#Le fantôme de l'opéra (1925)

[an-angels-fury]

A little question to our dear phandom:

I know that every Erik from each Phantom adaptation that was released till nowdays has a unique way to be refered as. Some examples:

MERIK -> Musical!ERIK (ALW version)

CHERIK -> CHarles Dance!ERIK (1990 version)

GERIK -> Gerard Butler!ERIK (2004 version)

So, talking about this, what I want to ask is: who's LERIK supposed to be? When I hear the name, I should think of Leroux!ERIK (book version) or Lon Chaney!ERIK (1925 version)?

If someone knew the anwser and explained me more about this weird naming system, I'd be very thankful for it 🙏

Thanks for your attention 😘

#just a little peeve of mine #the phantom of the opera #phantom of the opera #poto #le fantôme de l'opéra #gaston leroux #poto 1925 #alw phantom #poto 1990 #poto 2004 #poto 25 #erik the phantom #erik poto #lon chaney #cherik #gerik

[darkmovies]

#classique #domaine public #films d'horreur #Je suis une légende (1964) #La Nuit de tous les mystères (1959) #La Nuit des morts-vivants (1968) #La petite boutique des horreurs (1960) #La sorcellerie à travers les âges (1922) #Le cabinet du docteur Caligari (1920) #Le carnaval des âmes (1962) #Le fantôme de l'opéra (1925) #Le Golem (1920) #Les mains d'Orlac (1924) #Les morts-vivants (1932) #Nosferatu (1922) #Spider Baby (1967) #Un baquet de sang (1959) #film d'horreur

[fdelopera]

You mentioned how in this post https://fdelopera.tumblr.com/post/81239749461/i-saw-this-blog-in-which-it-expressed-that that there was a time Gaston Leroux wrote in promotion for the POTO film that the opera ghost may have been real, and then linked an english translation right? The link's dead :( is there anywhere else I can read it?

Hi there! I checked, and I don't have the link or the article, unfortunately.

It appears to have been a link to a post on the old ThePhantomOfTheOpera.com forum (how phans communicated before Tumblr ... or LiveJournal).

This site used to be privately owned, but it was unfortunately yet another casualty of the Really Useful Useless Group coming in and destroying phan culture (fuck ALW and Cammack for real). Now it's owned by the RUG.

I know that Leroux gave some very tongue in cheek interviews after Le Fantôme de l'Opéra was published as a novel, swearing that everything he wrote was true (wink, wink), and this was likely one of those interviews.

As was written in the post you cited above, Leroux used a technique called faction (a combination of fact + fiction) to give his writing a realistic tone, but this was originally a literary device that he used to emulate works like Dracula. He was not intending to claim any veracity about his story. Le Fantôme de l'Opéra was published in 1909 - 1910 in the feuilleton section of Le Gaulois newspaper, which is where serialized novels were published. Leroux's original readership would have known that this was fully a work of fiction. However, once Le Fantôme was published as a novel, readers began to question whether Leroux's assertion that "Le fantôme de l'Opéra a existé" might be true.

Leroux's novel did contain true elements. For instance, there really was a Persian expat (Mohammed Ismaël Khan, who went by Ismaël), who was famous in Paris for frequenting the Opera House, and who lived at Rue de Rivoli #204, just as Leroux wrote. But Leroux never met Ismaël (to our knowledge), and Ismaël never frequented the Palais Garnier because he died seven years before it was constructed. His opera house was the old Salle Le Peletier.

In my research, which I believe you have seen, I found Ismaël's portrait in Les célébrités de la rue, which you can read here, and I also found mention of him in Revue encyclopédique.

In my research, I have found that Leroux was very eclectic as a reader and an author. He likely read some accounts about this Persian gentleman and decided to include him as a character in his novel to give the story a grounding in reality, even though both he and his original readership knew that this was a work of fiction. Still, Leroux was a showman, and he was not above telling an interviewer that "the Opera Ghost really existed" to increase the air of mystery and suspense around the upcoming 1925 Lon Chaney film.

#theoscout #phantom of the opera #poto #gaston leroux #le fantôme de l’opéra #le gaulois #le daroga

[dweemeister]

Movie Odyssey Retrospective

The Phantom of the Opera (1925)

By the time French journalist-turned-novelist Gaston Leroux published Le Fantôme de l'Opéra as a serial in 1909, he was best known for his detective fiction, deeply influenced by Sir Arthur Conan Doyle and Edgar Allan Poe. The Phantom of the Opera plays out like a Poe work – teeming with the macabre, painted with one character’s fanatic, violent lust. In serial form and, later, as a novel, Leroux’s work won praise across the West. One of the book’s many fans was Universal Pictures president Carl Laemmle who, on a 1922 trip to Paris, met with Leroux. While on the trip, he read Phantom (a copy gifted to him by Leroux) in a single night, and bought the film rights with a certain actor already in mind.

Laemmle’s first and only choice for the role of the Phantom was about to play Quasimodo in Universal’s 1923 adaptation of Victor Hugo’s The Hunchback of Notre Dame. That actor, Lon Chaney, had subsisted on bit roles and background parts since entering into a contract with Universal in 1912. Chaney, who was about to sign a contract with Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), became an instant sensation the moment The Hunchback of Notre Dame hit theaters. Audiences and critics in the early 1920s were simultaneously horrified at the sight of his Quasimodo yet, crucially, felt a profound empathy towards the character.

In his prior films, as well as Hunchback, Chaney separated himself from his fellow bit actors with a skill that almost no other actor in Hollywood possessed: he was also a makeup artist. At this time, actors applied their own makeup – often simple cosmetics or unconvincing facial hair. None of the major Hollywood studios had makeup departments in the early 1920s, and it would not be until the 1940s that each studio had such a department. Chaney, the son of two deaf and mute adults, was also a master of physical acting, and could expertly use his hands and arms to empower a scene. Though already bound for MGM, Chaney could not possibly pass up the role of Erik, the Phantom. Despite frequent clashes with director Rupert Julian (1923’s Merry-Go-Round and 1930’s The Cat Creeps; despite being Universal’s most acclaimed director at this time, Julian was either sacked or walked away mid-production), Chaney’s performance alone earned him his place in cinematic history and, for this film, an iconic work of horror cinema and silent film.

As the film begins, we find ourselves at the Palais Garnier, home of the Paris Opera. The Opera’s management has resigned, turning over the Palais Garnier to new ownership. As the ink dries on the contract and as the previous owners depart, they warn about a Phantom of the Opera, who likes sitting in one of the box seats. Soon after, prima donna Carlotta (Virginia Pearson) receives a threatening letter from the Phantom. She must step aside and allow a chorus girl, Christine Daaé (Mary Philbin), sing the lead role in Charles Gounod’s Faust. If she refuses to comply, the Phantom promises something horrific. Aware of the letter, Christine the next day confers with her loved one, the Vicomte Raoul de Chagny (Norman Kerry), that she has been receiving musical guidance from a “Spirit of Music”, whom she has heard through the walls of her dressing room. Raoul laughs this off, but a series of murderous incidents at that evening’s production of Faust is no laughing matter. Christine eventually meets the shadowy musical genius of the Phantom, whose name is Erik (Chaney). In his subterranean lair, he professes his love to her – a love that will never die.

Rupert Julian’s The Phantom of the Opera also stars Arthur Edmund Carewe as the Inspector Ledoux (for fans of Andrew Lloyd Webber’s musical version, this is the Madame Giry character); Gibson Gowland as Simon Buquet; and John St. Polis as Raoul’s brother, the Comte Philippe de Chagny.

Before extoling this film, one has to single out Mary Philbin and Norman Kerry as the glaring underperformers in this adaptation. Philbin would become a much better actress than she displays here, if The Man Who Laughs (1928) is any indication. Yet, Philbin’s Christine is a blank slate, devoid of much personality and interest. It also does not help that Norman Kerry plays Raoul in a similar fashion. Raoul, in any adaptation of Phantom, tends to be a boring role. But goodness me, for a B-actor who was acclaimed for his tall, dark, and handsome looks and screen persona, he is a charisma vacuum here. During Kerry’s more intimate scenes with Philbin, you may notice that Kerry has a case of “roving hands” when he gets close with Philbin. Philbin, who could not visibly react to these moments on-camera, surreptitiously took Kerry’s hands and held them there to stop the touching.

Philbin is much better when sharing the screen opposite Chaney. Chaney and Philbin both could not stand director Rupert Julian – whom both actors, as well almost all of the crew, regarded as an imposing fraud who knew little about making art and more about how to cut costs (Laemmle appointed Julian for this film in part due to Julian’s reputation for delivering work under budget). There are unconfirmed accounts that after Julian’s departure or removal from Phantom, Chaney himself directed the remainder of the shoot aside from the final climactic chase scene (which was the uncredited Edward Sedgwick’s responsibility). In any case, Philbin’s terror when around Chaney was real. The sets of the Phantom’s lair reportedly spooked her – the subterranean waterways, his inner sanctum. Philbin also received no preparation before the filming of what is now one of the signature moments of the silent film era and all of horror cinema. Her reaction to Lon Chaney’s self-applied makeup – meant to appear half-skin, half-skeletal – was the first time that she saw Chaney’s Phantom in all his gruesomeness. Philbin, freed of the innocent, pedestrian dialogue of the film’s opening act, gifts to the camera one hell of a reaction, fully fitting within the bounds of silent film horror.

There are conflicting records on how Chaney achieved the Phantom’s final appearance. The descriptions forthcoming are the elements that freely-available scholarship generally accepts as true. It appears that Chaney utilized a skull cap to raise his forehead’s height, as well as marking deep pencil lines onto that cap to accentuate wrinkles and his brow. He also raised his cheekbones by stuffing cotton into his cheeks, as well as placing a set of stylized, decaying dentures. Inner-nasal wiring altered the angle of his nose, and white highlights across his face contributed to his skeletal look for the cameras. Cinematographer Charles Van Enger (1920's The Last of the Mohicans, uncredited on 1925's The Big Parade) – who, other than Chaney, was one of the most familiar onset with Chaney’s makeup – claimed that the nasal wiring sometimes led to significant bleeding. Taking inspiration from Chaney’s approach to keeping the makeup artistry hidden from Philbin and others, Universal kept the Phantom’s true appearance a secret from the public and press. The studio advised movie theaters to keep smelling salts ready, in case of audience members fainting during the unmasking scene. According to popular reporting at the time, audience members did scream and faint upon the reveal; a nine-year-old Gregory Peck’s first movie memory was being so terrified of Lon Chaney’s Phantom, that he asked to sleep with his grandmother that evening after he came home.

Lon Chaney’s tremendous performance allows The Phantom of the Opera to soar. Arguably, it is his career pinnacle. Masked or unmasked, Chaney’s Phantom dominates the frame at any moment he is onscreen aside from the film’s final chase sequence. Whether glowering over Christine, majestically gesturing in silhouette, strutting down the Opera House steps during the Bal Masqué, or tucked into the corner of the frame, Chaney’s physical presence draws the audience’s eyes to whatever he is doing. The differences in posture from before and after the unmasking scene are striking – from an elegant specter to a broken, hunched figure (appearing to draw some inspiration from his experience playing Quasimodo two years earlier) seething with pent-up carnality, rage, and sorrow. Chaney’s Phantom garners the audience’s sympathy when he gives Christine the grand tour of his chambers. Look at his posture and hands when he mentions, “That is where I sleep,” and, “If I am the Phantom, it is because man’s hatred has made me so.”  That Chaney can ease through these transitions and transformations – as well as a third transformation, as the Red Death during the Bal Masqué – so naturally, without a misstep, is a testament to his acting ability.

Underneath the tortured and twisted visage of a man who has committed horrific acts is a vulnerable and misguided human being. His dreams, dashed and discarded by all others, have turned to despicable means. The role of the Phantom plays brilliantly to Chaney’s genius: to have audiences sympathize with even the most despicable or despondent characters he played. Chaney accomplishes this despite this film characterizing the Phantom with less sympathy than Leroux’s original novel and the popular Andrew Lloyd Webber musical.

This is already on top of Charles Van Enger’s camerawork; the sharp editing from a team including Edward Curtiss (1932’s Scarface) Maurice Pivar (1923’s The Hunchback of Notre Dame), Gilmore Walker (1927’s Uncle Tom’s Cabin), and Lois Weber.

Weber, who in 1916 was Universal’s highest-paid director, underwent numerous financial difficulties over that decade. One of Hollywood’s first true auteurs and largely ignored in the history of film until recently, Weber formed her own production company with Universal’s assistance in 1917, off the success of Shoes (1916). Through World War I, Weber’s movies were popular until around the turn of the decade, when her “didactic” filmmaking (a result of her devout Christian upbringing) went out of style. Most visibly among Weber’s financial failures of the early 1920s, The Blot (1921) – a movie that scholars and Weber himself considered her best – flopped in theaters. After two hiatuses from filmmaking in the early 1920s, Weber was brought in to conduct the final bits of editing on The Phantom of the Opera before returning to directing under Universal.

Though none of the film’s production designers were yet to hit their peak, The Phantom of the Opera benefitted from having a soon-to-be all-star art department including James Basevi (1944’s The Song of Bernadette), Cedric Gibbons (almost any and all MGM movies from 1925 onward), and Robert Florey (1932’s Murders in the Rue Morgue). Inspired by designs sketched by French art director Ben Carré, the production design trio spared no expense to bring Carré’s illustrations to life and used the entirety of Universal’s Soundstage 28 to construct all necessary interior sets. The set’s five tiers of seating and vast foyer needed to support several hundred extras. So unlike the customary wooden supports commonplace during the silent era for gargantuan sets, The Phantom of the Opera’s set for the Palais Garnier became the first film set ever to use steel supports planted into concrete. Basevi, Gibbons, and Florey’s work is glorious, with no special effects to supplement the visuals. The seventeen-minute Bal Masqué scene – which was shot in gorgeous two-strip Technicolor (the earliest form of Technicolor, which emphasized greens and reds) – is the most striking of all, unfurling its gaudy magnificence to heights rarely seen in cinema.

Universal’s Soundstage 28 was an integral part of the VIP tour at Universal Studios Hollywood for decades. Though the orchestra seats and the stage of the film’s Palais Garnier had long gone, the backside box seats of the auditorium remained. Stage 28 featured in numerous films after The Phantom of the Opera, including Dracula (1931), the Lon Chaney biopic Man of a Thousand Faces (1957), Psycho (1960), Charade (1963), Jurassic Park (1993), How the Grinch Stole Christmas (2000), and The Muppets (2011). The soundstage was also supposedly haunted, with individuals claiming to see a caped figure (Lon Chaney as the Phantom?) running around the catwalks, lights flickering on and off, and doors opening and closing on their own. In 2014, after standing for almost ninety years, Universal decided to demolish Stage 28 so as to expand its theme park. However, the historic set escaped the wrecking ball, as Universal decided to disassemble the set, place it into storage, and perhaps someday reassemble it. It is a fate far kinder than almost all other production design relics from the silent era.

Unlike what was coming out of Weimar Germany in the 1920s in the form of German Expressionism, American horror films had no template to follow when The Phantom of the Opera arrived in theaters. There would be no codification of American horror cinema’s tropes and sense of timing until the next decade. But without 1925’s The Phantom of the Opera, Universal would never become the house of horror it did in the 1930s through the early ‘50s (including the Dracula, Frankenstein, Mummy, Invisible Man, Wolf Man, and Creature from the Black Lagoon series). So, unbound by any unwritten guidelines, 1925’s The Phantom of the Opera – a horror film, but arguably also a melodrama with elements of horror – consumes the viewer with its chilling atmosphere and, from Lon Chaney, one of the best cinematic performances ever, without any qualification. For silent film novices, this is one of the best films to begin with (outside the comedies of Charlie Chaplin, Buster Keaton, and Harold Lloyd). Regardless of one’s familiarity with silent film, The Phantom of the Opera is a cinematic milestone.

My rating: 9.5/10

^ Based on my personal imdb rating. My interpretation of that ratings system can be found in the “Ratings system” page on my blog. Half-points are always rounded down.

For more of my reviews tagged “My Movie Odyssey”, check out the tag of the same name on my blog.

This is the twenty-third Movie Odyssey Retrospective. Movie Odyssey Retrospectives are reviews on films I had seen in their entirety before this blog’s creation or films I failed to give a full-length write-up to following the blog’s creation. Previous Retrospectives include Dracula (1931 English-language version), Oliver! (1968), and Peter Pan (1953).

#The Phantom of the Opera #Rupert Julian #Lon Chaney #Mary Philbin #Norman Kerry #Carl Laemmle #Gaston Leroux #Ernst Laemmle #Edward Sedgwick #Arthur Edmund Carewe #Gibson Gowland #Snitz Edwards #Virginia Pearson #Edward Curtiss #Maurice Pivar #Gilmore Walker #Lois Weber #silent film #TCM #My Movie Odyssey

[carbone14]

Le Fantôme de l'Opéra (The Phantom of the Opera) est un film d’horreur américain sorti en juin 1925, réalisé par Rupert Julian d'après le roman éponyme de Gaston Leroux - Affiche du film.

Les acteurs principaux :

Lon Chaney : Erik, le Fantôme de l'Opéra

Mary Philbin : Christine Daaé

Norman Kerry : Vicomte Raoul de Chagny  

#Et pendant ce temps-là #Cinéma #Cinema #Film #Movie #Film d'horreur #Horror movie #Affiche de film #Movie poster #Lon Chaney #Mary Philbin #Norman Kerry #Rupert Julian #1925

[invisiblemans-horror-corner]

I have compiled all the free movies I could find that are 1990's and older all easy to watch in my youtube playlist, Enjoy!

Frankenstein is a 1910 American shortsilenthorror film produced by Edison Studios. Directed by J. Searle Dawley, This short motion picture is generally recognized by film historians as the first screen adaptation of Shelley's work. (CW/Attempted murder/Child death/Death/Depression/Islamophobia/Murder/Parental abandonment/Xenophobia)

Dr. Jekyll and Mr. Hyde is a 1912horror film based on both Robert Louis Stevenson's novella Strange Case of Dr Jekyll and Mr Hyde (1886) and on the 1887 play version written by Thomas Russell Sullivan. Directed by Lucius Henderson. (CW/Death/Murder/Suicide/Violence)

Nosferatu: A Symphony of Horror is a 1922 silentGerman Expressionisthorror film directed by F. W. Murnau. (CW/Sex & Nudity/Violence & Gore/Profanity/Alcohol/Drugs & Smoking/Frightening & Intense Scenes)

Dr. Jekyll and Mr. Hyde is a 1920 American silenthorror film produced by Famous Players-Lasky and was directed by John S. Robertson. (CW/violence/profanity)

The Hunchback of Notre Dame is a 1923 American drama film starring Lon Chaney, directed by Wallace Worsley, and produced by Carl Laemmle and Irving Thalberg. (CW/Sex & Nudity/Violence & Gore/Profanity/Frightening & Intense Scenes)

The Phantom of the Opera is a 1925 American silenthorror filmadaptation of Gaston Leroux's 1910 novel Le Fantôme de l'Opéra, directed by Rupert Julian and starring Lon Chaney. (CW/Sex & Nudity/Violence & Gore/Profanity/Alcohol, Drugs & Smoking/Frightening & Intense Scenes.)

The Brain That Wouldn't Die (also known as The Head That Wouldn't Die or The Brain That Couldn't Die) is a 1962 American science fictionhorror film directed by Joseph Green. (CW/Sex & Nudity/Violence & Gore/Profanity/Alcohol, Drugs & Smoking/Frightening & Intense Scenes)

The Last Man on Earth is a 1964 post-apocalyptic science fiction horror film based on the 1954 novel I Am Legend by Richard Matheson. The film was produced by Robert L. Lippert and directed by Ubaldo Ragona and Sidney Salkow, and stars Vincent Price.(CW/Violence & Gore/Profanity/Alcohol, Drugs & Smoking/Frightening & Intense Scenes)

Night of the Living Dead is a 1968 American independent horror film directed, photographed, and edited by George A. Romero. (CW/Sex & Nudity/Violence & Gore/Profanity/Alcohol, Drugs & Smoking/Frightening & Intense Scenes)

More movies to be added later on, if you have any requests or know of any public domain works you want me to add just ask.

#movies #horror movies #horror films

[nyuquizbowl]

This was my attempt to explain Quiz Bowl to the rookies. -->

The first "Jump Scare" on film is often credited to the unmasking of the Phantom in the 1925 Phantom of the Opera, based on the novel by Gaston Leroux. So, if you happened to be in quiz bowl, and the toss up said "For Ten points, name this author of Le Fantôme de l'Opéra," you could buzz in and say "Gaston Leroux."

Another popular jump scare tactic is the "Lewton Bus Scare," first used in Cat People in 1942, when a tense atmosphere is abruptly disrupted by a loud but harmless bus. So, if you happened to be in quiz bowl and the tossup said, "Simone Simon plays a character in this film who believes they have inherited the ability to transform into a large cat if aroused," you could buzz in and say "Cat people." 

One technique used in Carrie, Friday the 13th, and Halloweeen is the "Final jump scare right before the credits roll to show that maybe the nightmare isn't really over." My favorite use of this is at the end of Event Horizon, when one of the rescue team pulls off his helmet and, gasp! it's Sam Neill! So, if you happened to be in Quiz Bowl, and the bonus part and said "This object was used in the movie Event Horizon to poke a hole in a folded magazine to demonstrate how bending space time with a black hole can transport someone instantly from point A to point B," You could confer with your team, agree upon an answer, and say "Direct a Pen."

#quiz bowl #nyu #nyu quiz bowl #academic bowl #academic trivia

[wahwealth]

The Phantom Of The Opera (1925) Lon Chaney | Sync Music | Silent Horror...

The Phantom of the Opera is a 1925 American silent horror film adaptation of Gaston Leroux's 1910 novel Le Fantôme de l'Opéra, directed by Rupert Julian and starring Lon Chaney in the title role of the deformed Phantom who haunts the Paris Opera House, causing murder and mayhem. Never Miss An Upload, Join the channel.

#youtube

[paperandsong]

The first title card of the silent 1925 Phantom of the Opera film affirms Leroux’s narrative that beneath the Palais Garnier there is a dungeon [I’m pretty sure there is not]. And also medieval torture chambers! Did Erik just build his own version on top of...you know what? Let’s not think too much about it.

Here is the information Ledoux (the white-washed non-Persian investigator) finds out about Erik on this neatly written index card. The Boulevard Massacre may be referring to the Massacre on the Boulevard des Capucines on February 23, 1848. Devil’s Island was a penal colony in French Guiana. It was actually more for political prisoners [The most famous prisoner ever sent there was Alfred Dreyfus, whose trial was covered by Leroux, but that’s probably all just a coincidence]. So Erik escaped and somehow made his way back across the Atlantic to Paris, to live under the Opera. [Note: none of this is based on Leroux’s novel.]

Ledoux tells Raoul he knows all about the Phantom of the Opera, right before they dive into his lair to [attempt to] rescue Christine. I don’t really understand this title card. Is Ledoux saying Erik was confined to the torture chamber as in, he was a victim of the Second Revolution? And what is the Second Revolution? France has had several: 1789, 1830, 1848, and other events like the 1832 rebellion immortalized in Les Misérables. None of those dates make sense, even within the internal logic of this film. Could this be a reference to the 1871 Paris Commune? Again, maybe it’s best to just not think too hard about it.

It’s better than the 2004 film, set in 1870, in the middle of the Franco-Prussian War :/

#phantom of the opera #phantom of the opera 1925 #le fantôme de l'opéra #gaston leroux #poto paris commune 1871 #french history botched in film #frev

[cinemaorlure]

The Phantom of the Opera, Rupert Julian (1925)

#the phantom of the opera #le fantome de l'opera #le fantôme de l'opéra #rupert julian #julian blackthorn #1925 #1920 #20 #20s #1920s #old movie #old movies #old film #old films #movie #movies #art #arts #film still #film stills #freak #freak movie #freak movies #1920s movie #1920s movies #20s movie #20s movies #20s film #20s films #ciné

[an-angels-fury]

"I dislike/don't ship Eristine because is toxic and it makes me uncomfortable"

Me: 😉👍

"Ew, Eristine and their shippers are so gross! The only stupid people who truly enjoy this shit are Raoul haters, fool teenage girls who think "bad boys are cool" and/or abuse apologists who condone Erik's actions and don't care about Christine's feelings!"

Me: 😡🖕

#this post is based in many other posts and conversations I read in my whole life as a phan #and honestly I'm fucking tired of people who think that can tell what kind of person I am based solely on a fictional ship of mine 😒 #the phantom of the opera #phantom of the opera #poto #le fantôme de l'opéra #gaston leroux #phantom of the opera 1925 #poto 1925 #poto broadway #alw phantom #phantom of the opera 1990 #poto 1990 #phantom of the opera 2004 #poto 2004 #poto 25 #erik the phantom #erik poto #cherik #gerik #christine daae #erik x christine #eristine #phantom x christine #poto e/c #shameless e/c shipper

[lairreparablefugadeltiempo]

Los mejores libros que he leído en 2021

1.       Ungeduld des Herzens [La impaciencia del corazón] (Stefan Zweig, 1939)

2.       Brennendes Geheimnis [Ardiente secreto] (Stefan Zweig, 1911)

3.       Vierundzwanzig Stunden aus dem Leben einer Frau [Veinticuatro horas en la vida de una mujer] (Stefan Zweig, 1925)

4.       Hiob. Roman eines einfachen Mannes [Job] (Joseph Roth, 1930)

5.       Thérèse Raquin [Thérèse Raquin] (Émile Zola, 1867)

6.       Detstvo [Infancia] (Maksim Gorki, 1914)

7.       Le petit saint [La mirada inocente] (Georges Simenon, 1964)

8.       Lessico famigliare [Léxico familiar] (Natalia Ginzburg, 1963)

9.       Les Trois Mousquetaires [Los tres mosqueteros] (Alexandre Dumas, 1844)

10.   Notre-Dame de Paris [Nuestra Señora de París] (Victor Hugo, 1831)

11.   El 19 de marzo y el 2 de mayo (Benito Pérez Galdós, 1873)

12.   The Black Arrow [La flecha negra] (Robert Louis Stevenson, 1883)

13.   Fräulein Else [La señorita Else] (Arthur Schnitlzer, 1924)

14.   Widerstand der Wirklichkeit | Reise in die Vergangenheit [Viaje al pasado] (Stefan Zweig, 1929)

15.   Waiting for the Barbarians [Esperando a los bárbaros] (J. M. Coetzee, 1980)

16.   È stato così [Y eso fue lo que pasó] (Natalia Ginzburg, 1947)

17.   L'homme qui regardait passer les trains [El hombre que miraba pasar los trenes] (Georges Simenon, 1938)

18.   Oliver Twist (Charles Dickens, 1838)

19.   The Searchers [Centauros del desierto] (Alan Le May, 1954)

20.   Les Fiançailles de M. Hire [La prometida del señor Hire] (Georges Simenon, 1933)

21.   Yama no oto [El rumor de la montaña] (Kawabata Yasunari, 1953)

22.   Le chat [El gato] (Georges Simenon, 1966)

23.   Cécile est morte [Cécile ha muerto] (Georges Simenon, 1940)

24.   Cuentos del Lejano Oeste (Bret Harte, 1860-1900)

25.   Carmilla (Sheridan Le Fanu, 1872)

26.   The Blank Wall [La pared vacía] (Elizabeth Sanxay Holding, 1947)

27.   Gan [El ganso salvaje] (Mori Ōgai, 1911)

28.   The Chrysalids [Las crisálidas] (John Wyndham, 1955)

29.   Trafalgar (Benito Pérez Galdós, 1873)

30.   Bailén (Benito Pérez Galdós, 1873)

31.   Zama (Antonio Di Benedetto, 1956)

32.   Le Fantôme de l'Opéra [El fantasma de la ópera] (Gaston Leroux, 1910)

33.   The Great God Pan [El gran dios Pan] (Arthur Machen, 1891)

34.   La barraca (Vicente Blasco Ibáñez, 1898)

35.   Marianna Sirca [Mariana Sirca] (Grazia Deledda, 1915)

36.   Le voci della será [Las palabras de la noche] (Natalia Ginzburg, 1961)

37.   Los jardines de Beatriz (José María Latorre, 1993)

38.   El hombre de las leyendas (José María Latorre, 1996)

39.   El sombrero de tres picos (Pedro Antonio de Alarcón, 1874)

40.   El amigo de la muerte (Pedro Antonio de Alarcón, 1852)

41.   La sonrisa y la hormiga (María Jesús Echevarría, 1962)

42.   Destino negro (Manuel Mur Oti, 1948)

43.   Vampiros en España (Ed. Alberto López Aroca, 2021)

44.   Jumping Jenny [Baile de máscaras] (Anthony Berkeley, 1933)

45.   Pietr-le-Letton [Pietr el Letón] (Georges Simenon, 1930)

46.   Journal of the Gun Years [Diario de los años del plomo] (Richard Matheson, 1991)

47.   War er es? [¿Fue él?] (Stefan Zweig, c.1940)

48.   El caso del doctor Iturbe (Rafael López de Haro, 1912)

#listas #libros

[reanimatoryaoi-sys]

Do they have a first AND last name?

A guide to the names (or lack thereof) of the various adaptations of "The Phantom of The Opera"

(this isn't a complete list, feel free to add on to it as needed!)

1925 silent film- Erik,no last name

1943/'63- Erique Claudin

1988/ALW musical-Phantom, No first or last name

1989-Erik Destler

Phantom of the Paradise- Winslow Leach

1990 Miniseries/Yeston & Kopit Musical- Erik Carrière

2004- Phantom, no first or last name

Gaston Leroux, Le Fantôme de l'Opéra- Erik, no last name

Susan Kay, Phantom- Erik, no last name

Phantom of Manhattan- Erik Mulheim (the most cursed one I've seen so far)

#the mun has posted! #(finally) #phantom of the opera #name guide #please add on to this guys #cuz i know it isnt a full list #phantom #poto #the phantom of the opera

[hardaslightningsoftascandlelight]

~ ... Carl Laemmle with Gaston Leroux ...

#Gaston Leroux #Carl Laemmle #1925 PoTO Film #Phantom of the Opera 1925 #Le Fantôme de l'Opéra

[haitilegends]

UN PANORAMA DE L'HISTOIRE DE LA MUSIQUE HAÏTIENNE

Publié le 2020-07-24 | Le Nouvelliste

https://lenouvelliste.com/article/218969/un-panorama-de-lhistoire-de-la-musique-haitienne

Jean Jean-Pierre Auteur

Note (1): Cet article –paru antérieurement en Anglais dans SDQ Magazine- est un essai et un coup d’œil panoramique sans fard pour nous aider à braquer les projecteurs sur les artistes influents et les créateurs d'une musique issue de la culture diversifiée d'Haïti. En raison du manque d'espace, il est tout à fait impossible de présenter tous les musiciens, les groupes, les orchestres et toutes les autres formations musicales qui ont contribué au riche paysage musical d'Haïti.

Note (2) : Dans le cadre de la commémoration du Soixante Cinquième anniversaire de la fondation de l’orchestre de Nemours Jean-Baptiste (26 juillet 1955) qui inventa plus tard –avec l’assistance des frères Duroseau (Kreudzer et Richard)- le rythme et le genre Compas Direct ® (1), nous avions élargi la section dédiée à ce géant de la musique haïtienne. JJP-

« Il y a konpa ; il y a kompa ; il y a le Konpa Manba de Coupé Cloué et il y a le Compas Direct de Nemours Jean-Baptiste »

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L'un des traits les plus endurants de la musique haïtienne est son éclectisme. Sa pléthore de rythmes syncopés et les expressions artistiques vivantes des musiciens haïtiens l'ont rendu unique. Bien que principalement d'origine africaine, la musique haïtienne est le produit d'une confluence de nombreuses cultures, y compris celles d'Europe, les Arawaks et les Tainos, les premiers habitants de l'île abusés et décimés par les Espagnols amenés par Christophe Colomb en 1492.

Même avant la création d'Haïti, en 1804, à cause de ses soubassements africains, les tambours, la danse et les chansons populaires étaient au centre de la pratique de la religion vaudou, coexistant avec le catholicisme, syncrétisme quasi parfait qui redéfinit le terme. Cette fusion était nécessaire, car les esclaves, voulant éviter la persécution de leurs maîtres, dont la plupart des pratiquants de l'église catholique, dissimulaient leur culte des divinités africaines derrière les noms et les images des saints catholiques. La scène n'était pas différente à Cuba (Santeria / Yoruba), au Brésil (Candomblé / Yoruba) et à Trinité-et-Tobago (Orisha / Yoruba), en Jamaïque (Kumina / Kongo) etc.

L’un des styles liminaires de musique folklorique les plus répandus qui auraient dominé la plupart des activités sociales dans tout le pays est connu sous le nom de Grenn Siwèl, (La Cirouelle est un fruit de 3 à 4 cm de long, réputé pour son âcreté). Grenn Siwèl est également appelé en Haiti Twoubadou (troubadour). Originaire du début du Moyen Age en Europe où il était exprimé par une prestation solo basée sur la poésie lyrique, le genre Twoubadou a pris une forme différente en Haïti avec les musiciens utilisant banjos, tambours, voix, maracas et manuba (une boîte en bois avec trois fins ressorts métalliques servant de contrebasse).

Ce genre de musique, qui n'a jamais disparu d'Haïti, a connu, dans les années 40 et 50, un essor considérable avec Dòdòphe Legros (1), Anilus Cadet, Trio D'or (qui deviendra Trio des Jeunes et plus tard Jazz des Jeunes), suivi par Ti Paris, Trio Select (qui deviendra plus tard la Coupé Cloué avec son rythme Konpa Manba), Etoile du Soir (60-70), Rodrigue Milien et Toto Necessité, Ricardo-Ti Plume-Frank (70s.) et bien d'autres encore. Le genre Twoubadou a connu une renaissance vers la dernière décennie du siècle dernier avec de nombreux musiciens urbains –dont les plus connus, Fabrice Rouzier et Kéké Belizaire, deux excellents musiciens- utilisant des instruments synthétiques et produisant un grand nombre d'enregistrements numériques.

Une autre forme de musique est celle qui émane du Rara. La pratique du Rara vient originellement des paysans qui musardent dans la campagne et les zones urbaines entre la période du Carnaval et la Pâques. Le "Maître Rara", habituellement un prêtre Vodou, dirige le spectacle. Les rythmes tirent directement de leur religion, le Vodou. Leurs instruments principaux sont des cornes de zinc, des tubes de bambou de différentes tailles dans lequel le joueur souffle et, en même temps, il le tape dessus avec une baguette pour agrémenter -tout en subdivisant- les combinaisons rythmiques. Des chœurs et des solistes dénonçant des politiciens locaux, régionaux et même nationaux et leurs politiques adverses (perçues), sont ajoutés pour créer ces polyphonies auto-indulgentes dans une atmosphère remplie de l'arôme de Kleren (liqueur de canne). C'est peut-être l'origine de cette interaction complexe de la musique et de la politique qui affecte la vie quotidienne des Haïtiens.

Rara est le visage officiel des sociétés secrètes de Vodou. Pas trop différent des Rosicruciens et des Maçons.

Les Connexions Cubaines et Européennes

Pendant les années 40 et 50, le style Grenn Siwèl/ Twoubadou a été fortement influencé par les Cubains (comme Trio Matamoros -1925-, Nico Saquito et su Conjunto de Oriente et autres) quand les Haïtiens, revenant de travailler dans le secteur agricole à Cuba, ont rapporté des mélodies et nouvelles formes d'arrangements musicaux. Il y avait, cependant, une réciprocité en ce sens, une forme d’échanges culturels car, de leur côté, les Haïtiens exportaient beaucoup de rythmes à leurs voisins. Un exemple est le Danzon de Cuba, basé sur la Meringue Lente d'Haïti. Développée au milieu du 19ème siècle par des musiciens tels Oxilius Jeanty, père du compositeur et chef d'orchestre haïtien Occide Jeanty -nous le découvrirons plus loin dans cet article-, la Meringue Lente haïtienne revendique son origine de l'Europe où elle a été reconnu comme étant le prédécesseur de la "habanera", aussi connu sous le nom de danse créole (danza criolla).

Mais, si la musique folklorique basée sur le vodou a dominé la musique haïtienne, en particulier dans les communautés rurales, depuis sa naissance, il y a eu beaucoup d'autres genres, allant du classique au populaire, qui ont façonné le panorama musical haïtien.

Les Premiers Maîtres Haïtiens

Au seuil du 19ème siècle, Occide Jeanty, musicien formé au Conservatoire de Musique de Paris, devint une grande figure de la musique haïtienne en tant que compositeur de nombreuses marches classiques qui restent sans équivalent dans le genre dans la région. L’une des plus célèbres est "Les Vautours du 6 décembre", pièce patriotique composée pour protester contre un affront allemand à Haïti (Affaire Luders). Son "1804", écrit en hommage à l'indépendance d'Haïti, rivalise facilement avec certaines des œuvres de son contemporain (il est né en 1860), l'Américain John Philip Sousa (1854-1032), surnommé le "Roi des Marches". Jeanty, qui a acquis la réputation d'un coureur de jupons pendant qu’il étudiait à Paris, avait, cependant, un sens profond du gouffre existant parmi les classes en Haïti. Sa composition "Coq, Poules et Poussins" témoigne de son engagement à utiliser sa musique pour exprimer ces disparités.

Occide Jeanty était, indubitablement, l'ancêtre le plus connu de la musique haïtienne écrite.

Un autre pianiste et compositeur célèbre est Justin Elie. Né en 1883, Elie voyagea en France en 1895. Quelques années plus tard, il entra au Conservatoire de Musique de Paris. Après avoir obtenu son diplôme, il est retourné en Haïti en 1905 et a commencé à jouer aux côtés d'un autre pianiste / clarinettiste / compositeur haïtien exceptionnel appelé Ludovic Lamothe. Bien que leur carrières respectives aient suivi des voies parallèles, Elie s’est plus tard bâti une renommée internationale aux États-Unis entre 1921 et 1931. A New York, profitant de son excellente réputation d’arrangeur et de chef d’orchestre, il donna un grand nombre de prestations à la radio et sur les scènes américaines dont la prestigieuse Carnegie Hall. Justin Elie a composé de la musique pour toute une série de scores films muets. En 1925, Ray Hart, chef d'orchestre du Rialto Orchestra, a utilisé l'une des pièces de Justin Elie comme ouverture du film, Le Fantôme de l'Opéra. (1).

Justin Elie a également arrangé des œuvres d'autres compositeurs pour des films muets. Les Studios Paramount, par exemple, ont demandé à Elie de faire un arrangement de la Cinquième Symphonie de Tchaïkovski (1). En 1930, Justin Elie écrit "Fantaisie Tropicale". Selon des personnes bien informées dans l'industrie, cette composition était un chef-d'œuvre. Malheureusement, il n'a jamais été publié en raison de sa mort subite en décembre 1931.

Ludovic Lamothe fut un autre compositeur prolifique de la musique classique haïtienne. Formé musicalement d'abord à Saint Louis de Gonzague, il se rend ensuite à Paris (1910) pour compléter ses études sur une bourse d'études.

À son retour en Haïti en 1911, il commence à travailler sur une série de compositions pour piano. Son affinité pour Chopin lui a valu le surnom de "The Black Chopin". Il était, cependant, plus que cela. Il a intelligemment composé des pièces mêlant le folklore haïtien et le classique. Il a écrit plusieurs meringues (rapides et lentes), parmi lesquelles "Le Papillon Noir" et "La Dangereuse", une Méringue Lente haïtienne typique avec son quintolet, forme rythmique caractéristique de son œuvre (2).

Sa chanson la plus populaire, "Nibo" a été adaptée sur le rythme Ibo. Composé en 1933, c'était une meringue carnavalesque exprimant ses adieux aux troupes américaines occupant Haïti depuis 1915. La chanson a été enregistrée plus tard en 1962 par l'Orchestre de Edner Guignard, également connu sous le nom Orchestre El Rancho, après l'hôtel où l’orchestre jouait toutes les fins de semaine.

Le dénominateur commun des compositions de tous ces maîtres haïtiens est la musique vodou, dynamique et expressive, profondément enracinée, avec ses rythmes parfaitement syncopés.

À la Recherche de l'Expression d'une Identité

1915. Comme cela a été toujours le cas dans toute l'histoire d'Haïti (malheureusement jusqu'à ce jour), les querelles politiques et l'ingérence étrangère ont amené au pays une arrogante occupation militaire américaine. Il était devenu très difficile pour les musiciens de trouver « leur voix » puisque la plupart des lieux et des avenues étaient étroitement surveillés par des soldats, dont beaucoup étaient des racistes du sud des Etats Unis. Reflétant le reste de la société, les musiciens haïtiens ont commencé à chercher un moyen d'exprimer leur ressentiment à travers leur métier. Une époque vraiment déprimante.

Comme ils l'ont fait avec le baseball, les occupants tentèrent d’introduire en Haïti, le Jazz avec tous ses corollaires de musique de danse de salon comme Foxtrot, Lindy Hop et Quick Step etc. La plupart des groupes urbains, comme le Jazz Guignard de François Guignard (qui a bénéficié du premier enregistrement en Haïti en 1932 par RCA) et l'orchestre Max Chancy, ont essayé superficiellement ces styles américains, mais n'ont jamais vraiment accepté que cette musique fasse partie du paysage culturel du pays.

Alors que l'occupation américaine touche à sa fin, des jeunes intellectuels commencent à affirmer leur identité nationale avec une série d’activités littéraires qu'ils dénommèrent Les Griots, issu du mouvement de la négritude. Bien que le mouvement ait été plus tard utilisé par certains à des fins politiques, il a attiré l'attention sur le fait que beaucoup de ces écrivains nationalistes percevaient l'Église catholique romaine comme ayant joué un rôle préjudiciable contre le développement d'une conscience nationale.

Peut-être qu'ils avaient raison. Comme en témoigne une série de campagnes anti-vodou surnommées «rejeter» (ou ‘rejete’ en Créole) dans les années 30 et 40. Durant ces violentes campagnes, les gouvernements, avec la coopération de l'Église catholique romaine, ont institué une pratique de destruction littérale des temples vodous et de tous les objets associés à la religion. Évidemment, malgré les effets destructifs de ces entreprises barbares, les résultats escomptés n’ont pas été atteints. En fait, "rejete" a engendré juste l’inverse.

Le début des années 40 donna lieu à l'émergence du « Jazz des Jeunes », issu du « Trio des Jeunes’ des frères Ferdinand et René Dor -avec le chanteur Pierre Riché- qui devient quatuor, puis quintette, sextet, septuor, conjunto et enfin un orchestre. Avec 3 trompettes, 3 saxophones, tambours, piano ou (accordéon selon la disponibilité du piano) et chanteurs, le groupe utilisa parfois le bambou comme compléments harmonisés à la section rythmique syncopée. L'arrangeur en chef était le professeur Antalcidas O. Murat. Diplômé en droit et en ethnologie, M. Murat était un fréquent visiteur des trois lieux sacrés de la région de l'Artibonite (situés presque au centre d'Haïti) considérés comme les Mecques de la religion Vodou et sa musique: Souvenance, Badjo et Soukri.

Murat, originaire des Gonaïves –toujours dans l’Artibonite-, utilisa les styles afro-cubains de Benny More et Joseito Fernandez, entre autres, pour arranger un grand nombre de chansons qu'il avait extraites de ces lieux tout en préservant et même renforçant leur authenticité. Le Jazz des Jeunes a été la première formation musicale urbaine à être connue nationalement et ailleurs pour sa pratique de la musique Racine (Rasin). Bien que le nom fît allusion au terme Jazz, leur musique était authentiquement issue du folklore/vodou haïtien. Le Jazz des Jeunes s’était voulu être l'accompagnement parfait du mouvement Griots.

Fondé en août 1943, le Jazz des Jeunes resta actif jusqu'au milieu des années soixante-dix. Cet orchestre a été le premier à introduire sur scène une femme, l’incomparable chanteuse/pionnière Lumane Casimir, auteure de la chanson-classique « Viv Ayiti ».

Parallèlement au Jazz des Jeunes, Haïti a bénéficié de la création du légendaire Orchestre de Issa El Saieh (printemps 1942). Cet orchestre a aussi mélangé la musique vodou, avec celle des big bands afro-cubains et américains pour créer un hybride unique qui reste aujourd'hui l'un des meilleurs dans l’histoire de la musique en Haïti. Pendant que Issa El Saieh étudiait la musique à Berkeley College of Music aux États-Unis, il a eu l'occasion de rencontrer quelques-uns des meilleurs musiciens de "Bee-Bop", parmi lesquels le grand ténor Budd Johnson et le merveilleux pianiste Dr. Billy Taylor. Ces deux sont, par la suite, venus en Haïti pour travailler avec l'Orchestre Issa El Saieh. Ces grands arrangeurs ont donné à Issa l'occasion de créer un canevas harmonique beaucoup plus large que tout ce qui existait à l’époque en Haïti.

L'influence cubaine continua, cependant, à être toujours présente avec le pianiste / arrangeur Bebo Valdés, père du célèbre pianiste Chucho Valdés, gagnant de plusieurs Grammy Awards. Bebo Valdes a vécu à Pétion Ville au milieu des années 50.

Par ailleurs, l'Orchestre Issa El Saieh a servi de tremplin à un bel assemblage d’artistes haïtiens. Parmi eux, citons: Raoul Guillaume (saxophoniste, compositeur prolifique et chef d'orchestre), Guy Durosier (chanteur, multi-instrumentiste, plus tard surnommé l'ambassadeur de la musique haïtienne), Herbie Widmaier (chanteur de renommée mondiale, compositeur) Joe Trouillot (crooner international),

Webert Sicot (exceptionnel saxophoniste, chef d'orchestre et arrangeur), Ernst -Nono- Lamy (pianiste et chef d'orchestre de renommée internationale) et bien d'autres.

Un afflux de formations musicales, adoptant le modèle Saieh et Jazz des Jeunes, a éclos durant la période qui s’en suit. Certains comme Les Gais Troubadours, Les Gais Trouvères, Jazz Scott avaient une durée de vie courte et n'ont jamais enregistré leur musique sur vinyle. D'autres tels l'Orchestre Citadelle, l'Orchestre Casernes Dessalines, l'Ensemble Cabane Choucoune avec Dòdòf Legros, l'Orchestre Riviera nous ont laissé de très bons enregistrements.

L’un de ces groupes qui se sont démarqués des autres est l'Orchestre Septentrional. Fondé en juillet 1948, ce groupe, dirigé pendant plus de quatre décennies par feu Ulrick Pierre Louis, a connu de nombreux changements et reste aujourd'hui l'une des formations musicales les plus originales, stables et productives d'Haïti. Dès le début, ils ont créé "Boule de Feu", qui n'était pas seulement un rythme, mais aussi un style de musique basé sur une combinaison de Saieh Orchestra et le Jazz des Jeunes avec encore l’influence cubaine. 1963 vit l’arrivée sur la scène l’Orchestre Tropicana d’Haïti qui dans la tradition de l’Orchestre Septentrional créa son propre rythme « La Fusée d’Or du Nord ». Ces deux orchestres, originaires du Nord d’Haïti, représentent aujourd’hui le symbole de la bonne gouvernance, la discipline et de la bonne musique. Ils sont deux institutions modèles dans l’histoire de la musique haïtienne.

Un « One Man Show »

Tandis que ces grands ensembles musicaux s'épanouissaient à la fin des années 40 et au début des années 50 suite au boom touristique alimenté par la construction du Bicentenaire par le président Dumarsais Estimé en 1948-1949, un musicien s'imposa comme le premier virtuose de la guitare classique. Son nom, Frantz Casséus.

Il est né en 1915. D'abord autodidacte, il étudie plus tard la guitare classique européenne avec l'aide du compositeur et musicologue Werner Jaegerhuber. Fidèle à la tradition de la Villa-Lobos brésilienne, Frantz Casseus a composé "Haitian Suite", une extraordinaire collection de chansons folkloriques et vodou qui ont passé l'épreuve du temps.

Il a émigré aux États-Unis au début des années 50. Quelques années plus tard, le compositeur de "Mèsi Bon Dye" et "Nan Fon Bwa" devint le directeur musical de Harry Belafonte. Son concert à Carnegie Hall en 1958 a attiré des critiques élogieuses. Frantz Casséus était unique en ce sens qu'il savait utiliser un cadre de musique classique pour interpréter la musique vodou haïtienne la plus authentique.

1957: Naissance d'un rythme populaire urbain

En 1955, Nemours Jean-Baptiste forme en compagnie de son compère, le virtuose du saxophone Webert Sicot, le Conjunto International avec l'aide du promoteur et propriétaire de discothèque Jean Lumarc. Le 26 juillet de la même année, à la Place Sainte Anne, Port-au-Prince, l’orchestre donne son premier concert.

Quelques semaines plus tard, Webert Sicot laissa l’orchestre et sans tarder, Nemours Jean Baptiste adopta le nom de la boite de nuit où jouait tous les samedis ‘Ensemble Aux Calebasses’. D'abord basé à Kenscoff puis, peu de temps après, le night club Aux Callebasses de Jean Lumarc s’établira à Carrefour. Au début, les rythmes principaux que jouaient Nemours Jean Baptiste et ses musiciens étaient fondés sur le genre populaire Grenn Siwèl/Twoubadou. Leurs noms furent Bannann Pouyak (exemple: Padon Caporal, 78 Seeco 7736 –Année 1957) et Grenn Moudong (exemple: Chaise, 7’’ Seeco 7739 - Année 1957) ainsi que des Meringues Lentes telles « Mariage Solennel » (LP Cook 1186 – Année 1958). L’orchestre interprétait également une série de pièces originales jouées sur des rythmes cubains tels la Guaracha et le Son Montuno (Cuba)-

A cette époque, de nombreux groupes populaires de Merengue de la République Dominicaine, comme "Guandulito et Su Conjunto Tipico Cibaeño", visitaient en Haïti. Nemours Jean-Baptiste était émerveillé par la facilité avec laquelle les Haïtiens dansaient cette musique.

Selon le grand arrangeur et compositeur haïtien Michel Desgrottes, un groupe particulier, le Conjunto Dominicano, retenait l’attention de Nemours Jean-Baptiste. Il est de notoriété que les orchestres haïtiens de l’époque furent affectés voire inquiétés par la popularité de ces groupes dominicains. Nemours Jean-Baptiste, en bon stratège, décida d’utiliser la base rythmique et la cadence de ces visiteurs qui regorgeaient de contrats pour les soirées dansantes en Haïti.

Il propose à son tambourineur, Kwedzer Duroseau, de jouer quelque chose dans le sens du Merengue. Le maestro avoua plus tard avoir entendu un rythme aux mêmes accents et à la même cadence à Saut d’Eau, Ville Bonheur, située dans le Département du Centre d’Haïti.

C'était en 1957. Le Compas Direct était né. Au fil des ans, de nombreuses versions nous ont été rapportées sur exactement quand et comment le nom a été accolé au rythme. Nemours, utilisait parfois dans ses compositions le nom ‘Ensemble Compas Direct’ et ‘Ensemble Nemours Jean-Baptiste de manière interchangeable.

C’était évident que la base de ce rythme trouva ses origines en Haïti. Une meringue carnavalesque datée de 1954 de Dodophe Legros (https://youtu.be/z_Fq3SF7d7k) nous ouvre une fenêtre sur la large utilisation de cette base rythmique du tambour dans la musique vodou et celle dite siwèl (basé sur un fruit haïtien très acide).

À partir de ce moment, la musique de danse populaire urbaine en Haïti n'a plus été la même. Le tambour, étant principalement utilisé dans la partie ouest de l'île, beaucoup soutiennent que tous les rythmes joués sur l’ile émanaient d'Haïti. Logique. Néanmoins, il est indéniable que le merengue dominicain a quand même inspiré Nemours Jean-Baptiste pour créer le rythme qui aujourd’hui transcende la frontière haïtienne.

Le secret de l’inventeur est l’utilisation de plusieurs éléments déjà existants pour créer une hybride dont l’usage est utile et agréable pour sa communauté, son pays et au-dela.

Voilà le génie de Nemours Jean-Baptiste.

Qui est Nemours Jean-Baptiste ?

Adrien Berthaud nous répond : Né à Port au Prince le 2 Février 1918 de Clément Jean Baptiste et de Lucie Labissière (Mort le 18 mai 1985), NJB fît ses études à l'Ecole Jean Marie Guilloux. Il fut, arrière centrale du Racing Club Haitien (troisième catégorie), puis tailleur coiffeur et cordonnier. Il fît sa deuxième expérience musicale avec François Guignard, son voisin, qui lui appris à manipuler le banjo et la guitare. Des expériences acquises de François Guignard, il fonda ‘Trio Anacaona’ avec Dodo Glaudin et avec Anilus Cadet, il performa aussi en Trio. Très jeune, avec la guitare et le banjo, Nemours conquit les cœurs des gens de Torbeck, de la ville des Cayes etc. Durant ces tournées, il rencontre Destinoble Barateau dans la ville des Cayes qui l'introduit à la clarinette, puis au saxophone. Il abandonne le banjo pour le saxophone et fonda un petit groupe musical à la Croix Des Bouquets avec Ti Domèque comme chanteur et André Desrouleaux, au tambour. (Le blog de Adrien Berthaud)

Le Compas Direct est plus qu’un rythme; c’est tout aussi un genre. La musique de Nemours, tout en s'inspirant du format « appel-réponse » cubain et de la structure basée sur le mambo, a trouvé sa force dans la simplicité de ses textes, harmonies, un rythme 2/4 et des orchestrations mémorables. Facile à danser, ses mélodies courtes et répétitives étaient essentielles à sa popularité.

En 1958, après une tournée réussie à New York, Nemours introduisit pour la première fois dans la musique de danse haïtienne, la guitare électrique, (Note: Dòdòphe Legros avait déjà accroché un petit microphone sur sa guitare acoustique) suivie, deux ans plus tard, par la basse électrique et la grande cloche et le « Floor Tom » joués par le taciturne percussionniste André Boston qui fut le socle du contretemps du rythme.

Cela en dit long sur quelqu'un qui n'a jamais été connu pour son sens aigu de la musique. En 1962, avec l’arrivée de Fritz Prudent (Napoléon) –un transfuge de l’Ensemble Latino et l’Ensemble Webert Sicot- au sein de l’orchestre de Nemours Jean-Baptiste aux timbales et la petite cloche, le Compas Direct a pris sa forme définitive. L’année1967 vît l’introduction de l’orgue et le jeu de batterie de l’élégant batteur Charles –Ti Charles- Delva. En 1968, le piano de Mozart Duroseau. Nemours Jean-Baptiste était toujours en quête d’innovation. Il était un musicien visionnaire et un chef d'orchestre très discipliné.

M. Jean-Baptiste était catégorique quant à l’orthographie de son invention. A titre de preuve, de son premier disque, sur lequel le nom était mentionné (LP Ibo – ILP-104 - Année 1960), au dernier album de son vivant ( LP Seeco SCLP 9334 – Année 1980), il présentait son rythme et genre sous le ‘label’ Compas Direct. (1) En 1994, ses héritiers, la professeure Yvrose Jean-Baptiste et le Dr. Yves Jean-Baptiste et ont légalement enregistré les noms Compas Direct ® et Nemours Jean-Baptiste ® aux Etats Unis dans le cadre des négociations sur l’utilisation non-autorisée d’une composition du maestro (Rythme Commercial, 1960) par l’artiste populaire dominicain Juan Luis Guerra.

Le Compas Direct (Nemours Jean-Baptiste) et la Bossa-nova (Joao Gilberto) sont les deux rythmes et genres connus dans l’hémisphère à avoir un inventeur. Donc, il n’y pas de comparaison avec les autres genres (tels Jazz, R&B, Zouk, Funk, Rock & Roll etc.) qui sont des émanations d’efforts collectifs évolutifs.

Le Compas Direct est une culture tout comme la Bossa-nova. Il est en même temps un genre (étiquette musicale haïtienne avec influence cubaine et dominicaine), un style (l’écriture de Nemours Jean-Baptiste avec sa personnalité) un rythme, une mode, ses couleurs (Rouge et Blanc), sa danse (Danse Carré) etc.

D’où la singularité de ces deux rythmes et genres dont leurs appellations sont de noms propres et non génériques.

« Il y a konpa ; il y a kompa ; il y a le Konpa Manba de Coupé Cloué et il y a le Compas Direct de Nemours Jean-Baptiste »

À ce jour, Compas Direct est le rythme haïtien urbain dansant joué par 80% des formations haïtiennes, en Haïti et dans sa Diaspora. Au début des années 60, Michel Desgrottes, suivi de Raymond Sicot (frère de Weber Sicot), Louis Lahens (ancien chanteur de Nemours Jean-Baptiste), Felix (Féfé) Guignard et d'autres ont introduit la musique Compas Direct en Martinique et en Guadeloupe. Aujourd’hui, chaque fois que vous entendez la musique Zouk (de la Martinique et de la Guadeloupe), grattez la surface et vous trouverez le Compas Direct de Nemours Jean-Baptiste.

Si nous devons faire référence aux retombées économiques du Compas Direct ® de Nemours Jean-Baptiste, nonobstant l’absence des chiffres crédibles vu la faiblesse organisationnelle des activités musicales haïtiennes autour du Compas Direct tant en Haïti qu’en sa Disapora, il est quasiment incontestable que depuis 1957 le total de la production de ces activités soit dans les milliards de dollars.

Le Virtuose

En 1960, Weber Sicot (de l'Orchestre Issa El Saieh) qui jouait avec Nemours Jean Baptiste au Conjunto International, fonda son propre groupe. En utilisant la même formule de Nemours Jean-Baptiste, il jouait le Compas Direct pendant la première année de son orchestre. En 1961, il changea le rythme (en réalité, il n’a fait que l’aménager) et l'a appelé Cadence Rampa. Utilisant souvent une composition sur une signature 4/4, ses mélodies étaient un peu plus riches avec des phrases plus longues que celles de Nemours. En alignant 4 saxophones et 3 trompettes, Sicot était, parmi les formations de danse populaire la plus proche (surtout au niveau des saxophones) de Issa El Saieh, en termes d'harmonie. Il a utilisé une batterie, tandis que Nemours, jusqu'en 1968, utilisait les timbales cubaines.

Un virtuose du saxophone et un arrangeur tout à fait capable, Sicot est devenu le modèle de la prochaine génération de jeunes musiciens haïtiens venus en 1966.

L'Aube d'une Nouvelle ère

Comme dans toute société, il arrive un moment où une génération doit s'incliner pour faire place à toute une nouvelle. L’Année 1965 vit le début du règne des plus jeunes musiciens avec des plus petites formations qu'ils surnommèrent "Mini Jazz". Encore, rien n’à voir avec le Jazz américain. Ils sont nés du rock and roll léger du début des années 1960. Ils jouaient principalement du Compas Direct avec des guitares et de la basse électriques, des timbales et d'autres percussions (cloches, guiras, maracas etc.), souvent avec un saxophone.

L’un des pionniers de ces premiers petits groupes, était Ibo Combo. Ils étaient plus orientés vers le Jazz américain.

Les Shleu Shleu, en 1966, ont été un autre précurseur de tendance Mini-Jazz. Cette nouvelle éclosion a vu la formation de plusieurs groupes à Port-au-Prince, Pétion-Ville et les grandes villes de provinces comme le Cap-Haïtien, Les Cayes, Jérémie, St Marc, Gonaïves, Port de Paix etc. Au début, chaque quartier avait son Mini-Jazz particulier. Les plus populaires furent: Shleu Shleu, Les Pachas du Canapé Vert, Les Difficiles de Pétion Ville, Les Corvington, Les Fantaisistes de Carrefour, Tabou Combo, Les Difficiles, Bossa Combo, Les Frères Déjean, Les Loups Noirs, Les Diplomates, Les Ambassadeurs et bien d'autres.

Ironiquement, comme le cercle de la vie, ils ont eux-mêmes dû s'adapter à la fin des années 70 en ajoutant une section cuivre inspirée de Earth, Wind and Fire et Chicago, deux des meilleurs groupes pop américains. Au début des années 80, il y avait une renaissance de la musique traditionnelle basée sur le Vodou (Racines –Rasin-, était la nouvelle étiquette). Parmi les meilleurs, étaient : Sa, Boukman Eksperyans, Boukan Ginen, Foula, Rara Vodoule, Ram, Koudjay. Kanpech, etc. A New York, Sakad de Levy et Ayizan de Tite Pascal (membre fondateur de Ibo Combo), Artistes Indépendants etc.

Les Eminents de la Scène

La première partie des années 70 vit l’émergence de géants de la musique de concert orchestré avec des sections cordes et cuivre mettant en relief et en tête de liste le très populaire Ansy Derose suivis par Léon Dimanche et toute une pléiade d’artistes du genre. Au cours de sa longue et fructueuse carrière, le très populaire Ansy a participé avec succès à plusieurs festivals internationaux au Mexique, Porto Rico et en Allemagne. Ses concerts de Noël annuels au Rex Théâtre étaient devenus un événement national.

D’un autre côté, Guy Durosier, de l’école Issa El Saieh, considéré comme le meilleur musicien et interprète haïtien du 20ème siècle, son style et ses interprétations ont influencé plus qu’une génération d’artistes Haïtiens en Haïti et ailleurs. Il a passé plus que la moitié de sa carrière en Europe, l’Amérique Latine, le Canada et les Bahamas. Guy et Ansy ont aussi suivi la tradition des grands concerts à Carnegie Hall, Manhattan, établie par Justin Elie, puis Frantz Casséus. Plus tard, ce fut le tour de Wyclef Jean et de Jean Jean-Pierre et leurs orchestres respectifs dans ce prestigieux théâtre surnommé « La maison de Frank Sinatra, d’Ella Fitzgerald et de Sarah Vaughn ».

Toujours et encore l’invention de Nemours Jean-Baptiste

Une résurgence des groupes de Compas Direct vit le jour dans les années 90 sont venues, mais cette fois, l'électronique devint la norme. Il a été appelé Miami Top Vice, T-Vice, Zin, Zenglen, Papach etc. L'un des plus populaires et peut-être le plus groovy était Sweet Micky (également connu sous le nom de Michel Martelly).

Aujourd’hui, la scène de la musique de danse est dominée par les Klass, Harmonik, Ti Vice Djakout, Nu Look, Kreyol La, Zafèm, etc.

Tandis que les artistes/chanteurs/chanteuses tels Beethova Obas, Emeline Michel, Belo, Rutchelle Guillaume, Jean Jean Roosevelt, Darline Desca, Ayiiti, Tamara Suffren, Fatima, BIC, Renette Désir, etc. continuent la tradition des Guy Durosier, Ansy Derose, Toto Bissainthe, Yole Derose, Martha Jean-Claude, Carole Demesmin etc.

Malgré le succès et la popularité du Compas Direct, la musique haïtienne reste profondément enracinée dans la tradition Vodou dont son dénominateur commun, le Kata, est quasiment utilisé par tous les artistes haïtiens. Cette tradition est, de loin, le meilleur vecteur d'expression de l'identité nationale.

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©2015 © 2020

Jean Jean-Pierre, l'auteur, est compositeur, musicien, journaliste et producteur. Il a produit des acteurs de renommée internationale tels que Danny Glover, Susan Sarandon, Ossie Davis, entre autres. JJP a produit plusieurs spectacles et concerts à Carnegie Hall et au Lincoln Center (New York).

Il a orchestré –et refondé 2007- une bonne partie du répertoire du Jazz des Jeunes dont les partitions avaient disparues. Jean Jean-Pierre est le compositeur de l'opus "Ayiti Leve Kanpe - Haiti Levantate - Haiti Get Back Up" qui a été interprété et enregistré par l'Orchestre Symphonique de la République Dominicaine à la suite du séisme du 12 janvier 2010.

Albums: ‘1804-2004 Happy Birthday Haiti’ (2004)

‘Culture & Tradition’ (2014) – Musique de Ballet Bacoulou d’Haïti de Yvrose Green (Global Beat Records)

Jean Jean-Pierre Auteur

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https://www.lenouvelliste.com/article/218969/un-panorama-de-lhistoire-de-la-musique-haitienne

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HAÏTI ⭐

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Le Fantôme de l'Opéra (The Phantom of the Opera) est un film d’horreur américain sorti en juin 1925, réalisé par Rupert Julian d'après le roman éponyme de Gaston Leroux.

Les acteurs principaux :

Lon Chaney : Erik, le Fantôme de l'Opéra

Mary Philbin : Christine Daaé

Norman Kerry : Vicomte Raoul de Chagny

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