#Víctor Jara presente

[rice-pudding-slaps]

are you researching about pinochet's dictatorship in general, or a specific topic? It makes me sad but I'm thinking about also researching about it

Hi anon! I'm doing my thesis on Retablo de Yumbel, a play by Isidora Aguirre that talks about the Laja Massacre on 1973 under Pinochet's dictatorship. Sadly most of my sources are in Spanish, but the Rememberance and Human Rights Museum in Chile has an english page with first hand testimony and research on the topic from the 60s to present time.

If you want sources as in books, I can recommend Gabriel Salazar's books on the more historical side. But I am a literature major, and the topics that I have a special interest in are the remembrance and narratives around it, so my recommendations go more by that side

In books that are more "tellings" or fictions "Tengo miedo, Torero" (I'm afraid, my bullfighter) by Pedro Lemebel not only sheds light on the dictatorship by itself, but also on queer issues. Isabel Allende's "House of spirits" is absolutely translated and you *should* read her books. Nona Fernández's "La dimensión desconocida" (Unkown dimension) and "Space Invaders" are two of the more recognized modern books on the topic, which are fairly recent and are translated! So give them a read

If you want outright testimony "Tejas Verdes: diario de un campo de concentración en Chile" (Tejas Verdes: Diary of a concentration camp in Chile) by Hernán Valdés tells his own experience in the detention camp. Is the first testimony book about the time published in Chile and you'll find a lot of important stuff in there. Also books like "Amor, te sigo esperando" (My love, I still wait for you) is a new one about mothers and widows that are still looking for their loved ones who disappeared.

If you want theatre, Retablo de Yumbel is one of my favorite plays ever, but also "Los que van quedando en el camino" (The ones that were left behind on the road) also from Isidora Aguirre. Nona Fernández's "Liceo de Niñas" (Girl's High School), Ariel Dorfman's "La muerte y la doncella" (The death and the lady) (This one is noy only tranlsated but presented around the world. You can absolutely find a copy), and Marco Antonio de la Parra's "La puta madre" (Mother whore) are good reads, but I don't know if they're translated. Also I can recommend Juan Radrigán's work, and Jorge Díaz's.

If you want poetry, Raúl Zurita, Damiela Eltit, Nicanor Parra and Víctor Jara. I'm not much of a poetry guy, but I bet you can find a lot of their work translated.

If you look for art, the obligatory one is Miguel Lawner's "Venceremos!: Dos años en los campod de concentración de Chile" (We will win!: Two years in the concentration camps in Chile) which I know for a fact is translated to at least english and portuguese; those are the drawings that represent different scenes on Dawson Island and other camps were Lawner was. You can also look at the Rememberance and Human Rights museum in Chile with a pretty complete collection of art, both in the recognized art world and clandestine and domestic world.

If you're looking for movies, I think "NO" by Pablo Larraín is a very good watch that talks about the end of the dictatorship. Also "1976" by Manuella Martelli. Honorary mention to "Bear Story" by Gabriel Osorio for being a short film with no dialogue that also tackles the topic.

Also shot out to the series "Los 80" (The 80s), which is a chilean soap opera about a middle class family living through the dictatorship and everything that ensues. It's on Amazon Prime, tho I don't know if it's translated.

If you're looking for documentaries, I think "Colonia dignidad: Una secta alemana en el sur de Chile" (Dignidad Colony: A german cult in the south of Chile) is a very good watch. It's on Netflix and completely in english. Also "ReMastered: Massacre in the National Stadium", also on Netflix, talks about the murder of Víctor Jara (Tho there's new developments on the case). But the ultimate ones are everything that Patricio Guzmán ever did. "La Batalla de Chile" (Chile's battle) a series of 3 documentaries that tell the story of the country between 1972 and 1973 on the historical front. In the remembrance front he has "El botón de nácar" (The nacre button) about Villa Grimaldi and the Death Flights and "Nostalgia for the Light" about the Atacama desert, the concentration camp there and other searchings that were done there.

I hope this helps a bit to start. Sorry if I went a little bit overboard, and I do wish you the best researching the topic. These are all off the top of my head so I definitely forgot some important ones lol

#rice rambles

[antroposthuman]

Son los primeros minutos del lunes 11 de septiembre de 2023. Llueve copiosamente mientras escribo estas palabras. He escuchado muchas, decenas de veces, el último discurso de Salvador Allende, a lo largo de mi vida. Jamás me había conmocionado como ahora, como hoy. Quizás ese es el poder simbólico de la figura de Salvador Allende, y del proyecto político que encarnaba y lo encarnaba, la Unidad Popular.

Toda mi vida he tenido convicciones políticas fuertes. No siempre claras. Muchas veces imperfectas. Me construyo, deconstruyo y reconstruyo a medida que crezco, que aprendo, y que el tiempo y la contingencia de la materia que es mi cuerpo, y todo lo que me rodea, cambia. Siendo más joven, quizá no me sentía tan cercano. Pero la vida me hizo historiador, y la vida también me mostró que mi propia historia está íntimamente ligada a la historia de la Unidad Popular y de lo que aconteció después, el horror de la Dictadura. Y creo que eso es verdad para toda persona nacida en este país.

Por que Chile mismo está marcado a fuego, casi corroído, por la violencia, por la brutalidad, por el horror. Las generaciones anteriores, como la de aquellos que me dieron la vida, y la de aquellos que le dieron la vida a los que me la dieron a mi, cruzaron este pantano. Y lo atestiguaron: llamadas amenazantes que recibió mi padre, dirigidas a su padre; persecución y exilio forzado; perseguidos que buscaban refugio y eran escondidos por la madre de mi madre. De algunos de ellos, tiempo después, nunca se supo más. Y estas experiencias palidecen y se pierden entre tantos gritos de dolor y de auxilio de personas torturadas, de madres que buscaban a sus hijos desaparecidos, de voces acalladas cruelmente por fusiles, como la de Víctor Jara. Y, a pesar de todo, me parece increíble que cincuenta años después de que nos arrasaron, seguimos siendo capaces de crear, de imaginar y de querer construir y hacer realidad sueños como los que movieron a Allende y al proyecto de la Unidad Popular. Sí, los tiempos no son los mismos. Tampoco, necesariamente, las ideas, aunque tomemos inspiración. Pero la esperanza es la misma. Y es imperecedera.

Imperecedera como es, también, la búsqueda de justicia, de reparación por tan sangre derramada. Porque imperecederos son, también, los nombres de lxs torturadxs, lxs asesinadxs y los desaparecidxs.

Han pasado cincuenta años y creo que muchxs no nos sentimos particularmente optimistas de nuestro presente y de nuestro futuro. Pero mientras convivan esa esperanza y esa búsqueda de justicia, vamos a tener siempre la energía para encontrarnos, y no soltarnos. Como dijo Salvador, la historia es nuestra y la hacen los pueblos.

¡Honor y Gloria! ¡Verdad y Justicia! Compañero Salvador Allende presente, ahora, y siempre.

[trastornadosrevista]

La legendaria banda española Non Servium regresa a la Argentina este jueves 26 de octubre, para celebrar sus 25 años de carrera!

Non Servium la banda más influyente de punk oi! español regresa a la Argentina el próximo 26 de octubre a las 21.00 horas en “El Teatrito”, Sarmiento 1752, C.A.B.A. para celebrar sus 25 años de carrera junto a su público. La banda procedente de Móstoles presentara sus mejores himnos de hardcore/ punk oi! y gran parte de su nuevo disco “Criatura”.

Desde su formación en 1997, Non Servium ha sido una banda que ha enarbolado el rock proletario como su bandera; con letras comprometidas y una base musical acelerada, han logrado posicionarse como una de las principales formaciones dentro de este género. Originarios de España, Non Servium es una influyente banda de punk oi! que ha sido durante mucho tiempo la voz de la protesta y la rebeldía en la escena musical. Su nombre, que proviene del latín y significa "No serviré", refleja su actitud de rechazo hacia las normas y la autoridad.

Sus letras abordan temas como la lucha de clases, la opresión y la resistencia, convirtiéndose en himnos para sus seguidores y dejando una huella imborrable en el punk español, a lo largo de los años, han mantenido su lealtad a la escena punk y a sus seguidores, lo que ha contribuido a que  su influencia sea duradera. La banda es un símbolo de la resistencia y la protesta, utilizan su música como una herramienta para expresar sus opiniones y luchar por un mundo más justo.

La formación original de la banda estaba compuesta por Carlitos en la voz, José en el bajo, Alvarito en la batería, Snoker en la guitarra y Bibi en la guitarra. Juntos grabaron su primer disco, "Orgullo obrero" en 1999, que se convirtió en un clásico del punk Oi! Después de la grabación, José abandonó el grupo y fue reemplazado por el Gordo en el bajo, ex-miembro de Ignotus, esta incorporación aportó aún más potencia a los temas, especialmente en los coros. En 2002, lanzaron su segundo disco, "NSA, La santa familia", que fue aún más potente que el anterior y consolidó a la banda como una de las mejores en la escena punk/Oi! europeo.

Esto los llevó a realizar giras por todo el estado español y parte de Europa, incluyendo Italia, Francia y Suiza. En 2005, cruzaron el charco por primera vez para tocar en el estadio Víctor Jara en Chile, frente a 5.000 personas. En 2007, grabó su tercer disco, "El imperio del mal", con un sonido aún más potente y elaborado, pero sin alejarse del sonido característico de Non Servium. Durante la gira "El imperio del mal", que duró hasta 2009, recorrieron el estado español y también visitaron Praga, Bratislava, Chile, Venezuela, Marsella y Colombia. En 2010, la banda regresó con fuerza, recorriendo nuevamente varias ciudades españolas y viajando a México, donde tocaron ante más de 3000 personas en un festival que quedó en la memoria de todos los presentes.

Su cantante Carlos y el guitarrista Snoker son los dos miembros que han sido constantes desde que fundaron la banda en 1997, a lo largo de su trayectoria y con diferentes cambios de formación han grabado 8 trabajos de estudio, el último "Criatura". Y van 25 años de punk suburbial, activista, antifascista y siempre poniendo voz al más oprimido.

Entradas anticipadas disponibles a través de: - Sistema Passline

#Non Servium

[laopiniononline]

"Nano Stern Canta a Victor Jara", este sábado en Valparaíso.

Nueva publicación en https://ct2.cl/97

"Nano Stern Canta a Victor Jara", este sábado en Valparaíso.

En el año en que se cumple medio siglo del trágico fallecimiento del gran artista nacional, el cantautor Nano Stern ha hecho propio el legado de Víctor Jara con un concierto y disco de homenaje, además de una gira internacional que incluye su paso por Estados Unidos, Latinoamérica y Europa.

Se presentará en Valparaíso este sábado 05 de agosto a las 20 hrs. en el Teatro Municipal.

La elogiada producción musical del cantautor y dramaturgo nacional, podrá escucharse en vivo en distintas ciudades de Chile: Santiago, Concepción, Puerto Montt y Valparaíso durante este mes de agosto. “Nano Stern Canta a Víctor Jara”, es la primera vez que el joven cantautor dedica una producción a la obra de un solo artista. Al respecto señala que “a 50 años de su asesinato, sus canciones nos hablan con fuerza y claridad desde un Chile que se fue, pero a la vez nos permiten vislumbrar el alma de esta tierra que habitamos. Víctor Jara fue un creador de una sensibilidad extraordinaria y su poesía nunca deja de conmovernos. El disco y concierto es una búsqueda por descubrir al artista vivo a través de una lectura intimista de su obra”

Nano Stern comenzó su vida musical, apenas a los tres años, con el violín. Desde su adolescencia incursionó en el rock como integrante de diversas bandas. Hoy en día se destaca como uno de los músicos chilenos más importantes de los últimos años, reconocido transversalmente por la potencia en sus presentaciones en vivo, su talento con la guitarra, su voz poética personal y el fuerte compromiso social que está presente en su discurso. Multi instrumentista, compositor y cantautor con una fuerte influencia del cancionero popular y tradicional. Su trabajo aborda la música de raíz folklórica, el rock, el folk, el jazz, la trova y la experimentación musical. En marzo pasado, el artista recorrió Europa presentando con gran éxito este trabajo, experiencia que repetirá en Concepción, Puerto Montt, Temuco, Valdivia y Valparaíso, para después recorrer Latinoamérica visitando: Cochabamba, La Paz, Medellín, Bogotá, Montevideo y Buenos Aires.

“Nano Stern Canta a Víctor Jara” corresponde al primer registro que el cantante dedica a esta gran figura de la Nueva Canción Chilena. El disco, contiene 12 canciones de Víctor Jara interpretadas por Nano Stern en guitarra y voz, en un track list compuesto por Paloma quiero contarte, Luchín, El pimiento, Lo único que tengo, y El cigarrito, entre otras

Las entradas para este gran concierto de NANO STERN, en el Teatro Municipal de Valparaíso, este sábado 05 de agosto a las 20:00 hrs. pueden ser adquiridas en boleterías del Teatro Municipal y a través de la ticketera Ticketnet. Informaciones y Reservas se pueden solicitar al + 56 9 4259 1688

#Nano Stern #Nano Stern Canta a Victor Jara #Teatro Municipal #Valparaíso #Victor Jara

[acapulcopress]

Con respaldo federal se trabaja en proyectos importantes para Guerrero | Evelyn Salgado

» Ángel | Blanco CHILPANCINGO * 24 de enero de 2023. ) Gobierno de Guerrero

En la gestión permanente de impulsar proyectos de infraestructura para Guerrero, la gobernadora Evelyn Salgado Pineda, participó en una reunión de trabajo en Palacio Nacional con el titular de la Secretaría de Desarrollo Agrario, Territorial y Urbano (Sedatu), Román Meyer Falcón, donde reconoció el apoyo total que brinda el Gobierno de México a Guerrero para que la población tengan espacios públicos dignos y de calidad. En la reunión se dio seguimiento a los diversos proyectos que se llevan a cabo en Guerrero, así como el ejercicio de los recursos, los cuales se aplican con transparencia. Además de revisar las acciones a realizar durante el 2023 que beneficiaran a las y los guerrerenses. En el encuentro estuvieron presentes el subsecretario de Egresos de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Juan Pablo de Botton; el titular de la Secretaría de la Función Pública, Roberto Salcedo Aquino; así como la gobernadora de Quintana Roo, Mara Lezama y los gobernadores de Baja California Sur, Víctor Manuel Castro Cosío; de Sinaloa, Rubén Rocha Moya y de Oaxaca, Salomón Jara Cruz.

) Síguenos en Facebook | @AcapulcoPress Read the full article

#EvelynSalgadoPineda #GobiernodeGuerrero #RománMeyerFalcón #SecretaríadeDesarrolloAgrarioTerritorialyUrbano(Sedatu) #TerritorialyUrbano(Sedatu)

[ybpoetry]

Necropolitics

The U.S has a open wound

Instead of scars its walls

Blood is shed in these walls

Walls of hope and pain

About 500 children cross the border per day

Many are not found

The children's parents call

Beyond the wall

While their bodies remain unknown

These children maintain the will to fight and to continue to walk

Through the sonora desert

Through Baja California

Through Chihuahua and Nuevo Leon

Through drowns and heat exhaustion

This year 800 migrants have died alone

To chase after the US dream

Not the american one

America is a continent not the U.S.

Continuing to erase other cultures, countries and stories by labeling the U.S

America, dont forget its turtle island not JUST the U.S.

I honor those who fought for their land

Who fight back against the U.S. interventions

Or did you forget why so many people are trying to cross

This false border that has created a moral panic of terriorism

Through politics such as the 1823: Monroe doctrine and fake fear towards real people that are trying to survive this colonial matrix

Remember the names,

Che Guevera

Pancho Villa

en 1954: Dolores Lebron Sotomayor fought against Puerto Rico's independence from U.S. interventions

Tupac Amaru el seguando fought for his indigenous freedom from the Spanish in peru

En Chile

Salvador Allende que fue un Presidente socialista and the US completed a coup under his presidency

Víctor Lidio Jara Martínez who is a political activist as a artists and was assassinated under Pinochet dictatorship that murdered over ten thousand innocents

En Brazil

Marielle Francisco da Silva a politician and human rights activits who was murdered

En Colombia

Lucas Villa who was a student protesting and was shot 8 times

En mexico

Los 43 estudiantes desaparecidos

The United States is an addict

An addict of war

An addict of murder

An addict of power

An addict of destruction

An addict of imperialism

An addict of neocolonialism

cause they fear socialism and the betterment of our globe

Before 1798 there’s been 461 military interventions but the U.S. special operations aren't even counted for the ethnic cleansing towards our indigenous people that occurred in 1492

The past influences the present our so called latinx group denies their own indigenous roots

Due to the spaniard genocide and assimilation towards our ancestors

The military continues this genocide and assimilations towards other international countries through U.S forgein policy

Look at palestine, your U.S. taxes are supporting israelites war and imperialism

Learn the U.S. intervention history, your so called “freedom” is taken from other countries.

This is the Root causes of migration

The US has a responsibility

to provide resources

to stabilize the regions that the U.S. has destabilized so many times and YET

U.S. is

An addict of capitalism

An addict of plutonomy

An addict of production

Ad addict of exploitation

An addict of items

An addict of drugs

An addict of consumption

If you disagree with my statements, explain why products can cross borders but not people?

Explain why private property is more protected than living beings and nature? Why do corporations have more rights than our home called earth? Explain the exploitation that we witness for not fitting in the status quo of whiteness, and for not being wealthy but filthy for being low class or homeless

An addict of hierarchies such as

Class as if the homeless don’t deserve a home, as if those “low-skilled” jobs don't deserve a living wage so they stay below the poverty line

An addict of separations like borders, fences and political spaces

An addict of labels such as Ms, Mr, and she or him or “is your baby a boy or a girl?” or “where are you from?” or “Are you Mexican or middle eastern?”

An addict of enforcing social norms

Such as cisgender heteronormative, gender, race, ableism, sexuality, religion

And european beauty standards which sometimes steals from other cultures

An addict of erasure like

Different cultures, identities, sexualities, and stories

An addict of exclusion

On the disabled,undocumented, black, brown and trans communities

An addict of evidence

An addict of documentations

Because if you have no papers, you are nonexistent to the U.S. and an alien from out of space?

An addict of selfishness

An addict of individuality

An addict of white supremacy

Explain the oppression that we witness for not fitting in the status quo of whiteness

Cause if we ain’t white, its not right

#us #america #poem #poetry #addict #war #death

[whileiamdying]

“Y seguí cantando”, Canciones Censuradas e Inéditas

Mercedes Sosa fue, sin duda, la voz argentina. Durante más de cuatro décadas, ese sonido significó una síntesis. Allí estaban presentes no sólo una manera de interpretar la tradición más reciente de la canción popular fundada en el folklore rural sino la historia inmediata. Sosa, además de cantar al país, lo creó a imagen y semejanza de su repertorio. Sus discos instalaban canciones en el imaginario popular, pero, también, temas de discusión; señalaban caminos, artísticos y políticos. El ideal del “artista comprometido”, que no sólo era capaz de reflejar la realidad en su obra, sino que con ella podía influir en la sociedad, pocas veces tuvo una encarnación tan clara como en el caso de Mercedes Sosa. Esa relación de cercanía, sin embargo, también la colocó en el lugar 'de blanco preferencial de la última dictadura militar argentina y de una concepción según la cual hasta los gustos y afinidades estéticas eran territorios de batalla. A “la conjura del marxismo internacional” se la debía combatir en todos los frentes y el de la cultura fue uno de ellos, Mercedes Sosa fue, entonces, una víctima emblemática de esa guerra ideológica. No sólo debió exiliarse y sus discos de esa época debieron ser grabados en otros países, sino que las ediciones nacionales de esos registros sufrieron importantes alteraciones con respecto a cómo habían sido concebidos originalmente.

En particular, en dos de esos discos, Serenata para la Tierra de uno, de 1979, YA quién doy, publicado en 1980, las ediciones argentinas no incluían una serie de temas que, lejos de ser descartes eran, más bien, parte del núcleo estético de esas obras. En el primero de esos álbumes fueron cercenados “O Cio da Terra”, de Chico Buarque y Milton Nascimento (grabado y publicado en Brasil, en 1977, en un disco single junto a “San Vicente”, de Milton Nascimento) y tres temas registrados, como el resto del LP, en 1979 y en México; “Como la cigarra”, de María Elena Walsh, “Como un pájaro libre”, de Glejer y Reches y “Canción de las simples cosas”, de Tejada Gómez e Isella, todos con arreglos de Nicolás Brizuela y Roberto Prais. “Como un pájaro libre” volvería a ser grabado más adelante, con un arreglo levemente distinto (un solo de Brizuela en guitarra) aunque con diferencias interpretativas y esa nueva versión sería incluida en el disco de ese nombre, lanzado en 1983. También “Canción de las simples cosas” volvió a ser registrado, en este caso con el mismo arreglo, pero, también, con sustanciales diferencias en la interpretación, y la nueva grabación (realizada en Buenos Aires en lugar de México) fue parte de A quién doy, de 1980.

A quién doy, sin embargo, no corrió con una suerte mucho mejor, de su edición argentina fueron omitidos los temas que pertenecían a autores prohibidos por la dictadura a “Sueño con serpientes”, de Silvio Rodríguez; “Fuego en Anymaná”, de Tejada Gómez e Isella, y “Gente humilde”, de Chico Buarque, Garoto y Vinicius de Moraes.

Esta edición agrupa, por primera vez, estas canciones censuradas y, además, parte de las canciones que Mercedes Sosa editó en discos singles con dos temas (en Argentina recibían el nombre de simples) o EPs, con cuatro canciones (conocidos localmente como dobles), que no formaron parte de sus LPS originales, y que se completará en una colección posterior que incluirá también sus grabaciones en dúo con Horacio Guarany y César Isella y otros temas aún inéditos en CD.

“Te recuerdo Amanda”, de Víctor Jara, fue publicado en un single, en 1969, dedicado a autores chilenos y que incluía también “Gracias a la vida” de Violeta Parra, que luego fue parte de Homenaje a Violeta Parra, de 1971. “Adiós a Belgrano”, de Félix Luna y Ariel Ramírez, era parte de la banda de sonido de la película El santo de la espada, de Leopoldo Torre Von, y había sido publicado en un single de 1970, junto a “Gringa chaqueña”, también de Luna y Ramírez.

“Canción de Lejos”, de Isella y Tejada Gómez, y “Corazón” de Saúl Quiroga fueron publicados en un single de 1974 mientras que “Niño de mañana”, de Félix Luna y Graciela Yuste, “Duerme mi tripón”, de Otilio Galíndez, y “La niñez”, de Chacho Muller, formaban parte de un EP de 1975 que se completaba con “Drume negrita”, de Eliseo Grenet, posteriormente Indulto en Mercedes Sosa 76. “San Vicente”, por su parte, se había publicado en el single brasileño de 1977, ya mencionado. Reuniendo por primera vez material difícilmente conseguible, en su gran mayoría totalmente inédito en CD y, en m casos, jamás Publicado en la Argentina, esta edición reconstruye una parte esencial de la carrera de Mercedes Sosa. “Y Seguí Cantando” le devuelve a la cantante la voz que había sido silenciada

Diego Fischerman

#Argentina #Mercedes Sosa #Dictadura Militar #marxismo #Chico Buarque #Milton Nascimento #María Elena Walsh #Tejada Gómez #Vinicius de Moraes #César Isella #Horacio Guarany #Víctor Jara #Félix Luna #Ariel Ramírez #Saúl Quiroga #Graciela Yuste #Chacho Muller #Eliseo Grenet

[palabras-musica]

"Envuelvete en mi cariño, deja la vida volar, tu boca junto a mi boca paloma palomitai"

Siempre estarás presente en nuestras memorias querido Víctor.

Víctor Jara presente

Ahora y siempre...

#chile #memoria chilena #nunca dejes de luchar #victor jara #vida #frases de la vida #musica chilena #chilegram #presente #dictadura #luchar #crimem #memorias #cita de cancion #citas #citas textuales

[turismoobscuro]

Passeio noturno no Cemitério Geral

Uma maneira divertida e diferente de conhecer o Parque Histórico e Patrimonial do Cemitério Geral na região metropolitana, oferece o passeio noturno que revela as histórias de figuras históricas e populares que descansam no local.

Com três rotas diferentes, a mais solicitada é a chamada "Popular", liderada pelo corcunda "Alfred Lutos", que percorre o circuito da necrópole. Um passeio sombrio que leva os visitantes pelos pavilhões e ruas contando as histórias das animitas e depois visitando a memória de grandes artistas como Víctor Jara, Violeta Parra e Gato Alquinta, entre outros.

O circuito recomendado é o histórico:

Este circuito pode ser guiado pelo monge franciscano "Dominvm Mortvm", que dedicou sua vida para que os cemitérios leigos e a justiça social existissem com os mortos de todas as religiões e classes sociais, ou por Adelaide, uma mulher que se caracterizou por ter uma vida especial. interesse em arte e uma visão crítica da sociedade ou Liliano, trabalhador que vem do Sul e, quando chega a Santiago, torna-se zelador do pátio do cemitério; escritório altamente respeitado pelas famílias que vêm visitar seus parentes. No passeio, é visitado o setor sudeste do Centro Histórico do Cemitério, onde a história deste local, a simbologia mortuária, a arte e a arquitetura presentes, contos urbanos e lendas clássicas (crianças menores de 12 anos proibiram a entrada, de 12 a 17 anos, deve ser acompanhada por um parente ). Ponto de encontro: Acesso principal da Av. La Paz. Duração: 90 minutos. Horário de atendimento: 21:00 Estacionamento incluído.

Eu recomendo este circuito Porque eu já tive a experiência desse passeio específico e foi uma experiência que eu nunca esquecerei.

#sombrio #tour #work #chile #cemiterio #experiência #paranormal

[watchwhatyounodto]

#Repost @anticonquista ・・・ 🇨🇱 On September 28, 1932, Víctor Jara was born in San Ignacio, Chile. • • Compañero Víctor was a communist singer, songwriter, poet, teacher, theater director and revolutionary political activist. During the late 1960s and early 1970s, he became one of the most notable members of the Communist Party of Chile. • • On September 16, 1973, Víctor was brutally assassinated by the fascist Augusto Pinochet regime. This, days after the violent U.S.-backed coup against Marxist President Salvador Allende. • • • • ¡Víctor Jara Presente! ✊🏾 • • #Chile #VíctorJara #Socialism #Communism #Marxism #Leninism #Music #Art #Culture #Revolution #History #LatinAmerica #Caribbean #NuestraAmérica #MatriaGrande https://www.instagram.com/p/B32fG-9JcNh/?igshid=kl3gz8z85pyd

#repost #chile #víctorjara #socialism #communism #marxism #leninism #music #art #culture #revolution #history #latinamerica #caribbean #nuestraamérica #matriagrande

[tambu1]

😭❤️✊🇨🇱 #Repost @tomasravassacoronel with @get_repost ・・・ Víctor Jara más presente que nunca. Chile está despertando, pero algunos nunca estuvieron dormidos. 😍🤗😢 #victorjara #chiledesperto🇨🇱 #plazaitalia #nuevaconstitucion #plazaitalia #elderechodevivirenpaz (at Melbourne, Victoria, Australia) https://www.instagram.com/p/B4HhIzjAKsz/?igshid=1efmcnw2igz5l

#repost #victorjara #chiledesperto🇨🇱 #plazaitalia #nuevaconstitucion #elderechodevivirenpaz

[constanzapastor]

Alexis Moreno: “No necesito que me traten de estúpido en el teatro”

Tras el éxito de su obra Fe de Ratas, el trabajo de Teatro La María se ha vuelto en un imperdible de la escena nacional. Alexis Moreno (41), fundador, director y dramaturgo de la compañía, afirma que este triunfo se debe a que sus montajes no buscan cautivar a la audiencia ni mucho menos dar clases de moral. “Emocionar y ser paternalista es propio del mal teatro”, opina.

“Deberías estudiar teatro” le comentó un compañero de curso a Alexis tras presentar una obra para la asignatura de lenguaje. Respondió que no le gustaba, que lo encontraba aburrido y lejano, sin embargo, tras leer Edipo Rey de Sófocles, quedó fascinado. “Ahí decidí que quería estudiar teatro. Pero no sabía si era bueno, así que me metí a un taller y allí descubrí toda la preparación corporal que se necesita. De forma paralela empecé a ver muchas obras, entre ellas algunas de Raúl Osorio y Alfredo Castro”, recuerda.

Así, tras dar las pruebas de admisión, Alexis quedó en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile. Rememora con buenos ojos a su generación, la cual califica como unida y muy proactiva. “Por ejemplo, los profesores que nos hacían actuación nunca nos dirigían: uno mostraba el ejercicio y nosotros mismos nos criticábamos. También nos recomendábamos textos u obras para estudiar, y todos íbamos a leer o al teatro”, afirma.

El contexto social de ese entonces marcó profundamente sus vidas y sus estudios. “Nuestra generación era distinta. La adolescencia la vivimos entre democracia y dictadura, donde el enemigo no era tan claro. Estábamos obligados a encontrar un lugar, y esa fue la curiosidad que nos marcó”. Moreno opina que, gracias a aquello, gran parte de sus compañeros se atrevieron a conocer otras áreas del teatro más allá de la interpretación como escribir y montar. Años atrás era impensable, según él, que un recién titulado de la carrera escribiera un guion o dirigiera un montaje propio.

Incluso él empezó a escribir en primer año de carrera, sin ninguna ambición de ser dramaturgo o director. “Lo que más me sedujo del teatro era la visualidad y la corporalidad, mucho más que el texto en sí. Tener un buen guión en una obra no es tan importante en comparación con la puesta en escena de los actores y sus elementos”, dice.

Teatro La María: desafiando paradigmas

La llegada del año 2000 significó una renovación de la escena teatral. Surgen nuevas compañías y formas de ver el mundo que ponen en jaque modelos más clásicos de la profesión. La Troppa, Teatro del Fin del Siglo, Teatro de La Memoria y Teatro La María son algunas de las compañías que marcaron la escena nacional de a principios de siglo. Moreno recuerda con cariño esos años. “Nuestras primeras obras tuvieron relación con contextos que no estaban presentes en el teatro. Por ejemplo, era muy raro que se saltara la clase media: o eran montajes de grandes clásicos o historias muy marginales, entonces empezamos a trabajar por ahí”.

Tras obtener el primer lugar en el Festival de Dramaturgia y Dirección Víctor Jara, organizado por su misma casa de estudios, Teatro La María estrena su primera obra llamada “El Apocalipsis de Mi Vida”. Inspirada en diferentes mitos urbanos propios de finales de los ochenta, el montaje fue bien valorado por la crítica y catalogado como un gran ejemplo para el teatro joven chileno.

La compañía creada por Alexis Moreno y Alexandra Von Hummel experimenta con diferentes elementos, como la visualidad y el trabajo actoral, con el fin de crear una poética escénica propia. “No buscamos entregar mensajes ni premisas. El teatro no tiene que entregar moralidad, no pretendemos enseñar nada a nadie. A mí me parece que el mal teatro busca eso: ser paternalista, enseñarle al público cómo pensar. ¿Por qué yo voy a tener la superioridad moral de enseñarle a estos “ignorantes”? Lo que hacemos en nuestras obras es plantear lo que nosotros mismos nos estamos preguntando y la ignorancia sobre ciertos temas”, enfatiza.

Y así es como surgió su última trilogía: Los Millonarios (2014), El Hotel (2016) y Fe de Ratas (2018), obras que visitan miradas de país sobre diferentes temáticas nacionales, entre ellas, el conflicto mapuche y la crisis de la Iglesia católica. El primer montaje se inspira en un suceso ocurrido en La Araucanía el año 2013 y busca contrastar la visión emotiva acerca de su historia. “Cuando empecé a pensar en Los Millonarios sabía que se tenía que hablar del conflicto, pero que, al mismo tiempo, tenía que trascender del mismo. El conflicto existe por algo, y es por la hipocresía histórica del país. Ahí pensé que los protagonista de la obra tenían que ser sujetos desde el otro lado: los abogados ultrafachos que odian a los mapuche, pero que tienen que defenderlos igual porque son los dueños de Chile”, explica.

Estas obras destacan por su humor negro y por tener personajes que representan diferentes puntos de vista. Es por esto que no tienen nombres propios en el montaje ya que no buscan representar emociones ni humanidad, sino más bien las ideas que construyen nuestra sociedad.

La recepción de la audiencia ante este primer experimento fue variada: muchos rieron a carcajadas sobre cosas terribles, otros guardaron silencio tratando de comprender qué era lo que estaban viendo, algunos lloraban y otros sencillamente se paraban de su asiento y dejaban la función. Al no existir un mensaje claro por transmitir, más que largos textos y datos históricos relevantes a la causa, el público no sabía cómo responder ante un conflicto nacional que no avanza nada a pesar de los siglos.

Esa es la clave del trabajo de Moreno y de la compañía: la contradicción, el fracaso y la violencia de estos pasajes de nuestra historia, donde no todo es blanco y negro sino que se transforma constantemente. Al respecto, el dramaturgo tiene una posición clara: “no necesito que me traten de estúpido en el teatro, y a mí me pasa que en el teatro político muchas obras terminan siendo muy pasivas, panfletarias finalmente, porque terminan siendo muy puritanas”.

Emociones y sensaciones

¿Cómo se puede entender una obra artística sin las emociones? ¿Es posible abstraerse de este elemento humano para comprender una película, una pintura, un libro o una obra de teatro? Alexis opina que la emoción es limitante, engañadora, y que incluso es un término que dejó de usar a la hora de darles clases a sus estudiantes de teatro. Él habla de sensación y de instintos, relacionado más con lo animal y con el sentido de supervivencia.

“Mucha gente nos dice que no nos importa el público. No es que no nos importe, lo que pasa es que para nosotros el público es gente que está a nuestro mismo nivel o más arriba: yo me imagino a David Lynch, a las personas más secas del mundo en el público, y eso me exige que esté todo funcionando de cierta manera”, reflexiona. Cree además que la emoción es un mal del ser humano ya que se empieza a acumular en nosotros y nos deja sin reacciones físicas.

Eso no quiere decir que la emoción deba estar totalmente ausente. “Si se quiere contar una historia sencilla, funciona muy bien. Ahí está de ejemplo todo Hollywood y muchas obras también, pero me parece que el teatro no es un lugar donde uno se tenga que ir a emocionar no más, el teatro es un lugar que debiera ser más violento”, afirma.

Respecto a la escena nacional, Moreno se suma a las críticas ya conocidas de diferentes actores, actrices y trabajadores del teatro: poco financiamiento estatal a proyectos culturales en general, problemas con la selección de los Fondarts y distribución de ganancias entre las compañías y las salas.

Cuenta que del 100% de la venta de entradas para una función, 60% de las ganancias son destinadas a la compañía y el 40% a los establecimientos donde montan su trabajo, dinero que no se ve invertido en publicidad o producción. “Ellos reciben esa plata solo por haber prestado el espacio y no se preocupan de nada más, se quedan en la comodidad y no hay una apuesta verdadera. Dentro de la estructura de la creación teatral hay tanto que solucionar, pero uno hace obras todo el rato y no te da tiempo para andar peleando, entonces es cansador. Es por eso que la autogestión es la resistencia para poder trabajar tranquilo”, sentencia.

(Publicado en Arte Al Límite el 26 de diciembre del 2018)

#Teatro #Teatro La María #Teatro chileno #Chile #Fe de ratas #Alexis Moreno

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Soziedad Alkoholika años de furia contra la política del miedo

Antes de entrar en detalles, me gustaría decir (escribir) algo...  bien, algunas personas vienen a mí y me preguntan quién podría ser mi banda favorita, siempre nombre un par según la etapa que vivía, aunque nunca podré  responder a eso. La música no es tan simple; no para mí de todos modos. Las bandas que mencione, en aquél entonces o deje afuera en algún momentos, todas me proporcionan ese algo que hacen el día algo único, pero debo resaltar una que me acompañana hasta hoy: Soziedad Alkoholika, o en su abreviación S.A así es, una de las pocas bandas que he disfrutado de principio a fin desde escucharlos en cintas de cassette, cds piratas y vinilos. Su primera visita por fin vino a caer entre el público chileno el año 2006 a manos de la productora Extratours, y sí Adalberto. (Brujeria, Deicide entre otras bandas).  

Asumo que cada estado de ánimo necesita una historia diferente. Una atmósfera diferente, y una banda sonora diferente. El 2006 fue EL año. Un año además que los llevo a sentarse en el banquillo de acusados, por ciertas letras que no causaron gracia alguna en un par de ayuntamientos.

Verán, para mí la música es más que unos pocos ritmos para ponerte en un ambiente de fiesta. Y no tengo nada en contra de las fiestas ni algún dogma por el estilo, no. Es sobre el mensaje que intentan transmitir. Las emociones que ponen en ello, los años de carretera ¡La música es como una droga! Pero quizás es mi percepción o la de muchos. Lo que quiero decir es que algunas agrupaciones, ofrecen un espectáculo atronador y ésta fue la ocasión.

Si tuviera que empezar contar esta historia hoy, diría, que tal vez muchos factores influyeron en que el show no cumpliese para todos y todas con las expectativas, por un lado el recinto y la envergadura de S.A en chile (no olvidemos el cambio de local un par de días antes). Las pre ventas fueron lento debido al traspié del año 2003 donde se presentarían “por primera vez, con bombos y platillos los vascos el 13 de Junio en Estadio Víctor Jara” junto a Curasbún. El Resultado fue negativo. Negativo porque ese mismo año Sin Dios visitó chile, en un show con serios lesionados, severos desordenes y por otra parte la policía entrando a desalojar el local. (Muchos y muchas recordaran el impas de aquella fecha divida en dos días y su posterior actuación en CSO Casa Amarilla, previo conversatorio en Okupa La Marraketa) Además que siempre vivimos con la tensión de saber si comprar la entrada o no, y un sin fin de dilemas producto de shows cancelados o malogrados.

En un extenso comunicado en su sitio web, la agrupación oriunda de Vitoria, no sólo confirmaba la cancelación, sino que además, exponía: ¨que no existían ni reservas de hotel ni vuelos comprados¨. Juan S.A voz de los vascos, pedía que la gente exigiera la devolución de su dinero, pues, ellos no actuarían en chile. Saldo negativo, lo que para mi parecer concluyó con un sin fin de elementos que concuerdan con la premisa expuesta anteriormente, la tienda del portal lyon, excusados claramente en la productora  no devolvió los tickets, al menos no todos, en realidad, no los 3 míos. Y nos quedamos como tantas veces con ese sabor amargo de ese pastel que se quema en la puerta del horno.

Pero volviendo a ese verano, febrero de 2006, Lo que sería La Cúpula (Parque Ohiggins) como recinto oficial y recién renovada para eventos, se negó a exponer sus lujosos asientos a tan magno público. Generando ante esto, el cambio al siempre cumplidor, pero pequeño, Galpón Víctor Jara ubicado en frente de Plaza Brasil. He de ser honesto y debido a que muchos y muchas no sabían del cambio, llegaron a un caos que se armaba en las afueras del recinto. Unos con mucha suerte solo se perdieron algunas canciones en un recinto que no cabía un alfiler.

Entre las anécdotas, Punkora, banda que debía abrir el show no lo pudo realizar, un mal comienzo. La organización dio a entender que no requerían de  banda telonera tras el retraso en las pruebas de sonido.  De vuelta ya en el show principal la galería y cancha ya coreaba: ¨S.A S.A S.A¨ grito tan típico en sus directos. Y ahí estaban, probablemente todos y todas, cantando sobre política y odiando a la sociedad de tal manera que sientes que no perteneces a ella. Por otra parte Soziedad Alkoholika descargo a su paso un set impecable, que me recordó mucho a su Cd en vivo: Zuzen directo, más alguna joya como Automarginao´ en el set.  

Lo de Soziedad musicalmente es un gesto revolucionario, basta escuchar desde su primera placa, hasta su reciente y último material. Es un enfoque que se adapta perfectamente a ellos, en parte porque tienen un catálogo lo suficientemente grande como para que funcione, pero también porque las letras de, Juan SA, han adquirido una feroz ventaja política prediciendo incluso actos propios del ser humano.

Como dato rosa, la agrupación extrajo material para el cd dvd: Corrosiva.  Pese a verse sobrepasado el extinto Galpón Victor Jara, el saldo que pudo dejar no fue más que sobresaliente en cuanto a recepción y la agrupación en escena. 

Año de prohibiciones

El mismo año que nos visitaban por primera vez también se sentaban en el estrado por: ”enaltecimiento del terrorismo, apoyo a la ETA entre otros cargos de los cuáles saldrían sin culpa alguna” El País Vasco tiene grandes zonas industriales, y la crisis económica de fines de los ‘90 había dejado desempleados a muchos jóvenes que levantaron banderas del “no future” (o mejor “que aquí no hay futuro, tío”). Internamente, la banda también tiene diversas opiniones políticas, y tal vez de allí venga su postura de declarar la voluntad de elegir la forma de gobierno de los pueblos, antes que declararse abiertamente independentistas.

Pese a la grata estadía de S.A el año 2006, la banda quizo probar suerte con otro colectivo en la organización. Año 2008 era el año de la Mala Sangre Producido y grabado por el mismísimo JimmySA en Estudio Uno de Madrid y Editado por el reconocido sello, Roadrunner Records filial España. Del que si tenemos que decir algo es que a estas alturas del partido y la agrupación cantando en castellano, no tendrían mucha más repercusión que la fama que precede a Road a nivel internacional. La migración de la música a las redes, solo era cosa de tiempo.

Pese a que por razones desconocidas o más bien porque nunca pude acceder al recinto ubicado en San Miguel, claramente no vi a la banda en esa ocasión comentarios de pasillo no dejaban de comentar temas de amplificación, algún dinero, transporte... que expongo a modo de cotilleo, pues claramente no estuve presente y no es más de lo que te cuenta algún colega. Como vivencia respecto al recinto ubicado cerca de la carretera a la altura de San Miguel puedo decir que la policía no estuvo ausente cuando se presentó Jerry Only y Misfits junto a Dos minutos, llenando de gases lacrimógenos toda la calle, esparciendo hacia Gran Avenida a toda la gente por donde venía otra turba de policías y mas crestas. Al interior ni bandas ni la mismísima gente lo pasó mejor. 

La gracia del gas no hizo otra cosa que inundar el recinto por ventanas en la parte superior del gimnasio, impidiendo de cierta forma poder cantar tocar o disfrutar en buena forma sin lo que estos gases y abuso representa. Como bien decía, no presencie el show en el que además estuvo La miseria de tu rostro y unos conocidos del la Marraketa, Terror Policial junto a Soziedad Alkoholika. De cualquier forma alzarse frente a un telón austero y con lo que representó sacar adelante la fecha no es menor. 

¨Buenas noches vamos a pasarlo bien eh¨ 

Pero mi revancha volvería el jueves 15 de octubre en el Club Cadilac, ubicado en Av. Blanco Encalada año 2009 el show correcto como es habitual, fue abierto por los locales Monjas Con Atraso. Muy bueno lo de MCA la performance de Rigo Moreno, es netamente de quienes se han parado en escena hacce años y mejor el perfil más orientado al metal con ese punk, thrash, un sonido indefinible que adquiría Soziedad, sin dejar de lado sus irrenunciables himnos de protesta contra la  censura por parte de ayuntamientos que cancelaron sus conciertos, sería el último show en tierras latinoamericanas del batería, Roberto Castresana, con sobre un cuatro de siglo junto a la agrupación vasca. Una lesión al hombro debido a malas posturas en su forma de ejecutar le impidió seguir, “tras dos años de terapias en distintos sitios y con distintos médicos, quedó claro que la lesión no se iba a curar en un plazo corto de tiempo, así que decidí hablar con el resto del grupo y contarles mi decisión de dejarlo para que ellos pudieran seguir adelante.” Comenta Roberto en una entrevista de aquellos años (lamentable, pues imprimió un sello único en los discos con su forma de tocar) además la noche permitió presentar la inclusión de un nuevo guitarrista. 

“De puta madre, estamos bien contentos de estar aquí otra vez, ya había ganas", aclaraba y sentenciaba la oración con "vamos a echar una canción contra el racismo, contra los nazis, Santiago antifascista" para ir cerrando aquella noche los fosos de Mosh que giran en erupción durante la diatriba de  “Ariel Ultra”. 

Punk Rock Festival, penúltima versión

19 Abril 2015  en Club hípico S.A hizo lo que mejor sabe hacer: riffs, rabia y algunos clásicos en el poco tiempo que estuvieron en escena. Una costumbre en festivales a lo largo y ancho del mundo, pero tal vez no para chile. Quienes junto a Ratos de Poraos otros en el cartel marcaron actuaciones notables en la tarde de aquella velada y quienes estuvieron ahí, lo pudieron comprobar.

Tras los trabajos con Tue Madsen, los de Vitoria vuelven una y otra vez, se re definen a sí mismos y su sonido, juegan con determinadas piezas de velocidad, metal y uno que otro gancho que acierta, pero al final siempre son ellos mismos. La formación en torno al talentoso cantante Juan SA pierde armonías de antaño, entre los gritos actuales, y si hay algo que extraño realmente, son esas simples melodías vocales.

¿Pero por qué Punk Rock festival mutaría en otro festival tras la versión cinco? pese a diversos comunicados y desconocidas causas. Mosh festival como sucesor no logro llevarse a cabo. La historia y demandas es conocida por varios.

No se como terminar esta experiencia; desde que quede mirando fijo esa S y A dentro de un circulo colgado con alfileres en el morral de un punk en algún autobus en mi largo deambular a la zona sur, pero fue ese icónico logo que de buenas a primeras capturo mi atención. Sin embargo quiero aclarar que ha sido una constante evolución sonora: te diré que mi mundo musical cambió drásticamente. Aunque no tanto para olvidar detalles. Lo que una vez pensé que era genial ahora parece algo trillado y todo se expandió desde entonces. 

Hoy, ahora, me encontré retrocediendo en el tiempo y disfrutando cosas de épocas anteriores y lo único cierto es que jamás me arrepentiré de ello. Una vez preguntaron a la agrupación en alguna revista  ¿Qué les llamó la atención de tocar en estas tierras? y fue sin duda un acto de terapia sonora: “Hay algo increíblemente gratificante en volver a familiarizarse con los álbumes que han pasado inadvertidos durante meses o incluso años y eso ocurre con el público de Latinoamérica” Quizás hemos esperado tantos años por ciertas agrupaciones que escuchar una y otra vez los clásicos no parece incomodarnos.

Solo quedan semanas de espera para que este 16 marzo 2019 en Teatro Teletón, Soziedad Alkoholika, suba a escena a hacer lo que mejor sabe hacer y si aun no has tenido la oportunidad de verles en directo, es el momento. Sin más que agregar... Nos vimos...

[musimerides]

¡Feliz año a todos nuestros leales y nuevos lectores! Los mejores deseos de nuestra parte y que este 2019 sea un año muy musical. Y, para que empiece de la mejor forma, queremos compartirles un recuento discográfico del año de Woodstock: 1969. 

Desde ‘Abbey Road’ de The Beatles hasta ‘Pongo en tus manos abiertas’ de Víctor Jara, pasando por el histórico ‘Tommy’ de The Who, aquí te presentamos una selección (en orden alfabético) con los grandes discos que cumplen 50 años este 2019. Ojo, cada uno cuenta con un enlace para que los puedan escuchar y compartir.

¡Feliz año a todos!

- Almendra - Almendra - Ángel Parra - Canciones funcionales - Blind Faith - Blind Faith - Frank Zappa - Hot rats - Grand Funk Railroad - Grand Funk - Joe Cocker - With a little help from my friends - King Crimson - In the court of Crimson King - Led Zeppelin - Led Zeppelin I - Led Zeppelin - Led Zeppelin II - Leonard Cohen - Songs from a room - Los Gatos - Beat Nº 1 - MC5 - Kick out the jams - Miles Davis - In a silent way - Os Mutantes - Mutantes - Pink Floyd - More - Sandro - Sandro de América - Santana - Santana - Sly & The Family Stone - Stand! - The Beatles - Abbey Road - The Jackson 5 - Diana Ross presents The Jackson 5 - The Kinks - Arhtur (or the decline and fall of the British Empire) - The Rolling Stones - Let it bleed - The Who - Tommy - Víctor Jara - Pongo en tus manos abiertas - Yes - Yes

[guillermogarciaperez]

O inventamos o erramos

Leer a Rodríguez a través de Camnitzer (y viceversa)

Para Rafael Mondragón

I

En la introducción que los amigos del colectivo O inventamos o erramos hacen de la obra de Simón Rodríguez, Sociedades americanas en 1828, definen al maestro venezolano como filósofo-tipógrafo y quisiera detenerme un poco en esta definición que considero muy importante. Filósofo-tipógrafo no es la conjunción más o menos arbitraria de dos actividades que se presuponen distantes: una intelectual y otra manual –sino la transformación sustancial de la una por la otra. Un filósofo que pasa por la tipografía accede a una concepción del espacio y la materia que de otro modo desconocería; un tipógrafo que pasa por la filosofía accede, de igual forma, a una concepción inédita del tiempo y la abstracción. Al final, esta conjunción sólo es útil si dispersa los bordes de cada actividad: si nos limitamos a conjuntar profesiones que de antemano nos parecen contrarias (¿qué nos impediría hablar de un poeta-mecánico?) tan sólo conseguiremos generar un efecto cómico. Sería necesario, en cambio, que un poeta escribiera con la sensibilidad y la fuerza físicas de un mecánico –o que un mecánico trabajara desde el control formal del poeta.

Todo esto lo explicó bellamente Gramsci en sus Cuadernos de la cárcel: no se puede separar el homo faber del homo sapiens, dice, porque la relación entre elaboración intelectual-cerebral y esfuerzo muscular-nervioso difiere tan sólo en grado. Por ello, «no tiene sentido hablar de no-intelectuales, porque los no-intelectuales no existen». Para precisarlo aún más: «cada hombre, considerado fuera de su profesión, despliega una cierta actividad intelectual, o sea, es un filósofo, un artista, un hombre de buen gusto, participa en una concepción del mundo, tiene una línea de conducta moral y, por eso, contribuye a sostener o a modificar una concepción del mundo y a suscitar nuevos modos de pensar».

La cuestión no radica entonces en aprender un oficio –como si se tratara de un complemento de una actividad intelectual construida previamente, sino de distinguir los modos en que los intelectos (y aquí hay que remarcar siempre su naturaleza múltiple) se materializan a través de tales o cuales actividades, de tales o cuales técnicas. Por eso Simón Rodríguez es filósofo-tipógrafo: no porque sus ideas sucedan en su mente y se intercambien libremente entre ellas, independientes de cualquier fricción, sino porque están asentadas en la página. En sus espacios, en sus signos, en sus tamaños, en sus bordes, en sus materiales, en sus tintas… La página ofrece, aparentemente, todas las posibilidades; pero contiene, al mismo tiempo, todas las limitantes. En esa condición doble, aparentemente paradójica, radica su libertad inmanente.

Hay algo tremendamente nostálgico en el periplo de Rodríguez por varias ciudades de Latinoamérica que los amigos de O inventamos o erramos describen tan puntualmente: sus dificultades para publicar (y las de tantos autores aliados), podríamos decir, también son resultado de la página. ¿Quién la detenta? ¿Quién decide qué se imprime en ella? ¿Quién dispone su orden formal? ¿Quién permite u obstaculiza su acceso? «De los sabios mismos se hace poco caso si son pobres», asegura, melancólico, el propio Rodríguez, pero sólo si atinamos a construir el reverso de esa frase podremos acceder a su profundidad: la arenga de Rodríguez no es por la riqueza (a la que llamaba «la enfermedad del siglo») sino por la sociabilidad, único medio para «hacer menos penosa la vida». Por ello, dicen los amigos de O inventamos o erramos, Rodríguez imagina un libro que funcione como una asamblea. Una asamblea no sólo en el sentido de que muchos puedan leerlo, o de que muchas personas estén involucradas en su manufactura, sino una asamblea, creo yo, formal: una forma que convoque inteligencias y, volviendo a Gramsci, «nuevos modos de pensar». Un filósofo-tipógrafo también provoca eso.

II

Esta digresión sólo es importante junto a otra pregunta: ¿cómo traemos a Simón Rodríguez al presente? Conocemos bien una de sus máximas: leer es resucitar ideas, pero esto es apenas el inicio del camino. Surge otra pregunta, que parece obvia pero es clave: ¿cómo leer? La escritura de Rodríguez (lo que él llamaba «dibujar el movimiento de las ideas») es provocadora tanto por su vocabulario como por su ritmo: leerlo implica aparejarse con su cadencia. Y es que creo que gran parte de la discusión sobre el exceso de estímulos del presente se olvida de esta cuestión: cuando afrontamos el contenido ingente de los dispositivos contemporáneos (entre los cuales también se encuentran los libros o las ciudades mismas) lidiamos igualmente con velocidades. Una red social, por ejemplo, suele exigir un acoplamiento radical a su velocidad: su ritmo es más bien monótono y su cadencia, por la evaporación constante de sus referentes, vertiginosa.

Entrar en el ritmo de Sociedades americanas (o de cualquier texto complejo), a pesar de la profundidad o la intensidad de sus ideas, no obliga a coincidir exactamente con él. Simón Rodríguez está perfectamente consciente de esto cuando compara, por ejemplo, el pensamiento con la alimentación: tomamos tiempo para digerir, por lo que una escritura que acompañe el ritmo del pensamiento debe proveer de descansos, silencios, respiros, espacios en blanco. Pero no quisiera que esta idea pareciera una mera reacción, más o menos romantizada, ante el sobreestímulo de signos. La potencia de Rodríguez radica en su respuesta afirmativa, más que sustractiva, ante la oleada de transformaciones de su entorno; más que como un silencio, imagino su obra como una síncopa: la acentuación de una nota en un lugar débil del compás y, mediante ella, el rompimiento de la regularidad del ritmo. (Siglo y medio después, por varios de los territorios que recorrió Rodríguez, caminaría otra figura clave de lo que aquí llamaremos una ética sincopada latinoamericanista, Víctor Jara, quien a decir del musicólogo chileno Juan Pablo González, representa la gran síntesis rítmica del continente: 6/8 más 3/4. No quisiera obviar, por otra parte, las fértiles connotaciones que el concepto de lugar débil del compás puede tener si lo leemos a la luz de la obra de Benjamin).

Rodríguez, además, no sería un autor furiosamente materialista si sus ideas no estuvieran asentadas sobre la realidad misma: «el modo de pensar se forma del modo de sentir», dice en otra de sus máximas, una máxima estética por derecho propio. Y en otra, aún más ejemplar: «no hay objeto aislado, el movimiento más libre tiene dependencias; la capacidad de otorgar sentido consiste en no perder esas adyacencias». Difícilmente podríamos ver aquí a un intelectual retirado del mundo, en pos de una sabiduría ascética o inmerso en ejercicios de especulación idealista; para Rodríguez la clave de la educación es «tratar con las cosas», ni más ni menos –en su imaginario, por tanto, la coyuntura misma es materia. Pero sus ideas no serían originales si frente a esa coyuntura estableciera una relación simple de estímulo-decodificación-respuesta (esa respuesta lo convertiría en un agente reactivo, en el mejor de los casos; reaccionario, en el peor). El caraqueño, como cualquier autor profundo, está un poco desfasado del ritmo de los acontecimientos, en ese lugar débil del compás desde donde puede trazar un corte crítico. Al mismo tiempo prendido de esos referentes y, estratégicamente, a destiempo de su cadencia. (¿Y qué es celebrar seminarios alrededor de la obra de un autor nacido hace 250 años sino construir otro desfase del presente?). Característica que se imprime traslúcida en su escritura, evidenciando las divisiones y los cortes mismos del pensamiento: el ritmo, parece decir, es una propiedad espaciotemporal –no solamente temporal.  

Creo que estas propiedades pueden distinguirse no sólo en libros sino en revistas (otro objeto débil de potencia singular), no sólo en personas sino en animales (últimamente he aprendido muchas lecciones de vida de un gato, a quien a veces llamo Jara, por las características que describía anteriormente), no sólo en objetos sino en pasajes. Todo aquel dispositivo que complejiza las velocidades (a veces no hay que ralentizar, sino acelerar, con pericia pero acelerar), que establece nuevos ritmos, y que logra traducirlas mediante una estética particular, expande las posibilidades políticas de enunciación. Podríamos preguntar, por ejemplo: ¿qué es, sustancialmente, una revista? Y las respuestas podrían provenir de sus características físicas, de su posición en el mercado, de su recorrido histórico, pero quisiera aquí recurrir nuevamente a una imagen de nuestro autor para ensayar otro tipo de respuesta. «Los acontecimientos son como las nubes; siempre hay nubes, pero nunca vuelven las figuras que hacen al pasar». Es interesante que cuando Rodríguez parece realizar solamente un movimiento de desaceleración (las nubes no son tan veloces como los signos a nuestro alrededor), acelera, en cambio, por la vía formal: eso que parece apenas moverse se está transformando incesantemente. Corresponde al espectador estar atento al momento en que los acontecimientos formen figuras que nos ayuden a otorgar sentido al presente. Para eso hace falta tiempo, naturalmente, mirada presta, pero también la habilidad para conectar formas a diversas distancias y temporalidades (en esta lucha es importantísima la memoria) y los medios materiales para socializarlos –fortuna y virtud, diría otro, y nosotros complementaríamos: infraestructura.

¿No es una revista el territorio donde lograr conciliar temporalidades múltiples, miradas atentas y acentuaciones sincopadas? ¿No es su razón de existir, más allá de las cuestiones siempre acuciantes de viabilidad económica o interés público? –digo aquí revista como podría decir cuerpo de obra, grupo de estudio o caminata colectiva. La revista reúne acontecimientos como nubes y, si es lo suficientemente relevante, deviene nube a su vez. Se convierte en un objeto para contemplar, relacionar y criticar. Y así sucesivamente. Ante la ingente cantidad de materiales para ver o leer, los dispositivos de multiplicación rítmica o de acentuación sincopada se vuelven tan relevantes como el contenido mismo que socializan. O, mejor dicho, su cadencia es inseparable de su contenido: lo que se dice se enuncia de un modo y en ese modo descansa su naturaleza política. ¿Nuestra fórmula debe actualizarse, entonces, a la de filósofo-tipógrafo-editor?

III

La cuestión es que tal vez ya tenemos un nombre para esa figura creativa triple: artista. No necesariamente el artista profesional que recorre museos, galerías y bienales, sino el que transforma materiales con una técnica amplia: una que reúne aspectos políticos, históricos y estéticos. El agente que usa esa transformación, además, para filtrar una ética por cada poro de la materia. Que sustenta su labor crítica en consideraciones, finalmente inseparables, sobre la forma y la velocidad. La labor del arte, sin embargo, no termina cuando se suman mecánicamente esas tres características: tiene un excedente, una huida hacia adelante, hacia un futuro –determinado pero no cerrado. (Aquí me resulta interesante puntualizar el subtítulo de Sociedades americanas. Cómo serán y cómo podrían ser. Futuro simple y pospretérito o futuro condicional. No deja de resultarme una construcción gramatical extraña; es como si Rodríguez afirmara: sé con certeza que las cosas van a ser de tal forma a menos que…).

Ese a menos que es la subversión de la historia: una subversión mediada por la imaginación… Parece que llegamos a una salida feliz, pero no vayamos tan rápido. Spinoza aparece con una advertencia: el ignorante –le dice en una carta a Henry Oldenburg– vive en un mundo donde todas las transformaciones son posibles. Es el mundo (ideal) de la confusión universal. La medida o la valía de nuestra imaginación, parece advertir, está determinada por el grado de realismo que contenga. Hemos aprendido, demasiado mecánicamente, que realidad e imaginación son instancias antitéticas cuando en verdad se sobredeterminan recíprocamente. No digo algo nuevo para la tradición socialista: ahí está la defensa de los sueños de Lenin (soñar con la condición de cotejar el sueño escrupulosamente con la realidad) similar al concepto de “optimismo militante” de Bloch. Lo dice también Mariátegui: «La imaginación, generalmente, es menos libre y menos arbitraria de lo que se supone. La pobre ha sido muy difamada y muy deformada. Algunos la creen más o menos loca; otros la juzgan ilimitada y hasta infinita. En realidad, la imaginación es asaz modesta». En todas estas concepciones, la instancia de la imagen –una imagen que por su alto grado de volatilidad podría transformarse súbitamente, perder o ganar propiedades materiales, modificar el pasado o adelantarse en el tiempo, como en los sueños– gana en legitimidad estratégica sólo a condición de servir como palanca de cambio.

Luis Camnitzer ha dicho en otro contexto, que aquí nos es muy útil, que así como en las escuelas se enseña a contar, a leer y a escribir, debe enseñarse a imaginar. Pero así como la escritura o la numeración están asentadas en signos limitados que, sólo desde su condición convencional, pueden dar paso a combinaciones infinitas, la imaginación surge en un plano de inmanencia desde el que se transforma y en torno al cual gravita para seguir siendo relevante. Para el artista –y ésta es otra idea que parafraseo de Camnitzer, tal vez demasiado libremente– la rendición de cuentas es una herramienta crítica para evitar la autoindulgencia. Por lo que acaso nuestra fórmula deba actualizarse nuevamente para completar el momento ético del arte: así como el filósofo-tipógrafo debió tener mirada de editor para lidiar con las velocidades del mundo, y en ese proceso pudo devenir artista, éste debe aparejarse con otra modalidad creativa. Hablemos entonces del artista-pedagogo, fórmula que no supera la figura triple anterior sino que la contiene, por lo que estrictamente hablamos de un filósofo-tipógrafo-editor-artista-pedagogo. Llamémosle pedagogo para efectos prácticos y porque en última instancia cualquier conocimiento de las etapas anteriores que no pueda transmitirse o socializarse o comunalizarse es un conocimiento atrofiado (estoy tentado a incluir aquí el deber de comunalizar el conocimiento también en relación con los animales o los objetos; si sus lecciones no se transmiten o no alcanzan sus campos deben considerarse conocimientos atrofiados, detenidos antes de completar su misión).

La operación de exposición del pedagogo no es sólo la de poner afuera lo que ha aprendido, para compartirlo, sino la de abrirlo a futuro para construir determinadas transformaciones –y hacerlas tan perdurables como permeables; sujetas a escrutinio constante o, si se quiere un término menos pesado, sujetas a juego: me parece un término feliz, porque el juego indaga en las características de un objeto, reflexiona obsesivamente sobre él, pero en el proceso de aprender sus reglas y en su continuo recomenzar abre posibilidades infinitas de cambio. ¡Un pedagogo juega! ¡Qué rodeo tan grande hemos dado para decir algo tan evidente! Y así como anteriormente nos preguntábamos ¿quién detenta la página?, Camnitzer ha planteado otra pregunta: ¿Quién define el futuro? Una pregunta nada retórica sino, nuevamente, materialista y por lo tanto realista e imaginativa a un tiempo. ¿Cómo transformar el futuro simple (sin vertientes, sin subversiones) en condicional y sincopado y hacer del a menos que un momento de afirmación? O inventamos o erramos –dice el autor que nos convoca, como en una asamblea, precisamente– una frase amiga que funciona como punto crítico: ¿por qué inventar funciona aquí como opuesto de errar? Tal vez porque para inventar se requiere el concurso de facultades intelectuales y corporales, históricas e imaginativas, individuales y sociales –de otra forma tan sólo se actualiza o se reforma lo ya inventado; por otra parte, la invención presupone el error pero el error supremo es no inventar; el mayor error es el que no permite siquiera los errores. La invención, podríamos resumir, es una imaginación volcada a las cosas. De ese concurso de facultades, de su apropiación colectiva y de su transmisión pedagógica, depende la construcción de posibles. Futuro (transformación, subversión, originalidad y cuidado) para el futuro.

–Guillermo García Pérez

Este ensayo fue leído en la Décima Jornada Rodriguista, encuentro en torno a la obra de Simón Rodríguez, celebrado en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM

[popmusicu]

Chilean pop artists

Within the history of Chilean music, pop has been one of the genres that has had an important advance, so much so that it has had influence in other countries. All beginning in a context of the dictatorship, within a Chile that was in a complicated situation, Los Prisioneros appeared, with their great songs such as "La voz de los 80", "Sexo", "¿Quien mato a Marilyn?”, among other. This group opened the doors to the “New Chilean Pop”.

Then over the years, more artists became known, such as "Gepe", "Dënver" and "Ases Falsos", marking the beginning of the 00's, then more artists were present (to this day many of us remember them and we continue to listen to them) being these "Francisca Valenzuela", "Javiera Mena", "Ana Tijoux", "Nicole". Now that the era of all these artists passed, the door was opened to a new generation of singers, such as “Cami”, “Denise Rosenthal”, “Princesa Alba”, “Paloma Mami”.

It is incredible how many of the artists of the last generation have reached a recognizable international presence, this could be explained thanks to the new means that exist to be able to listen to music, new paths are introduced for the new artist, new ways of being able to create music, where they get inspiration from.

As a personal point of view, I am really proud of all the achievements that have been made as a country, from a music point of view, obviously. I continue to recognize and dance to the songs of "Los Prisioneros", dancing to the songs of "Javiera Mena" feeling each verse mentioned in the songs of "Cami". I like that certain songs that marked their era can be rescued from each generation.

One of the songs that I like the most from the mentioned artists are:

“Sexo” – Los Prisioneros.

“Cuequita del Corazon”- Francisca Valenzuela.

“Espada”- Javiera Mena.

“Antipatriarca”- Ana Tijoux.

“Hoy”-  Nicole.

“La Entrevista”- Cami.

“Agua Segura”- Denise Rosenthal ft Mala Rodrigo.

“Fingías” – Paloma Mami.

I must make a special mention that brings together many Chilean artists that it is the song "El Derecho de Vivir en Paz”. It brings together several Chilean artists who organized to recreate the song by Víctor Jara that has the same name. There it is possible to recognize various voices and many artists already mentioned.

-Nicolás Cáceres.