#reseñas

[welele]

#gas pimienta #reviews #reseñas #w3

[caostalgia]

“¿Quién les dice que las historias que ponen en los libros sabios no sean también inventadas, sólo que nadie se acuerda ya?”

—Michael Ende.

#notas #danaearbg #citas #frases #escritos #reseñas #reseña #libros #textos

[angelofverdum]

Station 19 7x05

Episode 100th

I don't know how to feel after this episode. I've been thinking about it for two days. I feel sad and unsettled, I don't know why tho. Maybe because I'm not used to watching two good episodes in a row or because the end feels imminent.

I'm giving Emily Culver 8.5, I'd never give her a 10 cause I don't like her. Alexandra Fernandez for sure influenced the writing of the episode.

I'm so happy for Andy. This is the only thing she has wanted since the beginning. Yes, I've had my problems with her because she didn't need to treat Maya that way when they made her captain, however, I'm really happy to see her finally achieved that dream and that she is good at it.

I'm scared for my girl Vic and we only have 5 episodes left, I'm getting anxious here. My main problem with this storyline is that she's clearly going through something and you might think after what happened with Maya her so-called family would ask her what's wrong and be there for her.

But then again they didn't give a shit about Maya even after she had her accident. So, I guess they never learn and I'm talking about the writers.

Because tell me why was Maya the only one who did the apology train? She is the only character who's held accountable for her mistakes. She apologized to Beckett because what she did was terrible, not a problem in that but what about Beckett's bullying? they don't acknowledge those wrongdoing and that's messed up.

I think what made this episode so sad for me was Maya's development. She has healed. She has a wife who loves her and a cute baby, she is happy at her job, and she is doing reciprocal IVF so they can have a bigger family. I'm sure there could be a million more stories to tell but at the same time she can say goodbye now, and that makes me sad because I don't want to lose her.

Same thing with Carina, all she ever wanted was a family and to experience pregnancy, and Maya is giving her that. So she lives happily ever after?

It was a beautiful decision to close this IVF storyline that way, but wtf? I'm fucking sad.

Fuck ABC and anyone involved in canceling the show after the new showrunners, I bet this is Krista's fault.

Thank you, Danielle, for all the fanservice you did in this episode, you are a real one.

#Station 19 #Maya bishop #Carina deluca #Andy herrera #vic hughes #danielle savre #stefania spampinato #Opinions #reviews #reseñas

[modekimasen]

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La Sociedad de la Nieve (2023)

La tan esperada obra del director español Juan Antonio García Bayona por fin llegó el pasado 14 de diciembre de 2023. Yo la pude ver hace unos días y tengo muchas cosas para comentar.

La película, basada en el libro homónimo del escritor uruguayo Pablo Vierci, relata los acontecimientos del accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya que se estrelló en la cordillera de los Andes el viernes 13 de octubre de 1972. La historia, que es otro ejemplo más de que la realidad supera la ficción, fue anteriormente llevada a la gran pantalla en Alive (1993) o como se conoció en hispanoamérica "Viven". La película del director Frank Marshall fue una adaptación del libro homónimo del escritor británico Piers Paul Read.

Sin embargo, la película de Bayona fue especial debido a que pudimos escuchar a los protagonistas en su idioma y acento original, además de que cuenta con la participación de algunos de los sobrevivientes:

Carlitos Páez como su propio padre; Fernando Parrado haciendo de extra que le abre la puerta a si mismo;

Roberto Canessa como uno de los médicos del hospital tras el rescate, justo detrás del actor que le interpreta;

Ramón Sabella, tiene una breve aparición como uno de los extras que aparecen en el aeropuerto antes del viaje;

Daniel Fernández Strauch aparece sentado en la segunda fila en el lado izquierdo de uno de los planos generales;

José Luis Inciarte, quien murió antes de que se estrenara la cinta, se lo puede ver leyendo el periódico en la escena del bar en el que

Numa se reúne con Gastón Costemalle; y por último Joaquin de Freitas Turcatti, quien no es un sobreviviente sino el sobrino real de Numa, interpreta al vecino de su tío en una escena en la que Numa vuelve a su casa en bici.

Otra cosa que hace especial a esta adaptación además de los cameos, es el enfoque que le otorgó Bayona a la historia, que fué relatarla desde el lado de los que no pudieron volver, pero lograron que los que sí lo hicieron volvieran. Por lo que resulta especialmente emotiva y logra volver a la vida a los fallecidos.

Es por esta decisión artística que el narrador de la historia es Numa Turcatti, quien murió en la tragedia, debido a que es recordado por los sobrevivientes como un pilar fundamental en aquella "sociedad de la nieve" por su enorme nobleza y servicio. En su libro Milagro en los Andes, Parrado lo recordó así:

“Aunque la mayoría no lo conocíamos antes del accidente, se había ganado rápidamente la amistad y la admiración de todos los supervivientes. Numa dejaba sentir su presencia a través de actos heroicos silenciosos: nadie luchó tanto por que sobreviviéramos, nadie nos inspiró tanta esperanza y nadie mostró tanta compasión por quienes más sufrían”.

Enzo Vogrincic Roldán fue quien tuvo la tarea de interpretar a Numa. Me quiero detener en este punto porque, aunque no considero que el joven actor uruguayo haya tenido un pésimo o si quiera mal desempeño en la película, no logró transmitirme esa esperanza, compasión y luz que tanto caracterizó a Numa. Muchas veces lo sentí inexpresivo para la circunstancia y en otras opacado de más por otros actores. No pude sentir esa conexión con Numa, no pude sentir que era el faro de luz del grupo.

Aunque no soy una gran admiradora de la utilización de narradores en off en las películas, creo que la escritura de sus diálogos es correcta. Sin embargo, sentí el protagonismo que le dieron a Numa como algo pesado y que distraía de los demás sobrevivientes. Tratándose de una historia en la que el trabajo en equipo lo fue todo, encuentro incorrecto poner el foco en un único protagonista. Como afirman los mismos sobrevivientes, todos eran importantes en esta historia y todos, inclusive quienes dieron su vida, fueron causantes del rescate.

Este detalle fue lo único que me resultó fuera de lugar dentro de la cinta y por ello quise detenerme en él. No creo que fuese un error enteramente del guión como lo dije anteriormente, sino que tanto la dirección actoral como el desempeño del actor no lograron transmitir esa esperanza y luz que buscaron. Si así lo hubiesen hecho, probablemente me hubiera encantado con esa decisión artística.

Si algo tengo que destacar de la película y que me dejó completamente fascinada fue la producción y el montaje. Se nota que la cinta fue preparada con mucha dedicación y talento, y que quienes se involucraron en ella son unos enamorados de esta historia. Tanto el guión, la construcción de las escenas plano por plano, el maquillaje y el vestuario, los efectos especiales, como el montaje fotográfico y de sonido son de una calidad impresionante. Me encanta que las grandes productoras apuesten por proyectos que requieren una larga y hardua preparación, y la paciencia y pasión de quienes trabajaron en esta producción se nota en cada plano.

Estas son las cosas que me apasionan de este medio, ver el fruto del trabajo de un equipo y la película, paradójicamente, habla mucho de ello. Así como sucedió en aquellos 72 días en la nieve, en esta producción se siente el aporte y trabajo de cada persona involucrada. Todos los apartados artísticos y de producción que mencione antes exigen una dedicación, talento, pasión y trabajo de un montón de personas. Lo hermoso de las producciones cinematográficas es la complejidad detrás de cada obra, todo el trabajo y tiempo detrás, eso me apasiona.

Hay escenas de la película que quedarán grabadas en mi memoria para siempre. Una de ellas es la del accidente en el avión, que busca alejarse de todas las escenas de accidentes aereos que hayamos visto antes y construye una identidad y narrativa propias. En ella vemos todo el trabajo que mencionaba antes. La escena fue construida de una manera meticulosa. Una de las decisiones que me encantaron de esta escena, que el mismo Bayona mencionó en un análisis, fue la desición de que la cámara no entrara en la cabina del avión, debido a varios motivos. El primero explica que, aunque se cree con mucha seguridad de que se trató de un error humano, no se sabe a ciencia cierta cual fue ni que pasó dentro de esa cabina, y por respeto a la memoria del piloto y el copiloto y también porque la película busca ser lo más fiel a la realidad posible, se tomo esta decisión de no ingresar en la cabina. Por otro lado, el centrar completamente la escena en los pasajeros y hacer primeros planos de ellos crea mayor conexión emocional entre el espectador y ellos. Uno se siente dentro de ese avión y siente la empatía por ellos desde un primer momento.

Otro momento que me quedó grabado de la película fue una escena en donde una enfermera esta examinando a uno de los sobrevivientes (ahora no recuerdo de quién se trataba) y por un breve momento ella le busca la mirada y se la encuentra. Este breve momento me parece espectacular. Se siente a través de ese cruce de miradas la curiosidad por saber que vieron esos ojos y que ven después de todo lo que ocurrió.

La sociedad de la nieve es una película excelente, con escenas y diálogos memorables que estuvo a la altura de las circunstancias y le hizo honor a la historia que decide contar. Son dos horas de emociones fuertes, pero que al terminarla te deja una sensación de paz y satisfacción completa. Sin lugar a dudas, una de las mejores películas del año pasado y me encanta que el cine hispanohablante le siga presentando batalla a los productos cinematográficos anglosajones. Ver una colaboración y trabajo entre talento español, argentino y uruguayo me hace recordar aquellos gloriosos años de transnacionalización cinematográfica. Sigamos demostrando el talento que existe y se cultiva en nuestra tierra y sigamos contando grandes historias con esta hermosa lengua nuestra.

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[danaearbg]

Reseña: El fantasma de Canterville

Puntuación: 5/5 ★★★★★

Ficha técnica

Título del libro: El fantasma de Canterville.

Autor: Oscar Wilde.

Editorial: Clásicos B.

Edición: Primera edición.

Número de páginas: 86.

Género literario: Narrativo.

Resumen (sin destripe)

La familia Otis, una familia adinerada proveniente de Estados Unidos, recién se muda a su nueva adquisición: el lúgubre castillo de Canterville ubicado en un rincón aislado de Reino Unido. A pesar de los intentos por parte de sus amigos para detenerlos de comprar la propiedad, la familia se mantuvo firme con su decisión. El hecho de que su habitante fuera un fantasma no fue impedimento suficiente para ellos, al contrario, se convirtió en su mayor motivación.

¿A caso el tenebroso y viejo fantasma podrá echar a los Otis de su hogar de la misma forma en la que lo hizo con las demás personas que llegaron a poner un pie en ella? ¿O será la propia familia moderna que, con ayuda de su fe en la ciencia (y en la publicidad), sea quien termine por llevar a la angustia al legítimo dueño y habitante del castillo?

Valoración literaria

Este cuento es lo bastante corto para que lo leas en cuestión de días, o en uno sólo si así lo deseas. Además de su extensión, la forma en la que se encuentra narrado permite la facilidad de lectura, pues el lenguaje informal ayuda a que ésta sea fluida y no tengas que estar haciendo pausas para revisar el diccionario. Asimismo, el lenguaje poético que los personajes usan en algunas ocasiones al hablar le da el sentido adecuado a la narración respecto a la época en la que está ambientada, además de permitir tocar las emociones de quien la lee. Esta misma característica es la que posibilita que, como lector, empatices con los personajes, en especial con el aterrador fantasma; así como también, permite que la historia carezca de cualquier incoherencia, ya que, al combinar un estilo de lenguaje informal y uno poético, se crea esa atmósfera casual, íntima, burguesa e irónica que pretende reflejar el autor. En este mismo sentido, y centrándome en el hecho de que el protagonista es un fantasma, el uso del lenguaje descriptivo logra mantener la imaginación del lector, lo que da pie a una comprensión profunda de las experiencias que vive el personaje, y en consecuencia, las emociones que desencadenan. Resalto además, la manera tan creativa en la que Wilde combina todos estos elementos.

Ahora bien, el autor hace uso del estilo subjetivo pues es él mismo, o más bien, el narrador de la historia quien se encarga de contarla. Lo que te lleva, como lector, a comprender con mayor facilidad las relaciones que se establecen a lo largo de la narrativa, así como a empatizar con los personajes. Resaltando además, que los personajes mantienen un perfil bien definido, lo que permite identificar fácilmente sus personalidades e imaginarlos. Esto gracias a la descripción breve, pero sólida, que Wilde utiliza. Sin embargo, y con base en la facilidad de lectura que ya mencioné, el argumento tiene cambios inesperados de principio a fin. Podría decir que se trata de un viaje a través de las páginas en el que se experimenta cierto estado de suspenso, comedia, intriga e ironía. Si estos elementos, el género literario y las lecturas clásicas son lo tuyo, es muy probable que también disfrutes el libro. Así que anímate a leerlo.

Opinión personal

Puedo decir con total confianza que este es uno de mis libros favoritos. Más allá de que el autor también se encuentre en esa lista de preferidos, esta obra me recuerda un momento que atesoro con cariño. Desde niña conozco el cuento gracias a que lo vi en la tele. Mentiría si digo que se trataba de una animación o de un programa hecho con actores. La imagen mental no está del todo clara, sin embargo, el sentimiento que evoca se mantiene intacto. En esa época solía ver cosas de terror o suspenso, me gustaban y nunca entendí porqué, pero eso fue lo que me llevó a ver El fantasma de Canterville. Así como en el libro, que por cierto leí hasta hace apenas unos años, la versión televisada me produjo esa mezcla de intriga, suspenso y ¿comedia? Si mal no recuerdo. Pero de lo que sí estuve segura fue de la marca que dejó en mí; realmente me gustó demasiado. Al crecer y darme cuenta de la existencia del libro, se activó nuevamente ese recuerdo acompañado de sentimientos bonitos; una sensación agradable de melancolía y alegría.

Además de esta experiencia personal que me hace tenerle un cariño al cuento, el estilo de escribir de Wilde me parece bellísimo; la ironía que lo caracteriza y la forma en la que juega con ella en sus obras, así como el pensamiento crítico con el que lo mezcla, son realmente admirables. Siempre que leo sus obras es como si me encontrara en dos mundos: el primero, como el mundo que él ha creado, y el segundo como un escondite desde el cual te habla entre líneas. Ese ingenio de mezclar lo que imagina, ve, y a su vez critica, aumenta el cariño que le tengo a esta y a sus demás obras.

Ahora bien, esta es la segunda vez que leo el libro, y a diferencia de la primera, en esta ocasión quise leerlo completo en un día. Cosa que no me fue posible, pero aún así tardé menos tiempo en terminarlo. El motivo de hacerlo así se debió al estado emocional por el que atravesaba, lo que me significó un lugar seguro y necesario dentro de las páginas de uno de mis libros favoritos.

A su vez, esta nueva lectura me hizo darme cuenta de aspectos y enseñanzas que tal vez antes no había comprendido o notado. Sentí como si me contaran la misma historia pero desde otros ojos. Una nueva voz era la que me conducía cada que cambiaba de página. La responsable de darme respuestas a preguntas que ni siquiera había formulado, pero que en el fondo sabía que necesitaba. Al llegar al destino, a la última página, mis ojos no pudieron evitar llorar. Se trató de una mezcla nueva entre sensibilidad, profunda comprensión y gratitud al mundo que me cobijó cuando más lo necesité.

Un paraíso en letras que tú también puedes habitar si te animas a leerlo.

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[huellas-poeticas]

Gary Allan🤠

Gary Allan es un cantante de música country estadounidense conocido por su sencillo 'Her Man'.

Gary tiene 53 años en 2020. Nació como Gary Allan Herzberg en 5 de diciembre de 1967, en La Mirada, California, Estados Unidos.

Después de la muerte de su esposa, Gary compuso y lanzó la canción 'I Just Got Back From Hell' en 2004 en su álbum Tough All Over.

Buenas noches✨️🌜

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[sonidosmutantesdc]

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[nikastudios]

ONE PIECE LIVE ACTION (2023)

La anticipación y la emoción han estado en aumento desde que se anunció por primera vez que "One Piece", uno de los animes y mangas más icónicos de todos los tiempos, recibiría una adaptación en acción en vivo. Los fanáticos de la serie de todo el mundo estaban ansiosos por ver cómo se traduciría este mundo de piratas, frutas del diablo y aventuras en la pantalla grande. Ahora que la serie ha sido lanzada y he tenido la oportunidad de verla, puedo decir con confianza que "One Piece: Live Action" es una emocionante y prometedora incorporación al mundo de las adaptaciones de anime y manga.

Desde su debut en 1999, "One Piece" se ha convertido en una de las series de manga y anime más populares y duraderas jamás creadas. Creada por Eiichiro Oda, la historia sigue las aventuras de Monkey D. Luffy y su variado grupo de compañeros mientras buscan el tesoro definitivo, el One Piece, en el peligroso Grand Line. La serie se ha destacado por su mundo rico y variado, personajes memorables y una trama llena de giros y vueltas emocionantes.

La adaptación en acción en vivo de "One Piece" ha sido un proyecto ambicioso desde el principio, y muchos fanáticos estaban preocupados por si lograría capturar la esencia y el encanto del manga y el anime originales. Sin embargo, puedo decir con confianza que la serie no solo ha cumplido con las expectativas, sino que también ha superado muchas de ellas.

En primer lugar, el elenco es una de las fortalezas más grandes de la adaptación en acción en vivo de "One Piece". Los actores elegidos para interpretar a los personajes principales hacen un trabajo sobresaliente al capturar la esencia de sus contrapartes de anime y manga. Empezando por Monkey D. Luffy, quien es interpretado por el carismático y enérgico actor Iñaki Godoy, que logra transmitir la pasión y la determinación del personaje. Los otros miembros de la tripulación del Sombrero de Paja, como Zoro (Mackenyu), Nami (Emily Rudd), Usopp (Jacob Romero) y Sanji (Taz Skylar), también son interpretados de manera convincente, y sus actuaciones ayudan a dar vida a estos queridos personajes.

Uno de los mayores desafíos de llevar "One Piece" a la acción en vivo fue la representación de los poderes de las frutas del diablo, una parte integral del mundo de la serie. Aquí es donde los efectos especiales de la serie brillan. Los poderes de Luffy para estirar su cuerpo como goma y los poderes de otros personajes como Buggy se ven impresionantes en pantalla. Los efectos visuales y la coreografía de las peleas son de alta calidad y hacen que las batallas sean emocionantes y llenas de energía.

La adaptación también se destaca en la recreación de los lugares icónicos de la serie. Desde la ciudad de Shells Town hasta Arlong Park y Loguetown, los lugares familiares de "One Piece" cobran vida de una manera sorprendente. El trabajo de diseño de producción y la atención al detalle son evidentes en cada escenario y conjunto. Los fanáticos de la serie se sentirán como si estuvieran explorando el mundo del manga y el anime en la vida real.

La trama de la adaptación sigue de cerca la historia original de "One Piece", comenzando con la partida de Luffy del East Blue y su búsqueda del One Piece en el Grand Line. Si bien algunas adaptaciones en acción en vivo han tomado libertades significativas con la trama de origen, "One Piece: Live Action" sigue siendo fiel a la historia que los fanáticos conocen y aman. Esto es un alivio para los seguidores más acérrimos de la serie, ya que pueden disfrutar de los momentos icónicos y las interacciones entre los personajes tal como los recuerdan.

Sin embargo, la serie no se limita a una simple recreación de la historia original. También introduce elementos nuevos y cambios sutiles que mantienen la trama fresca y emocionante incluso para aquellos que están familiarizados con la serie. Estos cambios no son intrusivos y complementan la narrativa existente en lugar de desviarse de ella. Además, estos ajustes pueden ser una sorpresa agradable para los fanáticos veteranos, ya que agregan un elemento de imprevisibilidad a la trama.

Un aspecto destacado de "One Piece: Live Action" es la exploración de las relaciones y las motivaciones de los personajes. Aunque los fanáticos de toda la vida pueden conocer las historias de fondo de los personajes principales, la serie se toma el tiempo para profundizar en sus pasados y proporcionar una comprensión más completa de sus acciones y personalidades. Además de profundizar más en la relación entre los personajes. Esto agrega una capa de profundidad a la narrativa que es enriquecedora.

Otro aspecto que ha impresionado en la serie es la química entre los personajes. El reparto ha logrado capturar la dinámica única y a menudo cómica entre los miembros de la tripulación del Sombrero de Paja. Las bromas, los desacuerdos y los momentos emotivos se manejan con habilidad y autenticidad, lo que hace que los personajes sean aún más entrañables.

La inclusión de Shanks (Peter Gadiot), uno de los piratas más poderosos y respetados del mundo de "One Piece", es un punto culminante de la serie. Shanks es interpretado con carisma y presencia, y su relación con Luffy agrega una capa adicional de profundidad emocional a la historia.

En cuanto a los villanos, "One Piece: Live Action" no se queda atrás. Los antagonistas, como Buggy (Jeff Ward), Alvida (Ilia Isorelýs Paulino) y Captain Kuro (Alexander Maniatis), son interpretados de manera convincente y logran transmitir su malicia y astucia. También se han agregado algunos giros a la trama que ofrecen nuevas perspectivas sobre los villanos y sus motivaciones, lo que les da una dimensión adicional.

Uno de los momentos más emocionantes de la serie es la épica pelea de Zoro contra Mihawk (Steven Ward), uno de los duelos de espadas más esperados en la historia de "One Piece". La adaptación en acción en vivo logra capturar la intensidad y la habilidad de esta batalla, y los fanáticos quedarán impresionados por la coreografía y la ejecución de esta confrontación legendaria. La actuación de los actores involucrados añade una capa adicional de emoción a esta escena icónica.

La música y la banda sonora de la serie son otro punto fuerte. La música de fondo captura perfectamente la emoción y la atmósfera de las escenas, ya sean momentos de acción trepidante o momentos emotivos. Además, la serie presenta versiones actualizadas de las icónicas canciones de apertura y cierre de la serie de anime, que seguramente serán un placer para los fanáticos nostálgicos.

En cuanto a la dirección y la cinematografía, "One Piece: Live Action" se destaca en la creación de imágenes impresionantes y composiciones visuales que son verdaderamente dignas de la gran pantalla. Las escenas de acción están coreografiadas de manera impresionante, y la serie logra transmitir la sensación de aventura y peligro que es característica de la serie original.

Un aspecto en el que la serie ha dividido a los fanáticos es la elección de cambiar el estilo de arte de algunos personajes y criaturas para adaptarlos al medio de acción en vivo. Algunos fanáticos han expresado su descontento con estos cambios, argumentando que se alejan demasiado de los diseños originales de los personajes. Sin embargo, es importante recordar que la adaptación en acción en vivo es una interpretación del material original, y algunos ajustes visuales son inevitables para que funcione en este formato. Además, muchos de estos cambios son subjetivos y pueden ser una cuestión de preferencia personal.

"One Piece: Live Action" es una adaptación en acción en vivo que ha logrado capturar la esencia y la magia del manga y el anime originales. Con un elenco talentoso, efectos visuales impresionantes, una trama fiel y emocionante, y una atención meticulosa a los detalles, la serie es un regalo para los fanáticos de toda la vida de "One Piece" y una introducción emocionante para aquellos que son nuevos en la franquicia. A pesar de algunos cambios visuales, la serie logra mantener la autenticidad y la esencia de la serie original, lo que la convierte en una adaptación en acción en vivo exitosa y respetuosa.

En última instancia, "One Piece: Live Action" es un tributo amoroso a la obra maestra de Eiichiro Oda y un testimonio del poder duradero de la historia de Monkey D. Luffy y su tripulación. La serie promete llevar a los espectadores a un emocionante viaje a través del Grand Line y, con suerte, abrirá la puerta a más adaptaciones en acción en vivo de otros amados animes y mangas en el futuro.

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[mirandafregosobooks-blog]

¡Hola a todos! Espero que se encuentren muy bien. Yo soy Miranda B. Fregoso, y esta es mi primer publicación.

Más que nada, este texto es una introducción a lo que verán en mi blog de ahora en adelante. Mi nombre de usuario les dará una idea de lo que voy a hacer.

Verán, yo soy muy fan de los libros y la escritura, eso lo que más disfruto hacer en mi tiempo libre: leer y escribir. Entonces, en base a esto, se me ocurrió que puedo empezar a hacer reseñas de libros que he leído con el tiempo, compartir escritos o pensamientos míos (que tienen derechos de autor ;) por cierto), e incluso, ayudarles si tienen una tarea como de crear alguna historia.

Soy muy abierta a nuevas ideas, así que si quieren que escriba sobre algún tema que les interese, yo los leeré, contestaré sus preguntas y todo lo que se les ocurra que tenga que ver con la lectura, el conocimiento y el entretenimiento lo iré publicando con el tiempo.

No esperen que sea muy constante. Si me desaparezco por un tiempo, creanme que no es porque no quiera seguir publicando. En todo caso, se trata de una pausa por las clases, temas familiares o porque no tengo buen material para complacerlos.

Así que, ahí tienen. Eso es todo por el momento. Siganme para empezar con la magia de los nuevos mundos... y recuerden, que el apoyo de todos ustedes es suficiente inspiración para seguir publicando.

¡Nos seguimos leyendo, compañeros de viaje! Paz.

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[herederosdelkaos]

"Reseña del poemario: 'Doble acento para un naufragio' de Yuleisy Cruz Lezcano, Premio María Calle Bajo"

La nostalgia en la poesía de esta autora cubana que vive en Italia podría ser una fuerza poderosa que impulsa la exploración de la identidad, la memoria y el sentido de pertenencia en un mundo marcado por la distancia y la separación.

La excepcionalidad de la poesía de Cruz Lezcano radica en su habilidad para crear ritmos envolventes y una cadencia que cautiva desde el primer verso. Su elección meticulosa de palabras y la celeridad con la que las dispone dan lugar a una experiencia poética que fluye con naturalidad y armonía. Cada línea se entrelaza con la siguiente en una continuidad fluida, sin cortes abruptos, lo que permite que las ideas se desarrollen de manera orgánica y coherente. Su poesía encarna el verdadero sentido de la palabra, ofreciendo una experiencia estética que trasciende las palabras para sumergirnos en un mundo de emociones y reflexiones profundas. Estamos (sin duda) ante una autora con una sensibilidad única. Abrir post»

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[welele]

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[emilygraterol]

Reseña: Las noches blancas (1957) Luchino Visconti

ACLARATORIA: Esta reseña está basada únicamente en la película y no tiene ninguna intención de compararla con el libro de Fiódor Dostoyevski.

Es natural que el hombre se aferre a algo, comúnmente a algo imposible ya que supone un reto para sí mismo. Los seres humanos estamos repletos de ilusiones y el aferrarnos a cosas nos mantiene vivos, conectados, con la esperanza de que eso que sujetamos desde adentro nos haga sentir felices en algún momento. Y bajo este simple (y a la vez complejo) argumento Visconti nos sumerge en el universo de Mario interpretado por Marcello Mastroianni, una leyenda del cine italiano.

La escenografía llena de calles vacías y sucias, edificios al borde del colapso y puentes simbolizan la miseria del alma humana. La soledad incipiente, los malos hábitos, las relaciones quebradas y los vínculos que constantemente establecemos con otros. Así está Mario, sumergido en la miseria mientras intenta conectar con alguien y llenar así su vacío. En el interín conocerá a Natalia que, para su desgracia lo conducirá un estado peor que en el que se encuentra; hecho que se simboliza a través de la nevada al final de la película, porque ahora el corazón del hombre se ha vuelto frío después de ilusionarse en vano.

La fotografía es limpia y conecta con el melodrama. La iluminación conduce al espectador a sumergirse exactamente en una Noche Blanca debido a los faroles de la ciudad y el contraste que el negro del cielo hace con los edificios blancos. El director italiano ha construido un universo donde todo conecta con la psique de los personajes y el sentimiento de soledad que transmiten.

Al principio la película puede ser tediosa ya que transcurre lentamente, pero a partir de la mitad del segundo acto entramos en un frenesí que no queremos que acabe. Visconti sabe tratar a través de la imagen los sentimientos de los personajes y jugar con ellos para engañar al espectador. Los primeros planos en la escena del baile simulan una conexión verdadera e íntima entre Mario y Natalia, creemos que finalmente ella le corresponderá y le besará, pero luego segundos más tarde nos enteramos que ella fingía. Sin embargo, es la fotografía final que nos deja sin aliento tal como se encuentra Mario. La inclusión de los tres personajes en el cuadro mientras presenciamos la ruptura de la doble ilusión (la de Mario y la de nosotros como espectadores) es la que nos conecta directamente con el personaje principal, no podemos evitar sentirnos conmovidos por lo que está sintiendo él, siendo nosotros testigos y casi que consentidores del hecho.

Todo lo que hemos mencionado anteriormente se debe a una cosa y es a la maestría del guión. Los diálogos profundos y las acciones se unen para regalarnos una de las películas más tristes de toda la historia del cine, y por ello quiero finalizar con un comentario:

Somos vulnerables cuando amamos, cuando entregamos todo de nosotros y no recibimos nada a cambio. ¿Podríamos decir que Mario tiene un problema de amor propio? Probablemente, pero Natalia también lo tiene. Ambos se ilusionaron, ella con el inquilino y él con ella. Ambos dieron demasiado de sí mismos que se olvidaron de amarse y de respetarse. Las noches blancas (1957) es un juego de dejar y quedarse, amar y odiar, recordar y olvidar, y eso es precisamente lo que la hace una obra maestra porque expresa con claridad lo difícil que es para los seres humanos desprenderse de algo a lo que están aferrados. Es el sufrimiento la única vía para que dejemos ir eso que nos lastima. El caso principal es el amor hacia una persona que no nos corresponde, pero en la vida hay miles de cosas que funcionan de la misma manera.

Al final lo que quedan son las mascotas que, a diferencia de los hombres no tienen la capacidad de enamorarse tan profundamente.

Un instante que debería ser eterno. En el fotograma: Mario (Marcello Mastroianni) y Natalia (Maria Schell).

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[labuenavidalib]

La noche del profesor Andersen

La noche del profesor AndersenDag SolstadTraducción del noruego de Kirsti Baggethun y Asunción LorenzoNórdica, 2023 Un profesor universitario especializado en Ibsen es testigo de un asesinato en una vivienda frente a su ventana. Es quizás este principio el que genera una expectativa a lo La ventana indiscreta generando unas salivas intelectuales que van muy pronto a sentirse frustradas. Porque…

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[sublecturas]

"A la intemperie", de Roberto Bolaño

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Parlor, Bedroom and Bath (1931)

Las películas sonoras de Buster Keaton son algo... complicadas de ver. Fue una etapa dificil para el talentoso actor y director, con un espantoso y nada conveniente contrato de por medio. Mientras que Charles Chaplin siguió produciendo películas mudas y reiventandose, para Keaton fue dificil adaptarse al medio sonoro. No porque rechazara al sonido, ya que en su última película como director Spite Marriage (1929) experimentó con efectos de sonido siendo que se estrenó con una partitura musical sincronizada con efectos de sonido (p. ej., risas, aplausos) utilizando tanto el proceso de sonido en disco como el de sonido en película.

Se trató de una buena película y demostró que Keaton podía enfrentarse a los cambios que estaba atravesando la industria. Pero los años posteriores a 1929, Keaton se vió despojado del control creativo de sus películas. Leí una vez a un espectador que lo resumió muy bien: es un poco como ver un animal magnífico en un zoológico, dijo.

Keaton sigue cautivando con su presencia porque es imposible que no lo hiciera, pero es triste de ver a una leyenda y un gran talento en una producción insulsa y sin corazón.

En este caso, Parlor, Bedroom and Bath (1931) o en español Recibidor, dormitorio y baño posee una trama muy tonta y aburrida y un humor nada trascendental. En algunas escenas llega hasta ser incómodo de ver. Aunque el humor es subjetivo y soy conciente que a muchas personas les resulta graciosa esta película, se tratan de chiste y escenas sin mucho dolor de cabeza detrás. A mí me resultó hasta grosero por demás. Si algo caracterizaba al cine de Keaton es su humor inteligente, que te hacía reir por sus remates impredecibles y su simpleza en lo aparentemente complicado. Además, en el cine de Keaton lo sentimental y el romanticismo es muy importante en la construcción de su personaje clásico y de las situaciones que lo acompañan. Siempre existe y prevalece el amor más puro e inocente, ya sea por una mujer o por una vaca (El rey de los cowboys, 1925). Aquí en cambio prevalece la obsenidad y el chiste fácil: el hombre poco varonil que no entiende el doble sentido y no se relaciona bien con las mujeres.

No recomiendo esta película, a nadie. Si eres fanático de Keaton como yo, te va a resultar tortuosa de ver por el desperdicio de talento de Keaton que, aunque algunos piensen que sea por su vejez, me niego a pensar que así sea porque en uno de sus últimos filmes The Railroader (1965) sigue siendo exquisito. Estoy convencida de que hasta el propio Keaton detestaba esta película.

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