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VELVET (Serie de televisión 2014-2016)

Adentrándonos al mundo de la televisión, comenzamos con la serie española Velvet, donde tenemos por protagonistas a Ana Ribera, una costurera en Galerías Velvet, un referente de Alta Costura en el Madrid de 1950’ y a Alberto Márquez futuro heredero de estos almacenes, con ellos empieza la historia de amor prohibido más romántica de España.

Al ser seguidora de la serie, quedé enamorada de la historia no sólo por la trama sino por la gran puesta en escena, sin poder aguantar más busque todo la información disponible al respecto y lo que encontré no me dejo decepcionada.

Helena Sanchís es la estilista encargada de Velvet, la responsable de toda la estética del programa y quien conozca la serie estaría de acuerdo en que ha hecho su trabajo de maravilla. En una entrevista dada durante el transcurso de la serie contó que las mayores referencias de moda Velvet son diseñadores como Balenciaga, Yves Saint Laurent y Manuel Pertegaz.

Los vestuarios son un conjunto de vestidos y trajes con diseños originales de Sanchís hechos a medida (aproximadamente 200)  o alquilados de una sastrería local, también contaron con la disponibilidad de vestidos y tocados originales de la época prestados de un coleccionista londinense.

Sujetadores icónicos, fajas y pequeñas cinturas son algo imprescindible para demostrar lo más llamativo de la bella época de los 50’,  la serie no muestra una realidad del España de entonces sino más bien está enfocada a los Estados Unidos de Mad Men o Roman Holiday.

Hablando especialmente de Ana y sus vestidos, nos encontramos con líneas simples, ausencia de complementos reflejo de su personalidad sencilla pero segura de sí misma. Al comenzar la serie no podía no sentir que ya conocía a Ana de algún lugar, investigando vi que alguien hizo una comparación entre ella y Audrey Hepburn, que me sorprende no haberlo notado antes: la pequeña silueta, el flequillo de la primera temporada y ese aire de inocencia son característicos de Audrey.

En Velvet hay, sin discutir, un gran trabajo de producción hecho con la mejor calidad posible, si son amantes de la moda es una serie más que recomendada (todas las temporadas disponibles en Netflix Latinoamérica) aparte de lo estético es también muy entretenida, en especial para aquellos que amamos una buena historia de amor.

Hasta el próximo post!

#velvet #velvet serie #paula echevarria #miguel angel silvestre #blog post #costume design #Diseño de Vestuario

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STAR WARS (EPISODES: IV-V-VI)

Una de las sagas más emblemáticas de la historia concebida por el cineasta George Lucas en 1977, nos trajo una galaxia nueva totalmente distinta a nuestro pequeño mundo terrestre. La trilogía original protagonizada por Harrison Ford, Carrie Fisher y Mark Hamill rompió varios récords a la hora de su estreno, fue la película más exitosa dentro de las clasificaciones regionales G y PG,  y uno de los primeros blockbusters en la historia del cine.

Siendo una franquicia tan importante, a la hora de buscar información en la web uno se encuentra con un universo de noticias, informes y datos. Esto es por lo que a la hora de hablar del vestuario es mejor dividirlo en (al menos) dos partes, ya que todo me parece sumamente importante e interesante de recopilar.

Hablando específicamente de la trilogía original (A New Hope, The Empire Strikes Back, Return of the Jedi) estas películas tuvieron dos diseñadores trabajando en ellas, John Mollo (para las primeras dos) y luego Aggie Guerard Rodgers (para el tercer y último film).

John Mollo cuenta en una entrevista como los colores fueron fundamentales a la hora de la creación del vestuario para los films. George Lucas tenía claro que quería representar los dos lados de forma concreta, el negro sería el color de los malos y el blanco y colores sería de los buenos.

Un ejemplo claro de esto sería que en “A New Hope” los pobladores de Tatooine están todos vestidos en tonos marrón en cambio la Princesa Leia usa un conjunto en blanco porque al contrario de Luke ella es parte de un mundo tecnológico. Con C-3PO se quería demostrar que él era mucho más humano que los otros robots, por eso tiene ese color dorado y brillante.

El vestuario del personaje Han Solo en cambio fue inspirado en los pistoleros astutos de las películas occidentales, usa un blaster como un pistolero del viejo oeste, desde su remera hasta su chaleco tiene una esencia del viejo oeste, para hacerlo más original Mollo agregó una línea roja y amarilla al costado del pantalón (y no incluyo un sombrero de vaquero).  Harrison Ford es uno de los actores que sufrió menos cambios de vestuario a lo largo de las películas, cambiando solo algunos patrones pero siempre manteniendo la esencia del Capitán.

Por más que no sea relacionado con el vestuario no puedo dejar de hablar de los icónicos rodetes espaciales de la Princesa Leia, este look amados por todos (menos por Carrie Fisher) tomaba  2 horas en realizar y fue inspirado (según Lucas) por las mujeres mexicanas revolucionarias en el comienzo del siglo XX, que tiene sentido al crear un personaje muy distinto a la tradicional princesa en apuros.

Aunque según Tabea Linhard, autora de “Fearless romen in the Mexican Revolution and the Spanish Civil War” las “soldaderas” mexicanas no usaban este estilo de peinado ya que las condiciones en el campo de batalla eran duran, sin embargo el tocado tiene raíces en la tribu Hopi en Arizona, si bien no eran necesariamente rodetes, parece ser lo que más se asemeja al look de la valiente princesa.

Como siempre el vestuario cambia con el personaje a medida que este pasa por diferentes etapas, Luke Skywalker, por ejemplo, pasando de su uniforme de rebelde estándar a conjunto beige que parecería ser usado por un electricista o un mecánico cuando está en mitad de su entrenamiento Jedi, y luego de perder en la batalla contra Darth Vader donde se entera la realidad de su pasado, todo cambia, en la tercera entrega nos encontramos con un Luke lleno de ira, con una inclinación al lado oscuro (he ahí el traje negro), aprovechando esto el Emperador trata de convertirlo como hizo con su padre, pero este se niega y se declara oficialmente un caballero Jedi, en esta escena podemos notar como el traje se desabrocha y se nota el interior blanco, aludiendo al lado bueno que tiene Luke dentro a pesar de toda esa ira, lado que finalmente lo salva de convertirse al lado oscuro.

Terminando con el villano de la historia y personaje en quien se centra la historia, la amenaza en negro: Darth Vader.

 En los comienzos de la creación de Vader, estaba escrito en el guión que este cruzaba dos naves en el espacio así que se lo creo con una máscara para que pudiera respirar, no fue más adelante cuando George Lucas escribió la historia detrás del Lord Sith, su conexión con Ben Kenobi y (spoiler alert) el hecho de que es el padre de Luke como la batalla entre Obi-Wan y Vader donde este ultimo termina cayendo cerca de un volcán cuando necesitó el traje y la máscara para respirar y mantenerse con vida.

El casco tiene influencias samurái y de cascos usados por los Nazi, esto se debe a que querían lograr que la gente al ver a Vader lo relacionen con el ejército alemán para categorizarlo como villano en el primer minuto. (Yo creo que lo lograron).

La verdad este universo es increíblemente extenso y su trabajo en producción, dirección y vestuario es algo para hablar paginas y paginas, aquí solo hago una pequeña recolección de los personajes más llamativos de la saga (aunque falta mucho más) en forma de honrar este día tan especial para todos nosotros fans.

Muchas gracias por la atención,

Que la fuerza los acompañe,

Hasta el próximo post! 

#star wars #a new hope #the empire strikes back #return of the jedi #costume design #diseño de vestuario #Blog Posts #40 years of star wars

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Beauty and the Beast (2017)

Beauty and the Beast es una de las películas favoritas de Disney, la animación de hecha en 1991 hizo historia al ser el primer film animado en ser nominado a los Oscars por “Best Picture” así que cuando anunciaron que en el 2017 saldría el live action solo podías esperar que Disney se lanzara con todo para la producción de la película.

Protagonizada por Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans y Josh Gad, este film trae números musicales con las canciones que ya conocemos (y amamos) acompañado de un trabajo espectacular por parte del departamento de animación (en especial en Be Our Guest) hace que la película te transporte a esa pequeña aldea francesa en lo que presunta ser el siglo XVIII.

Pero ahora hablemos de lo importante…¡el vestuario!

La diseñadora Jacqueline Durran fue la encargada de vestir a nuestros personajes siempre llevando la película del 91 como referencia.

Empecemos por Belle…

Emma Watson describe a esta nueva Belle como alguien independiente, activa y totalmente vanguardista a lo que sería una mujer en el siglo 18, esto se puede ver reflejado desde el primer momento que la vemos en pantalla, al contrario con la versión animada podemos distinguir como su vestuario está compuesto de diferentes tipos de textiles, el vestido azul característico del comienzo mantiene la silueta del original con algunos cambios como los bolsillos externos muy llamativos (puede parecer un cinturón de herramientas) también pude notar como abajo del vestido usa lo que serian unos trousers de la época (aunque no creo que lo sean ya que las mujeres no los usaban), en los pies unas botas cómodas y útiles para cualquier tipo de situación  en vez de las delicadas bailarinas que usaba la Belle de animación, todo esto nos demuestra que esta nueva versión aunque tenga la misma historia que la anterior está modernizada a lo que sería una mujer del siglo XXI, con todas las posibilidades de realizar las mismas tareas de un hombre.

Llegando al segundo look icónico y el más conocido por el mundo, el vestido amarillo usado en la secuencia de baile con la Bestia.

Creo que nunca espere ver un vestido tanto como este, quería saber si se mantendrían fieles al diseño de la película animada o si lo cambiarían y de qué forma lo harían. Debo decir que Jacqueline Durran merece un aplauso por cómo logró re-interpretar este look tan icónico, la manera en que bailaba con Belle en la secuencia de la película formaba un balance entre la pequeña chica y la Bestia feroz e imponente.

Cuando investigue sobre el proceso de diseño descubrí que Emma Watson ayudo a idear lo que vendría a ser el vestido, querían que este se asemeje en espíritu al original para que ese vinculo continúe, buscaban que este permita a Belle moverse libremente y no sea muy pesado, está hecho de metros y metros de seda organza y tiene detalles en los finales de la falda, personalmente me encanto, es la perfecta manera de interpretar a Belle como alguien femenina y fuerte. El color también fue un gran reto para la diseñadora ya que el color no se ve de la misma manera en cámara a como se ve en la vida real así que después de tests lograron encontrar el amarillo perfecto.

La Bestia…

Dan Stevens no tuvo una aparición física en la película hasta el final (al menos una sin tanto maquillaje) pero a mi parecer es el personaje que mejor se puede diferenciar como su vestuario evoluciona con él en el transcurso de la película.

Al principio el príncipe es vanidoso y egoísta, son estas actitudes lo que lo llevan a ser hechizado por la bruja, en esta escena podemos verlo como todo un aristócrata de la época, un pequeño dato que encontré es que el saco que lleva está lleno de cristales Swarovski, ya que en el siglo 18 los hombres llevaban joyas cosidas por sus prendas, también su vestuario esta bordado en formas de animales como lobos y dragones para demostrar que esta de cierta manera en el “lado oscuro”.

Cuando este ya esta convertido en la bestia tiene un cambio radical, el vestuario acompaña al giro que toma su vida, pasa a estar maquillado y vestir un saco de cristales a usar lo que parecería una capa que bien pudo haber quitado de lo más recóndito y sucio del castillo.

Más adelante cuando Belle ya se asienta más en el castillo podemos ver a la Bestia humanizando su apariencia a la par que este se vuelve mucho más comprensivo y la historia de amor empieza

En la escena del baile la bestia esta vestido como humano de la forma en que cualquier aristócrata de la época vestiría, un dato que descubrí es que el saco que usa en esta secuencia está pintado a mano, así que lo que vemos no es un bordado o algo parecido, la diseñadora pensó que sería divertido si la bestia tuviera algo del castillo puesto, la idea es que Plumette (la sirvienta convertida en plumero) pintó su saco de manera a ayudarlo para el gran baile. Un detalle que a primera vista se pierde, pero muy importante de resaltar.

Gaston y LeFou

Gaston es el villano de la película, es el galán del pueblo que quiere casarse con Belle por el hecho de que ella es diferente y quiere apropiarse de ella como si fuera un objeto, el personaje en si no siente amor o respeto por otra persona que no sea el mismo.

Para esta caracterización conservaron el distintivo color rojo del Gaston animado, utilizándolo en todas sus escenas, el saco que lo vemos usar por primera vez está inspirado en los que se usaban en la guerra revolucionaria británica, haciéndolo parecer guerrero, usa botas negras al contrario de los demás pueblerinos (y LeFou) distinguiéndolo ya que él ha recorrido más tierras que los otros.

LeFou es el amigo (?) compañero (?) animador (?) de Gaston, alguien que lo admira y ve como superior, esto se ve reflejado en su vestuario que tiene los mismos tonos tierra de las prendas de Gaston con solo un toque de rojo (y uno muy apagado) en el moño, esto refleja que él quiere y busca ser como Gaston. En cambio cuando llegamos al final de la película, LeFou viste un saco en tono azul, contradiciendo totalmente el esquema de Gaston separándolo de él visualmente aún antes que tuviera su escena de rebeldía.

Y quien sabe, un tono azul demostrando su nueva lealtad a la Bestia y Bella quizá?  

Bueno con esto termino mi pequeño review sobre La Bella y la Bestia, honestamente quería hablar más de los vestuarios de los otros personajes, como los de la escena final cuando todos vuelven a ser humanos pero esta entrada ya se me hizo muy larga sin siquiera discutir sobre todos los vestuarios de los personajes principales.

En fin, este film me hizo transportarme en el tiempo con el magnífico trabajo en conjunto de todos los que estuvieron involucrados en el, altamente recomendado es todo lo que quieras ver en un live action!

Hasta el próximo post!

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Primer post - Qué espero lograr con este blog.

Stories over clothes es un blog que decidí crear luego de meses de querer hacerlo y no animarme, aquí espero recopilar información (como también dar mi opinión) sobre todo lo que tenga que ver con el diseño de vestuario en films y series de televisión.

Muchas personas no se dan cuenta de la importancia de este departamento en la industria cuando su rol en la cinta es tan importante como la del director, el vestuario ayuda a contar la historia de manera visual y hace que la experiencia se vuelva aún más autentica.

El vestuario también se vuelve un icono de la película en varias ocasiones, como cuando alguien piensa en My Fair Lady (1964) automáticamente lo asocia con Audrey Hepburn y el vestido blanco con detalles en negro y el majestuoso sombrero diseñados por Cecil Beaton

O cuando se habla de Kill Bill uno no puede dejar de imaginarse a Uma Thurman en el reconocido conjunto amarillo y negro.

Y así con muchas otras películas a través de los años…

En resumen el vestuario merece ser discutido y eso es lo que planeo hacer en este pequeño espacio en la web, trataré de comprometerme a dos posteos semanales, sobre una película o una serie que este viendo (y son muchas) esto lo hago de puro entretenimiento ya que es algo de lo que me gusta investigar y conocer, no soy una profesional pero espero que a alguien más le sea de agrado mis entradas.

Hasta el próximo post!

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