#Premio World Press Photo a Retratos | Explore Tumblr Posts and Blogs

documentaryoncinema · 4 years

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[ Off topic ] Fotografía

‘Ansel Adams’, VE.

Biografía del gran fotógrafo estadounidense desarrollador del sistema de zonas.

En la década de 1930 Henri Cartier-Bresson desarrolló su pasión por la construcción de imágenes en la realización cinematográfica.

Después de haber trabajado juntos en México durante 1933, Cartier-Bresson y Paul Strand volvieron a encontrarse en 1935 en Nueva York para compartir su gusto por el cine en el interior de una asociación de cineastas llamada Nykino.

Mientras Strand dirigió el documental ‘Redes’, 1936, Cartier-Bresson dirigió con el apoyo de Herbert Kline ‘Victoire de la vie’ (’Victoria de la vida’, 1937), documental sobre los hospitales de la España republicana, film que enfatiza los logros alcanzados pese a encontrarse en una guerra civil.

Cuando Cartier-Bresson regresó a Francia, fue contratado como asistente de dirección de Jean Renoir en 1936 para ‘La vie est à nous’ y ‘Une partie de campagne’, y en 1939 para ‘La règle du Jeu’.

Otras realizaciones suyas son las siguientes.

‘Victoire de la vie’, 1937.

’Impressions of California’, 1969.

’Southern exposures’, 1969.

'L´Espagne vivra' (‘España vivirá’), 1938.

‘Le retour’ (’El retorno’), 1946.

‘L’Aventure moderne: Henri Cartier-Bresson’, Roger Kahane, 1962, VO, SE en YouTube.

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‘Pen, brush and camera’, Patricia Wheatley, 1998, VO, SE en YouTube.

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‘Profils, Henri Cartier-Bresson: L’amour tout court’, Raphaël Byrne, 2001, VO, SE en YouTube.

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‘Henri Cartier-Bresson: Biographie d’un regard’, Heinz Butler, 2003, VOSE.

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‘No me llames fotógrafo de guerra’, Canal +, 2014, VE.

Producido por Canal + y cuyo punto de partida es la concesión del premio World Press Photo en el año 2012 al fotógrafo español Samuel Aranda por una instantánea en la que una mujer consuela a un familiar en Yemen.

Él y otros nombres como Moisés Samán, Álvaro Ybarra, Manu Brabo, Fernando Moleres, Sandra Balsells y Emilio Morenatti conforman una generación de fotoperiodistas españoles que han alcanzado el prestigio internacional cubriendo conflictos por todo el mundo: Las guerras de Irak, Siria y Afganistán, las revoluciones del norte de África o los más recientes en Ucrania y Venezuela.

Pero ninguno de ellos quiere que se le denomine fotógrafo de guerra ni tampoco están de acuerdo con los estereotipos vinculados a esa denominación, de ahí el título del documental.

Serán ellos precisamente y sus editores en The New York Times, El País, Associated Press o Getty Images quienes en esta producción desmitifiquen esa imagen, y hagan de guías para conocer más a fondo su trabajo, el recorrido de una fotografía desde que se toma hasta que se publica, para reflexionar sobre qué factores y de quién depende la visión que hoy en día se tiene del mundo y sus conflictos.

Pero al mismo tiempo, mirarán internamente para descubrir sus motivaciones en una labor que les hace ser testigos de lo peor y lo mejor del ser humano y arriesgar sus vidas para contar historias casi nunca agradables.

Con la participación de Samuel Aranda, Emilio Morenatti, Moisés Samán, Álvaro Ybarra Zavala, Fernando Moleres, Manu Brabo, David Airob, Sandra Balsells, Santiago Lyon, Ricardo Gutierrez, David Furst y Patrick Di Nola.

‘Richard Avedon: Darkness and light’, Helen Whitney, 1996, VO, SE en YouTube.

Los retratos aparentemente sencillos de Richard Avedon, pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros actores y actrices. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.

‘Strand, under the dark cloth’, John Walker, 1989, VO.

Es un documental que sale un poco de radio, no totalmente por la parte de cineasta, bastante interesante que presenta una mirada en profundidad a la obra de Paul Strand, Nueva York, 1890 - Orgeval, Francia, 1976, sus relaciones con su familia y contemporáneos y su aislada manera de crear su arte. De familia inmigrante de Bohemia, República Checa, fue uno de los precursores de la fotografía directa o fotografía pura, junto a Alfred Stieglitz y otros fotógrafos de la photo-secession y la Galería 291, además de un reputado cineasta.

‘Los fotógrafos de National Geographic’, 2014, VE.

Presenta la forma de trabajar de los fotógrafos de National Geographic mostrando cientos de las mejores fotografías de su historia, y deteniéndose en algunos de sus reporteros más famosos que explican en qué consiste su trabajo. Desvelan sus secretos profesionales, nos cuentan curiosas anécdotas y nos dan consejos sobre cómo conseguir las mejores fotografías.

Con Steve McCurry, Louis Mazztenta, Sam Abell y Jim Stanfield entre otros.

#Fotografía #Técnica

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beyond-photos · 5 years

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Análisis de una imagen

Nivel contextual

Parámetros generales

Titulo: Retrato de Busha Shari

Nombre del autor/a: Emilio Morenatti

Nacionalidad: Española

Año: Julio 2008

Procedencia de la imagen: http://bit.ly/2CMpqKZ

Genero: Retrato

Parámetro técnicos

B/N - Color: Color

Formato: Rectangular

Camara y objetivo: Desconocido

Datos bibliográficos y criticas sobre el autor/a

Datos bibliográficos: Emilio Morenatti (Zaragoza, 1969) descubrió la profesión cuando sus padres compraron a su hermano una ampliadora. «Muy pronto comprendí que quería perseguir coches de bomberos con mi Vespino para documentar cualquier tipo de suceso y después ver la foto publicada en el diario local. »Aún no había hecho 30 los veinte años y vivía en Jerez de la Frontera, Cádiz, donde comenzó a trabajar como fografía al Periódico del Guadalete. En 1992 lo contrató EFE, donde trabajó durante más de una década. en 2003 pasó a The Associated Press como corresponsal en Afganistán y en 2005 se trasladó a Gaza y Jerusalén para cubrir Oriente Medio. En Octubre de 2006 fue secuestrado por una milicia de Gaza y en enero de 2007 le hirió un proyectil israelí mientras cubría una manifestación contra el muro. En Afganistán, dos años después, elconvoy donde viajaba con tropas-americanas fue atacado por insurgentes y sufrióla amputación de la pierna izquierda. Después de un proceso de rehabilitación largo, estableció su base en Barcelona, desde donde continuó viajando para cubrir eventos internacionales. Ha sido nombrado mejor fotoperiodista del Año en Estados Unidos en dos ocasiones. Ganó el FotoPres en 2009 y fue finalista del premio Pulitzer por cobertura de la guerra de Afganistán. Entre sus galardones más recientes destacan el Premio Godó de Fotoperiodismo 2010, el Lucas Dolega 2011, el Premio Ortega y Gasset y el World Press Photo, ambos en 2013.

Nivel morfológico

Descripción del motivo fotográfico

Lectura denotativa: En la imagen podemos observar una mujer de ojos marrones con lesiones en la cara y cubierta con un burka, dirigiendo su mirada a la camara.

Elementos morfológicos

Punto: El punto de atención de esta imagen, corresponde a la cara de la mujer retratada.

Linea: Encontramos una línia horizontal, la cual nos muestra la serenidad en la que se encuentra la retratda.

Plano -Espacio: Solo encontramos un plano de profundidad que corresponde a la mujer que predomina sobre el fondo neutro.

Escala: Esta fotografia corresponde a un primer plano largo.

Forma: Forma orgánica correspondiente a la mujer retratada.

Textura: Esta imagen predomina las texturas de la ropa, junto a la de las heridas

Nitidez de la imagen: Con el enfoque selectivo, el fotógrafo nos ha ayudado a que se muestre parte del burka desenfocado mostrado asi el punto de atención el rostro de la mujer.

Iluminación: Iluminació lateral, procedente de una fuente artificial.

Contraste: El lateral derecho lo encontramos más luminoso, dejando asi el izquierdo con sombras.

Tonalidad: Predomina una tonalidad calida, procedente de la iluminación artificial.

Nivel compositivo

Sistema sintáctico o compositivo

Ritmo: No hay ninguna repetición de elementos.

Distribución de pesos: Esta imagen esta bastante equilebrada,ya que encontramos a la mujer en medio de la imagen dejando medio rostro en cada lado de la composición.

Ley de los tercios: Se cumple la ley de los tercios con el ojo, ya que lo situamos en una de las intersecciones que se forma al dividir la imagen en tres partes horizontales y verticales.

Estaticidad o dinamismo: Estaticidad, horizontal.

Recorrido visual: Mi recorrido visual es de derecha a izquierda.

Pose/instantánea: Pose

Espacio de la representación

Campo/ fuera de campo: En el campo vemos a la mujer herida y como fuera de campo podemos intuir la agresión de otra mujer por parte de sus parejas.

Espacio: Espacio cerrado, interior.

Tiempo de la representación

Consideraciones subjetivas sobre el tiempo representado: Creo que podriamos considerar una imagen atemporal por que desgracidamente a pesar del paso de los años sigue habiendo agresiones a mujeres por parte de sus parejas.

Secuencialidad o narratividad: Para mi sugiere narratividad, ja que me sugiere una historia previa a ver a esta mujer en estas condiciones.

Nivel enunciativo

Articulación del punto de vista

Punto de vista físico: Normal

Mirada de los personages: Esta mujer muestra su mirada directamente a la camara consiguiendo asi llegarte profundamente solo con su mirada.

Actitud de los personages: Esta image me suguiere a una mujer luchadora, que a pesar de todo a llegado donde esta ahora.

Calificadores: Esta imagen representa a todas las mujeres que han sufrido violencia de genero.

Verosimilitud: Imagen creible, real.

Interpretación global del texto fotográfico

Lectura connotativa: La intención del fotógrafo al realizar esta fotografía ha sido mostrar lo que una mujer aguanta en Pakistan, para sensibilizar a los espectadores y mostrar el abuso que tienen que soportar.

De alguna manera su objetivo era reivindicar la situación de la mujer por sobre del hombre y hacer un llamamiento parar este tipo de abusos.

Por otro lado, el fotógrafo ha conseguido su objetivo, al menos, conmigo. De alguna manera ha aportado su granito de arena para conseguir parar este tipo de situaciones y mostrar a la mujer fuerte e independiente que realmente son.

Finalmente, es pésimo y no debería ser necesario, tener que mostrar estas cosas. Parece una broma de mal gusto, aunque, necesario pese a no deber hacerlo.

Aún queda mucha faena por hacer; gracias a estos fotógrafos podemos dar visibilidad a estas mujeres que han sufrido y reinvindicar el “stop” a este tipo de violencia. Por suerte, vamos por buen camino.

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howmanyartists · 4 years

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Platon Antoniou

Platon Antoniou, conocido artísticamente simplemente como «Platon», es un fotógrafo greco-británico que ha retratado a diversos líderes mundiales y figuras públicas, muchos de ellos para la revista The New Yorker. Fecha de nacimiento: 20 de abril de 1968 (edad 51 años), Grecia Libros: Power - Ein Portrait der Macht: 130 Präsidenten, Premierminister, Revolutionäre und Diktatoren Películas: My Body Is Not A Weapon Premios: Premio World Press Photo a Retratos Educación: Saint Martin's School of Art, Royal College of Art

#fotografo #hombre #grecia #uk #british #british artist #the new yorker #retrato #world press photo #saint martins school of art #p #a #platon antoniu #platon

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fotografobcn · 5 years

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Cuatro fotógrafos españoles finalistas en los SWPA 2019

La World Photography Organisation, que expone series excepcionales de los mejores artistas fotográficos del mundo, revela hoy los fotógrafos finalistas de los concursos Professional y Student de los Sony World Photography Awards 2019. La lista incluye a cuatro fotógrafos españoles que están detrás de algunos de los mejores trabajos del mundo publicados en 2018.

Los fotógrafos son Daniel Ochoa de Olza en la categoría Professional Architecture, Marta Moreiras y Álvaro Laiz en la categoría Professional Portraiture y Sergi Villanueva de la Universidad Jaume I en el concurso Student.

Ser finalista es importante porque estos premios ofrecen a los fotógrafos la oportunidad única de mostrar su arte a un público global, además de ofrecer una visión vibrante y diversa de la fotografía actual. Ahora, todos los finalistas del concurso Professional competirán por ganar en sus respectivas categorías y por ser nombrados Photographer of the Year el 17 de abril.

La lista de finalistas del concurso Professional abarca varias series fotográficas impresionantes divididas en diez categorías variadas, incluyendo a tres fotógrafos españoles en dos categorías.

Daniel Ochoa de Olza, Professional Architecture

El fotógrafo afincado en Madrid Daniel Ochoa de Olza es finalista de la categoría Architecture gracias a su serie Border Wall Prototypes. Daniel es un premiado fotoperiodista con buen ojo para capturar eventos históricos. Su obra ha sido reconocida con numerosos premios internacionales. El entusiasmo de Daniel por el arte pasó de la pintura a la fotografía en 2001, después de estudiar fotografía artística en el colegio y en la Universidad de Barcelona. Daniel es actualmente fotógrafo de noticias de The Associated Press y además da clases, talleres y conferencias en muchas universidades españolas.

Sobre su serie finalista, Daniel explica: “En San Diego hay prototipos de muros fronterizos, cerca de la frontera de México con Estados Unidos, y yo los vi desde Tijuana el sábado 22 de diciembre de 2018. El presidente de los Estados Unidos, Donald Trump, quiere construir un muro fronterizo a lo largo de la longitud total de la frontera continental, es decir, 3.145 km, para prevenir los cruces ilegales de México a Estados Unidos. Su administración ha presentado una cifra de 25 mil millones de dólares al Congreso. El Congreso bloqueó la financiación del muro fronterizo mexicano del presidente Trump y eso provocó una paralización federal parcial”.

Otros fotógrafos españoles seleccionados en el concurso Professional incluyen a:

Marta Moreiras, Portraiture

Marta es una fotógrafa de Santiago de Compostela que reside en Dakar, Senegal. Ha sido seleccionada por su serie Pères, a través de la cual espera “inspirar el cambio social y apoyar a las mujeres en su batalla por la igualdad de género”. Al hablar sobre su serie, explica: “Estos retratos visibilizan el papel del padre, además de promover un modelo familiar más equilibrado, en el que los padres participen en la educación y el cuidado de sus hijos al mismo nivel que las madres”.

Álvaro Laiz, Portraiture

Álvaro Laiz es un fotógrafo madrileño cuya serie monocroma The Edge reflexiona sobre el concepto de la memoria compartida e intergeneracional de la tribu Chukchi. El artista describe su serie como “un viaje visual que combina pasado y futuro”.

Jurado de personalidades globales

Los finalistas del concurso Professional, elegidos por un jurado de personalidades globales del mundo académico, museos, editoriales, festivales y medios de comunicación, han creado unos trabajos impresionantes que demuestran su destreza artística y proporcionan al público historias cautivadoras sobre la humanidad y el mundo contemporáneo.

El jurado del concurso Professional de este año fue presidido por Mike Trow (editor, fotógrafo y consultor, Reino Unido). Al hablar de los finalistas de este año, comenta: “Los trabajos de los finalistas del concurso Professional de este año provocaron mucho debate e interés entre el jurado. Son obras conceptuales interesantes que yuxtaponen las imágenes para crear nuevas narrativas, junto a otras formas de narrar más tradicionales. En ciertos sentidos, ha sido un año más complicado y disputado que nunca, lo cual es fantástico, e importante para ampliar los límites de la fotografía y desafiar las percepciones y expectativas del público”.

España representada en los finalistas del concurso Student

Sergi Villanueva es un estudiante de 25 años de la Universidad Jaume I. Sergi es finalista gracias a su serie La Terreta.

La serie de Villanueva ilustra La Terreta, una palabra valenciana que describe el orgullo por la tierra a la que perteneces. El estudiante explica su serie diciendo: “Es un sentimiento que tenemos todos, formar parte de La Terreta es amar nuestras raíces, la riqueza de nuestra tierra, nuestra cultura, nuestra gente, nuestra identidad.”

La serie se centra en una plantación de naranjos que forma parte de La Terreta de Villanueva. “Cada vez que voy a La Terreta veo una señal en la carretera que me da la bienvenida: los naranjales. Por eso en esta serie me he centrado en capturar la vida diaria que rodea a los naranjos. Desde los agricultores que plantan y cuidan los árboles para cosechar la fruta hasta las mujeres que eligen las naranjas que terminarán en rincones de todo el mundo. El naranjo es la esencia de mi tierra, mantiene el sentimiento de pertenencia y deja la puerta abierta a las generaciones futuras, difundiendo un mensaje sobre el valor de cuidar lo que la naturaleza nos brinda como parte de nuestra identidad”.

Premios y exposición

Todos los finalistas competirán contra otros talentosos fotógrafos de todo el mundo para ganar en sus respectivas categorías, y tendrán la oportunidad de convertirse en el Professional Photographer of the Year y el Student Photographer of the Year, que se anunciarán en la ceremonia de premios de Londres del 17 de abril. Los premios incluyen 25.000 dólares para el ganador Professional, y 30.000 € para la institución del ganador Student, así como los últimos equipos de cámaras Sony y vuelos para acudir a la ceremonia de premios de Londres. Las imágenes ganadoras también se incluirán en el libro de los premios de 2019. Todas las imágenes finalistas y ganadoras formarán parte de la exposición 2019 Sony World Photography Awards Exhibition, que se celebrará en Londres del 18 de abril al 6 de mayo de 2019, antes de realizar una gira global que incluirá países como Japón, Italia y Alemania.

Número récord de inscripciones a los premios Sony World Photography Awards 2019 Producidos por la World Photography Organisation, los internacionalmente aclamados Sony World Photography Awards son uno de los eventos más importantes del calendario fotográfico global. Los premios, uno de los concursos fotográficos globales más grandes y prestigiosos del mundo, celebran y promocionan cada año las mejores fotografías contemporáneas del año anterior en una amplia variedad de géneros fotográficos.

Los premios, que llevan ya 12 años asociados a su principal patrocinador, Sony, constan de cuatro concursos en total: Professional(para conjuntos de trabajos), Open (para una sola imagen), Student (para instituciones académicas) y Youth (para jóvenes entre 12 y 19 años).Los premios de 2019 recibieron un récord de 326.997 fotografías de 195 países y territorios en sus cuatro concursos, el mayor número de participantes hasta la fecha.

El post Cuatro fotógrafos españoles finalistas en los SWPA 2019 fue publicado por primera vez en DNG Photo Magazine.

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#IFTTT #DNG Photo Magazine

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diegoricol · 5 years

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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol recomienda: Las mejores fotografías de 2018 premiadas en los concursos del año

Y no porque lo digamos nosotros, sino porque así lo han dicho prestigiosos jurados internacionales a lo largo del año que ya se acaba. Porque, dejando aparte posibles polémicas, se supone que en los concursos se eligen las mejores fotografías. Así, por lógica, no se nos ocurre una mejor manera de mostrar las mejores fotos de 2018 que recordando quienes han ganado en las principales competiciones de fotografía de este año.

Y es que, como ya sabéis, solemos estar atentos para mostraros las imágenes ganadoras de los concursos más prestigiosos, porque es una excelente manera de ver buenas fotografías y sabemos que os gusta. Así que vamos a repasar lo que han dado de sí los últimos 365 días en materia de concursos fotográficos para tratar de obtener “una foto” (nunca mejor dicho) de cuáles han sido las mejores imágenes de 2018 (sin incluir, como es lógico, los concursos cuyos resultados fueron publicados este año pero se referían a la edición del año anterior). Empezamos.

Y empezamos (como no podía ser de otro modo) remontándonos a enero cuando se hicieron públicos los ganadores del concurso Hasselblad Masters, un certamen bianual de gran prestigio (no en vano lo organiza la conocida marca sueca) y que en su XVII edición premió a once fotógrafos de igual numero de categorías, entre las que destacaba Maria Svarbova por su trabajo ‘Swimming pool’ que ya os mostramos.

De la serie ‘Swimming pool’ de Maria Svarbova, premiada en la categoría Arte del Hasselblad Master Awards 2018

Poco después conocimos a los ganadores del ‘2018 Underwater Photographer of the Year Awards’, que eligió como “Fotógrafo submarino del año” al alemán Tobias Friedrich por su imagen ‘Cycle War’, una foto panorámica captada en el interior de un barco naufragado en el Mar Rojo.

‘Cycle-War’ de Tobias Friedrich (Alemania) / Fotógrafo del año según los 2018 Underwater Photographer of the Year Awards.

Finalizando febrero se dieron a conocer los ICP 2018 Infinity Awards, premios en el ámbito del fotoperiodismo, el arte, la fotografía de moda y la editorial. Unos galardones otorgados por el prestigioso International Center of Photography de Nueva York, y en los que destacamos el premio al colectivo de fotoperiodistas Women Photograph en la categoría “Online Platform and New Media”.

De Maya Levin, del colectivo Women Photograph, premio en categoría “*Online Platform and New Media*” de los ICP 2018 Infinity Awards.

Como un mes después se desvelaron los ganadores del concurso BJP International Photography 2018, otorgado por la prestigiosa revista British Journal of Photography a un colectivo con sede en Copenhague formado por Sara Galbiati, Peter Eriksen y Tobias Markussen, gracias a su serie ‘The Merge’ que ofrece una exploración visual sobre la robótica y la inteligencia artificial.

De la serie ‘The Merge’ de Sara, Peter & Tobias, premiada en el BJP International Photography 2018.

Ya entrando en la primavera se hicieron públicos los resultados de la tercera edición del Premio de Fotografía Zeiss 2018, que organizado por Zeiss y la Organización Mundial de la Fotografía premió al belga Nick Hannes por ‘Garden of Delight’, trabajo que el jurado consideró se ajustaba más al lema propuesto: “Seeing Beyond – Untold Stories”.

‘Chill-out Ice Lounge, Dubai 2016’, de la serie ‘Garden of Delight’ De Nick Hannes (Bélgica), Ganador del Zeiss Photography Award 2018.

Y el 12 de abril se dio a conocer al ganador del concurso de fotoperiodismo World Press Photo 2018. Se trata de uno de los premios más populares, del que suele surgir la imagen que normalmente consideramos como foto del año (y por eso la hemos puesto en portada). Y en esta ocasión el honor se lo llevó Ronaldo Schemidt por su impactante foto titulada ‘Venezuela Crisis’, y cuya historia pudimos conocer de primera mano posteriormente.

‘Venezuela Crisis’ de Ronaldo Schemidt (Venezuela), ganadora del premio “The World Press Photo of the Year”.

Apenas unos días después asistimos al “nacimiento” de un premio de nuevo cuño organizado por la plataforma para fotógrafos y artistas visuales One Eyeland. Se trata del ‘TOP 10 Black & White Photographers 2018’, concurso que quiere premiar a los mejores fotógrafos en blanco y negro del mundo. Y entre ellos tenemos que destacar, cómo no, al único español de entre estos diez elegidos: Adolfo Enríquez, por ‘Ray Lights’.

‘Ray Lights’, de Adolfo Enríquez. ‘TOP 10 Black & White Photographers 2018’.

Lens Culture, otra plataforma de fotógrafos (más conocida eso sí), organiza durante el año varios concursos normalmente dirigidos a una disciplina concreta. Así, en ese mismo mes de abril se hicieron públicos los ganadores de los LensCulture Portrait Awards 2018. Quinta edición de un concurso de foto de retrato que tuvo como ganador principal al holandés Robin de Puy con su proyecto ‘Randy’.

‘Randy’ de Robin de Puy. 1st Place, Series, LensCulture Portrait Awards 2018.

Ya entrados en mayo se hicieron públicos los ganadores del Pink Lady Food Photographer of the Year 2018, seguramente el concurso de foto gastronómica más importante (que incluía a nuestro Ferrán Adriá como jurado), y que eligió a Noor Ahmed Gelal como “Mejor fotógrafo gastronómico del año” por ‘Praying with Food’.

‘Praying with Food’ de Noor Ahmed Gelal. Ganador del Pink Lady Food Photographer of the Year 2018.

Llegamos a junio donde se dio a conocer el nombre de la ganadora de la XVII edición del premio Nuevo Talento Fnac de Fotografía, otorgado a Liza Ambrossio por su serie fotográfica ‘Naranja de Sangre’.

‘Demonio Rosa’, de la serie ‘Naranja de Sangre’ de Liza Ambrossio. Ganadora del Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2018.

El siguiente concurso que conocimos fue la versión dedicada a la fotografía callejera de los premios de Lens Culture. Así, el vencedor principal en los Lens Culture Street Photography Awards 2018 fue Somrav Das (Bangladesh) por su serie ‘Floating Heroes’.

De la serie ‘Floating Heroes’ de Somrav Das (Bangladesh). 1st place, Series, LensCulture Street Photography Awards 2018.

Aún en el mes de junio os enseñamos las imágenes ganadoras de los premios PX3 Prix de la Photographie, prestigioso concurso parisino que eligió a Laureen Greenfield como “Fotógrafa del año” por su serie ‘Generation Wealth’, una historia con forma de fotolibro sobre el lujo y el derroche.

De la serie ‘Generation Wealth’ de Laureen Greenfield. “Fotógrafa del año” en los premios PX3 Prix de la Photographie 2018.

El día que los norteamericanos celebraron su independencia (el cuatro de julio), conocimos los resultados del Certamen Internacional de Fotografía Signo editores, que en su tercera edición premió a los ganadores de las nueve categorías a concurso con especial mención para el cántabro Olmo Calvo, como Premio Especial del Jurado por su trabajo ‘Rohingyas escapando del genocidio’.

De la serie ‘Rohingyas escapando del genocidio’ de Olmo Calvo, Premio Especial del Jurado en el III Certamen Internacional de Fotografía Signo editores.

Esta misma etnia (los rohingyas) fue también protagonista del siguiente concurso: Los iPhone Photography Awards 2018, que premian las mejores fotos hechas con el popular teléfono de Apple. El ganador fue Jashim Salam, fotógrafo de Bangladesh, que venció gracias a la foto titulada ‘Displaced’ que muestra a niños de la etnia rohingya asistiendo a una proyección en un campo de refugiados.

‘Displaced’ de Jashim Salam (Bangladesh). Fotógrafo del Año en los premios iPhone Photography Awards 2018.

Y si lo de un concurso de fotos hechas con móviles os parece novedoso aún lo es más uno de imágenes tomadas con drones. Hablamos del Drone Awards 2018, un certamen recién nacido bajo el auspicio de la asociación italiana Art Photo Travel (responsable también de los Siena International Photo Awards). Pues bien, en esta primera edición el ganador absoluto fue Florian Ledoux por la foto ‘Above the polar bear’ que le dio el título de “Fotógrafo de drones del año”.

‘Above the polar bear’ de Florian Ledoux. “Fotógrafo del año” según el concurso Drone Awards 2018.

El siguiente concurso que os mostramos, ya rozando agosto, fue el Dog Photographer of the Year, certamen que elige las que podemos considerar mejores fotografías de perros del año. Y en este ocasión, la “Fotógrafa canina del año” fue la holandesa Monica Van der Maden por la foto ‘The lady of the mystery forest’.

‘The lady of the mystery forest’, de Monica van der Maden (Holanda). Ganadora absoluta del Dog Photographer of the Year 2018.

El siguiente concurso que publicó sus resultados (a finales de agosto) fue el Bird Photographer of the Year, evento dedicado a las aves que otorgó su premio principal al peruano Pedro Jarque Krebs por su imagen denominada ‘Black Friday‘.

‘Black Friday’, de Pedro Jarque Krebs. Bird Photographer of the Year 2018.

Ya superado el verano, los concursos de fotografía volvieron a nuestras páginas comenzando con el fallo del popular certamen ‘Caminos de hierro’, en donde venció la foto ‘Cuaderno de Vinh a Hue‘ de Cristina Bezanilla.

‘Cuaderno de Vinh a Hue’, de Cristina Bezanilla Echeverría. Primer Premio en el concurso ‘Caminos de hierro’ edición 2018.

A comienzos de octubre se falló el Alfred Fried Photography Award, premio a las mejores imágenes relacionadas con la Paz. Pues bien, el título honorífico de ‘Peace Image of the Year 2018‘ fue a parar a la norteamericana Anna Boyiazis por su proyecto ‘Finding freedom in the water’ sobre las mujeres de la isla de Zanzibar (Tanzania) que desafían la Ley islámica que no les permite nadar simplemente por su sexo.

‘Finding freedom in the water’ © Anna Boyiazis / Alfred Fried Photography Award 2018.

Apenas un par de días después del anterior conocimos los ganadores de un nuevo concurso que se ha venido a denominar Photobox Instagram Photography Awards (PIPA) y se presentaba como “una celebración de la mejor fotografía publicada en la red de fotos favorita en el mundo en los últimos 12 meses”. Es decir, un certamen basado en las imágenes publicadas en Instagram y que otorgó el título de “Instagram Photograph of the Year 2018” a Darren Hall por una foto de su perro atrapando una pelota titulada ‘Ted the Poodle‘.

‘Ted the Poodle’ de Darren Hall – @darrenwilliamhall. Ganador absoluto de los Photobox Instagram Photography Awards 2018.

También en octubre se dieron a conocer a los vencedores de todo un clásico en el panorama nacional: el Concurso internacional de Fotografía MontPhoto, que en su 22 edición premió a lo mejor en fotografía de naturaleza con Miguel Ángel Rubio Robles en cabeza al llevarse el “Premio de Honor MontPhoto 2018” por su imagen ‘Opresión’.

‘Opresión’ de Miguel Ángel Rubio Robles (España).Ganador absoluto del Premio de Honor MontPhoto 2018.

Y aún en este concurrido octubre os enseñamos las fascinantes fotos ganadoras del Insight Astronomy Photographer of the Year, prestigioso concurso de fotografía astronómica. Y este año el fotógrafo más destacado fue Brad Goldpaint (EE.UU) que con la imagen titulada ‘Transport the Soul’ se hizo con el título honorífico de “Astronomy Photographer of the Year”.

‘Transport the Soul’ de Brad Goldpaint (EE.UU). Ganador absoluto del hizo con el título honorífico del “Insight Astronomy Photographer of the Year 2018”.

Y por fin llegamos al mes de noviembre que prácticamente inauguramos con un artículo sobre los vencedores de la cuarta edición del certamen Siena International Photo Awards (SIPA). Se trata de uno de los concursos de fotografía más prestigiosos de Italia (organizado por los mismos que el Drone Awards 2018) y que eligió las mejores fotos del año en diez categorías. Y el vencedor fue K M Asad (Bangladesh) que ganó el título ‘SIPA Contest Photo of the Year’ con su imagen ‘Battle Victim’, que muestra la tristeza en el rostro de una niña rohingya.

‘Battle Victim’ de K M Asad. SIPA Contest Photo of the Year.

Muy poco después conocimos a los ganadores de los International Photography Awards (IPA), también conocidos como los Óscars de la fotografía al recibir los premiados (en una gala que se celebra en Nueva York) una estatuilla denominada Premio Lucie. Este concurso elige a los mejores fotógrafos (profesionales y aficionados y a escala global) en distintas disciplinas y nombra a un ‘Fotógrafo Internacional del Año’ (en categoría profesional) que en su 16 edición fue el estadounidense Tawny Chatmon por su serie ‘The Awakening’ sobre los lazos familiares, la maternidad, la paternidad y la celebración de la infancia.

De la serie ‘The Awakening’ de Tawny Chatmon (EE.UU). Ganador premio ‘International Photographer of the Year 2018’.

Aunque aquí también hay que citar el premio al mejor fotógrafo en la edición para España que fue para el fotoperiodista Aitor Garmendia por su trabajo ‘Tras los muros’ sobre los mataderos de animales mexicanos.

De la serie ‘Tras los muros’ de Aitor Garmendia. Ganador del premio Photographer of the Year en edición latina de los IPA 2018.

A mediados de noviembre se anunciaron los vencedores de los ‘The Epson International Pano Awards 2018’, novena edición de un concurso patrocinado por la conocida marca de impresoras que premia las mejores fotos panorámicas del año. Este año, el ganador absoluto fue el búlgaro Veselin Atanasov que con la foto ‘Combing the Sunlight’ se llevó el premio ‘2018 Epson International Pano Awards Open Photographer of the Year’.

‘Combing the Sunlight’ de Veselin Atanasov (Bulgaria). ‘2018 Epson International Pano Awards Open Photographer of the Year’.

Finalizando el mes conocimos las fotos premiadas en la 26 edición de los Premios LUX 2018, que otorga la Asociación de Fotógrafos Profesionales de España (AFPE) a los mejores profesionales del año en once categorías. Aquí no hay un ganador absoluto, pero podemos destacar por ejemplo a Jorge López Muñoz, ganador del LUX de oro en categoría Proyecto Personal con su trabajo “El Clot [2013/2018]”.

De la serie “El Clot [2013/2018]” de Jorge López Muñoz, ganador del LUX de oro en categoría Proyecto Personal.

Comenzamos diciembre con la buena noticia de que un español resultó vencedor del trofeo al mejor fotógrafo de atletismo de 2018 según la IAAF (International Association of Athletics Federations). El elegido fue Félix Sánchez Arrazola con una llamativa foto de la cual pudimos conocer más detalles en esta reciente entrevista.

Selemon Barega celebrando la victoria en el Cross de Elgóibar. Foto de Félix Sánchez Arrazola ganadora del premio al mejor fotógrafo de atletismo de 2018 según la IAAF.

Apenas unos días después se dio a conocer el fallo del Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña 2018, XXII edición del concurso de Médicos del Mundo que fue a parar a las manos del fotoperiodista argentino (afincado en España) Juan Medina por su serie ‘Vida y muerte en el Mediterráneo’.

De la serie ‘Vida y muerte en el Mediterráneo’ de Juan Medina (Argentina). Ganador del Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña 2018.

El 10 de diciembre, ya con la Navidad acercándose peligrosamente, se hicieron públicos los ganadores de un clásico: el Concurso de Fotografía National Geographic 2018 que otorga la conocida publicación a las mejores fotos del año en tres grandes categorías Gente, Lugares y Naturaleza. Pues bien, el ganador de la segunda fue elegido como ganador absoluto del concurso por la imagen denominada ‘Unreal‘ realizada por el estadounidense Jassen Todorov y que muestra a miles de coches abandonados en el desierto de Mojave.

‘Unreal’ de Jassen Todorov. Ganador absoluto del 2018 National Geographic Photo Contest.

Y por fin llegamos al que fue el último concurso cuyo fallo conocimos este año (aunque seguro habrá más en los próximos meses que premien fotos de 2018): LensCulture Black & White Awards. Se trata de la primera vez que esta conocida plataforma (de la que ya hemos mostrado otros concursos en este mismo artículo) elige a las mejores imágenes en blanco y negro del año, divididas en tres premios para la categoría Series y otros tres para Individual. Pues bien, en la primera, el vencedor fue Camillo Pasquarelli (Italia) por su proyecto ‘The Valley of Shadows’.

De la serie ‘The Valley of Shadows’ de Camillo Pasquarelli. 1st Place, Series, LensCulture Black & White Photography Awards 2018.

Foto de portada | ‘Venezuela Crisis’ de Ronaldo Schemidt (Venezuela), ganadora del premio “The World Press Photo of the Year 2018”

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#DiegoRicolFreyre

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elsantodelrock · 6 years

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Generalmente, cuando el mundo moderno piensa en “Foto”, su primer idea es la cámara que trae en el celular, más cuando ve los resultados y los compara con aquellos que se presentan en medios, los resultados pueden variar, toda vez que así como hay quienes han aprendido a sacar los mejores resultados de su cámara casera, hay quienes con un equipo profesional fallan en ciertos detalles que alguien con buen ojo y timing puede superar sin importar el equipo.

Si bien hay fotos y calidades de todo tipo, lo cierto es que un fotógrafo profesional tiene recursos, técnica, estilo pero, sobre todo, ojo, creatividad y talento, lo cual hará resaltar su trabajo de entre los demás.

Así las cosas, para establecer esta diferencia, aprender algo y entretenerse un poco, Film & Arts trae en Mayo la segunda temporada de Master of Photography, un talent show donde el ganador se llevará la suma de 150 mil euros.

¿Quieres saber más?, ¡Dale Play y sigue leyendo!

LLEGA A FILM & ARTS LA 2da. TEMPORADA DE MASTER OF PHOTOGRAPHY

Nuevos jueces acompañan a Oliviero Toscano en el estreno el martes 1 de mayo a las 21:00 horas por Film & Arts.

Llega a Film & Arts la segunda temporada de Master of Photography, primer talent show de fotografía con el premio más importante del mundo, 150 mil euros. Doce concursantes, entre aficionados y profesionales de Europa, son seleccionados por los expertos más renombrados del continente, para enfrentar un desafío fotográfico distinto cada semana, debiendo mostrar dominio y versatilidad en diferentes aspectos de la fotografía.

Durante 8 episodios, sus trabajos serán evaluados por un panel de tres fotógrafos de renombre internacional: Oliviero Toscani, Darcy Padilla y Caroline Hunter. Los tres serán los únicos jueces del destino de los concursantes y quienes decidirán cuál de ellos llegará a la final y se convertirá en el segundo Master of Photography.

Cada episodio contará además con un fotógrafo de renombre mundial, que colaborará con los concursantes proporcionando las herramientas para comprender y mejorar su arte. Los temas a fotografiar cada semana serán: Viajes, Hora pico, Celebridades, Erotismo, Paralímpicos, Moda Callejera, Hogar dulce hogar y Paisaje Humano…

Los Jueces:

Oliviero Toscani, es reconocido internacionalmente como la fuerza creativa detrás de algunas de las marcas más exitosas del mundo. Construyó la identidad, la imagen corporativa, la estrategia de comunicación y la presencia en línea de United Colors of Benetton transformándola en una de las marcas más reconocidas del mundo. En 1990 concibió, creó y dirigió Colours, la primera revista global del mundo, y en 1993 inventó, fundó y dirigió Fabrica, el centro internacional para las artes y la investigación de la comunicación moderna. Ha sido galardonado con cuatro Lions d’Or en el Festival de Cannes, el Gran Premio de la Unesco, dos Grand Prix d’Affichage y varios Art Directors Club en ciudades como Nueva York, Tokio, Berlín y Milán.

Darcy Padilla, es una fotógrafa documental, fotoperiodista y conferencista especializada en temas contemporáneos y proyectos a largo plazo. Sus premios incluyen una beca Guggenheim, tres premios World Press Photo, la beca Alexia Foundation, la beca individual Open Society Institute, la beca Getty Images, la beca Alicia Patterson, la beca internacional Photo-Reporter, el premio Canon Photojournalist femenino y la Beca W. Eugene Smith para Fotografía humanitaria. Padilla ha enseñado fotografía documental en el San Francisco Art Institute y dirigido talleres en Rencontres d’Arles.

Caroline Hunter, es editora de imágenes para la revista The Guardian Weekend. Caroline tiene veinte años de experiencia en la producción de fotografías. Estudió periodismo de moda, fotografía y literatura inglesa. Ha trabajado como investigadora de imágenes para The Telegraph Magazine y editora de imágenes para las publicaciones de Emap y Time Out London.

Ep.1 – ESTRENO – Martes 1 de mayo – 21:00 hrs. Viaje: En el primer episodio los concursantes tendrán que lidiar con la fotografía de viajes. Volarán a la zona de Ragusa, en Sicilia, donde intentarán capturar su esencia a través de lugares, rostros o tradiciones. Con una sola fotografía, deberán capturar la complejidad de un territorio rico en contradicciones, suspendido entre lo antiguo y lo moderno, la leyenda y la historia, el cliché y las maravillas que esperan ser descubiertas. Invitado: David Alan Harvey.

Ep.2 – ESTRENO – Martes 8 de mayo – 21:00 hrs. Hora pico: Los fotógrafos vuelan a Hamburgo. La tarea tiene lugar al comienzo del día, cuando la ciudad se despierta y todo comienza a moverse. Para pasar a la siguiente ronda, los concursantes deberán capturar en una sola toma su propia interpretación de la hora pico. A partir de la estación central de tren de Hamburgo, un cruce para viajeros, autobuses, tranvías, trenes y líneas de metro, los concursantes tienen que captar las sombras de un lugar de muchas caras. Tres horas para explorar la ciudad, encontrar un punto de vista original y tomar la foto que les permita continuar con el próximo desafío. Invitado: Siegfried Hansen.

Ep.3 – ESTRENO – Martes 15 de mayo – 22:00 hrs. Celebridades. En esta tarea, los concursantes trabajarán con una celebridad: Clive Owen, ganador de un BAFTA y Globo de Oro, actor británico y estrella de Hollywood. Los jueces encargarán un retrato que podría usarse junto con un artículo de una revista. El escenario de la tarea será la famosa Galería de Arte Moderno de Roma, donde los concursantes tendrán solo veinte minutos para conocer a Clive Owen, interactuar con él e intentar crear un retrato original y efectivo.

Ep.4 – ESTRENO – Martes 22 de mayo – 21:00 hrs. Erótica. En la cuarta tarea, se les pide a los concursantes que presenten tres planos que mejor comunican su idea de erotismo. Para hacer eso, tendrán que dirigir hasta diez artistas, aprovechando un entorno prestigioso. Interpretar y sintetizar en tres imágenes un concepto tan personal y complejo como el erotismo no será tarea fácil para los concursantes. El riesgo de ser ingenuo o, lo que es peor, escandaloso, pondrá a prueba su sensibilidad humana y artística. Invitado: Donna Ferrato

Ep.5 – ESTRENO – Martes 29 de mayo – 21:00 hrs. Paralímpicos. Correr sin piernas, luchar sin brazos, nadar sin poder ver: suena imposible para cualquiera. En esta tarea, se les pedirá a los concursantes retratar a los campeones paralímpicos. ¿Qué tan difícil es vivir con una discapacidad física, qué hace que un atleta supere constantemente sus propios límites y, sobre todo, cuál es la satisfacción de superar grandes obstáculos, impulsados solo por la fuerza de voluntad? Estas son solo algunas de las preguntas que los concursantes intentarán responder con un reportaje de tres o cinco fotos que producirán pasando el día con un Campeón Paralímpico Europeo. Invitado: Ezra Shaw

ESTRENO SEGUNDA TEMPORADA MASTER OF PHOTOGRAPHY Estreno: martes 1 de mayo, 21:00 horas por Film & Arts. Repetición: los miércoles a las 14:00 horas

El canal Film & Arts puede verse en México por: AxtelTV (625), Totalplay (494), Sky (427 y HD 1437), Megacable (297), Izzi (430), Cablemás (430), Cablevisión Monterrey (430).

Acerca de Film & Arts Film & Arts es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. Con una imagen moderna y vanguardista que subraya “el arte del entretenimiento”, el canal brinda a su audiencia una amplia gama de contenidos de alto nivel entre los que destacan grandes espectáculos de Broadway, eventos en vivo y algunas de las series de época más aclamadas de la actualidad, así como programas de entrevistas, series de concurso y destacadas películas orientadas a las artes. Disponible en HD las 24 horas del día, Film & Arts es contenido de alto valor estético para una audiencia exigente.

Sitio web: www.filmandarts.tv Facebook: FilmAndArtsTV Twitter: @FilmAndArtsTV Instagram: @filmandarts.tv

Llega a Film & Arts la segunda temporada de Master of Photography Generalmente, cuando el mundo moderno piensa en "Foto", su primer idea es la cámara que trae en el celular, más cuando ve los resultados y los compara con aquellos que se presentan en medios, los resultados pueden variar, toda vez que así como hay quienes han aprendido a sacar los mejores resultados de su cámara casera, hay quienes con un equipo profesional fallan en ciertos detalles que alguien con buen ojo y timing puede superar sin importar el equipo.

#film&arts #fotografia #television

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adjose · 6 years

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Foto de protestas en Venezuela ganó el World Press Photo 2018

Venezuela.- La foto titulada “Retrato de una Venezuela en llamas”, por Ronaldo Schemidt ganó el premio World Press Photo 2018. Este premio es otorgado a las mejores fotografías de sucesos en el mundo cada año.

Schemidt tomó la foto durante las protestas en las calles de Caracas en el 2017. La protesta, como muchas en ese período de tiempo se tornó violenta y la fotografía surgió justo cuando un…

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#enfrentamientos en Venezuela #Fotografia #ganador del world press photo 2018 #protestas en venezuela #Ronaldo Schemidt #ronaldo schemidt fotografo #world press photo concurso

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cesarsantosjr · 6 years

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@Regranned from @actualidadrt - Retrato de Aisha, una joven de 14 años en Maiduguri (Nigeria) el 21 de septiembre de 2017. Aisha fue secuestrada por Boko Haram y después la enviaron a realizar un ataque suicida con explosivos. La joven consiguió encontrar ayuda cuando ya tenía los explosivos atados a su cuerpo y se pudo evitar una tragedia. Esta imagen ha sido nominada al premio Foto del Año de los World Press Photo. #rtenespañol #nigeria - #regrann (en Santiago de Veraguas)

#rtenespañol #nigeria #regrann

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fanny98garzon-blog · 7 years

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Lo mejor de la fotografía en Puebla 1 / 1 Se presentó en puebla la edición 60 de la exposición por parte de World Press Photo, en donde a base de una narrativa visual se presentan los acontecimientos más importantes que ocurrieron durante el año así como conflictos que sucedieron a nivel mundial y que quedaron guardados en la mente y retratos de fotógrafos, fotoperiodistas y documentalistas participes en esta exposición y por supuesto reconocidos en todo el mundo. La narrativa visual que podemos encontrar en esta exposición está distribuida en diferentes categorías de acuerdo a los acontecimientos ocurridos, las cuales cuentan grandes historias. La imagen que recibió el premio a Mejor Fotografía del Año fue la del autor Burhan Ozbilici y esta titulada como “ Un asesinato en Turquía”, esta registra el momento exacto en el que el turco MelvÜt Mert Altinas asesino al embajador ruso Andrei Kárlov a finales del año 2016. En diciembre de 2016 inicio la selección de estos retratos, con la llegada de cerca de 80000 fotografías y 5000 fotógrafos los cuales buscaban ser parte y portar el muy prestigiado reconocimiento por parte de World Press. Por segundo año Puebla pudo albergar esta grandiosa exposición la cual se encuentra dividida en ocho categorías: temas contemporáneos, vida diaria, noticias generales, proyectos a largo plazo, naturaleza, gente, deportes y noticias spot Con un total de 143 imágenes considerado el concurso de fotografía más importante del mundo World Press Photo deja la ciudad de puebla para seguir su exposición por Guanajuato y posteriormente seguir por el mundo presentando la mejor narrativa visual para los conocedores del mundo de la fotografía.

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fotografobcn · 5 years

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Retratos en la fotografía holandesa contemporánea

Kutxa Fundazioa presenta en la sala Artegunea de San Sebastián la muestra A Whiter Shade of Pale. Retratos en la fotografía holandesa contemporánea, que permanecerá abierta al público entre los días 8 de marzo y 2 de junio de 2019. Comisariada por Ramón Esparza y compuesta por 92 fotografías, la exposición reúne la obra de tres fotógrafas contemporáneas, cuyo trabajo conecta a través de la tradición artística del Barroco holandés: Hellen van Meene, Carla van de Putelaar y Sanne De Wilde. Tres formas de entender el retrato y, al mismo tiempo, la revisión de la práctica fotográfica en los años de la posmodernidad.

El trabajo de estas artistas no se reduce a lo puramente visual, a la forma, sino que va más allá y plantea, de una forma extremadamente estética, cuestiones como el concepto de belleza, de la individualidad, de la diferencia, o la función de las imágenes en la actualidad.

La exposición toma como título el título de una canción de Procol Harum, un grupo del llamado «rock progresivo», que, a su vez, se inspira en una anécdota de Keith Reid, autor de la mayoría de sus canciones. Reid escuchó en una fiesta a un hombre decir a la chica con la que conversaba «estás más pálida que el blanco». Aquella frase dio pie a la canción, versionada posteriormente por cantantes como Johnny Rivers o Annie Lennox.

Entre las actividades organizadas en torno a la muestra destacan una masterclass que impartirá Helen van Meene el 9 de marzo y una conferencia de Ramón Esparza, comisario de la muestra, el 9 de mayo, además de las habituales visitas guiadas y talleres semanales. Información sobre las actividades en la web https://kutxakulturartegunea.eus/

Luz, Barroco y adolescencia

Entre las características que nos remiten a la herencia barroca holandesa, destaca el uso de la luz, de la llamada «luz del Norte» trasladada de los cuadros de la época clásica al ámbito de la fotografía. En la obra de Carla van de Puttelaar encontramos los tonos pálidos y las luces frías de los cuadros flamencos, y, en las poses, las formas sinuosas de la pintura barroca. Pero además de los elementos estilísticos, nos lleva al concepto de belleza en el Barroco, en el que subyace la idea de la vanitas, «la asunción de que se trata de algo temporal y pasajero a lo que sucederá el declive y la muerte de la carne», presente en el cuerpo femenino y en las flores. Pero mientras las flores se presentan en su perfección natural, van de Puttelaar explora la imperfección de sus modelos: pequeñas alteraciones cutáneas, como granos o verrugas son registradas de forma «natural» por la cámara, la marca dejada en la piel por los elásticos de la ropa interior.

Hellen van Meene, por su parte, utiliza la luz natural, mortecina, a menudo en interiores, de una forma que recuerda mucho la pintura barroca, pero en cuanto al tema se basa más en la sistematización del método científico, tal como comenzó a plantearse en los Países Bajos en la misma época. Durante veinte años, ha centrado su carrera en el retrato de adolescentes, preferentemente niñas, en ese momento tan trascendental de la vida de una persona en el que se ha abandonado la niñez, pero todo está aún por decidir. Las poses están cuidadosamente estudiadas y las miradas nos acercan a la parte psicológica de la adolescencia: temores, dudas, despertar de la sexualidad y auto-reconocimiento en un cuerpo en cambio.

Últimamente, van Meene ha comenzado a introducir mascotas en sus fotografías, acompañando a sus dueñas y luego como protagonistas de la imagen, pero en realidad se trata de un ejercicio de antropomorfismo, con el que pretende hacernos buscar esas sensaciones que hemos visto en sus jóvenes, aunque esta vez en sus animales de compañía.

La autora más joven de este trío, Sanne De Wilde, es también la que plantea un estilo más diferenciado, pero que no puede separarse de la tradición fotográfica forjada desde los años noventa. Snow White es una serie sobre el albinismo y los problemas que sufren quienes tienen esa enfermedad. El hecho de que sean albinos, de hecho, nos lleva a hablar de la diferencia y del rechazo social que genera. El albino es «el otro».

En el fondo, afirma De Wilde, los albinos son una metáfora. Son la magnificación de nuestros miedos y nuestra inseguridad, pero también de nuestra fuerza. «Trato de crear una impresión poderosa de esa fragilidad».

Biografías

Sanne De Wilde (Amberes, 1987), se graduó en 2012 en Bellas Artes (Fotografía) en KASK (Real Academia de Bellas Artes), Gante. Desde entonces ha trabajado en proyectos editoriales de corte documental, centrándose en el modo en que la genética influye en la vida de la gente y el efecto que tienen en las comunidades. Su primer proyecto, Dwarf Empire (El imperio de los enanos) recibió el Premio Internacional de Fotografía -‘Emergentes’- DST en 2013. Su segundo gran proyecto Snow White -que mostramos aquí- ha recibido el Prix National Photographie Ouverte y el Un Work Award a la excelencia en Fotografía. También ha sido premiada con el PHmuseum Women Photographers Grant y el Zilveren Camera Award por The Island of the Colorblind, 2016.

http://www.sannedewilde.com/

Hellen van Meene (Alkmaar, 1972), estudió fotografía en la Gerrit Rietveld Academie, donde se graduó en Fotografía en 1986. Previamente estudió en el Edinburgh College of Art. Su trabajo se ha centrado desde entonces, de forma casi exclusiva, en el retrato de jóvenes adolescentes, un momento de la vida en el cual se hacen patentes la tensión psicológica y la ambigüedad en el desarrollo de la personalidad. A lo largo de su carrera ha publicado cinco monografías: The Years Shall Run Like Rabbits (2015), Japan Series (2002), Portraits (2004), New Work (2006) y Tout va disparaître (2009) y su obra está presente en los principales museos del mundo, como el MoMA y Guggenheim Museum de Nueva York, Stedelijk Museum de Amsterdam, Victoria & Albert Museum de Londres y el Art Institute de Chicago. En 2016 fue nombrada miembro de Honor de la Royal Photographic Society, la asociación más antigua del mundo.

http://hellenvanmeene.com/

Carla van de Puttelaar (Zaandam, 1967), estudió fotografía en la GerritRietveld Academie de Amsterdam (1996) y se doctoró en Historia del Arte en 2017 en la Universidad de Utrecht. Su trabajo se ha centrado en la reinterpretación desde la fotografía de los temas clásicos de la pintura del siglo de Oro holandés y flamenca, principalmente el desnudo y la vanitas. En sus imágenes reutiliza la iconografía de las pinturas de Rubens, Rembrandt o Maerten de Voos. Ha publicado varias monografías entre las que destacan Adornments (2017), Beholder’s Eye (2008), Galateas (2008), 2 Photographers 1 Camera, Portraits by Maria Austria and Carla van de Puttelaar (2016). En 2017 fue miembro del jurado del World Press Photo.

http://www.carlavandeputtelaar.com/

Datos prácticos

Fechas y horarios

A Whiter Shade of Pale. Retratos en la fotografía holandesa contemporánea 8 de marzo – 2 de junio de 2019

Comisario: Ramón Esparza

Sala Kutxa Kultur Artegunea Plaza de las Cigarreras, 1 20012 Donostia / San Sebastián Tf. 943 25 19 37

Horario De martes a domingo de 11:30 h. a 13:30 h. y de 17:00 h. a 21:00 h. Como siempre, la entrada a la sala es libre.

Catálogo El catálogo recoge todas las piezas expuestas en esta muestra, con fotografías a todo color. Texto: Ramón Esparza. Fotografías: Hellen van Meene, Carla van de Puttelaar y Sanne De Wilde Idiomas: euskara, castellano e inglés

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fotografobcn · 5 years

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Jordi Socías en Too Many Flash el próximo 2 de marzo

Salvador Dalí, Jorge Luis Borges, Gabriel García Márquez, Graham Greene, Vittorio Gassman, Woody Allen o Bernardo Bertolucci se han puesto ante la cámara de Jordi Socías, como también lo han hecho Pedro Almodóvar, Rossy de Palma o Penélope Cruz.

Tras el paso de Pierre Gonnord, Alberto García-Alix, Luis Baylón o José Cendón, entre otros, el próximo 2 de marzo estará en la Escuela de Emprendimiento Fotográfico Too Many Flash el reconocido y prestigioso retratista Jordi Socías, dentro del ciclo A Cámara Abierta. A sus 74 años, Jordi Socías es historia viva de la fotografía española y un referente del nuevo fotoperiodismo español. La entrada libre, previa inscripción aquí: https://toomanyflash.com/pec-events/jordi-socias/1551528000/

Jordi Socías, un referente del retrato en España

Jordi Socías comienza su andadura como fotógrafo de prensa en los años setenta, publicando en las revistas La Calle, Nuevo Por Favor, Mundo, Destino y La Vanguardia, pero la mayor parte de su trabajo la ha realizado en Cambio 16, primero como fotógrafo y después como editor gráfico.

Además, este fotógrafo barcelonés fundó la Agencia Popular Informativa (API) y la emblemática Agencia Cover. En esta última colaboraron grandes fotógrafos independientes como Gervasio Sánchez, Luis Valtueña, o Sofía Moro entre muchos otros. Ya en 2006 la Agencia Cover fue adquirida por Jupiter Images, que, a su vez, fue comprada por Getty Images, lo que supuso su desaparición en 2008.

Socías participó en la creación de la revista de tendencias culturales El Europeo. También ha sido fotógrafo y editor gráfico de la revista La Calle, El Gran Musical, Cinemanía, Madrid Me Mata y El País Semanal.

Su estilo, definido como “naturalismo cosmopolita”, aúna humor, realismo, ironía y glamour. Preocupado por mostrar lo invisible en un mundo visible, Jordi Socías ha fotografiado todo y a todos, siempre buscando captar aquello que los demás no ven.

Ha impartido conferencias y talleres y ha sido jurado de premios como World Press Photo, FotoPress, Caminos de Hierro o Descubrimientos. PHotoEspaña. Su obra ha itinerado por exposiciones alrededor del mundo (Viena, Belgrado, Cracovia, Lyon, Bruselas, Praga, Washington, Nueva York, Chicago, etc…)

Entre sus publicaciones destacan: ‘La guía secreta de Barcelona’, (1974), ‘Pasionaria, memoria gráfica’ (1985), ‘Maremágnum, fotografías 1973-2005’ (2005) y ‘Jordi Socías’ (2010).

A Cámara Abierta

El evento A Cámara Abierta con Jordi Socías se enmarca dentro de la línea formativa de la Escuela de Emprendimiento Fotográfico Too Many Flash, una línea que apuesta por una formación completa y práctica que no termina en el aula, donde el alumno y asistente siempre es el protagonista.

EVENTO: A Cámara Abierta con Jordi Socías FECHA: Sábado, 2 de Marzo de 2019, 12h LUGAR: TOO MANY FLASH Escuela de Emprendimiento Fotográfico. Calle de Gaztambide, 29, 28015 Madrid (<M> Argüelles/Moncloa) ENTRADA: Libre previa inscripción aquí: https://toomanyflash.com/pec-events/jordi-socias/1551528000/

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fotografobcn · 5 years

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Calendario Lavazza 2019 “Good to Earth”

Presentación del Calendario Lavazza 2019 «Good to Earth»

LA NATURALEZA SE VUELVE ARTE

Desde el glaciar del Ródano a las selvas de Tailandia, pasando por los cafetales colombianos y el desierto marroquí: capturadas en fotografías de Ami Vitale, seis instalaciones artísticas medioambientales nos hablan de algunas de las buenas noticias para la Tierra que adoptan la forma de proyectos virtuosos de reforestación, protección de la biodiversidad y conversión de zonas industriales en espacios verdes.

Enclavado entre los picos más altos de los Alpes suizos hay un sorprendente retrato de dos niños que parecen estar refugiándose del frío y el fundente glaciar del Ródano bajo una manta geotextil.

Mientras tanto, en Kenia, un enorme lienzo instalado en una balsa que flota en la bahía de Gazi hace que parezca que los manglares y el martín pescador representados en el cuadro están en armonía con la fauna acuática y el follaje de la selva.

En Colombia, por otro lado, María Paula es la jovencita retratada tumbada en el césped en un cuadro que mide 8000 metros cuadrados. Usa las manos para proteger un arbusto de cafeto, simbolizando el deseo de cuidar de su propio futuro y del de la zona en la que vive.

Y si nos aventuramos en la selva tailandesa, podemos entrever a una orgullosa mujer retratada en una lámina de plexiglás que está en armonía con los árboles y su ramaje.

A continuación, pasando a Bélgica, un imponente mural celebra el renacer de Genk, una antigua zona industrial y minera que ha vuelto a recuperar el ritmo gracias a un nuevo ciclo de desarrollo sostenible y que, en la actualidad, recibe con alegría el retorno de la población de abejas.

Por último, en Marruecos, dos manos enormes que cubren 37.000 metros cuadrados, creadas usando un rastrillo y 36 toneladas de grava, contribuyen simbólicamente a la tarea de irrigar el desierto.

Estas son las seis instalaciones artísticas, colocadas en el entorno y en armonía con selvas, desiertos, glaciares y ciudades, que se recogen en el Calendario Lavazza 2019 «Good to Earth». Las fotografías de Ami Vitale documentan el arte de la naturaleza de Hula (Suiza), Mantra (Kenia), Saype (Colombia), Gomez (Tailandia), Millo (Bélgica) y Gerada (Marruecos), y nos hablan de buenas noticias para la Tierra o, en otras palabras, de los proyectos virtuosos de reforestación, protección de la biodiversidad y conversión de zonas industriales en espacios verdes identificados por todo el mundo en asociación con el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA), que pueden contribuir a la protección de la naturaleza y, por lo tanto, del planeta. El Calendario Lavazza, ya en su 27.ª edición, fue realizado bajo la dirección creativa de la agencia publicitaria Armando Testa.

«En “Good to Earth”, la naturaleza se convierte en arte para inspirar un comportamiento respetuoso con el medio ambiente. Lo hace a través de una forma de arte contemporáneo totalmente inmerso en la naturaleza, una original mezcla de la historia contada en las imágenes de Ami Vitale y de las obras de artistas urbanos de fama internacional que se han embarcado en lo que solo se puede describir como un proceso de cocreación con el medio ambiente», explica Francesca Lavazza, la responsable del Calendario Lavazza y miembro del Consejo de Administración de la empresa. «En la actualidad hace mucha falta un arte positivo que no sea un fin en sí mismo, sino que deje huella, inspire a las personas y remueva conciencias. Por ello, el arte positivo de “Good to Earth” funciona contra la narrativa unilateral del planeta como un “paciente enfermo” y opta por contar historias de comportamientos virtuosos y reconversión medioambiental, que esperamos que influyan en la gente, en los jóvenes en particular, y les inspire a comprometerse a título individual con la protección de nuestro planeta».

La fotógrafa. Diez años después de la legendaria Annie Leibovitz, las fotografías incluidas en el Calendario Lavazza son de nuevo obra de una mujer, la genial fotógrafa internacional Ami Vitale. Esta fotógrafa estadounidense trabaja en plantilla para la revista National Geographic, ha ganado seis veces un premio World Press Photo y es enormemente valorada en todo el mundo por su capacidad para describir y transmitir la sorprendente belleza de la naturaleza. «Después de contar historias sobre nuestra humanidad colectiva en temas relacionados con la guerra, la pobreza y la salud en más de 100 países, lo que más me ha chocado es que el resultado de todas estas historias siempre ha dependido de la naturaleza. Perder una parte de la naturaleza nos afecta a todos. Como fotógrafa, cuanto más documento a las personas y sus problemas, más me doy cuenta de que estoy documentando la naturaleza, y cuanto más documento la naturaleza, más me doy cuenta de que fotografío las vidas de las personas. Son lo mismo. En la actualidad, utilizo la naturaleza como contraste para hablar de nuestra casa, nuestro futuro y de hacia dónde vamos. La extinción de una especie, por ejemplo, genera un efecto dominó sobre otros animales y la humanidad», comenta Ami Vitale. «Por ello me entusiasma ver cómo el arte se convierte en parte integral del medio en “Good to Earth” y nos habla del futuro de la naturaleza, que es el futuro de todos nosotros. Y es que, aunque nosotros necesitamos a la naturaleza para sobrevivir, ella no nos necesita a nosotros. En un mundo con más de 7000 millones de personas debemos empezar a vernos como parte del paisaje. Nuestro destino está vinculado al del mundo natural».

Los proyectos «Good to Earth». Las seis instalaciones de arte ambiental, creadas por artistas que únicamente utilizan técnicas con cero impacto sobre el paisaje y el ecosistema, se inspiran en seis proyectos que son buenos para la Tierra, identificados por Lavazza en asociación con el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente en cuatro continentes. Desde las mantas geotextiles blancas introducidas en Suiza para combatir el deshielo de los glaciares, hasta los miles de manglares plantados cada año en Kenia para absorber dióxido de carbono y proteger a las comunidades locales de las inundaciones y los tsunamis; desde los arbustos de cafeto que han hecho que los campos vuelvan a ser exuberantes y las granjas sostenibles florezcan en Colombia, hasta la reforestación y la regeneración de la vida salvaje que se está practicando en Tailandia; desde los hoteles para abejas de los nuevos jardines de Genk (Bélgica), hasta el cinturón verde de Marruecos, en los que se utilizan innovadores sistemas que se alimentan de energía limpia para proteger a la ciudad de las tormentas de arena.

El lenguaje. El ambicioso desafío que aborda el Calendario Lavazza 2019, desarrollado bajo la dirección creativa de Armando Testa, consiste en llegar a los más jóvenes usando un lenguaje comunicativo visualmente innovador, para remover conciencias y desterrar la idea de que «la buena noticia es que no hay noticias». «“Good to Earth” establece un equilibrio artístico entre la naturaleza y la narrativa fotográfica. Por ello, su estructura es la de una revista que ojear, que a lo largo de 12 meses cuenta la historia de seis proyectos virtuosos para la Tierra a través de las extraordinarias fotografías de Ami Vitale: seis imágenes de las instalaciones artísticas situadas en la naturaleza y seis fotogramas emblemáticos de estos lugares en los que los proyectos «Good to Earth han cobrado vida y se han creado obras de arte», comenta Michele Mariani, director creativo ejecutivo en Armando Testa. «Después de la edición dedicada a los 17 objetivos de desarrollo sostenible de las Naciones Unidas, el Calendario Lavazza sigue siendo un consumado símbolo de la unión del arte y el compromiso social. Con “Good to Earth” hemos decidido dar testimonio del hecho de que, a pesar de todo, hay bondad en la Tierra».

Las buenas noticias son contagiosas. El Calendario Lavazza 2019, que se puede ojear en línea en lavazza.com, invita a los entusiastas de la fotografía y al público en general a participar en un llamamiento fotográfico a la acción para poner en práctica la misión del «Good to Earth». El objetivo es crear un archivo fotográfico virtual de las iniciativas virtuosas que la gente presencia todos los días, en las que se respeta la naturaleza y se hacen cosas buenas por el planeta. Para compartir sus historias, los usuarios solo tienen que publicar una fotografía en Instagram con el hashtag #goodtoearth antes del 31 de enero de 2019.

El post Calendario Lavazza 2019 “Good to Earth” fue publicado por primera vez en DNG Photo Magazine.

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diegoricol · 5 years

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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol recomienda: Estos son (probablemente) los 50 mejores fotógrafos de la historia (y I)

Completamos nuestro especial que iniciamos la semana pasada en el que proponemos una lista de lo que (posiblemente) sean los 50 mejores fotógrafos de la historia. Un listado que, por supuesto, es discutible, y en el que seguro falta gente pero también estamos convencidos de que no sobra nadie. Así que vamos con los otros 25 nombres más destacados de la historia de la fotografía.

Annie Leibovitz (1949)

Comenzamos con una de las fotógrafas de retrato más famosas en activo (aunque también ha tocado otros géneros). Annie Leibovitz trabaja para revistas como Rolling Stone, Vanity Fair y Vogue y es conocida por sus elaboradas e imaginativas producciones de gran presupuesto en las que ha retratado a muchas de las celebridades más conocidas del mundo actual convirtiéndolas en icónicas imágenes.

Foto de Annie Leibovitz compartida en el álbum de Retrogasm

Saul Leiter (1923 – 2013)

Mitad pintor mitad fotógrafo, sin duda su obra tiene una gran influencia pictórica que se reflejó en unas imágenes que destacan por su búsqueda de composiciones inusuales y su uso de la geometría. Aunque se dedicó tanto a la foto de moda como a la editorial, Saul Leiter es sobre todo un referente de la fotografía urbana, con sus inconfundibles imágenes de la Gran Manzana, y uno de los pioneros (y maestros) en el uso del color.

Robert Mapplethorpe (1946 – 1989)

Este fotógrafo estadounidense, fallecido tempranamente por culpa del SIDA, sin duda fue un provocador como demuestra el hecho de que casi treinta años después de su muerte sus fotos sigan siendo polémicas. Obsesionado por lograr la perfección estética, Robert Mapplethorpe es conocido sobre todo por sus retratos, muchos de ellos desnudos masculinos, pero también por sus imágenes de flores, aunque éstas también tuvieran un fuerte contenido sexual.

Julia Margaret Cameron (1815 – 1879)

Esta inglesa fue toda una pionera en unos tiempos en los que la fotografía aún apenas se preocupaba de lograr la perfección técnica. Sin embargo, Julia Margaret Cameron exploró las posibilidades expresivas y artísticas del nuevo medio a través de sus retratos de familiares, amigos y personajes famosos de la Inglaterra Victoriana, así como a la representación escenográfica de alegorías.

Foto de Julia Margaret Cameron en Wikimedia Commons con licencia de dominio público.

Don McCullin (1935)

Este londinense es conocido mundialmente por haber cubierto, como fotógrafo de guerra, algunos de los conflictos bélicos más importantes de los 60 y 70 (como Vietnam, Chipre o Camboya), mostrando la realidad brutal de la guerra con imágenes que han quedado para la historia. Porque la obra de Don McCullin, ya sea como fotoperiodista o en otras facetas, no sólo busca contar una historia sino que, además de mostrar un fuerte compromiso del autor, pretenden hacer reflexionar al espectador.

Foto de Don McCullin en el álbum de Ur Cameras con licencia de domino público

Steve McCurry (1950)

Seguramente es uno de los fotoperiodistas en activo más populares del mundo, es miembro de Magnum y colaborador habitual de National Geographic desde hace muchos años. La variada carrera de Steve McCurry incluye reportajes de guerra, cobertura de desastres naturales, fotografía de viajes y retratos, como el de la chica afgana que se ha convertido en una foto icónica.

Foto de Steve McCurry en el álbum de Cea +

Joel Meyerowitz (1938)

Uno de los uno de los grandes referentes de la fotografía de calle que tampoco podía faltar. El neoyorkino Joel Meyerowitz es uno de los artistas que más influencia ha ejercido en el campo de la fotografía urbana. Su obra principal, cómo no, está basada en retratar las calles de Nueva York a partir de los 60, algo que él hace pero con un estilo propio en el que tuvo especial importancia el uso del color (que él defendió como pocos y ayudó a implantar).

Inge Morath (1923 – 2002)

Otra pionera en la historia de la fotografía, sobre todo por su lucha por la presencia femenina en un mundo netamente masculino (especialmente en sus comienzos). De hecho, Inge Morath fue pionera al trabajar en Magnum (en principio como editora y tiempo después como fotógrafa de la agencia), cuando, en 1949, Robert Capa le ofreció participar del proyecto junto a su marido Ernst Hass. Su trayectoria como fotoperiodista le llevó a recorrer el mundo retratando todo tipo de países, pero sin duda su proyecto principal fue el que realizó sobre el Danubio (y que hace poco fue recreado).

James Nachtwey (1948)

Ganador de numerosos premios internacionales, como el World Press Photo o la Robert Capa Gold Medal, este norteamericano es sin duda una leyenda del fotoperiodismo. James Nachtwey ha cubierto multitud de guerras, conflictos y crisis sociales como la guerra de Irak, la crisis humanitaria de Somalia o los ataques terroristas de 2001 en el World Trade Center, pero sobre todo se ha destacado por la honestidad de sus imágenes que buscan contar la verdad.

Arnold Newman (1918 – 2006)

Otro de los grandes en el campo del retrato es este neoyorkino que, desde la década de 1930, inmortalizó a las más importantes personalidades de la sociedad norteamericana, entre actores, escritores, políticos y artistas en general (como Igor Stravinsky, Woody Allen, J. F. Kennedy o nuestro Pablo Picasso). Claro que si por algo han quedado para la historia los retratos de Arnold Newman es por su peculiar forma de hacerlos, con el personaje en su entorno de trabajo para poder darle un significado a la fotografía difícil de conseguir con un retrato descontextualizado (por muy famoso que sea el protagonista).

Helmut Newton (1920 – 2004)

Nacido en Berlín de orígenes judíos, tuvo que dejar Alemania y emigrar a Singapur donde empezó a hacer fotos para un periódico local, pero no fue hasta su regreso al viejo continente (primero Londres y luego París), cuando se hizo un nombre como fotógrafo de moda. Helmut Newton fue capaz de retratar el glamour de la belleza femenina como nadie antes trabajando para revistas como Elle y Vogue y retratando a las mejores modelos del mundo. Sus fotos eran eminentemente provocativas pero, al mismo tiempo, el maestro fue capaz de convertir a la mujer en una figura glamourosa y poderosa.

Foto de Helmut Newton en al álbum de Retrogasm

Martin Parr (1952)

Presidente de la Agencia Magnum hasta hace poco tiempo, este británico cuenta con una larga carrera en la que se ha destacado por un lenguaje visual único y una forma de mirar muy personal. Porque Martin Parr es sobre todo conocido por sus fotos de turistas en vivos colores (y muchas veces usando el flash de relleno) en las situaciones más inverosímiles, dentro de un estilo documental caracterizado por la ironía, que en ocasiones resulta ambigua y otras roza lo grotesco.

Irving Penn (1917 – 2009)

Formado en artes visuales (y hermano del famoso director de cine Arthur Penn), este norteamericano fue uno de los fotógrafos de moda y retrato más reverenciados en los círculos fotográficos norteamericanos, aunque también se prodigó en las naturalezas muertas y todo tipo de imágenes publicitarias. Irving Penn fue de los primeros en plantear los retratos colocando a los sujetos contra un fondo gris o blanco, con una eminente simplicidad pero al mismo tiempo gran expresividad (gracias a la composición y la iluminación) que se convirtió en su seña de identidad.

Foto de Irving Penn en el álbum de Kristine

Raghu Rai (1942)

Considerado como uno de los más grandes fotógrafos de la India (no todo van a ser europeos y americanos), Raghu Rai empezó por casualidad pero ha forjado una larga carrera como fotoperiodista (también miembro de Magnum) inmortalizando los momentos más destacados de la historia del gran país asiático. Tiene varios libros editados, múltiples exposiciones y premios y un trabajo publicado (entre otros) en Time, Life, GEO, The New York Times, Newsweek y The India Today, pero si por algo es conocido es por sus retratos a la Madre Teresa de Calcuta.

Man Ray (1890 – 1976)

Otro que no podía faltar es este norteamericano hijo de emigrantes rusos que fue uno de los mayores innovadores de los primeros tiempos al aplicar el surrealismo y el dadaísmo a la fotografía. Su visión, al tiempo experimental y poética de este arte, llevó a Man Ray a crear (muchas veces sin una cámara propiamente dicha) algunas imágenes de desnudos, naturalezas muertas, moda y retratos que han pasado a la historia convirtiéndose en imágenes icónicas.

Foto de Man Ray en el álbum de Haka004

Sebastião Salgado (1944)

Uno de los fotoperiodistas más famosos de la actualidad, este artista brasileño se ha hecho famoso sobre todo por documentar el tercer mundo y poner cara al sufrimiento, la pobreza y la injusticia, colaborando con ONG’s y asociaciones del tercer mundo. Las imágenes de Sebastião Salgado son de un blanco y negro poderoso, con tintes épicos, como los de su obra clave ‘Genesis’ donde se propuso capturar la naturaleza salvaje de los rincones de la Tierra aún intactos.

Foto de Sebastião Salgado en el álbum de Ur Cameras

Stephen Shore (1947)

Este fotógrafo estadounidense fue, junto a William Eggleston, uno de los artistas pioneros que contribuyó al reconocimiento de la fotografía en color. Todo un niño prodigio, aficionado a la fotografía desde pequeño y de formación autodidacta, Stephen Shore es mundialmente reconocido por sus imágenes que retratan escenas banales y elementos típicos de los Estados Unidos. Todas ellas recopiladas en el libro ‘Uncommon Places’ que está entre los más recomendados de la historia de la fotografía.

William Eugene Smith (1918 – 1978)

Se trata de uno de los fotoperiodistas más reconocidos del Siglo XX, miembro de Magnum desde los años 50 y que da nombre a uno de los premios de foto humanitaria más prestigiosos (el The W. Eugene Smith Grant). Porque William Eugene Smith tiene una larga trayectoria cubriendo conflictos como la Segunda Guerra Mundial antes de convertirse en una figura clave en el desarrollo del ensayo fotográfico. Metódico y perfeccionista, fue pionero en discutir con los editores de las publicaciones y defender el derecho del autor a controlar cómo salían publicadas sus fotografías.

Alfred Stieglitz (1864 – 1946)

Para que la fotografía fuera considerada una disciplina artística hicieron falta pioneros como éste, que luchó toda su vida por que fuese considerada a la altura de la pintura o la escultura. En ello tuvo que ver su educación germánica (nació en norteamericana de padres emigrantes alemanes, regresó a Alemania, y luego de nuevo a los EEUU, todo ello antes de que concluyera el Siglo XIX), en ingeniería mecánica y química. Alfred Stieglitz fue un asiduo colaborador de las revistas de fotografía más prestigiosas, como The Amateur Photographer o Camera Work, que él mismo fundó para reivindicar el valor del nuevo arte en un movimiento que se denominó fotografía directa.

Dennis Stock (1928 – 2010)

Autor de la icónica fotografía de James Dean que veis abajo, Dennis Stock comenzó tardíamente en la fotografía, tras regresar de la II Guerra Mundial (donde fue marino). Sin embargo, su talento le llevó a entrar en Magnum, a propuesta de Robert Capa, tras proclamarse mejor joven fotógrafo por la revista Life. Poco después de entrar en Magnum se trasladó a Hollywood, donde se hizo amigo del malogrado actor, al que retrató asiduamente, aunque sobre todo se dedicó a documentar el ambiente musical de los 60 y 70, en especial el mundo del jazz. Curiosamente, él mismo se convirtió en un icono al ser fotografíado por Andreas Feininger en un famoso retrato que seguro habréis visto.

Paul Strand (1890 – 1976)

Si Alfred Stieglitz fue el instigador de la fotografía directa, éste fue su más directo seguidor en esta corriente que defendía la fotografía como un medio artístico en sí mismo y no como una forma de imitar la pintura artística. Por eso la obra de Paul Strand está llena de retratos directos y sencillos, muy diferentes a las imágenes pictorialistas de su época y con una temática muy distinta. Así, se dedicó sobre todo a fotografiar la vida diaria de la gente común de su natal Nueva York, muchas veces sin que ellos se dieran cuenta (para lo cual recurrió a ciertos trucos).

Hiroshi Sugimoto (1948)

Este artista japonés afincado en norteamérica es un maestro de la fotografía minimalista y conceptual, conocido sobre todo por sus retratos del mar de la serie ‘Seascapes’. Un proyecto donde Hiroshi Sugimoto, como contaba nuestro compañero Sergio, “su fotografía se vuelve no una búsqueda personal de entender el mar, sino el de meterse en otro cuerpo, en otro espacio temporal y de trasladar ese sentimiento de curiosidad, de incertidumbre y del infinito”. Curiosamente, una de las fotos de esta serie fue portada de un disco de la conocida banda irlandesa U2.

Foto de Hiroshi Sugimoto en el álbum de jennifer p

Edward Weston (1886 – 1958)

Otro de los grandes maestros de la fotografía estadounidense del siglo XX, innovador y carismático. Conocido como el maestro de la esencia fotográfica, Edward Weston es muy conocido por sus fotografías de gran formato con un altísimo grado de nitidez, ya fueran paisajes desérticos, desnudos, naturalezas muertas o incluso retratos de verduras, hortalizas o conchas. Junto a Ansel Adams e Imogen Cunningham fundó el Grupo f/64 que respondía a la idea de la fotografía directa.

Garry Winogrand

Posiblemente el fotógrafo más prolífico de la historia, con más de 250.000 imágenes, muchas de las cuales nunca llegó a ver reveladas. Garry Winogrand es otro de los pioneros de la street photograhy, que él practicó asiduamente (aunque no le gustaba el término) con fotos callejeras hechas con rapidez para captar momentos únicos y con las que realizó un exhaustivo retrato de la Norteamérica de los años 60 y 70 (hasta el punto de ganarse el apodo de el “cronista de América”).

Weegee (1899 – 1968)

Nuestro último nombre es Arthur Fellig, más conocido por su apodo Weegee que derivaba de la palabra “ouija”, porque siempre pareció tener un sexto sentido para saber cuando ocurría algún crimen o hecho que fotografiar en Nueva York (lo cierto es que llevaba una radio con la emisora de la policía en su vehículo). Sus fotos (tomada en su mayoría siguiendo la regla del F8 que él inventó), que tenían un evidente carácter exhibicionista, aparecieron en los periódicos de los años 30 y 40 y hoy día son un fascinante documento (algo morboso, eso sí) de la vida de la ciudad en aquella época.

Y con esto hemos acabado nuestro listado de los (posiblemente) 50 mejores fotógrafos de la historia. Sabemos que echaréis en falta muchos nombres, por ejemplo de españoles como Ramón Masats o Catalá Roca (tal vez, si os parece interesante, podemos hacer más adelante uno sobre los mejores fotógrafos españoles de la historia).

Pero, como decíamos al principio, seguramente se puedan añadir nombres pero sería casi imposible prescindir de algunos de estos grandes maestros que han hecho de la fotografía el arte que es hoy. Como siempre, esperamos vuestros comentarios.

Foto de portada | De Jacques Henri Lartigue con licencia de dominio público

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