#Orchestra Musica Viva

[lesser-known-composers]

Karl Davydov (1838-89) - Fantasie from a Russian folk song for cello and orchestra, op. 7.

Chamber orchestra "Musica Viva". Alexander Rudin (cello)

#Karl Davydov #russian composer #Youtube

[warendenkform]

Every Noise Has a Note

“Every Noise Has A Note”: New Music and Leftist Radicalism

by Felix Klopotek

I.

In the 1960s and 1970s, New Music underwent a political radicalization analogous to its process of musical radicalization. It was a leftist radicalization, owing much to the times, without being completely absorbed in them. The concern of composers in that moment was serious.

Young composers, colleagues or students of Karlheinz Stockhausen or John Cage in the 1950s, developed—partially in open dissociation from one another—models of music, or, more exactly, music making, which broached social themes, and which conceptualized sound as an expression of the social. It was a matter of Totality: they abandoned the concept of the composer in favor of collective, folk, improvisational, and non-musical methods of working. Which means nothing less than that they attempted their own self-negation and abolition.

Groups like the Scratch Orchestra and AMM, Musica Elettronica Viva, Gruppo die Improvisazzione Nuova Consonanza, and composers and meta-musicians such as Frederic Rzewski, Eddie Prévost, Keith Rowe, Cornelius Cardew, Franco Evangelisti, Christian Wolff, and Takehisa Kosugi reflected in their musical praxis the point of interaction between composition as an aesthetic expression of critique and utopia and the social, the direct societal field of class struggle. The precariousness of this interaction consisted of the fact that, in its ultimate ramifications, the musical should be absorbed by the social, which was no longer seen as something separate.

Compositional praxis, musical praxis period, should abolish and transcend [aufheben] itself. The premises that determined what one understood as composition or performance should be thwarted to the point where it would be possible to understand a musical praxis as genuinely social.

“Every noise has a note,” the statement of AMM-percussionist Eddie Prévost, something between a demand and an observation, expresses this: that noise, which in the sense of the educated, polite bourgeoisie is non-musical, has a regularity underlying it and thus like music can be traced back to a creative ordering principle, which implies a mediation between “noise” and “music,” between noise and note. The activation/generation and derivation of a noise are determined by social praxis. Environmental noises are not to be considered as separate from the social actors moving within this environment.

A consequence of this is the transcendence of the separation between performer (composer/musician) and listener. Looking back in retrospect at this period in the 1960s, when AMM first surfaced with this demand, Prévost writes: “It is a tribute to our early supportive audiences that they could respond to our work and reinforce the validity of our activity; these were immensely valuable responses given the newness and uncertainties which accompanied the music.”[1]

However, in the moment where the social and the conceptions of the composer are shown to be disinterested and the working class is not inspired to undertake the final conflict by the deconstruction of the classical concert situation, in the moment where the jump into reality remains absent and the separation between avant-garde and audience is confirmed and reproduced ad infinitum, the concept of the “composer,” which should have been transcended, becomes reified.

The very thing that this generation of composers opposed—for example, that Stockhausen’s once revolutionary technique had fossilized into an invocation of god and proved to be well-suited for a domination-affirming de-subjectivization in music and the cult of the genius in the culture industry—repeated itself in the instant when the grounding of a postulated unification of musical theory and social praxis failed.

As the aforementioned composers returned to a classical form of composing and the larger groups dissolved themselves or, like AMM, hibernated in an almost mythically idealized method of production, the movement disappeared, and with it, the overall idea of the collective. Herein lays the reason why this part of the history of the New Left—particularly in the New Left’s own consciousness itself—is completely lost.

Concomitant with this, the protagonists of this movement, who in the meantime became established composers, have engaged in a critical settling of accounts with their past (without making the “long march through the institutions” with the rest of the 1968 generation) without, however, broaching the issue in such a way as to make it communicable with regard to current debates.

II.

“Does group direction, or authority, depend on the strength of a leading personality, whose rise or fall is reflected in the projected image, or does the collation of a set of minds mean the development of another authority independent of all members but consisting of all of them?”

AMMMusic liner notes

As familiar as the implied egalitarian attitude might seem today, having been established through Free Jazz or politicized pop groups—collective methods of working were not originally on the agenda for the New Music of the 1950s.

In Europe, the highest priority was the composition of music organized on a sufficiently rational basis. This praxis took up the tradition of Schönberg, whose twelve-tone music ordered tonal pitches in rows, that is, rationally. Schönberg’s post-war followers, the Serialists, went one step further: all tonal dimensions, such as duration, volume, and timbre, were to be ordered in rows, with the intent of creating an “integral work of art.”

One early critic who recognized the streak of delusional fetishism and barely concealed affirmation of dominance in this pretense was Adorno: “With curiously infantile faith, the material is invested with the potential to create musical meaning of its own accord. Astrological trickery asserts itself as the relations of intervals according to which the twelve tones are ordered are cheerlessly worshiped as cosmic formulas. The self-constructed law of rows thus becomes a veritable fetish.” [2]

As if to confirm this, Stockhausen blustered about “tuning in to the cosmic whole.” The publishing organ of the Stockhausen circle, Die Reihe (sic!), celebrated the dehumanization and de-subjectification of music in favor of a cosmic order: “In fact, such music has a cosmic character. Lost in reverie, galactic distances removed from the subjective sphere of emotion; in the alienating, new, in many ways terrifying forms of this music, forms arise which are not merely superhuman, but extra-terrestrial.”[3]

In principle, the role of the composer is thus devalued. The composer merely executes the logic of an external principle. However, at the same time, the composer can still celebrate his own genius, which has been endowed by the cosmic order, to which Adorno responds: “An order which proclaims itself is nothing but a cover-up for chaos.”[4]

Thus, the attempt that began with Schönberg as a planned, rational structuring of musical material and an order no longer subject to the whims of nature, and which in the ideal situation represented a method of working not based upon the repressive, mediating logic of valorization consummated the dialectic of enlightenment. Order degenerated into a second nature. “Having thus barely escaped “total” domination (National Socialism [F.K.[5]), the younger generation submitted to the total imperative of the ‘integral work of art.’”[6]

On the other hand, the libertarian variants of the American avant-garde, the works of the New York School centered around John Cage, Morton Feldman, Earle Brown, and Christian Wolff, also did not aim for the liberation of the interpreter, nor for improvisation. However, instead of embarking as God’s prophet on a Serialist ascension to heaven, in these compositions the composer bid farewell in a more sublime and ironic manner.

The New Yorkers developed models of indeterminacy whose guiding principle, for all intents and purposes, was the question of how controlling fanaticism and the intention to domination over musical material could be transcended. They attempted aleatoric procedures based upon principles of chance, which limited the influence of the composer to the setting of a framework and initial conditions. Cage’s most famous piece, “4:33’,” which specifies the non-playing of instruments for this period of time, means nothing other than this: that in the moment, when no musical activity emanates from the musicians, noises, coughs in the audiences, noise from the street, and the creaking of chairs attain a level of meaning that was previously repressed or ignored.

Another compositional principle consisted of the working out of graphic notation, which suspended the intended tonal control parameters of classical notation in order to leave a greater freedom of space for interpretation. Alexander Calder’s mobiles were an important source of inspiration in this context.

This withdrawal of the concept of the composer nonetheless raised a question which was not originally considered by Cage or Feldman: that of the freedom of the interpreter. The disappearance of the composer in no way meant the exaltation of the performer—improvisation was strictly prohibited. The music itself was not to be understood as a social experiment.[7]

Nonetheless, the New York School had “created” a vacuum. Whereas this vacuum would remain unoccupied in Cage’s further activity, in the sense of a winking Zen Buddhism, the occupation of this vacuum seemed obvious from the perspective of the other side, that of the actors (interpreters, musicians, audience). That is, an understanding of environmental sound not only as an immanent broadening of the concept of music but predominantly as something created by humans.

It was already evident in the overcoming of Serialism through Indeterminacy, whose activist component was the early Fluxus movement at the beginning of the 1960s, that this was not an exclusively musical process.

The concerts and actions that took place from 1960-1962 in the atelier of Cologne artist Mary Bauermeister, and which also established the Fluxus movement in Germany, were Happenings, which were loaded with a subversive intent: “There was a clear trend which predominantly determined the selection of repertoire and hardly admitted the works of the Cologne school (the circle around Stockhausen [F.K.]) although the atelier series was closely connected with its composers. It was pieces such as Cage’s ‘Cartridge Music’ and ‘Water Music,’ Busotti’s ‘Pearson Piece,’ and Paik’s action pieces, which stood at the spiritual center of the series—pure live works, which were to be experienced with all of one’s senses, and of an inescapable presence. The specifically un-American aspect of the atelier concerts was the integration of the Cage circle’s ideas with massively socially critical, dialectically, and ideologically flanked European thought, specifically that of the Cologne avant-garde (meaning the authors and critics Hans G. Helms and Klaus-Heinz Metzger [F.K.]). Cage’s Zen-influenced, Confuscianist works were misinterpreted as socially critical, or laden with a new framework of ideas.”[8]

Be that as it may, the enthusiasm for Indeterminacy was met with an increasing ideology-critical sense of discontent with one’s own musical socialization by former Stockhausen adepts such as Cornelius Cardew and Franco Evangelisti.

III.

Decisive triggers for the final breakthrough of collectivism were the developments taking place in Jazz, which by the mid-1960s at the latest had aggregated into Free Jazz.

Up to that point, Jazz and New Music had existed in mutual exclusivity. It is true that there were efforts made within “Third Stream Jazz” to connect to the formal language of twelve-tone music, but this fusion proved to be hardly productive—despite all the elegant music that came out of it. The mediation seemed too superficial, the alternation between the music of Schönberg and Thelonious Monk too indecisive. From the side of the composers, one spoke only disparagingly of Jazz, if at all. Cage and Feldman rejected improvisational attitudes. When the Fluxus movement protested against Stockhausen’s 1964 New York visit—“The first cultural task is to publicly expose and FIGHT the domination of white, European-US ruling class art! (…) Stockhausen, patrician ‘Theorist’ of white supremacy: go to hell!”—the actions had also been motivated by Stockhausen’s discriminatory comments about Jazz (the authenticity of which however, has not yet been sufficiently proven).

With Free Jazz, improvised music entered a phase that left behind the classical Blues and song schemas as foundations for improvisation. No longer bound by fixed harmonic-melodic material, and dissolving 4/4 time into a multi-directional pulse, the Free Jazzers won their own entry into noise as an integrated part of playing. This act of production was practiced and thought of as a decisively group process—music-making as a social act was already realized. Free Jazz (re-)introduced collective improvisation into Jazz.

In 1965, Cardew, 29 years old and, after a few years as an assistant to Stockhausen, now a teacher himself, looked for a young, open-minded Jazz combo that was ready and willing to realize his masterpiece, “Treatise,” an extensive, openly-structured graphic composition which emphasized the role of the performer. One could no longer speak of mere “interpretation.” More important for Cardew than the question of what the performers would play was that of how they communicated with each other and how they could collectively realize the graphically set element. As opposed to his teacher, Cardew was not concerned with the sacredness of sound but rather with the difficult construction of an egalitarian form of social cooperation. In the 1960s, he could only imagine this within the medium of advanced sonic research.[9]

Cardew found his Jazz performers in the group AMM, in which, for example, the Pop-Art painter and guitarist Keith Rowe had decided to stop tuning his guitar and began to conceive of it as an entirely new instrument, laid out on a table and mauled by steel springs, files, rubber balls, or contact microphones. Among the curiosities of this period was that AMM had the same management as and played concerts with Pink Floyd and was able to release their first record on a major label.

Cardew was so swept away by his encounters with the group, for whom reflections about the meaning of music were just as important as playing it, that he became a member and an adherent of improvisational praxis. At the end of the 1960s he wrote an ethics of improvisation. Counted among the seven virtues that a musician could develop were simplicity, integrity, selflessness, tolerance, preparedness, identification with nature, and acceptance of death (Cardew was a Buddhist and would later become a Maoist).[10]

AMM’s improvisations during this period were a harsh, inexorable racket: the intent was to prohibit the ability to determine which instrument was the source of a particular sound. The group performed as a group—even if they emphasized the importance of individual voices in the process of sound generation, they played no role in the larger picture. The group performed in darkened spaces, the concerts lasted a number of hours and incorporated long periods of silence.

Cardew was not an individual case: Frederick Rzewski, like Cardew, a virtuoso pianist and one-time prodigy, founded Musica Elettronica Viva (MEV) with dissident colleagues Alvin Curran and Richard Teitelbaum. Here, as well, the broadening of the concept of music to include noise crossed-over with improvisation.

Franco Evangelisti stopped composing altogether and called into life the Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza. Ennio Morricone was present, along with Rzewski. The group Ongaku and later the Taj Mahal Travelers operated in Japan, with the violinist Takehisa Kosugi, an important Cage interpreter and Fluxus activist, playing in both groups.

The differences between the various groups consisted in their way of dealing with the concept of the “work.” Whereas AMM took a principally anti-institutional attitude and accused the other groups of belonging to the establishment, Nuova Consonanza rejected this as out-of-bounds: the music remained a composition, even if it was developed in an impromptu manner in which all musicians participated with equality. MEV, on the other hand, mutated into a nomadic commune and integrated their everyday identity into the group and its performances, in which the audience was a participant.

Frederick Rzewski would soon detach himself from the practice of direct improvisation and begin to write political works. The pieces “Coming Together” and “Attica” (both from 1971) had as their thematic material the massacre committed by New York Governor Nelson Rockefeller and New York State Police against the inmate uprising at the Attica prison complex. Along with recited letters from the prisoners, Rzewski develops a dense but nonetheless catchy tonal sound surface. The compositions have agitation as their intent, without completely dispensing with the experience of improvisation: the works are realized by Jazz performers and contain extensive improvisational passages. Rzewski’s most well-known composition is his thirty-six variations on the revolutionary Chilean song “The People United Will Never Be Defeated” (1978). This is a work that demands a high level of virtuosity from the performer because Rzewski designed the variations as more and more complicated and elevated permutations of the original folk music material in homage to the creativity of the masses.

IV.

On July 1st, 1969, the Scratch Orchestra was founded. It was initiated at the suggestion of Cornelius Cardew and a number of other composers and students of Cardew’s. The list of composers, who count today among England’s most prominent, is still impressive: Michael Nyman, John White, Gavin Bryars, Michael Parsons, Howard Skempton or Brian Eno. What was decisive, however, was that the group was oriented explicitly toward non-musicians.[11] In the Orchestra’s constitution—it was actually called that—among other things the following is written:

A Scratch Orchestra is a large number of enthusiasts pooling their resources (not primarily material resources) and assembling for action (music-making, performance, edification).

Note: The word music and its derivatives are here not understood to refer exclusively to sound and related phenomena (hearing, etc.). What they do refer to is flexible and depends entirely on the members of the Scratch Orchestra.

[…]

Popular Classics

Only such works as are familiar to several members are eligible for this category. Particles of the selected works will be gathered in Appendix 1. A particle could be: a page of score, a page or more of the part for one instrument or voice, a page of an arrangement, a thematic analysis, a gramophone record, etc. The technique of performance is as follows: a qualified member plays the given particle, while the remaining players join in as best they can, playing along, contributing whatever thev can recall of the work in question, filling the gaps of memory with improvised variational material.[12]

At the inaugural meeting in Autumn of 1968, seventy musicians and activists met. Cardew solved the problem of a democratic organization of such a large heterogeneous group by giving everyone present a date on which he or she could perform a concert according to their own criteria. In its first year of existence, the orchestra played over fifty concerts. No other group dealt so seriously in a consistent manner with all of the implications that the young composers had deduced from their experiences with Fluxus, Free Jazz, and Hippie-Marxism.

Roger Sutherland, who came into the group as a non-musician and is active today in the noise-improvisation group Morphogenesis, describes the performance of one of many scores:

The score was called “Anima Two” and simply instructed: “Carry out every action as slowly as possible.” Everyone in the Orchestra could realize that however they liked. One sat at the organ and played a single chord from Bach’s Toccata and Fugue in D-Minor. He held the chord for the entire duration of the performance, as if it would last forever. I interpreted the score by going from one end of the stage to another, in unbelievably slow motion. I had practiced that for weeks. One could hardly see that I was moving. (…) Cornelius Cardew sat there like a statue with his cello case, and he began to open the case very slowly. He took two hours to do that. Those were all very quiet activities. The only thing one could hear continuously was the static organ chord. There were also a few other sounds, but the main effect was that fifty people carried out unbelievably slow actions, so that the impression arose that time had somehow been abolished.[13]

These days, one is touched by the energy and enthusiasm with which such a large group was together able to realize concepts that were just as obvious as they were completely unworldly. How did they find the time and money?

The members probably did not waste a single thought on the notion that such concepts at some point would congeal into methods. The group broke up a few years later, but not because the composers wanted to impose their educated bourgeois claims against the non-musicians. Looking back, Roger Sutherland comments upon the creeping disintegration:

What happened was rather unexpected. Around 1971, Cornelius Cardew and a few others, particularly Keith Rowe and (the pianist [F.K.]) John Tilbury began bringing ideological and political texts and reading them aloud for hours on end. We all didn’t like that. That alienated the people who weren’t interested in politics. Cardew was about to convert to a sort of Chinese socialism. He thought that the most important tasks were political revolution and socialism. If musicians wouldn’t subordinate themselves to that, then they were counter-revolutionaries. That was rather primitive logic. Music, regardless by whom, whether by Cage, Stockhausen, or Cardew himself, that didn’t express a socialist ideology, and very emphatically, and which furthermore was capable of convincing people about socialism, he considered reactionary, negative, and so on and had to be rejected. And Cardew did the unbelievable thing of rejecting all of his previous work. He began writing songs and piano pieces that were transcriptions of Irish or Chinese revolutionary songs. With regard to harmony and rhythm, they were very simply constructed. The discussions about the function of music, whether music was political or not, split the orchestra. What happened, for example, was that we were now supposed to suddenly learn how to play instruments conventionally. There were even classes where one received instruction in rhythm or playing violin. I didn’t join the Scratch Orchestra for that. I wanted to experiment with sound, not play conventional music. I could have done that somewhere else.[14]

In 1974, the activity of the Scratch Orchestra petered out for good.

AMM also split. The quartet actually managed to disintegrate into an anarchist wing with Eddie Prévost and the saxophonist Lou Gare, and a Maoist one consisting of Rowe and Cardew. They still went on a tour of Europe together in 1973 but performed separately. Rowe and Cardew played noisy improvisations to songs and news broadcasts from Radio Tirana (!), which were supposed to reflect the alienation of the proletariat in everyday factory life. This was a bittersweet example of the decline of both the protest movement and the at one time so advanced musical praxis. Only in the late 1970s did AMM form as a united group once again.

Back to the Scratch Orchestra: the process of democratization was supposed to lead to the construction of a musical cadre party. That failed. Cardew, who in a dramatic essay accused his teacher Stockhausen of imperialism and was not above castigating himself for his earlier enthusiasm for Cage, also drew practical consequences. As a member of a British New Communist group, he provided musical accompaniment at demonstrations, agitated on picket lines, etc. When he became composer in residence of the Künstlerhaus Bethanien in Berlin in 1973, he distributed leaflets against the Künstlerhaus and advocated instead for establishing a children’s polyclinic in its place.

In 1981, Cardew was fatally wounded in a traffic accident that was never solved. From the middle of the 1970s on, he played individual “secret concerts” with AMM, unannounced concerts under fake names. Cardew had, according to Keith Rowe, never given up his passion for the avant-garde

No recordings of the Scratch Orchestra are available today.[15]

V.

The politicization of new music failed due to its own radical standards. The social question took such a central place within the musical activity that the absence of the supposed logical consequence (revolution) robbed the music of its foundation. It became obsolete, entangled in ludicrous battles (Scratch Orchestra, AMM), or became kitschy (not dissimilar to current, silly Stockhausen performances).

What remains is the high level of engagement with the material. Precisely in the ruthless thematization and incorporation of the social field, which did not occur at the expense of the music,[16] there could be a path that leads beyond the dichotomy of music as social effect vs. music as technique. There’s a difference between understanding music in a truncated way as derived from concrete social circumstances or, as those composers did (of course failing to recognize their own privileged backgrounds) as a genuine social praxis.

It’s just as interesting to observe how the composers and musicians have engaged with their own survival. As a consequence of failure, AMM (namely Eddie Prévost) has conceived a “meta-music” intended to make getting through the winter possible.[17]

Every utterance, rustle and nuance is pregnant with meaning. To make a meta-music is to hypothesize, to test every sound. To let a sound escape unnoticed before coming to know what it represents or can do is carelessness. Each aural emission can be unlocked to show its origins and intentions. […] If humanization is our ultimate goal, “art for art’s sake” can only be justified as a tactical withdrawal. No sound is innocent—musicians are therefore guilty if they collude with any degeneration or demoralization of music.[18]

Just as before, the point is to decode sounds as social events and thus integrate them consciously into a social nexus. This consists, however, in the music-making collective itself—for lack of a real correspondence. “Meta-music” is music that reflects upon its own concrete conditions of emergence, through itself as a medium. A perpetuum mobile. “The reason for playing is to find out what I want to play.”[19] Any form of fixed pre-determination is forbidden: “Organizing sound limits it potential.” The music can only be realized as a spontaneous, common effort.

The concept of the social is only expressed through music—regardless of how emphatically AMM stresses this linkage, it no longer manages to become an expression that constitutes community, which is just the logical conclusion of the 1960s. Back then, improvisation, as an idea and as praxis, was taken as surface for the projection of universal utopias. The egalitarian collective of players anticipates an egalitarian society. Eddie Prévost probably wouldn’t assert anything else, ultimately; however, his own praxis is wiser, because it is the constant critical interrogation of one’s own activity, and thus it works out a set of rules that can only be applied to one’s own music.

As a listener, one can deduce what one wishes from that. These days, AMM, who no longer play as loud as they used to, but are just as breathtakingly lost in reverie, are celebrated as pioneers of industrial and ambient music, and there’s no trace of their former Maoism.

All deductions are one thing; the music is another. As improvised music, it remains fleeting, in principle unpredictable, without giving up its obligation to the movement in which it’s played and—beyond this—to the collective.

Thus, the subversive potential in the music has withdrawn into a theory that, because it is identical with its praxis, is hard to decode, utterly ensnared in its own decades-spanning history. As I said, very little remains for practical application.

But in contrast to thirty years ago, AMM would welcome this state of affairs.

[1] From the liner notes to the first AMM LP, AMMMusic, issued in 1966 and still available as a CD (Recommended Recordings). Prévost continues: “An AMM performance has no beginning or ending. Sounds outside the performance are distinguished from it only by individual sensibility.” AMMMusic is such a statement: the group does not play improvised music, or New Music (thus fulfilling no genre criteria), but rather music that develops the criteria for its own verifiability and transparency from within itself.

[2] Theodor W. Adorno, Philosophie der Neuen Musik, Suhrkamp: Frankfurt, 1958 (107).

[3] Quoted in Gottfried Eberle, “Neue Musik in Westdeutschland nach 1945” in Heister, Hanns-Werner and Dietrich Stern: Musik der 50er Jahren, Argument-Sonderband AS 42, Hamburg 1980 (47). Hanns Eisler also formulated a trenchant critique, writing, with regard to Stockhausen’s composition “Gesang der Jünglinge” (1953): “Stockhausen for example has created an electronic—or whatever you call it—piece of music over many years, after the section of the Bible, “Three Men in a Furnace.” In Luther’s translation, this Bible passage is a delightful piece linguistically, a report of prehistoric resistance. What does Stockhausen turn it into? The text is made intentionally inscrutable through manipulation of the tape, and thus the actual social meaning of this Bible passage is swept away. What remains is: ‘Great God, we praise you.’ It’s as if the musical squad of the ‘Königin Luise’ club were brought into the next village church by means of rocket aircraft” (quoted in Heister and Stern 78)

[4] Adorno, Philosophie der Neuen Musik 6

[5] [In various quotes used in the original German version of this text, Klopotek inserted brief parenthetical comments. These are denoted in the present translation by his initials in square brackets: [F.K.]—Tr.]

[6] Eberle, “Neue Musik in Westdeutschland nach 1945.”

[7] However, in this tradition there are also unmistakable, but very intricately rendered political statements. “King of Denmark,” a composition by Feldman from 1964 for solo percussion, demands extreme sensitivity towards the instrument on the part of the performer. The performer is not allowed to use mallets and can only work with his or her hands, arms, etc. This very quiet piece of music (standing in demonstrative contrast to rather loud percussion music) is an homage to the Danish king Christian X., under whose rule the Jewish population of Denmark was saved from the Wehrmacht by being evacuated to Sweden, and who publicly wore a yellow star as a sign of solidarity.

[8] Robert von Zahn, “Refüsierte Klänge. Musik im Atelier Bauermeister,” in Das Atelier Mary Bauermeister in Köln 1960-1962 (117). This volume provides a rather complete picture of the primordial soup of the cultural Left, which includes everyone from Adorno to Cardew, Bauermeister herself, Stockhausen, Jam June Paik, LaMonte Young, Klaus-Heinz Metzger, and Hans G. Helms.

[9] A performance claiming to be complete can be found on Cornelius Cardew’s Treatise album on the Swiss HatArt label.

[10] Peter Niklas Wilson Hear and Now: Gedanken zur improvisierten Musik, Wolke Verlag: Hofheim, 1999 (11).

[11] The American composer Christian Wolff—son of the legendary publisher Kurt Wolff, who emigrated with his family to the USA in the 1930s, where Christian, having just turned 16, met John Cage and joined his “school”—began to compose for non-musicians. The score of Stones (1968) consists exclusively of a poem, which in a few lines provides instructions on how sounds can be created with stones: “Make sounds with stones, draw sounds out of stones, / using a number of sizes (and colours); / for the most part discretely; sometimes in rapid / sequences. For the most part striking stones with / stones, but also stones on other surfaces (inside / the open head of a drum, for instance) or other than / struck (bowed, for instance, or amplified). Do not / break anything.” (From Prose Collection 1968-74). Interestingly enough, at the same time Cardew was also working on a piece, The Great Learning, that also contained (improvisational) passages played exclusively with stones. Concerning Wolff’s series of compositions Excercises, the performer Eberhard Blum writes: “For the performers, the point of orientation is the act of playing in unison, but they are free to decide about tempo, dynamics, articulation, the manner of playing, and the length of pauses, as well as, at any time, whether or not they want to play, i.e., about instrumentation. All of that is decided in the course of the performance, meaning that all of these aspects of the performance are improvised, other than the fact that playing in unison, regardless of how far it might be, is always a point of orientation to which a player must return when straying too far. In other words: every performer is free to the extent that he or she succeeds in time in acquiring the agreement of others for his or her own special manner of performance.” (liner notes to: Excercises 1973-1975, hat ART CD) In his work, Wolff contrasts “parliamentary participation,” which allows interpreters to be free in shaping the reduced compositional instructions, to the “monarchical authority” of the composer, which he wants to see abolished.

[12] Cornelius Cardew, “A Scratch Orchestra: Draft Constitution,” The Musical Times 110:1516, 125th Anniversary Issue (Jun. 1969): 617-619

[13] Quoted in Hanno Ehrler: Radikale Demokratie: Das Londoner Scratch-Orchestra in Musiktexte 75 (August 1998): 52.

[14] Quoted in Ehrler, p. 57

[15] At least, no authorized ones. An unwritten Scratch law states that issuing a record requires the approval of all living members of the group. That will never be the case—that’s at least one point on which the still-divided Scratchers agree (even disregarding the aesthetic implications of issuing a record—what does it mean to choose one concert, and not another, from the mass of recorded material—there are also legal issues: who gets the royalties? Ultimately, the works of the Scratch Orchestra and its composers are regarded by the (copyright) collecting societies as classical music, and the respective royalty payments to individuals—group and collective compositions hardly count at all—might be correspondingly high. Nonetheless, in the year 2000 the California label Organ of Corti issued the CD Cornelius Cardew/The Scratch Orchestra: The Great Learning. It was a reissue of an album that was released in 1971 on the classical label Deutsche Grammophon. The Great Learning, a reference to the classical Confucian canon, is a vocal work consisting of seven paragraphs. In each paragraph, a section of the Confucian canon is declared. The composition, which Cardew worked on between 1968 and 1970—three paragraphs were finished before the group was founded, so they cannot be identified with the praxis of the Scratch Orchestra, even if he dedicated them to the group—is regarded, along with Treatise, as Cardew’s masterpiece. However, The Great Learning is not exemplary of the work of the Scratch Orchestra. In that sense, the reissue, supplemented by a performance of the first paragraph from the year 1982, is more of a Cardew CD than a Scratch one.

[16] Even in cases where the music retreated into the background, as with Cardew, it was a radical step. He did not water down his avant-garde compositions with tonal elements but rather devoted himself completely to simple workers’ songs.

[17] Edwin Prévost, No Sound is Innocent: AMM and the Practice of Self-Invention, Meta-musical narratives, Essays. Essex: Copula, 1995. If one is not further disturbed by its pathos, this book can be recommended as an introduction full of rich material

[18] Ibid., 33f. Prévost has adopted this moralism from Cardew.

[19] From the liner notes to AMMMusic

[lamilanomagazine]

Napoli, arriva per la prima volta in piazza del Plebiscito Radio Italia Live

Napoli, arriva per la prima volta in piazza del Plebiscito Radio Italia Live Radio Italia Live - Il Concerto, il più grande evento gratuito di musica live in Italia, alla sua 16ma edizione, arriva per la prima volta a Napoli. Appuntamento in Piazza del Plebiscito, giovedì 27 giugno alle ore 20.40. Insieme a Radio Italia il Comune di Napoli è co-organizzatore dell'evento, nell'ambito del progetto "Napoli Città della Musica - Live Festival 2024". Protagonisti sul palco, accompagnati dalla Radio Italia Live Orchestra diretta dal maestro Bruno Santori: Alessandra Amoroso, Annalisa, Biagio Antonacci, Articolo 31, Elodie, Francesco Gabbani, Irama, Angelina Mango, Ricchi E Poveri, Rocco Hunt, Rose Villain, Tananai. La conduzione sarà affidata alle voci di Radio Italia: Giuditta Arecco, Daniela Cappelletti, Marco Falivelli, Mauro Marino, Enzo Miccio, Manola Moslehi, Paoletta ed Emiliano Picardi. Luca Ward introdurrà live tutti gli artisti, previsti inoltre collegamenti speciali con il backstage e il vip ring isybank. La sigla iniziale di Radio Italia Live - Il Concerto sarà eseguita dal vivo da Saturnino. Radio Italia Live - Il Concerto, nell'ambito del progetto "Napoli Città della Musica – Live Festival 2024" sostiene Fondazione Santobono Pausilipon e l'ospedale pediatrico di Napoli con una raccolta fondi solidale il cui ricavato sarà dedicato al progetto di assistenza domiciliare "Curare a casa". Si potrà donare inviando un SMS solidale al numero 45592, attivo dal 7 giugno al 14 luglio. L'accesso in Piazza del Plebiscito, in occasione di Radio Italia Live - Il Concerto giovedì 27 giugno, avverrà come segue: per assistere allo spettacolo sarà necessario accreditarsi sul sito radioitalia.it a partire dalle ore 12 di venerdì 21 giugno, cliccare nella sezione dedicata "Richiesta accrediti" e seguire le istruzioni. Si specifica che l'accesso all'evento rimane assolutamente gratuito e si diffida dalla duplicazione e vendita degli accrediti. Radio Italia Live - Il Concerto sarà trasmesso in diretta su Radio Italia solomusicaitaliana, Radio Italia Tv e in streaming audio/video su radioitalia.it. Dalle 20:40 sarà in diretta, in contemporanea, su Sky Uno, in streaming su NOW e in chiaro su TV8. Radio Italia Live - Il Concerto sarà come sempre un evento 100% social: vivrà sulle pagine social ufficiali di Radio Italia Facebook, Instagram, TikTok e X con l'hashtag ufficiale #rilive. In particolare, cercando RILIVE su TikTok, sarà possibile vivere un'esperienza completa con contenuti interessanti ed esclusivi. A partire dal 26 giugno, infatti, sarà disponibile la sezione "#RILIVE" all'interno dello spazio New Music. LE DICHIARAZIONI: Il Sindaco di Napoli: "Ospitare per la prima volta il concerto evento di Radio Italia a Napoli, in una Piazza del Plebiscito pronta ad accogliere migliaia di spettatori entusiasti, rappresenta una grande novità. Un appuntamento che ci riempie di orgoglio, poiché conferma il ruolo sempre più centrale che Napoli riveste nell'ambito degli eventi di portata nazionale e internazionale. Il Comune è parte attiva nell'organizzazione di questo evento che si inserisce nel programma "Napoli Città della Musica – Live Festival 2024", consolidando l'immagine della nostra città come meta privilegiata per iniziative culturali di grande portata". Il Consigliere del Sindaco su Musica e Audiovisivo: "Sono davvero contento di avere gli amici di Radio Italia a Napoli perché la loro presenza è anche un riconoscimento per Napoli che si conferma sempre di più una Music City centrale nei circuiti nazionali ed internazionali con una scena musicale viva e una sempre maggiore attenzione alla sua industry ed alle sue professionalità. Sono anche molto soddisfatto che Radio Italia abbia voluto aderire al progetto "Napoli Città della Musica – Live Festival 2024" con la propria vicinanza all'ospedale Santobono perché musica è business ma anche attenzione ai luoghi del disagio". Mario Volanti, Editore e Presidente Radio Italia: "La seconda data del Radio Italia Live - Il Concerto quest'anno si terrà, per la prima volta, in Piazza del Plebiscito a Napoli. Sono felice che questa piazza, luogo storico di eventi musicali, e il calore del pubblico partenopeo, potranno condividere con noi e tutti gli artisti partecipanti una grande serata di musica dal vivo. Anche in Piazza del Plebiscito sarà presente la Radio Italia Live Orchestra diretta dal maestro Bruno Santori che avrà riarrangiato tutti i brani che verranno eseguiti. Ringrazio il Sindaco di Napoli e tutte le persone con le quali abbiamo iniziato a collaborare e collaboreremo per il miglior svolgimento di questo nostro evento". Alla presentazione dell'evento, che si è svolta ieri mattina nella Sala Giunta di Palazzo San Giacomo, ha preso parte anche Alessandra Amoroso: "Ho già cantato in piazza del Plebiscito, con Gigi D'Alessio, ma non mi sono mai esibita con tre canzoni. Sono molto legata a questa terra e alle persone. Da quando ho iniziato a fare questo lavoro ho sempre trovato un'energia diversa. Ringrazio tutta Radio Italia che è un po' casa mia".  ... #notizie #news #breakingnews #cronaca #politica #eventi #sport #moda Read the full article

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Relight Orchestra: "Relight The Disco" celebra vent'anni di musica e successi

Le sonorità nu disco sono in questa estate 2022 il comune denominatore di tantissime produzioni pop internazionali. In Italia il fenomeno non è da meno: molte delle sonorità che sentiamo in radio pescano proprio dalla produzione Italo Disco di inizio anni 80. La matrice musicale afro-funky che influenzò la disco music Americana a fine anni 70 è sempre rimasta sempre viva in Italia, anche nel nuovo millennio. 

Fra i progetti dance italiani che hanno da sempre abbracciato queste sonorità, Relight Orchestra è indubbiamente uno fra i più acclamati a livello internazionale, con decine di milioni di streaming ed esibizioni in 4 continenti. 

Robert Eno e Mark Lanzetta, ovvero i Relight Orchestra, si definiscono così, con semplicità: "siamo un dj di cultura e un violinista maestro nell'interpretare".  Ogni loro cover ed ogni loro remix nasce da tanto lavoro in studio. Per questo, da tempo sanno dare nuova vita a classici del dancefloor che rischiavano di essere dimenticati.

"Relight The Disco", il nuovo album della band, celebra i 20 anni dal primo successo "For Your Love", uscito su Universal Music. All'interno nuovi progetti e collaborazioni con grandi star del calibro di Gloria Gaynor, Santa Esmeralda, Claudja Barry, Ronnie Jones, Margareth Menezes, Donatella Rettore… 

Il titolo della raccolta, "Relight The Disco", fa chiaramente intendere che questa raccolta dei Relight Orchestra è un tributo al passato, con l'obiettivo di "riaccendere" (Relight in inglese) non solo la "disco music", ma anche le "discoteche" dopo il lungo stop a livello internazionale.

https://www.relightorchestra.it

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Relight Orchestra, "Relight The Disco" celebra 20 di musica 

Le sonorità nu disco sono in questa estate 2022 il comune denominatore di tantissime produzioni pop internazionali. In Italia il fenomeno non è da meno: molte delle sonorità che sentiamo in radio pescano proprio dalla produzione Italo Disco di inizio anni 80. La matrice musicale afro-funky che influenzò la disco music Americana a fine anni 70 è sempre rimasta sempre viva in Italia, anche nel nuovo millennio. 

Fra i progetti dance italiani che hanno da sempre abbracciato queste sonorità, Relight Orchestra è indubbiamente uno fra i più acclamati a livello internazionale, con decine di milioni di streaming ed esibizioni in 4 continenti. 

Robert Eno e Mark Lanzetta, ovvero i Relight Orchestra, si definiscono così, con semplicità: "siamo un dj di cultura e un violinista maestro nell'interpretare".  Ogni loro cover ed ogni loro remix nasce da tanto lavoro in studio. Per questo, da tempo sanno dare nuova vita a classici del dancefloor che rischiavano di essere dimenticati.

"Relight The Disco", il nuovo album della band, celebra i 20 anni dal primo successo "For Your Love", uscito su Universal Music. All'interno nuovi progetti e collaborazioni con grandi star del calibro di Gloria Gaynor, Santa Esmeralda, Claudja Barry, Ronnie Jones, Margareth Menezes, Donatella Rettore… 

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[tarditardi]

Relight Orchestra, "Relight The Disco" celebra 20 di musica 

Le sonorità nu disco sono in questa estate 2022 il comune denominatore di tantissime produzioni pop internazionali. In Italia il fenomeno non è da meno: molte delle sonorità che sentiamo in radio pescano proprio dalla produzione Italo Disco di inizio anni 80. La matrice musicale afro-funky che influenzò la disco music Americana a fine anni 70 è sempre rimasta sempre viva in Italia, anche nel nuovo millennio. 

Fra i progetti dance italiani che hanno da sempre abbracciato queste sonorità, Relight Orchestra è indubbiamente uno fra i più acclamati a livello internazionale, con decine di milioni di streaming ed esibizioni in 4 continenti. 

Robert Eno e Mark Lanzetta, ovvero i Relight Orchestra, si definiscono così, con semplicità: "siamo un dj di cultura e un violinista maestro nell'interpretare".  Ogni loro cover ed ogni loro remix nasce da tanto lavoro in studio. Per questo, da tempo sanno dare nuova vita a classici del dancefloor che rischiavano di essere dimenticati.

"Relight The Disco", il nuovo album della band, celebra i 20 anni dal primo successo "For Your Love", uscito su Universal Music. All'interno nuovi progetti e collaborazioni con grandi star del calibro di Gloria Gaynor, Santa Esmeralda, Claudja Barry, Ronnie Jones, Margareth Menezes, Donatella Rettore… 

Il titolo della raccolta, "Relight The Disco", fa chiaramente intendere che questa raccolta dei Relight Orchestra è un tributo al passato, con l'obiettivo di "riaccendere" (Relight in inglese) non solo la "disco music", ma anche le "discoteche" dopo il lungo stop a livello internazionale.

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[gasparodasalo]

Antonín Dvořák (1841-1904) - Concerto for Cello and Orchestra in A-Major (1865), III. Rondo: Allegro risoluto. Orchestrated by Jarmil Burghauser. Performed by Alexander Rudin, cello & direction, and Musica Viva on period instruments.

#antonin dvorak #romanticism #classical music #cello #orchestra #period performance #period instruments #cello concerto #concerto #dvorak #strings #string orchestra #woodwinds #brass #band #philharmonic

[musicainextenso]

Nothing is more revealing than the composer's own description of his work, and so is the case of Michael Daugherty:   “Dead Elvis (1993) was commissioned by Boston Musica Viva and Chuck Ullery, principal bassoonist with the St. Paul Chamber Orchestra. It is more than a coincidence that it is scored for the same instrumentation as Stravinsky's L'Histoire du Soldat (1918) in which a soldier sells his violin and his soul to the devil for a magic book. In Dead Elvis, the bassoon is Elvis (or perhaps an Elvis impersonator). Does this rock star sell out his Southern folk authenticity to the sophisticated professionalism of Hollywood movies, Colonel Parker and Las Vegas in order to attain great wealth and fame? Dead Elvisgoes far beyond this romantic Faustian scenario. For me, the two clashing Elvis images (the hip, beautiful, genius, thin, rock-and-roll Elvis versus the vulgar, cheesy, fat, stoned, Las Vegas Elvis) serve as a Sturm und Drang compositional algorithm. Further, my use of the “dies irae” (a Medieval Latin chant for the Day of Judgment) as the principal musical theme of Dead Elvis signifies yet another aspect of the Elvis myth: some people believe Elvis is dead, while others believe he is alive and well in Kalamazoo. Perhaps the question is not whether Elvis is alive or dead, but why the phenomenon of Elvis endures beyond the grave of Graceland. Elvis, for better or worse, is part of American culture, history and mythology. If you want to understand America and all its riddles, sooner or later you will have to deal with (Dead) Elvis.” – Michael Daugherty

From Russian folklore to Faust and beyond, the tale of an every-man selling his soul to the Devil for riches and subsequently suffering eternal damnation remains one of humanity's greatest paradoxes – simultaneously a greatest wish and a most dreaded nightmare. Daugherty clearly states that Elvis fell prey to the Faustian trap, and as a consequence lost his artistic essence. But even more profane than questioning the infallibility of an American pop icon is another question: is Elvis America's Christ figure?  As an exceptional boy raised by a single mother in poverty, he was propelled into stardom by embodying in a pelvis-swinging, dreamy white boy the soul of Negro songs.  Elvis' meteoric career eventually sapped the young singer of his authenticity, leading to his inevitable fall from grace and into a dangerous cocktail of drugs, alcohol and debauchery. Forsaken by all but his most ardent fans, the destroyed singer's death is mysteriously unclear – and many continue to believe in his continued life beyond Graceland. 

(Elisabeth Askren, source: ligetifestival.ro)

Gottfried Rabl - conductor  Cristian Avram - bassoon  Ensemble Ad-HOC ”and Friends”

Enjoy! 🎃 - Editor-in-Chief

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[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #195 - Secret Oyster, Sea Son, 1974

Il viaggio di Ottobre tra il progressive europeo arriva in Danimarca, ultima tappa di questo piccolo ma significativo tour alla ricerca del prog “degli altri”. La piccola penisola, insieme con le altre grandi repubbliche scandinave, è stata un fervente laboratorio di idee e gruppi del genere sin dalla prima ora e, a dispetto di altri paesi, ha sempre mantenuto viva la fiamma del prog negli anni più difficili del punk fino ai giorni nostri (a quelle latitudini si scrive con due “g”, progg e ancora oggi è fenomenale serbatoio di band che rielaborano quei canoni, fan club, collezionisti). Tra i meravigliosi gruppi prog di quelle terre, ho scelto la band della storia musicale odierna per un semplice motivo personale: il disco di oggi è il regalo di un funzionario dell’ambasciata danese in Italia, che ho conosciuto per motivi di lavoro, appassionato di rock come me, con cui feci uno scambio: un disco dei Perigeo (La Valle Dei Templi,1975) per uno, a suo giudizio, della più sorprendente band del prog danese: i Secret Oyster e il loro Sea Son, pubblicato nel 1974. I Secret Oyster erano un super gruppo, nato dall’unione di musicisti provenienti da band diverse: Karsten Vogel (sassofono), Mads Vinding (basso) e Bo Thrige Andersen (batteria e percussioni) provenivano dai Burnin’ Red Ivanhoe, Claus Bøhling (chitarra) dagli Hurdy Gurdy, Kenneth Knudsen (tastiere e Moog) dai Coronarias Dias, si formano nel 1973. Soprattutto quelli che venivano dai Burnin’ Red Ivahoe erano all’epoca musicisti piuttosto famosi in Danimarca e nell’ambiente prog, avendo quella band ottenuto interessanti riscontri di critica e pubblico con alcuni dischi davvero notevoli (su tutti il bellissimo M144, 1969): nel 1972, tra l’altro dopo una trionfale tournee europea, la band si scioglie, principalmente perché il leader Vogel è affascinato dai primi gruppi jazz rock e vorrebbe intraprendere quella strada musicale, in contrasto con gli altri musicisti. Lo fa con i Secret Oyster, che si ispirano come sound e composizioni ai Mahavishnu Orchestra, ai Nucleus, come faro il leggendario Bitches Brew di Miles Davis. Con questa formazione pubblicano il primo disco, Furtive Pearl (1973) che viene appena notato da critica e pubblico. Cambio di formazione con Jess Stæhr (basso) al posto di Vinding e Ole Streenberg alla batteria al posto di Thrige: registrano ai Rosenberg Studios di Copenhagen, Sea Son nasce in soli tre giorni di sessioni, tra il 4 e il 7 luglio del 74'. L'album esce nell'autunno dello stesso anno per la CBS. Totalmente strumentale, Sea Son è ai vertici di quel prog rock sofisticato, venato di jazz, che in quegli anni si posizionava al lato rispetto alla potenza quasi sinfonica di altri gruppi del movimento. Vogel voleva creare una musica che proprio come il jazz da lui tanto amato partiva per memorabili e indimenticabili viaggi sonori, lavorando su ogni assolo, avendo tra l’altro la sintonia giusta tra i musicisti di improvvisare su un accordo, su un assolo e così via. I brani mostrano tutto ciò al più alto livello: si parte alla grande con il groove funk di Oyster Jungle; la raffinatezza di Pajamamafia, dal bellissimo intro leggermente psichedelico con un uso intelligente del piano elettrico e del sintetizzatore Moog insieme a una forte dose di linee melodiche di sax; l'impressionante lavoro di chitarra di Bohling in Black Mist, con fenomenale linea di basso – in questo senso il lavoro di Staehr in tutto il disco è eccezionale. Il suono è ricco, pieno di interazioni tra sax e tastiere, evidenti vibrazioni funk, ma anche momenti più solenni come i drammatici archi dell’intro di Painforest (brano meraviglioso tra l’altro), o la tessitura raffinata di Paella. Ma il vero pezzo clou è Mind Movie: brano epico, dai continui cambi di ritmo e di tensione musicale, che si sviluppa in meravigliosi duelli strumentali, con grande risalto per gli assoli alla chitarra di Bøhling che meraviglia per ben 9 minuti. Nella versione rimasterizzata oggi in commercio sono presenti tre brani in più: Sea Son e Alfresco (scritto proprio così, tutto attaccato) parte I e II, con fantastico lavoro al sassofono di Vogel. Ogni ascolto regala delle soddisfazioni, ed è evidente la ricerca di qualità sonora e di esecuzione che fanno del suono dei Secret Oyster un esempio piuttosto unico anche tra i gruppi dell’epoca. Purtroppo come il primo, anche il secondo ebbe discreto successo solo in patria. Ma Vogel e compagni non mollano: pubblicano nel 1975 delle musiche per un balletto, Vidunderlige Kælling (che in danese significa Maledetta Puttana) centrato sul tema della violenza sulle donne, che viene pubblicato con il titolo di Astarte (dal nome della dea madre venerata nell'area semitica nord-occidentale), poi Straight To The Krankenhaus nel 1976 prima di sciogliersi, e riformarsi come Burnin’ Red Ivanhoe (ah questi danesi…). Nel 2019, ad oltre 40 anni dal loro scioglimento, viene pubblicato nel materiale registrato nel 1978, con il titolo Striptease. Vale la pena cercarne i lavori e ascoltarli, per sentire il fascino elegante e per niente freddo della loro musica.

#secret oyster #sea son #1974 #recensione

[rafaellakalimann]

Death and all his friends

TIGGER WARNING: CONTÉM NARRAÇÃO DE CENAS DE HOMICIDIO E SANGUE Baseado na obra original de Shonda Rhymes (Grey’s Anatomy)  Sugestão de musicas: Unarmed- Mariah Mcmanus, Demons- Imagine Dragons e To build a home - the cinematic orchestra

06/05/2020

P.O.V Milena

“A vida humana é composta de escolhas. Sim ou não? Dentro ou fora? Para cima ou para baixo? E depois há as escolhas que importam: amar ou odiar, ser um herói ou ser um covarde, lutar ou ceder, viver ou morrer ... Viver ou morrer? Essa é a escolha importante e nem sempre está em nossas mãos. Vou repetir, para ter certeza de que você me ouve: a vida humana é feita de escolhas. Viva ou morra? Essa é a escolha importante ... e nem sempre está em nossas mãos.”

 Acordei incomumente atrasada, parecia que tudo, mas tudo me dizia para não sair da cama naquele dia. Porém eu precisava ir, tinha que enfrentar alguns fantasmas independente do peso que eles me trouxessem. Levantava de minha cama e fazia rapidamente minha higiene, trocava o pijama rosa bebê por um vestido soltinho até o joelho, cabelos presos em um coque solto, o ar entrava empurrado em meus pulmões, sim, aquele seria um dia difícil, parecia que algo em mim sabia. Caminho pelo longo corredor da cobertura, olhando pela janela ao final do mesmo, uma névoa sinistra pairava sobre a parte do Central District, agora me questiono se aquele não era um sinal dos céus dizendo “Volte para cama, Millie, finja que está doente, não pise naquele hospital”. Chego a porta do quarto que tinha uma pintura infantil e meu mundo para, abro um sorriso  ao abrir a porta esquecendo os problemas, esquecendo do ar sinistro daquela manhã ao ver os pequenos movimentos vindos do berço, um gritinho animado sai da boca da pequena criança ao me ver e o mesmo fica em pé, apenas esperando um colo e carinhos pela manhã. Caminho até ele o envolvendo com meus braços distribuindo beijos pela face do pequeno. Troco suas roupas o deixando limpinho e apenas tenho tempo de colocar o mesmo sentado em seu cadeirão na cozinha quando escuto minha vizinha Roxy tocar a campainha, por sorte do destino ela poderia ficar com ele hoje, fazia alguns dias que o nascimento de seus pequenos dentes o deixava nervoso demais e ele havia sido suspenso da creche do hospital por tentar aliviar a coceira incomoda da gengiva mordendo um coleguinha. Abro a porta deixando que a mesma entre e mal tenho tempo de cumprimenta-la e logo ouço meu bipe, droga, um chamado de emergência do hospital. Pego minha bolsa, celular e as chaves do carro e me despeço de ambos descendo até a garagem do prédio quando descubro que algum idiota havia conseguido bater no portão e ele não iria abrir tão cedo. Okay Milena, aquele era um claro aviso de fique em casa, porque você não o ouviu? Porque ser tão teimosa? Corria até a rua acenando forte ao ver um táxi e entro no mesmo assim que este para não pensando duas vezes. Dou o nome do hospital e peço que vá o mais rápido possível. Logo podia ver ao longe a silhueta do Royal Liverpool University Hospital surgir. Sua fachada imponente era inconfundível, eu estava ali em frente a minha segunda casa.

“Para a maioria das pessoas, um hospital é um lugar assustador. Um lugar hostil. Um lugar onde coisas ruins acontecem. A maioria das pessoas prefere igreja, escola ou lar. Mas eu cresci aqui. Enquanto minha mãe estava em turnos, aprendi a ler na galeria da sala de cirurgia. Eu brinquei no necrotério. Eu pintei com giz de cera em velhos gráficos de emergência. O hospital era minha igreja, minha escola, minha casa. O hospital era meu lugar seguro. Meu santuário. Eu amo isso aqui. Correção: amava aqui.”

 Descia do táxi após pagar o mesmo e entro correndo no hospital não demorando mais que 30 segundos para estar dentro do vestiário dos médicos trocando meu vestido pelas largas calça e camisa de cor azul, ajeito meu cabelo deixando ele semi solto e saio correndo em direção a portaria tentando saber qual era a emergência leve para a qual haviam me chamado e o fato de ser engano acaba me deixando um tanto enfurecida. Logo após caminho até o quadro de cirurgias analisando meticulosamente o mesmo beijando meus pulmões esvaziarem de uma vez ao ver o nome da primeira cirurgia do dia. Revascularização do Miocárdio, okay, respiro fundo novamente tentando assimilar minha falta de vontade de estar ali com essa cirurgia. Não que a mesma fosse complicada, de fato não era. Já cheguei a fazer seis cirurgias desta em um plantão, eu não podia me deixar errar então apenas tentava não pensar nos fatos que me deixariam profundamente instável para qualquer procedimento cirúrgico. Tento não pensar nisso então apenas balanço a cabeça respirando novamente fundo, deixando o ar sair desta vez mais leve. Rondas, correria, muito pouco tempo de almoço, eram quase 11 horas quando já me preparava para a cirurgia,deixo meu celular com a enfermeira que sempre ficava ali fora cuidando de pequenos detalhes e avisando se alguém precisasse de algo e entro na sala de desinfecção, faço a higiene cuidadosa como sempre porém minha cabeça começa a viajar. Estou do nada em um looping que me faz sentir um pouco tonta e sou levada até o dia 20 de abril, não fazia tanto tempo assim, o que tornava as lembranças mais nítidas, estava ali naquela sala quando a senhora Smithss perdia os batimentos inexplicavelmente, não queria repetir esse procedimento hoje, mas precisava. Eu precisava ser forte. Coloco minha mascara caminhando até o centro cirúrgico quando sou avisada pela enfermeira que meu ex enviou uma mensagem pelo Hex dizendo que buscaria meu filho em casa as 5 da tarde e que eu nunca mais o veria. Peço um tempo para a equipe e tiro minha mascara e luvas saindo do local estéril caminhando para fora, eu precisava de apenas 10 minutos para encontrar ele e resolver isso tudo, afinal, estávamos no mesmo hospital. Saio correndo até a área pediátrica a procura de Bernardo, precisava achar aquele desgraçado, ele não deveria ter dito aquelas palavras, mas sabia que eram apenas para me irritar e conseguiu. Procuro em todos os cantos e recebo a notícia de que o mesmo havia sido demitido. Só podia ser brincadeira que eu não o acharia ali, confiro a tela do celular, se tudo desse certo até as 3 da tarde eu poderia ir para casa, afinal a cirurgia dura em média uma hora apenas, eu conseguiria estar em casa antes que aquele idiota aparecesse lá incomodar. Ouço meu nome ser chamado para a sala de cirurgia e respiro fundo repetindo baixo que tudo daria certo. Envio uma mensagem para Roxy apenas dizendo que não deixasse ninguém entrar em casa. Volto para a sala de cirurgia, o relógio marcava algo perto das onze e meia, posso dizer que a partir desse momento minha vida está como um borrão? Acho que sim. Meu estomago doía quando entrei naquela sala, não sabia o que estava acontecendo. Eu apenas estava nervosa, pelo procedimento, por Gael, por eu estar aonde eu precisava e não aonde eu queria, me sentia uma falha. P.O.V  Cindy (Médica interna) Nunca havia visto Millie tão abalada com algo, ela não era alguém que se abalava fácil, mas quem estava fazendo isso, sabia que Gael era seu maior ponto fraco. Era quase meio dia, eu estava na portaria quando vi o senhor Smiths adentrar no estabelecimento, sabia que ele havia aberto um processo contra nosso hospital pela morte da esposa e que hoje teria uma reunião então ele tinha acesso liberado ao local. Ele parecia abalado e nervoso, mas acho que isso é compreensível, ele perdeu a esposa, não tinha filhos. Isso deveria estar mexendo com a mente dele, esperava que a diretora o encaminhasse para acompanhamento psicológico. Beliscava ali meu almoço quando fui chamada para ajudar com uma emergência, saio correndo indo até a parte de enfermaria daquele corredor e começo a procurar as coisas que sabia que iria necessitar após ter ouvido falar sobre um paciente sangrando devido a uma facada. Procurava tudo muito rapidamente, sabia que não tinha tempo para desperdiçar, quando ouço a voz do senhor Smiths me perguntando sobre Milena, não consigo pensar onde ela estava então respondo qualquer coisa e peço licença. Assim que me viro de costas sinto algo quente me atingir após um barulho alto. Foi assim, que vi minha vida acabar, sentia o sangue esguichar ao longe sujando a parede, eu tinha sido baleada. Meus olhos começam a pesar e meu corpo caído ao chão ainda recebe um forte chute do cara que sai correndo em direção das escadas. Minha mente já não podia mais pensar em nada, via meu corpo deitado ao chão como se eu voasse, não podia acreditar, eu estava morta.

P.O.V Senhor Smiths (o atirador) Minha mente estava atordoada a dias, eu só conseguia ver Adeline em todos os lugares, ela fazia falta, ela fazia muita falta. Mas eu iria ter minha vingança, eu ia. Esperava ansioso o dia da reunião estupida que o hospital marcou para tentar me convencer a não processar eles pela morte da minha esposa, sabia que eles iriam tentar me convencer que foi algo natural, mas não foi. Deixaram uma mera criança operar minha esposa enquanto afirmavam que ela é a melhor cirurgiã cardio-toráxica de toda a Inglaterra. Blasfêmia. Ela deixou minha esposa sem vida em um procedimento simples, mas ela iria pagar, ela ia sofrer tudo que eu estava a sofrer, esse era meu único objetivo, fazer Milena Archeor sofrer o que eu estava sofrendo. Carrego minha arma a levando escondida em minha jaqueta, entro no carro indo até o hospital o estacionando não muito longe da entrada. Essa reunião estúpida veio a calhar, consigo entrar sem ninguém me impedir. Caminho até a escolinha do hospital na procura da criança que havia nascido daquela assassina, mas alguém me diz que naquele dia ela não havia trazido o garoto para o hospital. Droga, isso dificultava meus planos, mas eu não ia recuar. Vejo uma interna entrar na parte de suprimentos e a sigo, eu iria mesmo me vingar na própria Milena, não era o ideal, mas era o que eu podia fazer. Pergunto para a interna ali aonde encontraria a médica e na falta de respostas tiro a arma atirando contra a mesma a vendo cair e derramar seu sangue sujando a parede então sigo pelos corredores andando naturalmente enquanto um sinal de alerta é emitido, porém não ligo para essas bobagens, eu iria achá-la nem que isso fosse a última coisa da minha vida. Entro em alguns quartos e assim que vejo outro médico e lembro que este estava na sala aquele dia atiro, sem pensar duas vezes vendo o corpo do mesmo cair sobre uma paciente que começa a gritar, sigo meu caminho até encontrar um quadro branco, quadro de cirurgias do hospital e ali o nome daquela desgraçada, como ela podia simplesmente seguir fazendo essas cirurgias? Sala a2, tento memorizar o local, continuo andando em direção ao local que as placas apontavam. Acho que podia sentir a fúria e a sede por sangue aumentar conforme andava. Uma mulher tenta me impedir de entrar na ala cirúrgica então apenas atiro na cabeça da mesma, seu corpo cai bloqueando a porta e o chuto fazendo com que saísse da frente. Sigo meu caminho sentindo uma leve tontura e posso ver de longe Adeline sorrir, eu poderia estar ficando louco, mas eu via ela no fundo do corredor, me pedindo que seguisse ela, mas meus olhos me distraem assim que vejo a silhueta feminina a qual procurava. Estava ali, Milena Archeor e bem para minha grande surpresa sua mãe, mudava de planos naquela hora, queria ver o sangue da mãe dela escorrer por aquele chão branco, não foi o do filho, mas ela sofreria por perder sua mãe, ela iria me pagar a morte de Adeline.

P.O.V Millie

“Não se aproxime muito é escuro aqui dentro é onde meus demônios se escondem”

Começo a cirurgia sem imaginar que o mundo caía fora daquela sala, senhor Smith seguia em direção a ao andar de cima do hospital, perguntando por mim, atirando em uma paciente e uma enfermeira. Ele seguia a passos largos sem que eu pudesse ao menos imaginar que tudo isso estava acontecendo. Vejo minha mãe passar pela porta da sala de cirurgia o que começava a me trazer paz. Era uma esperança de que eu conseguiria fazer aquilo com perfeição. Ela se aproxima toda equipada para ajudar, embora aquela não fosse a especialidade dela, ela amava dividir o centro cirúrgico comigo sempre que podia. Queria tocar no assunto do Gael, mas sabia que ali não era hora e nem lugar. Já havia começado a cirurgia quando escuto um barulho forte como se fosse um tiro e olho para a janela da área estéril vendo algo estranho, senhor Smiths estava ali fora e logo entrava sem nenhum empecilho para a sala de cirurgia apontando uma arma para minha mãe, eu não entendi direito o que estava acontecendo, minha ficha demora a cair até que mais um flashback toma instantaneamente minha memoria, senhor Smith caindo ao chão de joelhos chorando ao saber que sua amada esposa não havia resistido, ele disse que se vingaria daquilo, mas eu jamais imaginei que ele pudesse mesmo fazer algo. Então estávamos ali, volto a mim quando o mesmo grita dizendo que ia se vingar de mim fazendo eu perder quem eu mais amava e que se não fosse naquela sala, seria com alguém que ele iria encontrar fora. Ele não podia estar falando sobre Gael, não. Me recuso a acreditar que ele estava mesmo citando meu bebê como uma vingança enquanto mantinha a arma mirada em minha mãe que tentava manter a calma e operar a paciente. Senhor Smith gritava que se não nos afastássemos da mesa, ele mataria a todos. Ele queria me fazer sentir na pele a dor que ele sentiu ao perder sua amada, eu sabia disso. Respiro fundo tentando me concentrar em como faria para salvar a todos, salvar a paciente e não deixar senhor Smiths ferir ninguém. Me jogo em frente a minha mãe deixando um grito sair de minha garganta enquanto fazia sinal para que os enfermeiros saíssem. Amélia suturava o peito da paciente mesmo sem termos mexido nele, senhor Smiths gritava para que ela parasse e então atirava para cima. Respiro novamente e falo de forma clara para que ele soubesse o que ele realmente deveria fazer.

- Atira em mim, o senhor quer justiça não é? Sua esposa morreu, mas você não precisa deixar mais ninguém sofrer a não ser eu, atira em mim. Você precisa descontar em quem teve culpa e não em quem nem estava aqui naquele momento. Eram minhas mãos naquela cirurgia, era minha habilidade, nada mais justo que eu ser seu olho por olho Mordia meus lábios tentando não chorar enquanto minha mãe mantinha seu olhar na paciente terminando de fechar a mesma. Dou dois passos para que se atirasse não pegasse nelas em nenhum momento então sussurro baixo olhando para minha mãe ali em minha frente -Não deixa o Gael esquecer que a mãe dele o amava mais que tudo e pede desculpa pra ele Fecho meu olhar sentindo a arma dele encostar em minha pele, sabia que aquele seria meu fim. Começo a rezar baixinho pedindo a Deus que me protegesse, que eu ainda pudesse cuidar de meu filho e ser instrumento da palavra dele, sussurrava baixinho -Senhor, eu nunca duvidei de seus ensinamentos e nem de suas palavras, não falte a mim enquanto estou aqui precisando do senhor, mas se for da tua vontade que eu parta, apenas faz Gael ficar bem... O buraco quente atravessa meu abdômen me fazendo cair de joelhos no chão sentindo dor e logo sinto outro tiro atravessar meu crânio. Sentia meu corpo contra o chão o que me fazia sair do corpo sentindo flutuar, uma luz muito forte me puxa e eu já não via meu corpo, uma presença como se fosse um abraço me acolhe. Eu já não sei mais aonde estou, mas me sinto bem ali.

 P.O.V Amélia Shepherd

 Tentava manter minha calma com toda mesmo com o momento que acontecia, eu não ligava que aquele homem atirasse em mim, não ligava, só queria manter minha filha e a paciente que estava ali bem. Milena a era impulsiva demais e de certa forma não me surpreende sua ação de se jogar em frente ao atirador gritando para que atirasse nela. Mas ele não podia atirar, era minha criança ali e um brutamonte achando que poderia ter justiça fazendo algo errado. Escondo o bisturi tentando me aproximar dele, mas me assusto ouvindo um disparo e vejo Millie cair no chão o que me deixa totalmente sem estruturas. Solto um grito vendo outro disparo sair atingindo a médica novamente. Corro com o bisturi na mão e acabo gravando na mão dele fazendo soltar a arma. Não sei como, consigo tomar posse do artefato e me afasto mirando para o cara em minha frente. Eu precisava deter ele, eu precisava salvar minha pequena. Minhas mãos tremiam demais então vou andando de costas devagar atirando na perna dele, não tinha coragem para atirar em outro lugar. O homem cai urrando de dor e começo a gritar pedindo socorro. Vejo vários médicos invadirem a sala a2 aonde estávamos. Dois deles seguravam senhor Smith o carregando para fora. Solto a arma em meio ao corredor e saio correndo vendo o sangue da jovem no chão e vários médicos a carregarem com cuidado. A diretora também chega ali correndo e me impede de seguir eles, enquanto eu só queria ficar próxima de minha filha. Olho o relógio que já marcava 2 horas da tarde e suspiro ao ser puxada pela superior até sua sala me obrigando a tomar um chá. Eu não conseguia raciocinar direito, eu precisava fazer algo. Eu não podia ver minha filha ali e não saber como ela estava. Começo a caminhar de um lado para o outro inquieta esperando o tempo passar, já marcava quase 5 horas quando alguém aparece ali para me dar a noticia de que a cirurgia não havia acabado, mas que nenhum dos tiros tinham sido fatais, porém ainda não havia acabado e tudo poderia ter fortes sequelas. A policia dominava a totalidade do hospital naquela altura. Tentava falar com Link, mas não conseguia discar o numero e dizer o que estava acontecendo, então apenas encarava a tela tentando fazer o tempo passar mais rápido.

 P.O.V Roxy

Era perto das onze horas quando recebia uma mensagem de Miliie avisando que não deveria abrir a porta e deixar Gael ir com ninguém, achei um tanto estranho isso, mas não questionei, sua mensagem parecia de alguém que estava escrevendo com muita pressa. Alimentei Gael e já era perto das 5 da tarde quando ouço barulhos vindo da porta, um homem dizendo ser pai de Gael estava ali e me empurra dizendo que iria levar a criança, fico sem reação, mas faço a rápida ligação entre o que ela havia dito e aquela ação do homem, ele caminhava com passos largos em direção ao quarto do pequeno, suspiro baixo tentando pensar o que fazer, mas o cara era o dobro do meu tamanho, seria difícil lutar contra ele. Escuto Gael chorar enquanto o cara tentava pegar ele no colo. Precisava agir e tinha que ser naquele momento que via o homem de costas em minha frente, pego o abajur do quarto tacando na cabeça do mesmo que cai ao chão desacordado, arrasto o mesmo para fora do apartamento com um pouco de dificuldade e rezo para que ele não acorde antes que eu e Gael estejamos em minha casa. Pego Gael e algumas roupas chaveando a porta, desço até em frente ao prédio pelo elevador não demorando muito, coloco o pequeno dentro do carro prendendo com o cinto mesmo sem cadeirinha e dou partida andando rápido em direção a minha casa. Assim que estaciono e entro trancando a porta pego o celular tentando ligar para Milena, nada da mesma atender, abro a mochila de escola dele que era a primeira que havia encontrado para pegar algumas roupas e encontro um numero que parecia ser da avó do pequeno. Ligo para este e uma voz chorosa atende, a mulher parecia nervosa, mas consigo apenas entender alguns balbuciar dela dizendo que a moça estava em uma cirurgia e algo com tiroteio, a voz dela era trêmula demais para que eu entendesse qualquer coisa que a mesma falava. Então decido esperar, já havia mandado mensagem para o Hex de Millie. Ligo a televisão me deparando com a noticia de que um tiroteio no hospital havia deixado várias pessoas feridas, entre elas Milena. Abraço o pequeno apertado suspirando baixo, pego novamente o celular enviando uma mensagem para o numero da avó dizendo apenas “Aqui é a moça que está cuidando do Gael, ele está bem, estamos seguros, cuida da Millie”. Tento manter a calma antes de fazer algo enquanto via o pequeno pegar no sono em meus braços enquanto eu desejava baixo que a mãe do mesmo estivesse bem.

 P.O.V Amélia Shepherd

Uma moça me ligou falando algo de Gael que eu não entendi, tentava focar na Millie e até esqueci do pequeno por um instante. Meu celular vibra novamente e uma mensagem da mesma moça me informava que Gael está bem e em segurança, respiro aliviada uma vez quando vejo os médicos virem em minha direção, eu conhecia a cara que os mesmos faziam, eu fazia aquela cara quando as coisas não tinham ido tão bem, eles se aproximam de mim dizendo que tinham conseguido controlar os sangramentos dela e que agora ela estava sedada, porém eles não podiam precisar o quanto seu cérebro poderia ter sido afetado uma vez que algum sangue se espalhou por ali fazendo o mesmo inchar. Me levam até a UTI, mas eu não podia passar por aquela porta, não podia ver minha pequena Milena ali daquele jeito, então saio correndo, corro para fora do hospital deixando meu choro sair e juntamente com ele tudo que havia almoçado. Eu precisava ser forte, mas naquele momento eu não conseguia ser.

 10/05/2020 P.O.V Millie Abria meus olhos devagar sentindo dor em minha cabeça, parecia que eu havia sido atropelada por um caminhão, mexo minha mão devagar e me engasgo sentindo o tubo em minha garganta, ouço uma voz familiar chamar a medica assim que me ve acordada. Fecho meus olhos de novo esperando que removessem aqueles fios e tubos de mim e volto a abrir os olhos bem devagar vendo o contorno da bela moça ali ao meu lado, não a conhecia, mas ela tinha um belo sorriso largo, parecia feliz em me ver, então sorrio de volta sentindo minha garganta arder. Minha cabeça parecia um pouco zoada e balbucio baixo chamando por Gael enquanto a moça segurava minha mão acariciando devagar me dizendo que estava tudo bem. Era estranho, ela parecia muito me conhecer, mas não fazia ideia de quem ela era. Balbucio o nome Bernardo me encolhendo de medo, ele era mal, eu sabia disso. Deslizo minha mão solta procurando minha barriga de grávida e ficava confusa ao não achar. -Quem é você? Pergunto olhando a moça vendo o sorriso da mesma morrer enquanto ela me olhava -Você sabe onde está o bebê que estava na minha barriga? Ele nasceu? Tento procurar um bercinho de recém nascido pelo quarto quando os médicos chegam me fazendo muitas perguntas sobre se eu sabia que dia era então respondo 15 de maio de 2019. Sim, minha mente tinha apagado tudo que havia acontecido na minha vida durante um ano inteiro, agora eu era apenas um fragmento de pessoa tentando lembrar quem é a moça do sorriso lindo que me fazia querer esquecer do mundo.

#task

[lesser-known-composers]

Andrei Golovin (b.1950) - Canzone for Cello & String Orchestra ·

Alexander Rudin, cello & Orchestra: Musica Viva

#Andrei Golovin #classical music #Youtube

[chez-mimich]

LEONARDO BOLGERI E ARARAT ENSEMBLE ORCHESTRA

“La popolazione vuole la pace” di Victor Jara, è il pezzo che apre il concerto di “Novara Jazz”, presso lo Spazio Nòva (Ex Caserma Passalacqua), dell’Ararat Ensemble Orchestra diretta dal musicista cileno Leonardo Bolgeri, un pezzo che anche in queste settimane risuona nel Cile devastato dalla crisi e sconvolto dalla repressione, come all’inizio degli anni Settanta. Per chi ricorda quell’anno horribilis, il 1973 a Santiago del Cile, la sola evocazione di Victor Jara provoca una grande emozione, soprattutto quando Leonardo Bolgeri fa cenno alle torture, cui i militari di Pinochet sottoposero il grande musicista cileno tagliandogli le dita delle mani. Il progetto di musiche latino-americane dell’Ararat Ensemble Orchestra, questa sera, aggiunge qualcosa in più, alle tante suggestioni già presenti nei precedenti concerti, ma chi pensasse alla riesumazione degli Inti Illimani non coglierebbe nel segno, perché la musica dell’Ensemble è tutt’altra cosa: evocatrice, ma non nostalgica, viva e promettente senza concessioni al “già sentito”, fatta di sconfinamenti e di novità, di mescolanze e di tradizione e, naturalmente, di contaminazioni, come è ovvio che sia. Qualche misurata incursione nella sperimentazione è affidata al contrabbasso di Enzo Orlandi seguito dal pianoforte di Arata, ma a riportarci nel clima della musica etnica e popolare è la fisarmonica universale di Piero Geymonat Certo qui c’è una suggestiva combinazione di sonorità che spaziano da Gardel alla musica andina, ma gli stessi ingredienti magicamente miscelati portano a sapori musicali completamente diversi. La registrazione radiofonica delle parole di Salvador Allende risuona, mentre l’Ensemble si cala e fa calare il pubblico nell’inquietante clima di quei giorni. Ma da questa inquietudine sonora scaturisce, dalle note del piano di Nicola Arata, una melodia nuova, toccante, lirica. Come la musica riesca a farci passare dall’inquietudine alla speranza è qualcosa che nessuno riuscirà a spiegare. C’è posto anche per le memorabili parole di Ernesto “Che” Guevara all’ONU, in questo strabiliante mélange latinoamericano. Ma naturalmente non c’è spazio solo per l’evocazione, c’è, dietro tutto ciò, una ricerca musicale vera, anche se l’imprimatur etnico-popolare fa di questo magnifico Ensemble quanto di più interessante è dato trovare nella scena jazz-folk italiana di oggi. Quando la voce ferma e dolente di Salvador Allende si tace e la musica trascolora in ritmi vagamente argentini, sarà anche per il fascino dell’ex caserma, utilizzata per la musica, con la sua architettura sparatana, le vecchie vetrate, gli arredi un po’ scombinati, per un momento invece che alla Caserma Passalacqua di Novara sembra di essere in qualche Milonga di Boedo. L’Ararat Ensemble Orchestra comprende, oltre che Leonardo Bolgeri alla direzione Michele Branzoli (flauto), Piero Geymonat (fisarmonica), Joana Bicoku (violino), Martina Intiso (clarinetto), Filippo Daccaro (tastiere, sinth), Marta Cametti (tastiere, elettronica), Fabio Dotti (basso elettrico), Enzo Orlandi (contrabbasso), Fabrizio Buttò (percussioni), Salvatore Alberghina (batteria), Nicola Arata (pianoforte). Grandissimo concerto che scalda il cuore di questa gelida notte di gennaio.

#aratat ensemble orchestra #leonardo bolgeri #novara jazz 2020 #jazz #musica

[lamilanomagazine]

Milano. Torna dal 21 Giugno "Estate al Castello": sul palco concerti e spettacoli fino all'8 Settembre

Milano. Torna dal 21 Giugno "Estate al Castello": sul palco concerti e spettacoli fino all'8 Settembre. Milano, 15 aprile 2024 – Partirà il 21 giugno la nuova stagione di "Estate al Castello", la rassegna di spettacoli live promossa e coordinata dal Comune di Milano nell'ambito del palinsesto "Milano è Viva", anche quest'anno sul palco del Cortile delle Armi del Castello Sforzesco con 71 spettacoli live, dal 21 giugno all'8 settembre. Con diversi appuntamenti gratuiti e molti a prezzo calmierato (con ingresso inferiore o uguale a 15 euro), la rassegna anche quest'anno può contare su una platea di 2300 posti, che ha permesso di inserire in programma nomi di grande prestigio e richiamo dal mondo musicale italiano e internazionale come Ariete, Venerus, Margherita Vicario, Calexico, The Cinematic Orchestra, Tullio De Piscopo, Yves Tumor, Marlene Kuntz, Dente, Daniele Silvestri e Cristina Donà ma anche dal mondo della divulgazione scientifica, narrativa e comica come Mario Calabresi, Massimo Recalcati, Alessandro Bergonzoni, Arianna Porcelli Sofanov. Anche in questa edizione, "Estate al Castello" unisce in un unico calendario diverse arti performative: la musica, il teatro, la narrazione, la club culture, la danza. La rassegna, programmata quest'anno sotto la direzione artistica di Giulia Cavaliere, si aprirà il prossimo 21 giugno in occasione della Festa Internazionale della Musica con il concerto di Ariete, classe 2002 e straordinaria rivelazione sanremese del 2023 con un passato nella discografia indipendente, voce innovatrice nel panorama della musica d'autore italiana. A chiudere, in una due giorni firmata ARCI, ci saranno invece Cristina Donà e Margherita Vicario, due cantautrici di alto profilo, la prima con alle spalle una lunga storia artistica e la seconda vera e propria rivelazione degli ultimi anni, proprio in queste settimane nelle sale italiane come regista e autrice del film "Gloria!". Oltre alla musica, che ritrova anche realtà nate in città come il CPM di Franco Mussida, anche il teatro avrà grande spazio in rassegna: dai grandi teatri cittadini - come il Piccolo Teatro d'Europa, il Teatro Franco Parenti e il Teatro Carcano - fino alle tante realtà teatrali più piccole e militanti che rendono vivo quotidianamente il tessuto culturale milanese, tra cui: Manifatture Teatrali Milanesi, Compagnia Corrado D'Elia, PACTA arsenale dei teatri, Spazio Tertulliano e Atir. Accanto a queste, alcune proposte ibride, tra teatro e performance, come DRAMA, il queer cabaret più grande d'Italia, che prenderà vita al Castello Sforzesco nel weekend del Pride, il 30 giugno; oltre a numerosi talk e spazi di divulgazione con protagonisti d'eccellenza, da Mario Calabresi a Massimo Recalcati. Una precisa volontà dell'Amministrazione nella creazione del palinsesto è stata sin dal principio quella di dare spazio a realtà sociali e culturali diverse: sul palco del Castello Sforzesco ci saranno anche due spettacoli organizzati dagli operatori Opera Liquida e Le Crisalidi, che vedranno come protagonisti in scena detenuti ed ex detenuti; e poi spettacoli di danza e quelli pensati per i più piccoli, fino alle serate organizzate da un'importante realtà cittadina come Santeria - che la notte di Ferragosto darà vita al Gran Ballo di Mezza Estate in pieno stile Balera dell'Ortica al centro del Castello. Non mancheranno dj set con protagonisti di rilievo tra cui Mike Joyce degli Smiths, Venerus e Max Cooper. All'interno della rassegna troveranno inoltre spazio due veri e proprio micro-festival: due serate, il 26 e il 27 giugno, organizzate dal Festival della Bellezza e le due serate finali organizzate da ARCI.... #notizie #news #breakingnews #cronaca #politica #eventi #sport #moda Read the full article

[levysoft]

Sogno di volare — l’Italiano è la lingua della colonna sonora nel gioco delle civiltà

Il nuovo capolavoro di Sid Meier è ormai uscito da qualche giorno, Civilization VI, noto titolo di strategia a turni pubblicato da 2k Games e sviluppato da Firaxis.

Non me la sento di parlare del gioco, perché ogni sequel di Civ è sempre stupendo, mantenendo il suo stile originario, migliorando le mancanze del titolo precedente.

Chi gioca a Civilization sa che anche l’aspetto musicale per la Firaxis è fondamentale, e le colonne sonore (theme) di tutti i titoli della serie sono sempre state perfette e azzeccatissime, a dimostrazione di ciò, Baba Yetu, la traccia principale di Civilization IV è stata la prima “theme” di un videogioco a ricevere un Grammy.

Christopher Tin compone Baba Yetu, quando il suo collega di stanza a Stanford Soren Johnson gli chiede di comporre una traccia per Civilization IV, il risultato possiamo percepirlo. La traccia è stata acclamata da giocatori e critica, dando una grande spinta alla già ricca carriera di Christopher Tin.

Baba Yetu è il “padre nostro” in lingua swahili eseguita dal Soweto Gospel Choir e Royal Philharmonic Orchestra.

Da qui si evince lo spirito classico ma allo stesso tempo influenzato dal mondo di Christopher Tin, una composizione estremamente moderna dai canoni classici, capace di trasmettere un forte sentimento di unione tra i popoli. Nei commenti su Youtube alle sue opere non mancano mai frasi come “questa canzone dovrebbe essere l’inno dell’umanità”

Il quinto capitolo di Civilization viene affidato al compositore Michael Curran, Brave New World è il “theme”, una composizione altrettando meravigliosa scritta in Latino.

Christopher Tin viene scelto nuovamente da Firaxis per mettere la ciliegina sulla torta a Civ VI, componendo “Sogno di Volare”.

Su Reddit, Christopher, a ridosso dell’uscita del gioco ha aperto un thread in cui avvisava gli utenti che era stato di nuovo incaricato per il franchise di Civ. Tra le tante domande troviamo:

“Sarai incluso tra i “Great Musician” di Civ VI?”

Per chi conosce il gioco e sa di cosa sto parlando, sa che questa è una domanda geniale, simpatica e altrettanto legittima.

Mr. Tin invece risponde così: “se accadesse, non ne sarei segretamente deliziato” della serie, se succede urlerò di gioia.

Questa volta è l’italiano la lingua designata per le parole del tema principale: sogno di volare è stata scritta basandosi su alcuni testi di Leonardo Da Vinci.

L’operazione è riuscita, prima di far partire il gioco, quanti di voi si ascoltano tutta la traccia rimanendo per cinque minuti nel menu principale? Io l’ho istallato su HD invece che su SSD per rallentare il caricamento e sentirla tutta. Ehm…

I riferimenti sono tanti, da Monte Ceceri (la montagna dove Leonardo Da Vinci testò le sue invenzioni volanti) al ritornello, un adattamento della sua frase più famosa:

“Una volta che abbiate conosciuto il volo, camminerete sulla terra guardando il cielo, perché là siete stati e là desidererete tornare.”

Senza voler essere faziosi penso di poter dire con estrema franchezza che “sogno di volare” è la traccia più riuscita, è carica di significato, la composizione accompagna il testo e il messaggio arriva forte e chiaro.

E’ un inno all’uomo e ai suoi desideri, alla crescita, alla volontà e alla rivalsa dell’intelligenza.

E poi è in italiano, non per vantarci, ma abbiamo una lingua capace di esprimere dei concetti stupendi e lo dico con viva fermezza, se questo è in risultato, fatene ciò che volete.

Dopo un giorno di pausa dalla scrittura di questo pezzo mi sono chiesto se il comparto audio di un gioco sia in grado di avvicinare un non-fan della saga al gioco.

Mi sono detto che probabilmente no, ma influisce tanto sulla fanbase e di come la fanbase parlerà del titolo.

Spiego meglio: i fan di Civ sono abituati a sentire, quando avviano il gioco una traccia musicale che li lascia sempre soddisfatti, li carica e gli fa pensare: “eccolo, il buon vecchio Civ”, almeno per me è così.

Subito con gli amici si commenta di quanto sia bello il gioco e ci si dice sempre: ”anche questa volta il comparto audio è della madonna”(cit.).

Questo influisce in termini di mercato, sicuramente, perché non esiste un club di amici che giocano solo al titolo in questione, sicuramente c’è chi ama un genere, chi predilige la grafica, chi la trama, chi la giocabilità, chi la fluidità e così via. Una cosa accomuna tutti: ovvero la passione per i videogame fatti bene.

Lì entra in gioco un meccanismo commerciale, un tipo di pubblicità che fa il bello e il cattivo tempo di qualsiasi azienda fornitrice di beni e servizi: il passaparola.

Se un prodotto è amato dal cliente il cliente ne parlerà bene al punto da spingere un nuovo/vecchio cliente ad acquistare/riacquistare il prodotto, molto semplicemente.

In questo genere di giochi, molto poco movimentati, il comparto audio non fa da accompagnamento, è intrattenimento. Pensate di poter giocare a Call of Duty senza musica? Io credo di si. Se dovessi giocare a Civ senza il meraviglioso sottofondo musicale che accompagna ogni partita mi annoierei a morte, oppure ALT-TAB e youtube con playlist da 3 ore di cose ispiranti.

Un intrattenimento musicale così presente non è un vezzo in Civ, è una vera e propria necessità, e sì, decide le sorti del titolo stesso.

P.S.: ieri parlavo davanti ad una birra con un mio amico compositore (che storia conosci un compositore!) e discutevamo della musica nei videogiochi e di come sia uno dei pochi settori che prediligono la sperimentazione musicale, lasciando tantissimo spazio alla personalità del compositore, per nostra fortuna e per la fortuna di Christopher Tin, che nella vita “ha deciso di non regolarsi”(cit.). Sicuramente approfondirò il discorso.

Via https://medium.com/@andreamammarella/sogno-di-volare-litaliano-è-la-lingua-della-colonna-sonora-nel-gioco-delle-civiltà-ce50551c71dd

[throughlookinglass]

PLL: The Perfectionists • 1x01 • Pilot

Allacciate le cinture, perché Pretty Little Liars è finalmente tornato. Devo ammettere che, sebbene avessi deciso di dare una possibilità al pilot, ero molto scettica su questo spin-off e la principale ragione per cui lo aspettavo era il ritorno della nostra regina Mona Vanderwaal. Invece sono stata piacevolmente sorpresa da tutti i lati: trama, personaggi, musica, intrighi… perfino il trash è di quello gustoso e ricco come piace a noi liars.

La serie si apre con Alison che si dirige verso la Beacon Heights University per il suo nuovo impiego come TA. Appena arriva alla sua nuova dimora iniziamo a sentire scricchiolii di porte e rami che sbattono, quindi Ali va a dare un’occhiata allo scantinato buio e appena chiude la porta si trova Mona che sorride con un coltello in mano chiedendole se vuole un pezzo di torta. Buon trash non mente, appunto. Ed è qui che veniamo a sapere della situazione attuale delle nostre perfezioniste: Mona si è trasferita per un nuovo inizio dopo che le ragioni che la trattenevano a Parigi “sono scappate” – tali ragioni erano Alex Drake e Mary, gli ultimi antagonisti della serie originale. Non credo li vedremo come personaggi attivi in questo spin-off, e quindi a maggior ragione lo trovo un espediente narrativo un po’ mediocre. Forse perché non è questo ciò che sta facendo veramente Mona? Ma spostiamoci ad Alison: il suo matrimonio con Emily ha alti e bassi, le due si trovano perse a gestire la relazione che le unisce in un mondo senza A, e così Alison prende e se ne va per un po’, per capire chi vuole essere e cosa fare. Nonostante non sia mai stata una fan della Emison, ho trovato anche questa scelta un po’ forzata. Ma poco importa, perché da qui in poi la puntata risale.

Conosciamo i nuovi personaggi: Ava è una studentessa con la passione per la moda, che usa il suo canale you-tube come principale fonte di denaro dopo che i suoi genitori, che scopriamo essere in qualche modo legati al crimine, la abbandonano a se stessa. Dylan è quello intelligente del gruppo, un ragazzo omosessuale scappato dal suo piccolo paese e atterrato alla BHU grazie a una borsa di studio per il suo talento musicale. Nel pilot lo vediamo provare per un posto in un’importante orchestra. Caitlin è una ragazza sveglia (e un po’ psicotica, se posso dirlo), che non penserebbe due volte a far del male a qualcuno che ha ferito una persona a lei cara. Infine, Nolan è un membro della famiglia Hotchkiss, proprietaria della Hotchkiss technologies. Lo incontriamo intento a ricattare i suoi compagni di corso e a nascondere segreti, azioni che finiscono per costargli la vita a fine episodio - a mio grande rammarico, perché non solo è un bel figliolo ma anche un personaggio interessante di cui speravo di vedere di più, quindi ovviamente è morto. Nolan ricattava Dylan facendogli scrivere i suoi compiti perché Dylan aveva tradito il suo fidanzato Andrew con Nolan dopo che la coppia aveva deciso di andare a vivere insieme e diventare esclusiva; Nolan ricattava anche Caitlin a fingersi in una relazione con lui, minacciandola di far trapelare foto di una delle madri di Catilin, in lizza per diventare presidente degli Stati Uniti (se non ricordo male), in atteggiamenti amorosi con un uomo sconosciuto. Nolan aveva bisogno di questa finta fidanzata perché in realtà stava con Ava, relazione non approvata dalla ricca madre Claire per via della famiglia di Ava. Ci siete o avete già perso il filo?

Gli studenti incontrano Alison a lezione e discutono di “Dieci piccoli indiani” di Agatha Christie – questi dovevano leggersi un solo libro di un centinaio di pagine in tutta l’estate e c’è chi non l’ha fatto. Ma passiamo oltre. Caitlin non si dimostra contraria alla pena di morte e alla vendetta, ma mi tratterrei dal giungere a conclusioni affrettate. Alison chiede di preparare tre pagine di analisi del libro, e correggendole si accorge che Dylan ha scritto anche quelle di Ava e Nolan. Confrontandosi con loro, si offre di aiutarli come può ma resta ferrea sulla condotta disciplinare. E così, la sua vita inizia a intrecciarsi con quella degli studenti.

Alla festa di inizio anno alla mansione degli Hotchkiss, Alison incontra Claire, madre di Nolan e fondatrice della compagnia di tecnologie che si occupa di sorveglianza nel campus. I controlli sono stretti e più volte vediamo telecamere seguire gli studenti. Scopriamo poi che la sorveglianza è aumentata esponenzialmente dopo il tragico suicidio di Taylor Hotchkiss, sorella di Nolan che non riusciva più a reggere la pressione dell’università… o forse sì? Poco dopo infatti arriva uno dei più grandi colpi di scena dell’episodio: Taylor è viva e Nolan lo sa, infatti i due si incontrano in una tetra baita nel bosco per discutere qualcosa di urgente. Taylor è preoccupata, e scopriamo che tutto quello che è successo ruota intorno alla Hotchkiss technologies, che non solo sorveglia gli studenti per assicurarne la sicurezza ma li spia e manipola (notare che i computer nella foto sono tutti della BHU, quindi probabilmente anch’essi sono spiati). Non sappiamo ancora cosa abbia esattamente spinto Taylor a inscenare il suicidio, ma la trama si infittisce. Inoltre, veniamo a sapere che Taylor e Alison si somigliano molto fisicamente, e che questo potrebbe aver influito sul processo di selezione di Ali.

Tra la stretta sorveglianza, Dylan a rischio di espulsione e il dramma creato da Nolan, la situazione sembra sul punto di esplodere. “Someone is about to snap”, come dice Mona a inizio episodio, e così infatti va a finire. Nolan si incontra con una figura incappucciata sul tetto della scuola, luogo sicuro da telecamere e controlli, persona a cui dice che Taylor è viva e che bisogna fare qualcosa al più presto. Ma è davvero la persona con cui si doveva incontrare? Pochi secondi dopo, questo nuovo A lo spinge giù dal tetto, e l’episodio finisce con le ambulanze arrivate a prendere il suo cadavere.

Passiamo quindi alla parte divertente della recensione: simboli e teorie.

Prima di tutto, rispetto a Pretty Little Liars, mi sembra che i segreti e i giochi di potere tra i protagonisti siano resi più chiari fin da subito. Veniamo proiettati direttamente nella storia mentre si dispiega, crediamo che alcuni segreti portanti ci seguiranno per il resto della serie, ma poi questi sono destinati a morire con Nolan mentre un intreccio più fitto cresce, raggiungendo l’apice a fine episodio.

 Devo dire che i personaggi mi hanno lasciata positivamente sorpresa: hanno tutti luci e ombre, non ho trovato stereotipi spiacevoli (Ava, per esempio, sarebbe potuta essere la tipica HBIC ma non lo è) e anche gli attori, che sinceramente non conosco, riescono a dare alla luce una buona performance. Aspetto non irrilevante, una buona rappresentazione della LGBTQ+ community fin da subito: Alison, come sapevamo, è bisessuale, sposata e madre di due gemelli; Dylan è omosessuale e convive con il suo ragazzo, Caitlin ha due madri, di cui una candidata alla presidenza degli Stati Uniti, e Nolan, nonostante non si capisca dal primo istante (altro aspetto che ho apprezzato), è attratto sia dai maschi che dalle femmine – anche se non sono al 100% sicura del fatto che la scappatina con Dylan non sia stata solo per poterlo ricattare dopo. La rappresentazione LGBTQ+ non è accompagnata da una eguale rappresentazione delle persone di colore: la madre di Janel Parrish (Mona) è di discendenza cinese, la bellissima Sydney (Catiilin) ha madre afro-americana e padre coreo-americano, e si può supporre che una delle madri di Catilin sia di colore, ma per ora solo questo è il livello di diversity per quanto riguarda provenienza e colore della pelle. C’è da dire che la serie è solo agli inizi e i personaggi a malapena sfiorano la dozzina, quindi ci sono buone speranze che vada migliorando. Un altro apprezzamento va alla componente femminile del cast e ai ruoli di rilevanza che hanno le attrici, ma essendo uno spin-off di Pretty Little Liars non ci aspettavamo altro.

Personalmente, Nolan mi ha intrigato molto, come ho già detto, e infatti è morto, e per quanto riguarda gli altri quella che mi interessa e stuzzica di più e Ava, mentre Caitlin mi sta leggermente antipatica ma le do ampia chance di redimersi. Ho sempre amato Mona e sempre odiato Alison ma chi sa, magari in questa serie Ali mi sorprenderà (mentre continuerò a non sopportarla nell’originale). Menzione d’onore al ragazzo di Caitlin per i notevoli addominali e l’accento inglese – il fatto che venga inquadrato a fine episodio, quando una folla si riunisce intorno al cadavere di Nolan, mi fa intuire che non sia solo una comparsa.

Chi aveva capito fin da subito che Mona non parlava a se stessa ma che tutti gli specchi sono controllati alzi la mano. Bene, non sono l’unica allora. Devo ammettere che la prima volta ero un po’ preoccupata ma già quando si rivolge allo specchietto nella macchina inizia a essere chiaro. E avete notato quanto la scena in cui Alison ferma l’auto di Mona sia simile a Hanna che blocca Jenna in Pretty Little Liars? No? Sto facendo collegamenti inesistenti?

Altre scene degne di nota sono quelle con la carta da parati nella nuova casa di Ali (casa, scopriamo, dove viveva Taylor prima di fingere il suicidio). Nella prima delle due scene, Ali trova una crepa nella carta da parati e la copre con una foto della sua famiglia. A livello simbolico, il significato è chiaro: sta coprendo le crepe nella sua relazione con un’immagine felice, e l’essere andata via da casa, in modo da poter vedere le immagini (come quelle sul telefono) ma non poter vivere la relazione, l’aiuta a credere in questa fantasia. Spero davvero che la sua relazione con Emily venga trattata nella serie, anche se mi rendo conto che non sia questo il punto dello spin-off. Nella seconda scena, Ali si accorge che qualcuno ha riparato la crepa. E’ una chiara allusione al fatto che la facciano credere che tutto sia sotto controllo, che tutto vada bene (notare le parole che Claire rivolge ad Ali alla festa). Ali, spaventata, strappa la carta da parati e trova la scritta “they’re watching”, stanno osservando, scritta con quello che sembra sangue – probabilmente da Taylor. Allo sguardo sereno della foto di famiglia si oppone quello perverso delle telecamere posizionate in ogni luogo della BHU. L’episodio si conclude con la visione di una camera di controllo, in cui numerose inquadrature danno una visuale di ogni angolo del campus, un po’ in stile Black Mirror. Questo ci inquieta di sicuro, ma resta da scoprire esattamente perché questo sistema sia stato attivato. Non è solo per la sicurezza degli studenti, ma non può essere neanche solo per controllare Nolan. E se è ciò per cui Taylor ha finto il suicidio, significa che era vigente quando lei era ancora in vita. Quali sono i veri obiettivi della Hotchkiss corporation?

Infine, chi ha ucciso Nolan? E’ quello che tutti si stanno domandando. Dando un’occhiata alla scena dell’omicidio, essa inizia con Dylan, Ava e Caitlin che dopo aver parlato nel bosco di quanto più facile sarebbe se Nolan fosse morto (e di come potrebbero ucciderlo), si salutano e vanno per la loro strada. Sia Ava che Caitlin imboccano un sentiero che si perde nel buio, mentre Dylan uno ben illuminato, e ognuno di loro è inquadrato singolarmente mentre si gira e poi prosegue. Penso che il buio di Ava sia più un buio che le persone le addossano mentre lei non è veramente così, mentre mi preoccuperei di più del buio di Caitlin, che per adesso è l’unica a sembrare perfetta, visto che il segreto è quello di sua madre. Dylan cammina nella luce, forse perché è quello più innocente, quello che si sacrifica per gli altri, ma cammina a testa bassa. Nolan, sul tetto della scuola, ha il viso al buio ma la schiena sotto una forte luce: questo rappresenta il contrasto tra come lo vedono gli altri, forse, e come lui è veramente, un lato che le persone non possono conoscere. Infatti, per fare in modo che la madre non controllasse più Ava (Claire sospettava che ci fosse qualcosa tra i due) e lo lasciasse più libero, Nolan aveva dovuto tradire Ava ed essere sicuro che lei lo beccasse sul fatto, per poi lasciarla con delle parole dure e rancorose. Era l’unico modo per accertarsi che lei si separasse da lui. Nolan si gira, verso la luce, per parlare con quello che pensa essere un amico… ma è davvero chi si aspettava? E quindi questa persona aspettata lo uccide (secondo la dettagliata fantasia di Caitilin)? O è qualcun altro? Non resta che seguire la serie per scoprirlo.

Grazie per essere arrivati fino a qui, e alla prossima (se ci sarà), liars!

Francesca / twitter: @njghtlock

PS: ah sì, una delusione grande l’ho avuta. Che cavolo è questa sigla? Dopo l’iconicità di quella della serie originale mi aspettavo ben altri livelli.

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[tarditardi]

11/06 Luca Garaboni Theater Dj Set con il pianista Mosé Andrich al Teatro Comunale di Belluno. Evento a favore di WelfareDolomiti. A partire dalle 19.30...

Giovedì 11 giugno alle 19 e 30 il dj producer veneto Luca Garaboni è protagonista di un dj set in luogo simbolo della sua città, il Teatro Comunale di Belluno. Sul palco la sua house è protagonista insieme alle improvvisazioni del pianista Mosé Andrich. L'evento, che viene diffuso in streaming su www.facebook.com/djlucagaraboni, nasce dalla voglia di ripartire dalla musica e promuove donazioni a #AiutiamociBelluno, un'iniziativa di WelfareDolomiti nata per aiutare per chi sul territorio è in grave difficoltà a causa del Covid-19.

"Un grazie va al Comune di Belluno, alla Provincia,  alla Fondazione Teatri delle Dolomiti e a tutti i partner che hanno contribuito alla realizzazione di questo evento benefico", racconta Luca Garaboni, un artista italiano attivo forse più all'estero che in Italia. Da trent'anni in console, ogni estate regala come dj resident il suo sound sofisticato agli ospiti del Blue Marlin Ibiza, beach club e ristorante conosciuto  nel mondo per la qualità della sua musica. Qui spesso divide il mixer con star come Solomun, Mark Night, David Morales, Pete Tong (...). Tra l'altro, Garaboni non è nuovo a mescolare musica dal vivo e dj set, visto che ha aperto i concerti di  Tong con la sua Heritage Orchestra. "Mosé Andrich è un artista eccezionale che viene dal jazz, il nostro set è completamente improvvisato", racconta.

"Durante la primavera e l'estate vivo a Ibiza, dove mia moglie e i miei figli mi raggiungono spesso. In autunno e in inverno, invece, lavoro nel mio studio di registrazione durante la settimana, mentre nel weekend  porto la mia musica in giro per il mondo. Recentemente ho suonato tra Dubai, Mosca e in Portogallo", racconta Luca Garaboni, che è anche produttore musicale di successo ed a&r di Flashmob Records, una delle label più conosciute nell'universo elettronico internazionale. Lo scorso anno la sua "Womb", uscita su Viva Music, la label di Steve Lawler ha fatto il giro del mondo nei dj set di mille colleghi, mentre è in uscita a breve un EP in collaborazione con il leggendario Ron Carroll. Infine, "Discoland" (Flashmob Records) è stata inclusa da Albertino (m2o) nella compilation Dance Revolution 2020. "In questo periodo di stop forzato ho riscoperto la bellezza della terra in cui sono nato, anche grazie alle lunghe ore passate a fare sport nella natura. Il mio 'Theater Dj Set' è nato per dare un piccolo supporto a chi nella mia comunità è in difficoltà".

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