3. All My Loving

Paul compuso All My Loving durante un tour-bus. Cuando llegaron al destino, escribió la música con un piano en su camerino. Fue grabada el 30 de julio de 1963 y pronto se convirtió en una pieza fundamental de sus presentaciones en vivo.

Es la primera canción que escribo primero la letra. Cosa que nunca hago, y difícilmente repito desde esta canción. Siempre es como una especie de acompañamiento. — Paul McCartney

Lennon expreso su aprecio por esta canción en una entrevista para Playboy.

Lennon: Temo decir que por desgracia, Paul escribió "All my Loving" (risas) Revista Playboy: ¿Por qué? Lennon: Porque es un excelente trabajo... Pero yo añadí una formidable guitarra de fondo.

La letra sigue el modelo de "carta canción" también usado en «P.S. I Love You».

Si no se dejan distraer por las estrofas y los estribillos tremendamente pegadizos, descubrirán un punte huérfano e inusual comuesto no para una parte constratante de la letra sino para un solo de Harrison con toques country. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

4. Don't Bother Me

Durante el verano de 1963, mientras estaba enfermo en la cama, Harrison compuso su primera contribución en un disco de los. Beatles. Aún sobrevive la grabación que Harrison hizo de si mismo aquel día en que empezó a componer en su habitación.

No fue una canción muy buena. La llegué a olvidar completamente una vez que estaba en el álbum. Por lo menos me dejó claro que todo lo que tenía que hacer era perseverar, y quizás algún día compondría algo bueno. — George Harrison

El humor hosco y desolado de la letra —«So go away, leave me alone, don't bother me» («Así que lárgate, déjame solo, no me molestes»)— era algo inusual en los Beatles de aquella época, pero habría de ser característico en las composiciones posteriores de Harrison.

Los Beatles nunca la interpretaron en directo, como ninguna otra canción de George, salvo «If I Needed Someone».

Luis Alberto Spinetta hizo una emocionante y hermosa versión en vivo, que recomiendo ampliamente oirla.

5. Little Child

McCartney describió «Little Child» como una «canción de relleno». Admitió que robó la línea «I'm so sad and lonely» («Estoy tan triste y solo») de la canción «Whistly My Love» del baladista y actor británico Elton Hayes.

En una oportunidad, McCartney distinguió entre canciones que eran el producto de la inspiración espontánea y otras que, como esta pequeña y amanerada, tenían una génesis más "trabajosa". Esta alegre canción para bailar es liviana sin llegar al cliché, con una secuencia interesante de acordes y ráfagas demoledoras de armónica de Lennon. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

6. Till There Was You

«Till There Was You» es una canción escrita por Meredith Willson para su musical de 1957 The Music Man.

Tuvo un éxito menor en el Reino Unido cuando fue interpretada por Peggy Lee en marzo de 1961. Paul McCartney conoció primero la versión de Peggy Lee y, para cuando versionaron la canción, él desconocía sus origenes en Broadway.

En algunas entrevistas, Lennon y McCartney expresaron el deseo de componer un musical en algún momento, y varias de sus canciones demuestran que ambos compositores entendían el género. Usada en vivo como un breve descanso entre tanto frenesí que dominaba las presentaciones, este cover calmo y sentido del musical de Broadway The Music Man, de 1957, es uno de los momentos más adorables del primer Paul McCartney. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Fue grabada para la audición con Decca Records, en la que fueron rechazados. Con George Martin a la cabeza y la banda con más confianza decidieron grabarla nuevamente. Cambiaron la guitarra eléctrica por una acústica, lo que hizo que la atmósfera cambiara por completo.

7. Please Mr. Postman

«Please Mr. Postman» es el primer sencillo de The Marvelettes para el sello Tamla, siendo significativo que haya sido la primera canción de Motown en alcanzar la posición n.º 1 en el Billboard Hot 100.

Desde su primer álbum, era evidente la gran admiración de los Beatles hacía la música de bandas femeninas. Please Mr. Postman formaba parte de su repertorio en vivo desde 1961. El grupo grabó tres tomas en un estilo muy similar al de su actuación en la BBC, pero al no encontrar los resultados esperados, alteraron el arreglo para sonar mucho más parecido a la versión original.

Muchas bandas británicas que soñaban con el éxito copiaban el pop americano. Ninguna de ellas se internó en tantos estilos diferentes como los Beatles, que para 1963 habían demostrado ser conocedores del blues, del primer rock de Elvis Presley, de Motown, del doowop y de los girl groups, con sus tirantes armonías. En esta delirantemente acelerada versión de "Please Mr. Postman" de The Marvelettes, Lennon canta la melodía como si él mismo hubiera estado torturándose a la espera del correo. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

8. Roll Over Beethoven

«Roll Over Beethoven» es un conocido éxito de 1956 del cantante y guitarrista Chuck Berry. La letra de la canción trata del deseo de que el rock and roll y el rhythm and blues sustituyan a la música clásica.

La canción está en el lugar n.º 97 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.

Según la revista Rolling Stone y el crítico musical Michael «Cub» Koda de Allmusic, Berry escribió la canción en respuesta a su hermana Lucy que siempre utilizaba el piano de la casa para tocar música clásica cuando Berry quería tocar música popular.

Era una de las canciones favoritas de John Lennon, Paul McCartney y George Harrison desde sus inicios como agrupación, y la siguieron tocando en vivo hasta las giras por Estados Unidos de 1964

De los Beatles, Lennon era el más fiel discípulo de Chuck Berry, y el que por lo general cantaba los cover del pionero del rock and roll. Pro en esta atolondrada proclama de Berry de la primacía del rock y el rhytm-and-blues, George Harrison se hizo cargo de la voz. En ste boogie con shuffle, "el Beatle callado" demuestra rápidamente su talento como cantante de rock. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

9. Hold Me Tight

«Hold Me Tight» fue compuesta principalmente por Paul McCartney en 1961, y fue parte de las actuaciones en vivo de The Beatles hasta 1963. La grabaron por primera vez durante las sesiones de Please Please Me, pero no fue incluida.

No me puedo acordar mucho sobre esta canción. Algunas eran tan sólo canciones de 'trabajo', y no sueles guardar después muchos recuerdos sobre ellas. Esta es una de aquellas canciones — Paul McCartney, 1980

Esta fue una de Paul... era una canción bastante pobre sobre la que nunca tuve mucho interés — John Lennon, 1980

(...) "Hold Me Tight" tiene una armonía de voz que recuerda a The Shirelles, y como muchas de las primeras composiciones de los Beatles, una letra dirigida a una persona en particular. Cuando le preguntaron en una entrevista promocional en 1964 sobre el uso de la banda de las palabras "yo", "vos" y "mi", McCartney respondió: "Nos gusta cantar canciones con un toque personal". — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

10. You Really Got A Hold on Me

«You've Really Got a Hold on Me» es una canción lanzada en 1962 en un exitoso sencillo de The Miracles, del álbum The Fabulous Miracles. Es de las canciones más famosas del grupo, teniendo millones de ventas e incluida en 1998 en la lista de las galardonadas con el Premio del Salón de la Fama de los Grammy.

Escrita por Smokey Robinson, la canción explora los sentimientos de un hombre tan enamorado de una mujer que no puede dejarla a pesar de que le trate mal.

The Beatles grabaron «You Really Got a Hold on Me» en cuatro ocasiones para la radio de la BBC en 1963. Uno de ellas, del 30 de julio de 1963, fue incluida en la colección de Live at the BBC. Una versión en directo grabada en Estocolmo, Suecia, en octubre de 1963 apareció en 1995 en Anthology 1. La canción fue interpretada una vez más y de una manera más improvisada, en 1969, durante las sesiones de grabación del álbum Let It Be, y que aparece en la película documental de mismo nombre de 1970, Let It Be.

Este cover del hit de Smokey Robinson And The Miracles muestra cuán profundo era el amor de los Beatles por Motown. Lennon canta como si volviera a renovar la fascinación con cada una de las emotivas estrofas de Robinson. En todo momento, le sigue las pisadas Harrison, que transformó la sección de saxos de la introducción original en una parte de guitarra tintineante: su estilo nítido y eficiente le da a la versión de los Beatles su discreta potencia. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

11. I Wanna Be Your Man

En septiembre de 1963, los Rolling Stones estaban buscando material nuevo para grabar, y John y Paul les ofrecieron la canción. A los Rolling Stones les gustó, pero Decca Records les urgía a que sacaran un nuevo sencillo y la canción no estaba acabada. Los dos Beatles se metieron en una habitación aparte en los estudios De Lane Lea y volvieron en poco tiempo con el primer gran éxito para los Rolling Stones.

Al mismo tiempo, los Beatles siempre la pensaron como parte de su próximo disco. Al ser una canción de "relleno" decidieron dársela a Ringo, quién le dió una fuerza y personalidad que nadie más podría haberlo hecho. La canción se volvió habitual en sus atuaciones en vivo debido al ser el -necesario- número vocal de Ringo, lo que ya se había vuelvo habitual por su gran cantidad de fanáticas. Rápidamente se volvió una de las favoritas del público.

Hasta que se hizo evidente que Starr tenía sus propias fans que lo adoraban, dejarlo cantar no figuraba mucho en los planes de los cerebros compositores de los Beatles. De hecho, cuando Lennon recordó que le había dado la canción a los Rolling Stones, dijo: "Las únicas dos versiones de la canción eran la de Ringo y la de los Rolling Stones. Eso muestra cuanta importancia tenía para nosotros". Pero la canción, un potente riff de blues con un alegre estribillo pop, es una versión original y avanzada del rock de los 50. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Era una canción desechable, simplemente es un sobrante. No ibamos a darles algo genial, ¿Verdad?. — John Lennon

12. Devil in Her Heart

«Devil in His Heart» fue escrita por el músico Richard P. Drapkin y grabada originalmente por The Donays, grupo no muy reconocido hasta que los Beatles versionaron su canción.

With The Beatles es el primer disco en que el productor George Martin, siempre riguroso en el ámbito vocal, opta fuertemente por las primeras voces grabadas en dos pistas. No es fácil de hacer: el cantante tiene que grabar una idéntica a la primera. Todos los Beatles lo sabían hacer bien, pero en este cover de una canción poco conocida de los Donys, Harrison está increíble. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

13. Not A Second Time

Fue la última canción del álbum acreditada como Lennon-McCartney, aunque fue escrita principalmente por Lennon.

Cuando un periodista serio en el Reino Unido hizo un artículo analizando la profundidad de algunas canciones del dúo, comparo la canción con «Das Lied von der Erde», de Gustav Mahler, expresando que la «cadencia eólica» de la voz de Lennon al llegar la canción a su fin, poseía la misma progresión de acorde aparecía al final de la canción de Mahler. Lennon, años más tarde, comentaría: «Al día de hoy, no tengo ni idea de lo que son las 'cadencias eólicas'. Suena a pájaros exóticos».

La empalagosa sección de piano en medio de esta oda lúgubre muestra el talento de los Beatles para absorber y reutilizar sonidos e ideas fuera del ámbito natural de sus contemporáneos obsesionados por ser modernos. El interludio, interpretado por George Martin, proviene orgullosamente del cancionero de la música easy-listening, bien con la declaración de Lennon de que no volverá a caer en las redes de una amante mentirosa. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

14. Money (That's What I Want)

«Money (That's What I Want)» es un perfecto final para el álbum que rescata los tiempos en Hamburgo de la banda.

Al hacer varios sets en vivo noche tras noche, los Beatles desarrollarn un talento especial para personalizar y reciclar los hits de otros artistas. Harrison recuerda que se topó con la versión original de Barrett Strong mientras revolvía las bateas de la disquería NEMS, propidad del manager Brian Epstein. La banda le dio un toque Marseybeat para incluirla en sus actuaciones en vivo. La canción es el tercer cover de Motown del disco, y tiene un ritmo encadenado, que le ofrece a Lennon la base perfecta para su primera voz, deliciosamente suelta, así com para la armonía en registro alto de McCartney, casi en éxtasis. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Lanzamiento

With The Beatles llegó a tener medio millones pedidos anticipados y vendió otro medio millón en septiembre de 1965. De esta manera, logró convertirse en el segundo álbum que vendía un millón de copias en el Reino Unido, solamente superado por la banda sonora original de la película South Pacific (1958). Se mantuvo en la cima de la lista durante veintiún semanas, y desplazó a Please Please Me, de manera que los Beatles ocuparon el primer puesto durante cincuenta y un semanas consecutivas entre los dos álbumes.

Si llegaste hasta aquí ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Proximamente publicaré mi análisis y reseña histórica del siguiente álbum en la lista, A Hard Day's Night (1964). Así que, si te gustó este primer escrito te invito a seguirme para no perderte los siguientes.

Bibliografía

Como podrán haber notado, cite en varias ocasiones a Pablo Plotkin en la revista Rolling Stone, y es porque la edición de colección de 2013: “The Beatles. La guía definitiva, disco por disco” fue en libro que me acompañó cuando estaba descubriendo a la banda. Es por eso que quise dejarles algunas citas que me parecieron interesantes porque fue en cierta medida culpa de esta revista por la que hoy mi habitación está llena de posters de los Beatles.

También recurría a varios videos de La Hemeroteca para ayudarme a escribir y ordenar los sucesos. Recomiendo ampliamente su canal si eres un apasionado por la música.

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azul-maria-elias · 2 months

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Parlor, Bedroom and Bath (1931)

Las películas sonoras de Buster Keaton son algo... complicadas de ver. Fue una etapa dificil para el talentoso actor y director, con un espantoso y nada conveniente contrato de por medio. Mientras que Charles Chaplin siguió produciendo películas mudas y reiventandose, para Keaton fue dificil adaptarse al medio sonoro. No porque rechazara al sonido, ya que en su última película como director Spite Marriage (1929) experimentó con efectos de sonido siendo que se estrenó con una partitura musical sincronizada con efectos de sonido (p. ej., risas, aplausos) utilizando tanto el proceso de sonido en disco como el de sonido en película.

Se trató de una buena película y demostró que Keaton podía enfrentarse a los cambios que estaba atravesando la industria. Pero los años posteriores a 1929, Keaton se vió despojado del control creativo de sus películas. Leí una vez a un espectador que lo resumió muy bien: es un poco como ver un animal magnífico en un zoológico, dijo.

Keaton sigue cautivando con su presencia porque es imposible que no lo hiciera, pero es triste de ver a una leyenda y un gran talento en una producción insulsa y sin corazón.

En este caso, Parlor, Bedroom and Bath (1931) o en español Recibidor, dormitorio y baño posee una trama muy tonta y aburrida y un humor nada trascendental. En algunas escenas llega hasta ser incómodo de ver. Aunque el humor es subjetivo y soy conciente que a muchas personas les resulta graciosa esta película, se tratan de chiste y escenas sin mucho dolor de cabeza detrás. A mí me resultó hasta grosero por demás. Si algo caracterizaba al cine de Keaton es su humor inteligente, que te hacía reir por sus remates impredecibles y su simpleza en lo aparentemente complicado. Además, en el cine de Keaton lo sentimental y el romanticismo es muy importante en la construcción de su personaje clásico y de las situaciones que lo acompañan. Siempre existe y prevalece el amor más puro e inocente, ya sea por una mujer o por una vaca (El rey de los cowboys, 1925). Aquí en cambio prevalece la obsenidad y el chiste fácil: el hombre poco varonil que no entiende el doble sentido y no se relaciona bien con las mujeres.

No recomiendo esta película, a nadie. Si eres fanático de Keaton como yo, te va a resultar tortuosa de ver por el desperdicio de talento de Keaton que, aunque algunos piensen que sea por su vejez, me niego a pensar que así sea porque en uno de sus últimos filmes The Railroader (1965) sigue siendo exquisito. Estoy convencida de que hasta el propio Keaton detestaba esta película.

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azul-maria-elias · 2 months

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Las canciones sin álbum: entre «Please Please Me» y «With The Beatles».

Si te estás introduciendo al mundo de The Beatles, es importante que conozcas que entre cada álbum, la banda lanzó fuera de ellos una gran variedad de sencillos. Puede suceder que si los escuchas cronológicamente y únicamente mediante los álbumes, te pierdas de estas canciones que tuvieron una gran relevancia en el desarrollo musical de la banda.

1. From Me to You

John Lennon y Paul McCartney compusieron la canción mientras viajaban en un micro, en medio de su gira como teloneros de Helen Shapiro en febrero de 1963. Lo consideraron su trabajo más profesional y pulido hasta el momento. «Ahí empezamos de verdad», recordaría McCartney.

En muchas de sus tempranas canciones tendían a usar pronombres en el estribillo como las palabras «I» («yo»), «me» («mi») y «you» («tú»), en una manera de hacerlas «más directas y personales».

Fue grabada el 5 de marzo de 1963 en los EMI Studios de Londres. En el lado B se incluyó «Thank You Girl».

2. Thank You Girl

El lado B de «From Me to You» expresaba la gratitud de los beatles hacia las mujeres de su publico.

Sabíamos que si componíamos una canción que se llamara «Thank You Girl», muchas de las fans que nos escribían cartas lo iban a tomar como un agradecimiento de verdad. Así que muchas de nuestras canciones... estaban dirigidas directamente a ellas. — Paul McCartney

La canción fue compuesta por el dúo Lennon/McCartney. Fue, al igual que «From Me to You», grabada el 5 de marzo de 1963 en los EMI Studios y publicada el 11 de abril de 1963.

3. She Loves You

La composición de «She Loves You» se inicia el 26 de junio de 1963, cuando en plena gira en Newcastle, antes de comenzar un show, Lennon y McCartney empezaron a componer la canción en dos camas gemelas de la habitación en la que se hospedaban. Terminaron la canción al día siguiente, en la casa paterna de Paul.

La narrativa en tercera persona de la canción fue realmente inusual para una canción de amor de la época. El narrador en la canción funcionaba como un emparejador entre dos amantes extraños. Esta idea fue atribuida por Lennon a McCartney en 1980:

La idea fue de Paul: en lugar de cantar una vez más 'I love you' ('te amo'), tuvimos en la canción un tercer protagonista. Este tipo de detalle se encuentra aún en sus trabajos en solitario; siempre escribirá una historia sobre alguien más. Yo me siento más inclinado a escribir sobre mí mismo. — John Lennon

Se trata del sencillo más vendido de The Beatles en el Reino Unido, y fue el sencillo más vendido en ese país durante su año de publicación.

Desde la introducción de batería hasta el estribillo que dice "yeah, yeah, yeah", plasmaba la euforia de la beatlemanía. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

4. I'll Get You

En el lado B de «She Loves You» se encontraba otra canción de la dupla Lennon/McCartney. John Lennon dijo acerca de esta canción en 1980:

'I'll Get You' es Paul y yo tratando de componer una canción... que no funcionó realmente bien. — John Lennon

Si llegaste hasta aquí ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Proximamente publicaré mi análisis y reseña histórica del siguiente álbum en la lista, With The Beatles (1963). Así que, si te gustó este escrito te invito a seguirme para no perderte los siguientes.

Te invito, también, a leer los anteriores dos trabajos que escribí sobre The Beatles:

Conociendo a The Beatles. Breve introducción a la banda más importante en la historia de la música.

Please Please Me (1963).

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azul-maria-elias · 2 months

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2024-02-12 Buenos Aires, Argentina

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azul-maria-elias · 2 months

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Gato siamés

2024-02-12 Buenos Aires, Argentina.

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azul-maria-elias · 3 months

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«Please Please Me» (1963) The Beatles

Reseña y análisis de álbumes por mí, una simple mortal que ama la música.

Historia y contexto

No voy a explicar la historia temprana de The Beatles porque ya lo hice en una publicación anterior en donde hablo desde la infancia de los cuatro de liverpool hasta la firma con el sello discográfico Parlophone. Por eso, en esta publicación me centraré más en la grabación del álbum y en los sucesos anteriores recientes a su publicación.

Diciendo todo esto, recordemos que The Beatles, representados por Brian Epstein, firmaron con Parlaphone luego de tener una audición con el productor George Martin en los estudios EMI.

1. George Martin

Podríamos decir que George Martin era la antítesis de los Beatles. El productor había nacido en la capital inglesa, Londres. Era un músico de formación clásica que de niño soñaba con ser el próximo Rachmnainoff. Era, a difrencia de los inquietos y enérgicos jóvenes, un hombre de cracter comedido, formal y un poco rigido.

Pese a las notables diferencias, a Martin le gustó el grupo y vió el potencial en el. Él se volvería una pieza clave en The Beatles, ya que con sus conocimientos academicos y su forma de trabajar, lograría potenciar aún más a los talentosos jóvenes. Por eso, muchos críticos y fanáticos le asignamos el título del "quinto beatle", apodo que también se disputa Brian Epstein.

Me pareció que tenían un tremendo carisma. Sabía que eso era algo que los haría populares. — George Harrison

Tenía una gran formación musical y sabía muchísimo. Digo, nos enseñó mucho, y estoy seguro de que nosotros también le enseñamos a él con nuestras aptitudes musicales primitivas. — John Lennon

La primera gran decisión de George Martin que afectaría al grupo fue reemplazar al baterista Pete Best. A Martin no le gustaba y le pidió al resto de la banda que buscaran un reemplazo. Inclusive, en una de las grabaciones Martin trajo a su propio baterista, Andy White, quien se caracterizaba por ser un baterista de sesión.

Fue entonces que George Harrison recordó a aquel baterista de Rory and the Hurricanes, con el que habían entablado una amistad en Hamburgo y lo recomendó para remplazar a Best. De esta manera, The Beatles quedó formado por Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr.

2. How Do You Do It? vs Love Me Do

La relación de la banda con George Martin no empezó de la mejor manera. Sin ir más lejos, cuando hicieron la primera prueba con Martin, éste les pidio que le dijeran si había algo que no les gustaba. "Bueno, sin ir más lejos, no me gusta tu corbata", le retrucó George Harrison.

El productor le propuso al grupo la canción How Do You Do It? como primer sencillo. Se trataba de un cover, ya que Martin no confiaba en la capacidad compositora del grupo. Por su parte, la banda quería que Love Me Do fuese su sencillo debut. George Martin detestaba la canción y no creía en su potencial. John Lennon llegó a decirle que la canción que propuso Martin "era una mierda".

Para empeorar la situación, Ringo todavía no terminaba de encajar con el grupo, por lo que en la siguiente sesión fue reemplazado por Andy White. Al final la persistencia del grupo por lanzar Love Me Do como primer sencillo dió sus frutos y lo lanzaron el 5 de octubre de 1962 con P.S. I Love You en el lado B. La canción alcanzó el número 17, su mejor puesto, en una de las cuatro principales listas británicas.

Ante el rechazo de los Beatles por How Do You Do It? fue cedida a Gerry and the Pacemakers, otra de las bandas representadas por Brian Epstein. Tal como lo predecia Georges Martin la canción fue número uno en las listas de sencillos del Reino Unido el 11 de abril de 1963, donde se mantuvo por tres semanas.

3. El mejor debut discográfico de la historia

Grabaron Ask Me Why y Please Please Me como sencillos y en 1963 actuaron en Thank Your Lucky Stars, un programa de TV que difundía bandas de pop en todo el país. Esa actuación les bastó a los Beatles para convertirse en la banda del momento de la música británica.

Ante la necesidad de capitalizar la creciente fama del grupo, fueron citados por George Martin el 11 de febrero de 1963 para grabar su primer disco.

En aquella época, los álbumes de larga duración solían tener catorce canciones, así que los Beatles llegaron a los estudios EMI (que más tarde pasarían a llamarse Abbey Road) sabiendo que tenían que grabar diez canciones más. Era una tarea para la cual estaban particularmente preparados. En Hamburgo y en The Cavern Club los Beatles se habían hecho conocidos por la intensidad de sus actuaciones en vivo, así como por su aguante. Por eso no resultó sorprendente que su primer álbum haya sido grabado en una única sesión que duró 13 horas en total.

En 1963, el negocio musical radicaba solo en los singles y los álbumes solo funcionaban como cancioneros sin conexiones. Pero no fue hasta cuando Please Please Me apareció cuando de a poco los Beatles empezaron a solidificar el concepto de sus discos. A pesar de no tener aún el control creativo de sus álbumes, por lapsos muestran destellos de su brillantez. — La Hemeroteca

George Martin buscó plasmar la energía en vivo de la banda. Transformó un estudio serio y conocido anteriormente por las grabaciones que allí se habían celebrado de la Orquesta Sinfónica de Londres y de Peter Sellers en un intentó por replicar el húmedo y frenético ambiente de The Cavern Club.

Fue una simple grabación del repertorio en vivo [de los Beatles] casi como una transmisión. Yo ya había estado en The Cavern Club y había visto de lo que eran capaces... Les dije: «Grabemos todas las canciones que tienen». — George Martin

Canción por canción

1. I Saw Her Standing There

El inicio de la discografía de The Beatles es uno de los más icónicos de la música el siglo XX. Bajo el ya emblemático conteo (1… 2… 3… !4¡) los Beatles debutan con un sonido fuerte y potente fiel a su escencia. A pesar de que los conteos suelen eliminarse de la mezcla final, George Martin quiso conservarlo para crear el efecto de que el álbum era una actuación en vivo. La canción conserva toda la adrenalina a pesar de haber requerido doce tomas para ser grabada.

El beat sincopado de Starr, el solo de guitarra a borbotones de Harrison, las voces en armonía de Lennon y McCartney: la primera grabación de los Beatles decía todo lo que se necesitaba saber sobre su magia alquímica. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Originalmente titulada "Seventeen", la canción fue concebida por McCartney mientras conducía a casa después de un concierto de los Beatles, como una versión moderna de la canción tradicional As I Roved Out. La canción resultó ser una de las primeras canciones de la sociedad que formarían John Lennon y Paul McCartney.

Aquí hay un ejemplo de un fragmento que le quité a alguien: usé el riff de bajo de Talkin' About You de Chuck Berry en I Saw Her Standing There. Toqué exactamente las mismas notas que él y encajaba perfectamente con nuestro número. Incluso ahora, cuando se lo cuento a la gente, encuentro que pocos me creen; por lo tanto, sostengo que un riff de bajo no tiene por qué ser original — Paul McCartney

I Saw Her Standing There entró en el Billboard Hot 100 el 8 de febrero de 1964, permaneciendo allí durante 11 semanas, alcanzando el puesto 14.

2. Misery

Misery fue compuesta en enero de 1963. John Lennon declaró que fue más una canción suya que de Paul, aunque compuesta por los dos. Por su parte, Paul McCartney no creía que la canción poseía más trabajo de uno que del otro, siendo este uno de los primeros de los muchos encuentros dispares respecto a la composición exacta de sus canciones. La canción fue un encargo para Helen Shapiro, la que por entonces era la cantante británica más exitosa, pero la rechazó por ser demasiado pesimista, un tema típico en esta primera etapa de The Beatles.

La canción es un buen ejemplo de la inventiva de Lennon y McCartney (escuchen las serpenteantes primeras voces), a la vez que parodia ingeniosamente la autcompasión adolescente: "El mundo me está tratanto maaaaal", cantan con sus voces más llorosas. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Un sencillo de 1963 de Kenny Lynch convirtió a Misery en la primera canción de los Beatles en ser versionada por otro artista.

3. Anna (Go to Him)

Anna es una de esas canciones de culto en el repertorio de The Beatles. Lennon se lleva la canción por completo, su protagonismo y alma en ella es precisa. Los Beatles harían después algunos covers más de este compositor, pero no se acercarían a la tristeza que le pusieron a esta.

El estupendo cover de los Beatles de la desolada soul ballad de Arthur Alezander carecía de la gravedad del tema original. Pero lo compensaban con inteligencia musical, al oponerle la guitarra tintineante de Harrison a los hi-hats quebraizos de Starr y agregar encima preciosas armonías de fondo. El fuerte resfrío que Lennon sufría el día que grabaron Please Please Me se escucha en el tono algo reumático de su voz, que no hace sino agregarle al grupo dramatismo del tema. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Era una de las canciones que siempre estaban en el repertorio en vivo de los Beatles y a John Lennon le encantaba.

Ringo Starr reproduce un inusual ritmo de batería con duros golpeteos. La voz de Lennon, sin embargo, añadió un dolor de tortura que no está presente en la versión de Alexander, sobre todo cuando se lamenta en la conclusión de los puentes. Los acompañamientos vocales armónicos de The Beatles, además, fueron excelentes y más eficaces [que en la versión de Alexander]. — Richie Unterberger

4. Chains

Chains es otro cover que había sido lanzado recientemente por The Cookies en noviembre de 1962. La canción llegó al grupo gracias a Harrison, quien la adoraba. Los Beatles la adaptan por completo al pop británico. Fue la primera canción de la banda en ser cantada por George.

5. Boys

Boys fue la primera canción de la banda con la voz de Ringo Starr, demostrando que todos los integrantes de la banda tenían habilidad vocal. Se necesitó solo de una toma para que Boys quedara perfecta.

Fue originalmente cantada por el anterior baterista de la banda, Pete Best. Además de ser su debut como cantante en la banda, también resultó ser un momento icónico de Ringo por ser una de las primeras canciones en demostrar su mítico estilo en la batería.

A pesar de haber sido compuesta desde un punto de vista femenino (fue una de las dos canciones de The Shirelles reversionadas en el álbum), los Beatles decidieron ignorar completamente la perspectiva.

En realidad era una canción de chicas, o una canción homosexual. Pero nunca le prestábamos atención a eso. Es una canción buenísima. Es una de las cosas de la juventud, no te importa nada. — Paul McCartney

6. Ask Me Why

Ask Me Why fue una de las cuatro canciónes ya grabadas que formaron parte del disco. No le encantaba a George Martin, pero recurrieron a ella debido a la falta de tiempo para tener otra sesión con el grupo. La canción fue comandada por Lennon, tiene una melodía sofisticada y se cree que la compuso para su esposa Cynthia y solo requirió de seis tomas. Fue acreditada como McCartney—Lennon.

Lennn reformuló la figura de guitarra de What's So Good about Goodbye, de The Miracles, y se inspiró de manera evidente en Smokey Robinson en este tema. Sus intentos por hacer juegos de palabras no compiten con los de la leyenda de Motown ("Te amo/ y siempre estoy pensando en vos"), pero la canción tiene sus aciertos, como los falsetes de Lennon y, como siempre, las hermosas armonías de voz. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

7. Please Please Me

Please Please Me tenía todo el potencial que Martin buscaba en The Beatles y él se encargó de pulir la canción escrita por Lennon acelerando su ritmo. Líricamente estaba inspirada en Roy Orbison y Bing Crosby. La canción sirvió tambien para empezar una persepción de respeto hacía George Martin, que aquí más que en otra canción del disco demostró su capacidad de potenciar sus composiciones. También se destaca la quejumbrosa armónica de Lennon que le agrega un toque de exotismo a la canción.

Cuando los Beatles originalmente terminaron de grabar la canción para su venta como sencillo, George Martin les dijo: "Felicitaciones, caballeros, acaban de grabar su primer número uno" (momento que es parodiado en el episodio "El cuarteto de Homero" en Los Simpsons). El productor le erró por poco: el single llegó a número dos en las listas británicas.

Recuerdo el día en que la escribí (...) Oía a Roy Orbison cantar Only the Lonely, o algo así. Y siempre había estado intrigado por el juego de palabras de una canción de Bing Crosby que era: "Please lend a little ear to my please", lo que me interesó en ella fue el doble uso de la palabra please. Así que fue una combinación musical entre Roy Orbison y Bing Crosby — John Lennon

8. Love Me Do

Love Me Do no era del todo querida por su simpleza. La canción presenta una destacada interpretación de Lennon en la armónica (en quizas el riff de armónica más famoso de la historia del rock and roll) y un dueto vocal entre él y McCartney.

Fue escrita principalmente por Paul McCartney entre 1958 y 1959, durante un día de absentismo escolar a los 16 años de edad. John Lennon contribuyó con el puente musical.

Esta canción posee tres grabaciones diferentes, cada una con un baterista distinto: el single de 1962 lo acompaña Ringo, en la grabación del álbum es el baterista de sesión Andy White quien toca, y la versión de 1962 que aparece en Antology es Pete Best quien la interpreta.

9. P.S. I Love You

P.S. I Love You fue una de las canciones pre-grabadas del álbum. Fue compuesta en la primavera de 1962 en Hamburgo por Paul McCarntney.

McCartney se pone epistolar, con una letra edulcorada, típica de él, y una progresión de acordes novedosa e ingeniosa, también típica de él. (Escuchen cómo se vuelve oscura la canción a partir del estribillo.) — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Este cambio de tono que se menciona se debe a que durante el coro de apertura, el acorde re bemol con séptima (Db7) se coloca de manera incongruente entre sol y re (en la palabra write), y durante la línea del título de la canción se produce un cambio repentino a si bemol (Bb) por debajo de «P.S. I love you».

Realmente es solo una idea para una canción, basada en la forma de una carta, igual que la idea de «Paperback Writer». Era más bien mía. No creo que John haya colaborado demasiado en ella. Hay ciertos temas que son más fáciles para usar en una canción, y uno de ellos es la carta. La carta es un tema muy popular, y el mío era solo un intento de poderlo usar. No se basa en la realidad, ni la escribí para mi novia de Hamburgo, como algunas personas piensan. — Paul McCartney

10. Baby It’s You

Baby It’s You es una balada romántica que ya pertenecía al repertorio de los conciertos de los Beatles. A pesar de que las Shirelles convirtieron la canción en un éxito Top 10 en 1962, el cover de los Beatles fue criticado por los fans más apegados al rock por desentonar con el resto del álbum.

Pero los Beatles, por supuesto, le esparcieron un poco de su propio polvo de hadas: una trepidante performance vocal de Lennon, un poderoso ritmo de batería de Starr y, de parte de George Martin, un toque sónico salvaje: un solo de celesta, un raro teclado que provee un sonido etéreo y acampanado, y que en esta canción acompaña el sol de guitarra de Harrison nota por nota. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

11. Do You Wan’t To Know A Secret?

Do You Wan’t To Know A Secret fue agregada al álbum como una manera de sembrar confianza para el canto en George Harrison. El resultado fue mucho más que eso, convirtiéndose en una de las canciones más icónicas del repertorio de la banda al igual que su mitico solo de guitarra. Lennon recordaría que le dieron esa canción a Harrison por su simpleza, sin embargo, su interpretación vocal suena tremendamente bien y mejor que en Chains.

La canción estuvo inspirada en el tema «I'm Wishing», una canción de 1937 de la película animada Blancanieves y los siete enanitos, que la madre de Lennon, Julia Lennon, le cantaba cuando era niño. Las dos primeras líneas de la canción en la película de Disney («Want to know a secret? Promise not to tell?» [«¿Quieres saber un secreto? ¿Prometes no decirlo?»]) vienen justo después de la letra que abre la canción («You'll never know how much I really love you... You'll never know how much I really care..» [«Nunca sabrás lo mucho que te quiero ... Nunca sabrás lo mucho que me importas...»]).

12. A Taste Of Honey

A Taste Of Honey resulta un tema interesante al ser una canción escrita originalmente por Bobby Scott y Ric Marlow para la obra teatral británica homónima. Con ella, los Beatles demostraron que pueden cantar un tema de un musical y convertirlo en una pieza de rock vibrante.

A diferencia de las demás canciones del álbum que fueron grabadas en una sola pista para replicar la sonoridad de la banda en vivo, la voz principal de Paul McCartney se doblaría a dos pistas en el puente de la canción. Sería la primera de varias canciones que los Beatles grabarían de esta forma.

13. There’s A Place

There’s A Place fue una composición de Lennon que líricamente demostraría ese lado emocional que se potenciaría con los años. El título fue inspirado en la canción Somewhere del filme West Side Story, que contiene la línea: «somewhere there's a place for us» («en algún sitio hay un lugar para nosotros»).

La canción, según dijo Lennon, fue su "intento por hacer algo negro, tipo Motown". Pero el espíritu inimitablemente beatlesco: es una canción sobre el territorio al que la banda volvería una y otra vez en los años siquientes, la psiquis: "Hay un lugar/ al que puedo ir... y es mi mente". — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

14. Twist And Shout

El cierre perfecto de un debut puede ejemplificarse con Twist and Shout. Como la última canción de una sesión que duró tantas horas, la voz de John Lennon se hace notar significativamente cansada. Empezaron a grabarla cuando faltaban 15 minutos para que terminara la sesión y John Lennon, quien se encontraba resfriado, empezó a beber leche y comer caramelos para suavizar su voz. Solo pudieron hacer dos tomas y se quedaron con la primera debido a que en la segunda Lennon se quedó sin voz. Sin embargo, la voz de Lennon en la toma final tiene un sonido rasgado que la volveria icónica.

La ultima canción casi me mata. Cada vez que tragaba era como si tuviera una lija ahí metida. Siempre me dio mucha vergüenza, porque la puedo cantar mucho mejor; pero ahora no me molesta. Se escucha que soy un chico frenético que hace lo mejor que puede. — John Lennon

Si llegaste hasta aquí ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Proximamente publicaré mi análisis y reseña histórica del siguiente álbum en la lista, With The Beatles (1963). Así que, si te gustó este primer escrito te invito a seguirme para no perderte los siguientes.

Bibliografía

Como podrán haber notado, cite en varias ocasiones a Pablo Plotkin en la revista Rolling Stone, y es porque la edición de colección de 2013: "The Beatles. La guía definitiva, disco por disco" fue en libro que me acompañó cuando estaba descubriendo a la banda. Es por eso que quise dejarles algunas citas que me parecieron interesantes porque fue en cierta medida culpa de esta revista por la que hoy mi habitación está llena de posters de los Beatles.

También recurría a varios videos de La Hemeroteca para ayudarme a escribir y ordenar los sucesos. Recomiendo ampliamente su canal si eres un apasionado por la música.

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azul-maria-elias · 3 months

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Conociendo a The Beatles

Breve introducción a la banda más importante en la historia de la música.

Escribir o hablar sobre The Beatles no es sencillo. Dada la magnitud de lo que fueron, son y seguirán siendo para el mundo y la industria musical, existe inmensidad de información, archivos y material al respecto. Pero entonces, ¿por qué decidir escribir sobre una de las bandas más documentadas de la historia? Bueno, es claro que ni este blog es el medio ni yo soy la indicada para realizar una documentación exacta e importante sobre su historia, pero sin embargo, desde el lado de fanática con locura que me declaro ser, quisiera ofrecer todo este amor y admiración que siento por ellos en este escrito.

Si Twenty One Pilots (grupo estadounidense integrado por Tyler Joseph y Josh Dun) fue la banda que me hizo escuchar música no meramente como un acto recreativo, sino desde la apreciación conciente y el consumo activo, los Beatles me enseñaron a amarla.

La influencia e impacto que The Beatles representó y representa para la música resulta inagotable. Fueron pioneros en todo, y revolucionaron no solo la manera de escuchar y crear música, si no que me atrevo a decir que cambiaron la manera en que nos relacionamos con el arte.

Por todo esto, siempre quise dejar por escrito lo que The Beatles representa en mi vida y poder hacerselo llegar a alguien. No soy más que una simple oyente sin muchos conocimiento en música más de lo que he aprendido al amarla y disfrutarla todos los días de mi vida.

Mi objetivo con ésta introducción, como con los resumenes/análisis de su discografía que estaré publicando próximamente, es el de presentarles a personas ajenas al arte de The Beatles un poco de lo que ellos construyeron, para así enamorarlos como me sucedió a mí.

Les adelanto que si son oyentes y conocedores de su arte, no van a encontrar nada nuevo en estos escritos y los invito a consumir otro tipo de material para sumergirse más en el inagotable mundo beatleano. Por otra parte, si eres una persona que no conoce ni oyó mucho de su música, te invito a que me dejes contarte esta hermosa historia que comenzaron cuatro jóvenes de liverpool a principios de los años 60s, como si fueramos dos amigos conversando gustosamente.

1. Los cuatro de Liverpool

Para entender a The Beatles es impresindible conocer quiénes son las cuatro cabezas melenudas detrás de todo esto.

Nuestra historia se origina en la ciudad de Liverpool, ubicada en la región noroeste de Inglaterra, a unos 340 km de Londres aproximadamente. En este lugar nacerían en plena Segunda Guerra Mundial, Richard Starkey (7 de julio de 1940), John Lennon (9 de octubre de 1940), Paul McCartney (18 de junio de 1942) y George Harrison (25 de febrero de 1943). Es importante saber que la ciudad y sus habitantes quedaron profundamente marcados y afectados por el conflicto bélico, sufriendo decenas de bombardeos que dejaron miles de muertos y destruyeron la edificación del lugar.

Si algo tuvieron en común estos cuatro jóvenes en un principio fue haber vivido una infancia marcada por la post guerra y las tragedias familiares. Todos provenían de orígenes muy humildes, propios del territorio y el contexto en que habitaban. Pero otra cosa también los uniría y fue su temprana pasión por la música.

Richard Starkey (Ringo Starr) creció en el seno de una familia trabajadora. Cuando tenía tan solo tres años de edad su padre los abandonó, por lo que su madre empezó a realizar trabajos domésticos para poder vestir y alimentar a sus hijos.

La infancia de Starkey se caracterizó por la presencia de constantes problemas de salud en el pequeño. Con seis años, debido a las complicaciones de una grave peritonitis, permaneció en coma durante diez semanas. Más tarde, a los 13, pasaría dos años internado por pleusería. Esto dificultaría mucho su aprendizaje ya que pasaba mucho tiempo fuera del colegio. A pesar de las dificultades que esta situación le generó en su vida, durante su estancia en el hospital aprendió a tocar el tambor en las clases de música que se impartían. Nacería a partir de aquí su gran pasión que lo convertiría en Ringo.

Los padres de John Lennon se separaron cuando él tenía cuatro años. Era una relación tomentosa y su desenlace afectó significativamente a Lennon. Después de la separación, viviría un tiempo con su madre Julia (a quién años después le escribiría la famosa canción del mismo nombre) hasta que ella lo dejó al cuidado de su hermana. Por el resto de su infancia y parte de su adolcencía John viviría con sus tíos.

A los 16 años, John regresó a vivir con su madre durante unos cuatro años. Ella fue quien le enseñó música, primero a tocar el banjo y luego la guitarra.

En 1958 su madre Julia moriría de un accidente de tránsito enfrente de la casa de John. El biógrafo Ian MacDonald escribió que ella fue "en gran medida;... la musa de su hijo".

Paul McCartney era hijo de una enfermera y de un vendedor de algodón. Su padre era un aficionado a la música y solía tocar con frecuencia el piano. Paul recuerda que fue él quien le enseñó a amar la música. Aprendió a tocar diferentes instrumentos dado a la naturaleza musical de su hogar. Su padre le regaló una trompeta pero pronto descubriría que no podría tocar y cantar al mismo tiempo con ella, por lo que volvió a la tienda y la cambió por una guitarra.

Paul, al igual que John, perdió a su madre por causa de un cáncer en 1956, cuando él tenía tan solo 15 años. De cierta manera, esta similitud trágica que tenían Lennon y McCartney provocó que su lazo fuera más fuerte e íntimo.

George Harrison nació en un familia católica y de ascendencia irlandesa. Pronto descubriría su ferviente devoción por la música y sobre todo por un instrumento en concreto: la guitarra. A sus 13 o 14 años, se la pasaba dibujando todo tipo de guitarras mientras asistia a clases. Finalmente pudo comprarle una pequeña guitarra acústica a un niño que la vendía a 3 libras. Aunque se trataba de mucho dinero para la época, su madre se los proporcionó con mucho esfuerzo.

2. Fiebre de... ¿rock and roll?

Pasé cinco años en la escuela de arte. Sólo te dejaban tocar jazz, el rock and roll estaba prohibido. Conseguíamos que nos dejaran escuchar rock and roll llamándolo blues. — John Lennon

Intentabas escuchar el disco del momento. No se podía conseguir ni azúcar, imagínate un disco de rock and roll. — George Harrison

La juventud de los cuatro futuros integrantes de The Beatles coincidió con la llegada del fenómeno del rock and roll a Inglaterra. Artistas como Cliff Richard, Bully Holly, Chuck Berry, Little Richard y Elvis Presley fueron algunos de los pioneros del nuevo género y los primeros en alcanzar popularidad a nivel global.

Recuerdo estar en la escuela, de niño. Vi una foto de Elvis en una de las revistas musicales. Era un anuncio de Heartbreak Hotel. Al verlo pensé que era muy atractivo, perfecto. — Paul McCartney

El descubrimiento de estos artistas con estatus de ídolos y la fiebre del rock and roll les abrió la puerta a los cuatro jóvenes a un mundo completamente nuevo.

Yo no concebía la música como una forma de ganarme la vida hasta que conocí el rock and roll y eso cambió mi vida. — John Lennon

3. Dios los crea y ellos se juntan

Paul y George se conocían del colegio y formaron una pequeña amistad en la que solían juntarse a tocar música. Se llevaban apenas nueve meses de diferencia entre sí, pero para Paul significaba mucho y sería un asunto que entorpecería la convivencia desde un inicio.

John conoció a Paul en 1957 en una feria. Ese día, John había hecho una actuación con su grupo The Quarry Men. Paul recuerda que John lo dejó impresionado. Lennon diría lo mismo de McCartney al oirlo tocar. Como él era el cantante y lider del grupo, decidió incorporarlo.

Con McCartney en el grupo, éste decidió proponerle a Lennon incorporar a George Harrison también.

Le dije "Tengo un amigo que es realmente bueno". Él me dijo, "¿Cómo de bueno?" y le dije "Toca Raunchy perfectamente". Esa canción nos gustaba a todos, así que decidimos hacerle una prueba. En una ocasión ibamos en la parte de arriba de un autobús, de madrugada y le dije "Vamos George, saca la guitarra y enséñale lo que sabes". Tocó Raunchy a la perfección, así que entró al grupo. — Paul McCartney

4. Hamburgo

La banda comenzó a frecuentar clubes de todo tipo e inclusive realizo una pequeña gira que fue un desastre. Sin embargo, toda esa experiencia enriquecería musicalmente a los jóvenes.

Entre 1960 y 1962, ya con el nombre de The Beatles, el grupo llevó a cabo cinco series de actuaciones en Hamburgo. En un recital realizado allí en 1966, John Lennon se referiría a la importancia de Hamburgo en la formación de Los Beatles diciendo: "Yo nací en Liverpool, pero crecí en Hamburgo".

Por aquel entonces la banda no contaba con baterista y resultaba necesario tener uno para su viaje a Hamburgo, por lo que acudieron rapidamente a Pete Best.

En Hamburgo los Beatles llegaron a trabajar de 6 a 7 horas por noche. La euforia y la exitación que generaba una ciudad con esas caracteristicas en jóvenes de una ciudad como Liverpool provocó que en las actuaciones de The Beatles, en donde se podía observar a los jóvenes cantar, gritar, bailar y mover la cabeza erraticamente, se comenzara a conformar este estilo tan característico que llevaría al grupo a la fama años más tarde.

Fue en aquella ciudad donde John, Paul y George conocerían a Ringo. Starkey había participado en varias agrupaciones por su gran talento para la batería. Además, resultaba muy completo que también pudiera cantar mientras tocaba. Ringo se encontraba en Hamburgo con su grupo Rory Storm and the Hurricanes cuando ambas bandas coincidieron y se conocieron.

5. Brian Epstein

De regreso a Liverpool, la banda que había quedado integrada por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Pete Best, comenzó a tener mucho más trabajo. Paul había decidido tomar el rol del bajista luego de la muerte de Stuart Sutcliffe, amigo de John que cumplia ese rol en la banda.

La apariencia y vestimenta de los jóvenes llamaba mucho la atención. Comenzaron a tener mucho público en sus presentaciones en The Cavern y se convirtieron en una sensación entre las bandas juveniles de Liverpool.

Se comenzó a correr tanto la voz sobre los talentosos jóvenes que llegó hacía Brian Epstein, dueño de una tienda de discos en la que sus clientes no dejaban de hablar sobre The Beatles. Fue así que le ganó la curiosidad y decidió ir a ver una de sus presentaciones en The Cavern.

Esto era algo nuevo para mi. Me asombró este ambiente oscuro, humedo, lleno de humo, con la música beat sonando. Los Beatles eran cuatro muchachos en un escenario mal iluminado. Pero encima de todo esto había algo especial. Su música me cautivó de inmediato. Su ritmo y sentido del humor en el escenario. Cuando los conocí personalmente me impresionó su encanto personal. Ahí fue cuando empezó todo. — Brian Epstein

De esta manera, Epstein que ya tenía experiencia en el ámbito, empezó a representar a la banda consiguiendo mejores contratos, actuaciones en radio, etc. Fue él quien convenció a los jóvenes en dejar atrás la ropa de cuero y empezar a vestir los míticos trajes negros.

Los Beatle audicionaron para el sello discográfico Decca Records en la víspera de Año Nuevo de 1962. Fueron rechazados y el productor discográfico Dick Rowe le dijo a Epstein: "Los grupos con guitarras van a desaparecer".

6. El quinto Beatle: George Martin.

A pesar del rechazo de Decca Records, Brian Epstein continúo tocando puertas para conseguir una audición para la banda. Finalmente, el productor George Martin aceptó e inmediatamente vió el potencial del grupo. Sin embargo, había algo que no le gustaba a Martin: la bateria.

Los Beatles firmaron con el sello Parlaphone bajo la consigna de cambiar a su baterista, Pete Best. Fue entonces que George Harrison recordó a aquel baterista de Rory and the Hurricanes con el que habían entablado una amistad en Hamburgo y lo recomendó para remplazar a Best.

El primer concierto de Ringo en The Cavern fue caótico. Pete era reconocido por los fans como la figura más carismática del grupo, por lo que en el show la gente abucheó al grupo, gritó el nombre de Pete y golpearon a George Harrison en el ojo.

A pesar de esto, The Beatles continúo con Ringo y sacaron su primer sencillo: Love Me Do. La agenda del grupo empezó a llenarse de presentaciones, giras y conciertos, sin embargo había otro objetivo por delante: grabar su primer álbum discográfico.

Si llegaste hasta aquí ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Proximamente publicaré mi análisis y reseña histórica del mejor debut de la historia de la música, Please Please Me (1963). Así que, si te gustó este primer escrito te invito a seguirme para no perderte los siguientes.

Casi la totalidad de citas las extraje del documental The Beatles: La Historia Contada Por Ellos.

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La Sociedad de la Nieve (2023)

La tan esperada obra del director español Juan Antonio García Bayona por fin llegó el pasado 14 de diciembre de 2023. Yo la pude ver hace unos días y tengo muchas cosas para comentar.

La película, basada en el libro homónimo del escritor uruguayo Pablo Vierci, relata los acontecimientos del accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya que se estrelló en la cordillera de los Andes el viernes 13 de octubre de 1972. La historia, que es otro ejemplo más de que la realidad supera la ficción, fue anteriormente llevada a la gran pantalla en Alive (1993) o como se conoció en hispanoamérica "Viven". La película del director Frank Marshall fue una adaptación del libro homónimo del escritor británico Piers Paul Read.

Sin embargo, la película de Bayona fue especial debido a que pudimos escuchar a los protagonistas en su idioma y acento original, además de que cuenta con la participación de algunos de los sobrevivientes:

Carlitos Páez como su propio padre; Fernando Parrado haciendo de extra que le abre la puerta a si mismo;

Roberto Canessa como uno de los médicos del hospital tras el rescate, justo detrás del actor que le interpreta;

Ramón Sabella, tiene una breve aparición como uno de los extras que aparecen en el aeropuerto antes del viaje;

Daniel Fernández Strauch aparece sentado en la segunda fila en el lado izquierdo de uno de los planos generales;

José Luis Inciarte, quien murió antes de que se estrenara la cinta, se lo puede ver leyendo el periódico en la escena del bar en el que

Numa se reúne con Gastón Costemalle; y por último Joaquin de Freitas Turcatti, quien no es un sobreviviente sino el sobrino real de Numa, interpreta al vecino de su tío en una escena en la que Numa vuelve a su casa en bici.

Otra cosa que hace especial a esta adaptación además de los cameos, es el enfoque que le otorgó Bayona a la historia, que fué relatarla desde el lado de los que no pudieron volver, pero lograron que los que sí lo hicieron volvieran. Por lo que resulta especialmente emotiva y logra volver a la vida a los fallecidos.

Es por esta decisión artística que el narrador de la historia es Numa Turcatti, quien murió en la tragedia, debido a que es recordado por los sobrevivientes como un pilar fundamental en aquella "sociedad de la nieve" por su enorme nobleza y servicio. En su libro Milagro en los Andes, Parrado lo recordó así:

“Aunque la mayoría no lo conocíamos antes del accidente, se había ganado rápidamente la amistad y la admiración de todos los supervivientes. Numa dejaba sentir su presencia a través de actos heroicos silenciosos: nadie luchó tanto por que sobreviviéramos, nadie nos inspiró tanta esperanza y nadie mostró tanta compasión por quienes más sufrían”.

Enzo Vogrincic Roldán fue quien tuvo la tarea de interpretar a Numa. Me quiero detener en este punto porque, aunque no considero que el joven actor uruguayo haya tenido un pésimo o si quiera mal desempeño en la película, no logró transmitirme esa esperanza, compasión y luz que tanto caracterizó a Numa. Muchas veces lo sentí inexpresivo para la circunstancia y en otras opacado de más por otros actores. No pude sentir esa conexión con Numa, no pude sentir que era el faro de luz del grupo.

Aunque no soy una gran admiradora de la utilización de narradores en off en las películas, creo que la escritura de sus diálogos es correcta. Sin embargo, sentí el protagonismo que le dieron a Numa como algo pesado y que distraía de los demás sobrevivientes. Tratándose de una historia en la que el trabajo en equipo lo fue todo, encuentro incorrecto poner el foco en un único protagonista. Como afirman los mismos sobrevivientes, todos eran importantes en esta historia y todos, inclusive quienes dieron su vida, fueron causantes del rescate.

Este detalle fue lo único que me resultó fuera de lugar dentro de la cinta y por ello quise detenerme en él. No creo que fuese un error enteramente del guión como lo dije anteriormente, sino que tanto la dirección actoral como el desempeño del actor no lograron transmitir esa esperanza y luz que buscaron. Si así lo hubiesen hecho, probablemente me hubiera encantado con esa decisión artística.

Si algo tengo que destacar de la película y que me dejó completamente fascinada fue la producción y el montaje. Se nota que la cinta fue preparada con mucha dedicación y talento, y que quienes se involucraron en ella son unos enamorados de esta historia. Tanto el guión, la construcción de las escenas plano por plano, el maquillaje y el vestuario, los efectos especiales, como el montaje fotográfico y de sonido son de una calidad impresionante. Me encanta que las grandes productoras apuesten por proyectos que requieren una larga y hardua preparación, y la paciencia y pasión de quienes trabajaron en esta producción se nota en cada plano.

Estas son las cosas que me apasionan de este medio, ver el fruto del trabajo de un equipo y la película, paradójicamente, habla mucho de ello. Así como sucedió en aquellos 72 días en la nieve, en esta producción se siente el aporte y trabajo de cada persona involucrada. Todos los apartados artísticos y de producción que mencione antes exigen una dedicación, talento, pasión y trabajo de un montón de personas. Lo hermoso de las producciones cinematográficas es la complejidad detrás de cada obra, todo el trabajo y tiempo detrás, eso me apasiona.

Hay escenas de la película que quedarán grabadas en mi memoria para siempre. Una de ellas es la del accidente en el avión, que busca alejarse de todas las escenas de accidentes aereos que hayamos visto antes y construye una identidad y narrativa propias. En ella vemos todo el trabajo que mencionaba antes. La escena fue construida de una manera meticulosa. Una de las decisiones que me encantaron de esta escena, que el mismo Bayona mencionó en un análisis, fue la desición de que la cámara no entrara en la cabina del avión, debido a varios motivos. El primero explica que, aunque se cree con mucha seguridad de que se trató de un error humano, no se sabe a ciencia cierta cual fue ni que pasó dentro de esa cabina, y por respeto a la memoria del piloto y el copiloto y también porque la película busca ser lo más fiel a la realidad posible, se tomo esta decisión de no ingresar en la cabina. Por otro lado, el centrar completamente la escena en los pasajeros y hacer primeros planos de ellos crea mayor conexión emocional entre el espectador y ellos. Uno se siente dentro de ese avión y siente la empatía por ellos desde un primer momento.

Otro momento que me quedó grabado de la película fue una escena en donde una enfermera esta examinando a uno de los sobrevivientes (ahora no recuerdo de quién se trataba) y por un breve momento ella le busca la mirada y se la encuentra. Este breve momento me parece espectacular. Se siente a través de ese cruce de miradas la curiosidad por saber que vieron esos ojos y que ven después de todo lo que ocurrió.

La sociedad de la nieve es una película excelente, con escenas y diálogos memorables que estuvo a la altura de las circunstancias y le hizo honor a la historia que decide contar. Son dos horas de emociones fuertes, pero que al terminarla te deja una sensación de paz y satisfacción completa. Sin lugar a dudas, una de las mejores películas del año pasado y me encanta que el cine hispanohablante le siga presentando batalla a los productos cinematográficos anglosajones. Ver una colaboración y trabajo entre talento español, argentino y uruguayo me hace recordar aquellos gloriosos años de transnacionalización cinematográfica. Sigamos demostrando el talento que existe y se cultiva en nuestra tierra y sigamos contando grandes historias con esta hermosa lengua nuestra.

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