#La actualidad del jazz en España | Explore Tumblr Posts and Blogs

rockinnews · 1 year

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Nace DalleQdalle, el nuevo minifestival recurrente en Lugo.

Desde hace ya un tiempo, estábamos dándole unas vueltas a la idea de crear un minifestival en el Club Clavicémbalo de Lugo. Un minifestival recurrente que se celebrara varias veces al año como un ciclo de conciertos pero con la particularidad de incluir a tres bandas en cada uno de ellos.

DalleQdalle se presenta como una nueva experiencia donde dar a conocer artistas y grupos al público de la ciudad Lugo en pequeño formato. En cada una de las ediciones participarán un artista o grupo internacional de gira por nuestro país, uno nacional y otro de la comunidad gallega.

El proyecto empezó a coger forma durante el último trimestre del pasado año y por fin ya tiene su primera edición en marcha, que se celebrará el próximo día 10 de marzo de 2023.

Para la inauguración del evento, en su vol.1, contaremos con Virgina Maestro desde Madrid, Visions of Johanna desde Vigo y The Fargo Railroad Co. desde Sheffield (Reino Unido).

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The Fargo Railroad Co. es una banda de Southern Rock, original de Sheffield (Reino Unido) formada en 2013, y compuesta por cuatro miembros. Desde entonces ya han reunido a una base de admiradores leales y continúan agregando fieles cada vez que tocan en directo por todo el Reino Unido. Su número de seguidores no para de crecer, y es que The Fargo Railroad Co. transmite un sonido sureño que enamora.

Está claro que a The Fargo Railroad Co. les gusta estar en el escenario y les encanta tocar la música que crean y producen. Comparten un amor distinto y único, están unidos por la música con una amplitud de apreciación musical que es verdaderamente ecléctica. Todo esto se ha unificado para formar su sonido actual, que se ha asentado en el amplio y profundo océano del Southern Rock.

Mirando a las poderosas obras de bandas como Lynyrd Skynyrd, The Marshall Tucker Band, ’38 Special, etc., te das cuenta de que las influencias que tiene como banda de The Fargo Railroad Co. y como productores de su propio sonido, recalan en la fuente de la esencia del auténtico y genuino sonido Southern de antaño. Brindándole a su vez un saludo al dulce sonido de los años 70 de Cash, Young, Dylan y aportando vibraciones más contemporáneas de Blackberry Smoke y Jason Isbell, en definitiva, todo un lujo para los oídos más exigentes amantes del buen sonido sureño estadounidense.

Sin duda, The Fargo Railroad Co. aporta canciones alternativas que podríamos escuchar y aplaudir tras colarnos en un bar perdido de Texas, y para entender su progresión, nada mejor que verlos en directo.

Su primera visita a España fue en Febrero de 2020, y pudo recorrer una parte importante de la península ofreciendo un total de 12 conciertos. Te lo recomendamos, no puedes perderte a The Fargo Railroad Co., el mejor Southern Rock forjado y afilado en Sheffield.

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Desde el arranque de su etapa en solitario en 2008 su carrera ha tenido unas raíces claras, pero también ha sabido aportar sus carácter propio para crear algo nuevo a partir de los artistas que adora, como deja claro con 'Del Sur' (Gran Sol, 2019), su más reciente y aplaudido trabajo hasta la fecha, que fue grabado en Nashville por Collin Linden (Lucinda Williams, Emmylou Harris).

En la actualidad, sigue siendo reconocida como una de las artistas más relevantes en España, tal y como demuestra su reciente participación en el homenaje a 'Mediterráneo' de Joan Manuel Serrat que realizó 'El País'.

En estos 12 años de carrera ha publicado un total de cinco álbumes y un EP, ha alcanzado el #2 de la listas de ventas en dos ocasiones, fue ganadora de Operación Triunfo y ha realizado innumerables conciertos en España, además de Inglaterra y Estados Unidos. Adicionalmente, la sorprendente multitud de facetas que atesora le han llevado también a coproducir varios discos, componer para otros artistas como Raphael e incluso ganar un premio a mejor banda sonora.

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Visions of Johanna es un proyecto de Paul Clarke y Jorge Lorenzo surgido durante el verano de 2020. Sus canciones se mueven entre el folk rock acústico américano de Bob Dylan o The Jayhawks y el sonido británico de The Beatles.

El irlandés Paul Clarke, es compositor, cantante y multi instrumentista. Era músico profesional en su ciudad natal, Galway, hasta que en 2019 se trasladó a Vigo. Actualmente es guitarrista en la banda viguesa Stoned at Pompeii.

Jorge Lorenzo, también es compositor, cantante y guitarrista. Su actividad musical siempre ha estado unida a la ciudad de Vigo en donde ha sido miembro de varias bandas. Con su último grupo, Winter Project, del que es cantante y guitarrista, ha grabado tres discos y ha tenido una intensa actividad en directo hasta el inicio de la pandemia.

En el verano de 2020 Paul y Jorge se juntaron para hacer música y compartir sus canciones y al comprobar el buen resultado que surgía de combinar sus voces y su forma de entender la música, decidieron apostar por el proyecto y grabar su primer disco que será publicado este mismo año.

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diyeipetea · 7 years

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365 razones para amar el jazz: Rudy Van Gelder [262]

Rudy Van Gelder. Pues no se me ocurre otro tipo que haya hecho más por el jazz, apartando a los músicos, que éste. Una razón más para amar el jazz.

Seleccionado por Juanma Castro Medina

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ardeportal · 3 years

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Música argentina for export - la conquista del público anglosajón.

Alejados de los escenarios en medio de una nueva ola de la Pandemia por Coronavirus que aqueja la región, una camada de jóvenes músicos argentinos se negó a quedarse a la espera de la vuelta de los recitales y redobló la apuesta, proyectando su arte al mundo entero. ¿Cómo se gestó la conquista de espacios internacionales por parte de los colegas en la vecina orilla? ¿Dónde queda Uruguay en esta exportación masiva de música hacia el norte del globo?

Por Ginny Lupin

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Hace dos semanas, Nicki Nicole se convirtió en la primera artista argentina en ser invitada a The Tonight Show, uno de los programas más vistos de la televisión estadounidense. Jimmy Fallon, personalidad del espectáculo y host del programa, la presentó como una superestrella del país vecino; y la cantante - de apenas 20 años - estuvo a la altura del comentario, interpretando Wapo Traketero (su primer gran hit) y No Toque Mi Naik, en colaboración con el puertoriqueño Lunay. Su set en el célebre show, sumado a la nominación que obtuvo como Mejor Artista Nuevo en la última edición de los premios Grammy Latino, posicionan a la rosarina como referente indiscutida de una nueva oleada de músicos argentinos camino a conquistar las listas de reproducción a nivel global.

Desde el fin del mundo

“Para mí representa el lugar de donde vengo, mi forma de sonar, las cosas que aprendí, la música que me instruyó, justamente hace alusión a Sudamérica, que si lo vemos en un mapa, sería el fin del mundo, acá en el Sur”

Estas fueron las palabras de Duki, pionero y de alguna forma líder del movimiento de Trap y música urbana en la región; al editar el pasado mes su nuevo álbum: Desde El Fin Del Mundo. El lanzamiento, que era esperado con ansias por sus seguidores y ya figura entre lo más escuchado de Spotify, vino acompañado de marquesinas publicitarias en Times Square; imagen que el cantante compartió en sus redes. El trapero de 24 años saltó a la fama en 2017, luego de ir cobrando notoriedad a través de batallas de freestyle en el vecino país, y fueron temas suyos como She Don’t Give a FO y Hello Cotto que terminaron por imponer el género entre los escuchas de la región. Ahora, con su segundo material de larga duración, Duki continúa marcando impronta y proyectándose a nuevos y más grandes mercados. Desde El Fin Del Mundo presenta a un Duki más curioso y experimental, jugando con nuevas colaboraciones y fusiones que lo llevan a dejar sus rimas sobre matices medievales, rockeros y de clara influencia Pop Punk (Muriéndome, en dupla con Khea, es un claro ejemplo de la marca que esta veta de rock californiano dejó en toda una generación). Con el nuevo material, Duki apunta a conquistar una audiencia mundial cada vez más dispuesta a prestar oreja a la música urbana en español; el primer paso de la nueva era del músico a concretarse con su regreso a Europa en una gira por España anunciada para este año, luego de haber agotado 7 shows en dicho país en 2019.

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Con escala en Madrid

Natalia Peluso nació en Luján en el verano de 1995; pero tuvo que esperar más de 20 años, numerosas mudanzas hacia y dentro de España y un proceso de autoconocimiento artístico gestado en Madrid para que la artista regresara a Buenos Aires como profeta en su propia tierra. Para Nathy, el 2020 fue la consagración explosiva de un fenómeno que venía incubándose hacía rato. Reina de la experimentación y fusión entre estilos musicales, la cantante y compositora lanzó el pasado año su álbum debut: Calambre; que fue recibido con grandes comentarios de la crítica, en medio de viralizaciones en redes sociales por su colaboración con el beat-maker Bizarrap y el furor del single Sana Sana. La cantante de los mil acentos y los ojos de diferente color (¿guiño a David Bowie?) es un caso extraño en este análisis. Es argentina, pero se entiende latinoamericana por la influencia de artistas admirados y compañeros de estudio en España quienes, provenientes de diversas partes del cono sur, fueron forjando su impronta musical única. De esa formativa cosmopolita y un talento innegable para la interpretación, surge que Nathy logre combinar en su disco rendiciones a la salsa, el hip-hop, el jazz e incluso un homenaje a su Buenos Aires natal. Desde España, y a partir del suceso de sus primeros hits: Corashe y La Sandunguera; Nathy fue conquistando al público sudamericano en un proceso bastante inverso al de sus colegas y compatriotas. Sin embargo, no fue hasta copar las playlists argentinas y latinoamericanas que Nathy logró desembarcar en el mercado más codiciado: Estados Unidos. Pero si el 2020 había sido un gran año, a pesar de las circunstancias; el 2021 comenzó cargado de nuevos éxitos. En Abril se presentó en la edición virtual de South By West (SXSW), festival con base en Texas que combina conferencias de diversos contenidos audiovisuales con espectáculos musicales; y además, interpretó su tema Delito en The Late Show with Stephen Colbert. Así, la artista más nominada a los Premios Gardel de este año, llegó a Estados Unidos en lo que apenas constituye una parada más en su cruzada por la conquista de los parlantes del mundo.

¿Qué pasa con los premios?

Que la música en español ha cobrado un protagonismo inusitado en las listas musicales a nivel mundial no es un dato nuevo. Hace ya unos años que los hits internacionales suenan con ritmo de reggaetón y bachata y los encargados de premiar lo mejor de la industria musical han tenido que ponerse a punto con el fenómeno de los géneros urbanos latinos. Sin embargo, los líderes de los principales rankings musicales suelen ser originarios de Centroamérica y, por más difusión que los artistas del país vecino estén teniendo (sobre todo a nivel de redes sociales), el reconocimiento en forma de nominaciones llega con meses - sino años - de atraso a las vanguardias. Es por eso que no son muchas las caras rioplatenses que encontramos con la conocida estatuilla de gramófono correspondiente a los premios Grammy en la mano.

Si hacemos foco únicamente en las principales categorías, en la última edición de los Grammy Latinos sólo Fito Páez logró consagrarse ganador (se llevó el premio a Mejor Álbum Pop/Rock y Mejor Canción Pop/Rock); destacando entre un pool de nominados rioplatenses que incluían a los tres artistas previamente mencionados en la nota, además de las bandas Conociendo Rusia y Eruca Sativa, los raperos Wos y Cazzu y los compatriotas El Cuarteto De Nos y Jorge Drexler, entre otros. Más triste aún es el panorama en los Premios Grammy propiamente dichos, en cuya última edición Páez se llevara la estatuilla a Mejor Álbum de Rock/Alternativo Latino; siendo el único nominado del Río de la Plata junto a el álbum Aura de Bajofondo, con quienes compartía terna. Sorprende, sin embargo, que la misma Argentina que viera nacer a grandes íconos de la música como Soda Stereo, Spinetta o Charly (seguidos de un eterno etcétera de talentos), sólo haya visto reconocidos con el principal premio de la industria musical a tres de sus artistas, con los Fabulosos Cadillacs y Santaolalla compartiendo podio junto a Fito. Esto es, vale la pena aclarar una vez más, considerando únicamente las principales categorías; ya que han sido numerosos los premios otorgados a artistas argentinos en ternas secundarias.

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¿Y el paisito?

Lejos estamos de los tiempos en que nuestros Shakers eran destacados en medios internacionales a la par de los Rolling Stones; y en la actualidad son pocos los artistas orientales que llegan a nominaciones en los Grammy Latinos, ni hablar hacerse con el premio. Si elegimos mirar a la ceremonia internacional de los Grammy, Jorge Drexler ha sido nominado en 5 oportunidades, pero nunca ganó. Aún así es Drexler quien, además de contar con múltiples Grammy Latinos y - como olvidarlo - un Oscar, continúa representándonos en los principales medios internacionales. De esta manera lo hizo, por ejemplo, en 2018 al ser el primer (y único al momento) uruguayo en realizar un Tiny Desk Concert - ciclo de conciertos ideados por la NPR (Red de Radios Públicas de Estados Unidos).

Sin embargo falta sangre joven uruguaya copando los oídos de la audiencia internacional y, aunque pequemos de pesimistas, se siente que falta mucho para que nuestra música consiga la proyección necesaria para lanzarse a conquistar espacios. Mientras nuestros vecinos argentinos abren puertas, deberíamos replantearnos como medio dónde pretendemos que resuenen nuestros ritmos, no vaya a ser que estemos perdiendo una potencial oportunidad de mostrar de lo que somos capaces acá, en el fin del mundo.

#editorial #ginny #música argentina #duki #nicki nicole #jorge drexler #nathy peluso #fito paez

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carnedechancho1 · 4 years

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Dossier

Síntesis argumental:

Dani Garber se fue de su casa: abandona su rutina, su familia, el club y a sus amigos para encerrarse en una pensión de Constitución. Se arma un canal de youtube: Carne de chancho. Carne de chancho, es un musical que indaga sobre la identidad, la pregunta por el deseo y por cómo queremos vivir esta vida, que es una.

Ficha artística y técnica:

Intérprete: Luis De Almeida

Música Original: Pamela Sleiman

Dirección Coreográfica: Fabiana Maler

Vestuario y escenografía: Luis De Almeida

Asistente de dirección: Jimena Morrone

Prensa y Difusión: Pablo Lancone

Diseño Gráfico: Luis De Almeida

Fotografías: Daniela Gimenez

Producción Ejecutiva: Jimena Morrone

Dirección Musical: Pamela Sleiman

Dramaturgia y Dirección: Sebastián Kirszner

Producción General: La Pausa Teatral

Duración: 35 minutos

Requisitos Técnicos:

Propuesta artística desarrollada por el Director:

Una puesta musical. Una pensión de Constitución. La virtualidad se constituye como elemento generador del lenguaje, la poética y singularidad de la obra. Así, este viejo ambiente de la casa del actor, ahora se reforma para ser el cuarto de un viejo hotel.

El registro de la actuación es realista, con elementos de ruptura: canciones que vienen a romper con el relato.

Encuentros por zoom que vienen a rescatar el deseo, que vienen a unir lo que la pandemia rompió, la cercanía de los cuerpos. Un encuentro sin contacto, pero un encuentro al fin.

Puesta en escena:

Una cámara de celular… streaming… “la nueva normalidad”... una pandemia.

Carne de Chancho se constituye como un experimento, una novedad, donde un texto que fue pensado para montarse en una sala de teatro, a la italiana, termina siendo una experiencia de actuación vía streaming. Cómo romper la bidimensionalidad que propone el teatro filmado, es el mayor desafío. Entonces el relato de puesta en escena es una gran coreografía de cámara, en un espacio reducido. El relato se divide en “capítulos” que delimitan espacios físicos en un pequeño ambiente. Se aprovecha cada rincón.

Canciones reproducidas desde un parlante, con sus coreografías son parte de la poética heredada de lo que antes hacíamos. También un actor vivenciando un texto. Lo nuevo: una cámara que es un intérprete más. La sensación es que está a cuatro cámaras. Pero solo hay una.

Lo artístico está condicionado por las nuevas reglas de producción: El actor se tiene que generar el propio dispositivo escenográfico- de vestuario - de utilería. Se asiste técnicamente pero además tiene que desplegar su actuación. Y lo hace.

El personaje se transmite en un canal de youtube. Le habla a su gente. Y eso sí, la señal de internet puede pixelar la imagen, pero Luis de Almeida jugará con ello.

Sebastián Kirszner. Como actor, se formó con Ricardo Bartis, Guillermo Cacace, en Río Plateado, escuela dirigida por Hugo Midon (Allí con Silvia Kanter, Roxana Berco, entre otros docentes). Estudió dramaturgia con Ricardo Halac (Argentores) y Mauricio Kartun. Estudió dirección de actores con Guillermo Cacace.

Su primer espectáculo fue en el 2008, “El Mate” (Teatro La Comedia). La obra contó con música original de Carlos Gianni. “El Mate” fue nominado a los premios ACE 2008 en la terna “Mejor Infantil” y fue ganadora del Premio ATINA a la Música Original del mismo año.

Estrenó como dramaturgo "La Estación Intermedia" (2009); "Oíd Mortales, el agua sagrado" (2009), para el festival de Dramaturgia Emergente;

"La Beca" (2010) fue el primer espectáculo que además dirigió;

"El Casting" (2011) salió publicada en la antología de textos de Elsa Drucaroff: "Narrativas Emergentes Interzona", y fue publicado en el exterior para la editorial Theatralize de Alemania, traducida por Katherina Moring.

“Las Memorias de Blanch” (2012), fue publicada en “OFF! novísima dramaturgia Argentina”, compilación de Ricardo Dubatti.

Además dirigió “Azulejos Amarillos”, de Ricardo Dubatti (2013).

También llevó a la cartelera "Rats, casi un musical"(2014), con la cual participó del II Festival de Novísima Dramaturgia y ganó el premio Florencio Sanchez en la terna “mejor musical argentino”.

Estrenó “El Ciclo Mendelbaum” (2015), y se llevó 9 premios Teatro del Mundo (entre ellos Dirección y Dramaturgia), y ganó el premio Florencio Sanchez (mejor musical argentino).

También estrenó “La shikse” (2016) (Premio Teatro del mundo dramaturgia, actriz y fotografía), y “La mishiguene de la carpa 4” (2018). Recientemente estrenó “Goy, el musical” (2018).

En el 2019 estrena "Había una vez una bruja..." (Coautoría y dirección).

Dirige (La Pausa) Teatral.

Luis De Almeida. Inicia sus estudios de actuación en la EMAD, Escuela Metropolitana de Arte Dramático con docentes como Marta Serrano, Eduardo Gondell, Ciro Zorzoli, Paco Redondo, Roberto Perinelli, entre otros. Subió a los escenarios con los directores:Roberto Villanueva, Marina Wainer, Martín Vaamonde, Guillermo Aragonés, Claudia Carbonell, José María Muscari y Nelson Valente, entre otros. Viviendo en Madrid estrenó Margaritas a los Puercos, unipersonal dirigido x Fernanda Orazi, De Velorios y verbenas y Monstruos, ambos dirigido por Marina Wainer. Desde el Hueco, por el que recibió premio mejor actor en el Festival de Reinosa y mejor obra en Festival teatro independiente Zaragoza, España. Dirigió Arrabaleras, Test, El fruto al árbol el pez al río y la paz al mundo, y Motu Proprio, premio mejor obra festival de teatro Roquetas de Mar, España. Participó como actor de las series españolas Sexo En Chueca Y Herederos. De regreso a Buenos Aires filmó Stolen Tango y series como La Viuda De Rafael, Sandro La serie y Cuéntame cómo pasó. Trabaja bajo la dirección de Maruja Bustamante en Adela está cazando patos. Actuó en El Ciclo Mendelbaum y protagoniza GOY, el musical, ambas de Sebastián Kirszner. Escribe y dirige Choriplanera y dirige a Eugenia Guerty en Sombras, para Idénticos, en el ciclo Teatro por la identidad. Trabaja en El Casamiento de Witold Gombrowicz en el complejo teatral de Buenos Aires (teatro San Martín) bajo la dirección del polaco Michal Znaniecki. Actúa en LOS HILOS DE ARIADNA en el Festival Opera Tigre 2018. Escribe, dirige y actúa en varias piezas de Microteatro Buenos Aires durante todo el 2019

Pamela Sleiman. Comenzó sus estudios de música a los 8 años con el piano, estudiando de forma particular. A los 18 ingresa al Conservatorio de la Ciudad de Buenos Aires Astor Piazzolla, finalizando el Trayecto Artístico Profesional de Piano. A los 20 comienza sus estudios de Clarinete, entre sus maestros se destacan Gabriel Blasberg, Mariano Rey, Amalia Del Giudice y Marcelo Moguilevsky. Se egresa en el año 2006 con el título de Profesora de Música con Especialidad en Clarinete. Por otro lado realizó estudios de Saxo y música popular en la Escuela de Música Popular de Avellaneda con Gustavo Hunt. Desde el año 2006 es el Primer Clarinete de La Banda Municipal de La Matanza. En el año 2015 ingresa a La Orquesta de Música Popular de la UBA como Primer Clarinete y con la cual acompaño a artistas como David Lebon , Jairo, Verónica Condomi y Ramón Ayala, entre otros. Es integrante de varios proyectos independientes de Música Popular como Sabalaje Ensamble, conjunto de música contemporánea de raíz folklórica con el cual grabo dos discos. También grabo en el disco Por Segundo de Matías Paz.Desde el 2018 integra con el Clarinete Bajo La Empoderada Orquesta Atípica, un grupo de 22 músicas que realizan composiciones de Tango de mujeres actuales con temáticas de género buscando integrar la música , la poesía y lo visual. Realizaron conciertos en el Teatro ND, la Sala Sinfónica del CCK y también en la reapertura de Tecnópolis en marzo 2020.En el año 2016 participa de la “Opera Mozart en Moscú vía Buenos Aires” estrenada en el Teatro 25 de Mayo con Música de Sergio Ratti y con Francisco Lummerman como protagonista. En el año 2019 integra el Elenco de músicos de la obra “Mucho Ruido y Pocas Nueces” en el Teatro La Comedia, con Dirección de Jorge Azurmendi y música de Rony Kesselmann, nominada para los premios ACE 2019 como mejor Comedia.

Fabiana Maler. Comenzó como bailarina para luego dedicarse a la docencia y a la creación de puestas coreográficas.

Con formación no sólo en danza contemporánea sino también en danzas folklóricas de Europa Oriental de las cuales siguió investigando y enseñando hasta la actualidad dando seminarios en el país y en el exterior (Venezuela, Brasil, Uruguay). Dedicada desde hace años a la docencia, especializada en el trabajo con jóvenes y adultos, sus clases son una fusión de diferentes técnicas (contemporáneas, jazz, folk, ashtanga). La inclusión del teatro y el trabajo de la voz en su formación le permitieron desempeñarse en el ámbito teatral convocada para dar entrenamiento actoral y corporal para actores y cantantes, y trabajar en la dirección y puesta en escena. Creadora de intervenciones urbanas - flashmobs- para campañas publicitarias y ONG. Actualmente da clases en el estudio Dan-Zas de Paula Shapiro, Yako dance, en la U.N.A. (Universidad Nacional de las Artes), dicta talleres de coreografía de danza fusión para AMIA. Joven y realiza puestas para teatro y músicos. Dirige el elenco coreográfico Sheva, mujeres danzan mundos. Trabaja en colaboración como performer con la artista visual Mariela Gargano quien expuso y obtuvo premios por las obras realizadas en conjunto.

Jimena Morrone.Es actriz y docente. Nació en Buenos Aires en 1975. Estudió en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático (UNA), con Román Podolsky. Clown con Hernán Gene y talleres de danza-contac, butho y entrenamiento en técnica Graham. En el año 2000 se traslada a vivir a España. Como actriz participa en las siguiente obras: “ZAP” Y “Cabaret para Marujas” con la Cia. Machincuepas, “Frida Kahlo: Pies para que los quiero sí tengo alas para volar” en el Festival 3D en Madrid. “La Decalogía de Copla” en festivales de GREC en Barcelona y Sabadell, “Por una manzana: siete historias cómico sexuales para cuatro pollas y dos coños”en Plaza Mayor de Toledo y Teatro Central de Málaga, “Insigne monja Jerónima”, “Susana San Juan, hija de un minero muerto sobre las minas de Andrómeda” en DT Espacio Escénico de Madrid.

Desde el 2005 se dedica a dar clases de Teatro para niños de 3 a 12 años y Adultos en Colegios Públicos, Privados y Concertados de la Comunidad de Madrid. En el 2018, regresa a Buenos Aires, su ciudad natal donde trabaja como productora ejecutiva y asistente de dirección en diferentes proyectos teatrales junto a directores como Lorena Romanin, Nelson Valente, Ernesto Claudio, Verónica Barr, Jorge Azurmendi y Sebastián Kirszner. Trabaja en la gestión, coordinación y organización de La Pausa Teatral y crea la Escuela de Teatro de LA PAUSA TEATRAL junto a Sebastián Kirszner.

Pablo Lancone. Es periodista, productor y community manager con título de C.E.T.A.E. Trabaja en medios y prensa desde 2009. Hace 8 años creó la página www.escenariosnacionales.com.ar dedicada pura y exclusivamente a la difusión de teatro argentino. Además es conductor del programa homónimo los viernes a las 19hs por www.blaenvivo.com

PRENSA:

https://www.lanacion.com.ar/espectaculos/teatro/el-teatro-judio-se-adapta-tiempos-pandemicos-nid2479413

https://www.pagina12.com.ar/287483-cronica-de-una-caida

https://www.pagina12.com.ar/286735-sebastian-kirszner-busque-ahondar-en-la-tematica-del-judio-p

https://www.laciudadweb.com.ar/la-obra-de-teatro-carne-de-chancho-se-presenta-ahora-via-streaming/

https://medium.com/leedor/carne-de-chancho-humor-y-reflexi%C3%B3n-acerca-de-los-mandatos-sociales-cad87f555365

https://www.radiojai.com/index.php/2020/07/31/64435/carne-de-chancho-un-musical-sobre-una-vida-poco-kosher/

https://difusionteatro.com.ar/carne-de-chancho-de-sebastian-kirszner/

https://mvos.lavoz.com.ar/escena/una-plataforma-ofrece-obras-de-teatro-en-vivo

https://charlyzarateprensa.blogspot.com/2020/08/tiempos-pandemicos-entrevistas-desde_5.html

“El teatro de Sebastián Kirszner marca un antes y un después en la dramaturgia judeo-argentina, en tanto aborda la temática judía en términos de la nueva generación, por medio de una postura irreverente y cuestionadora que busca correrse del lugar tradicional de la nostalgia hacia el pasado. Sus obras revitalizan la polémica y el debate en torno a lo judío, y brindan una respuesta a la pregunta sobre que hacer con esa identidad heredada que es a la vez propia y ajena, al demostrar que es posible apropiarla y resignificarla en nuestros propios términos.”

(Paula Ansaldo, crítica teatral e investigadora del CONICET, especialista en teatro judeo-argentino).

Contacto: Jimena Morrone/ Sebastián Kirszner

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trastornadosrevista · 4 years

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Ca7riel & Paco Amoroso en Obras: el ascenso de los outsiders

Ca7riel & Paco Amoroso confirmaron su ascenso meteórico con un show sold out en Estadio Obras Sanitarias. Motorizados por una pulsión sonora mutante, estos dos (muy jóvenes) amigos de toda la vida se dieron el lujo de combinar la esencia de una rave con la agresividad y la potencia de un recital de heavy metal, resultando todo en una inolvidable presentación que volvió a dejar inquietos a los rancios defensores de la tradición.

Apenas un día después del segundo show de su amigo WOS en el Luna Park, Ca7riel & Paco Amoroso debutaron en el Estadio Obras Sanitarias con cartelito de sold out colgado poco más de un día antes. Dándole forma a una sucesión que confirma el predominio de la esa flexible unidad llamada “Música Urbana” dentro de las escenas mainstream y emergente de nuestro país, estos dos muy peculiares y decididos alquimistas del sonido cerraron a toda velocidad un año que también fue consagratorio para ellos.

La fila que se extendía por la Avenida Del Libertador era francamente impactante: si hace poco más de un año, tanto a Catriel Guerreiro como a Ulises Guerriero –hasta en el apellido hay una simbiosis plena– les costaba asentarse dentro de la salvaje y competitiva escena local, la actualidad los encuentra disfrutando las mieles que traen las alturas. De llevar una base reducida de seguidores y conocedores a un show gratuito en el Centro Cultural Recoleta a quemar por completo todos los papeles sin escalas: tres Niceto Club agotados, una gira por España que incluyó un show en el Sonar de Barcelona, uno de los mejores momentos del Buenos Aires Trap 2019 y el honor de poder homenajear a Gustavo Cerati con una acertadísima versión de “Crimen” en el Teatro Colón. Todo ello potenciado por el hecho de estar siempre en movimiento, por nunca conformarse ni con lo establecido ni con lo desconocido: su música puede ser descripta como una mutación anti-formalismos constante en la que no existen los límites género-estilísticos y donde lo audiovisual y lo físico/performático son tan elementales como lo sonoro.

Siguiendo esta prerrogativa, la previa en el Templo del Rock estuvo sazonada e impulsada por un DJ set muy acido que recordó a las viejas fiestas del Segundo Verano del Amor. Claro que tres cuartos de los presentes no superaba el promedio de los 24 años de edad, por lo que tal afirmación quedó reducida a simplemente dejar que el cuerpo se mueva al ritmo de los beats incisivos y repetitivos disparados desde la bandeja central. Su irrupción en el escenario se dio cerca de las diez de la noche, abriéndose hacia arriba la rampa que haría las veces de pantalla gigante e ingresando con ellos la siempre infalible ATR Band.

Si sus shows en Niceto Club y en el Hipódromo de Palermo –por nombrar a los más grandes– se habían caracterizado por un interesante equilibrio entre una esencia jazz-funk y una serie de explosiones incontrolables, lo que sucedió en Obras puede ser descripto como “la presentación más agresiva y punk que hayan tenido”. Distorsión pura, estética vaporwave y un viaje a lo profundo de la Londres de los ’70, “Ola mina XD” fue el delirio nuclear que tanta ansiedad colectiva necesitaba como para quedar con las piernas liquidadas en apenas cuestión de minutos.

Enfundados los dos en pieles –Ca7riel como una pantera negra, siempre saltando y agitando a la gente, y Paco Amoroso como una estrella de la nouvelle vague, deslizándose por las tablas como gacela y saltando hasta el punto justo–, los protagonistas se regodearon ante tamaña euforia e inyectaron funk, EDM y acid house en el sistema circulatorio de la mano de una versión ‘hecha a mano’ de “Antiyuta”. Bajo un beat bien hip hopero y la suavidad de un teclado en modo vangelis, la sesión de Bizarrap protagonizada por Paco los encontró muy cómodos dentro de la canción tradicional, sacando a relucir esa formación clásica y rockera de la que jamás han renegado.

El pujante binomio entre ‘bella’ y ‘bestia’ se acentuó durante “Terrible Kiko”, un dark pop capaz de agujerear cualquier estómago que creó un clima oscuro y auto-destructivo en el que las voces se perdieron y deshicieron hasta convertirse en lejanos alaridos llenos de dolor. Puro flow, hija del funk y del hip hop clásico, “A Mí No” los encontró luciendo sus voces sin ninguna pizca de auto-tune, dialogando a la perfección con un público que no dejó de cantar en ningún momento y eligiendo los momentos en los que subir la velocidad para mostrar que el freestyle también es terreno fértil para ellos.

La vibra entre tropical y distópica de “Piola” fue un punto más que elevado, llevándose la ATR Band una merecida ovación tras dejar tras de sí a un tendal de músicos que no saben cómo tocar en vivo sin atarse a las programaciones. Referencias retro ineludibles y un tempo invencible, dos características que hicieron que el paso hacia la angustiante y nostálgica psicodelia –acompañada por una base techno-disco consistente– de “Mi Sombra” no sea en absoluto incómodo. Luego de quedar al borde de la pasarela, acechando a su presa, Ca7riel tuvo su momento en solitario y no lo desaprovechó: dos movimientos en los que unificó al hip hop y a la cumbia villera con el rock industrial (“No Aterrizó”) y, ya con la guitarra colgada a puro riff metalero (“Gatxs” y “Vibra Alta”), en donde profundizó ese camino pero aprovechando la versatilidad mutante y la consecuente velocidad en el cambio de cuadros de la ATR Band.

Paco Amoroso regresó de pantalones cortos para ponerle un poco de funk rock a la ya de por sí ridícula “Picky” de Joey Montana, gesto por completo desafiante hacia el canon tradicional, para luego liderar desde la pureza del flow una versión de “OUKE” que incluyó a Esteban Lamothe sobre las tablas para recrear un segmento del video oficial. Tiñendo de negro pesadilla al estadio, la sesión de Bizarrap de un Ca7riel más gutural que nunca trajo el pogo más violento de todos y puso sobre la mesa el gusto todavía vigente en los más jóvenes por el thrash metal y sus diversas ramas.

“¡Cómo se picó papaaaaaaaaa!” gritó el espigado frontman desde atrás de todo, para luego dar pie al enlace entre “McFly” y “Todo El Día”; sus dos más recientes temas solistas mostraron una poderosa conexión que va mucho más allá de los videoclips oficiales: convirtiendo al recinto en un sótano húmedo y sucio, desataron una rave extremadamente ácida que encontró en el galope de la batería y en la monumental potencia física de Ca7riel y Paco su principal fuente de combustión.

La introducción a puro headbanging con un riff clásico bien thrash fue más que suficiente como para tenderle la alfombra roja a Dillom -otro de esos músicos criados en la suciedad del punk- con quien llevaron la propuesta hacia el metal más oscuro y brutal, justificando y enalteciendo la famosa (y poco respetada, cuestión de capacidades) esencia deforme y sangrante del trap. Luces prendidas, momento para agradecer y marcar el camino a seguir para triunfar: “Siempre con los pibes loco, nunca solos” exclamaron casi al unísono luego de nombrar a todos los integrantes de la banda y de su crew; pura sangre callejera, WOS devolvió el favor de las noches anteriores a su amigo Ca7riel para que el lugar se venga abajo de la mano del vaporwave asesino y candente de “Klapaucius”.

Después de jugar un poco con el estribillo de “Qué Calor” de Los Pibes Chorros –otra particularidad que trae a colación el viejo concepto de “plebeyización”–, estos dos inefables amigos detonaron la casa estrenando ese experimento house mitad paródico, mitad auto-consciente, llamado “Cono Hielo”. Tema del verano sin duda alguna, lejos está de ser una rendición: allí donde muchos ven un estilo de vida, un aspiracional absoluto, ellos ven algo para esquivar, burlar y (¿Por qué no?) aprovechar. Como bien explica Ca7riel en una entrevista realizada por Mariano Del Águila en la Revista Anfibia: “Después llegó Paquito al mic y las necesidades cambiaron, fueron otras ¿Ganar dinero? ¿Por qué no? ¿Por qué no meternos en este ambiente, y ganar dinero?”. Si uno de los pilares del trap es la autenticidad, nadie podrá decir que ambos no dejaron en claro las razones por las que decidieron meterse de lleno en la escena.

Y de eso se trata, pues los purismos nunca son buenos, sin importar para que lado del espectro ideológico apunten. Catriel y Ulises quieren hacer dinero, pero respetan profundamente al trap al punto de buscarle las mil y una vueltas de tuerca con el objetivo de hacer evolucionar su sonido. Como si fuese una especie de reafirmación de todo esto, el cierre con el heavy metal y el rock industrial de “Jala Jala” fue un fiel reflejo de la oscuridad que reside en su interior y que los impulsa día a día. Fuego a sus espaldas, el corazón de una fábrica metalúrgica en pleno funcionamiento, quedando derretidas las estructuras metálicas del recinto mientras los dos artistas del momento se repartían entre las onomatopeyas selváticas y el mosh más enloquecido posible.

Exhibiéndose como los grandes outsiders del trap, Ca7riel & Paco Amoroso brillaron en una noche que estuvo marcada por la oscuridad conceptual, la agresividad sonora y el total desparpajo escénico. Cultores de la deformidad género-estilística, lo cierto es que pusieron sobre la mesa grande el hecho de que, dentro de la nueva generación, también hay lugar para el disfrute del rock pesado y del punk originario ¿Y saben qué? Eso está mucho más que bien. Lo entendemos por completo.

Por Rodrigo López Vázquez

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rutaalrocknoticias · 3 years

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Virginia Maestro en Rockville

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La andaluza Virginia Maestro no es la típica cantante y compositora. Está tan influenciada por los grandes nombres del soul y del blues como por la multitud de facetas del pop y del jazz, y este cruce personal de inspiraciones culturales e intergeneracionales le ha llevado a hacerse un nombre en la música española. Desde el arranque de su etapa en solitario en 2008 su carrera ha tenido unas raíces claras, pero también ha sabido aportar sus carácter propio para crear algo nuevo a partir de los artistas que adora, como deja claro con ‘Del Sur’ (Gran Sol, 2019), su más reciente y aplaudido trabajo hasta la fecha, que fue grabado en Nashville por Collin Linden (Lucinda Williams, Emmylou Harris).

En la actualidad, sigue siendo reconocida como una de las artistas más relevantes en España, tal y como demuestra su reciente participación en el homenaje a ‘Mediterráneo’ de Joan Manuel Serrat que realizó 'El País’,

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flamingstaromunicacionnews · 1 year

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Virginia Maestro continua con su gira de conciertos, su próxima fecha el 24 de Marzo en Lleida.

La andaluza Virginia Maestro no es la típica cantante y compositora. Está tan influenciada por los grandes nombres del soul y del blues como por la multitud de facetas del pop y del jazz, y este cruce personal de inspiraciones culturales e intergeneracionales le ha llevado a hacerse un nombre en la música española. Desde el arranque de su etapa en solitario en 2008 su carrera ha tenido unas raíces claras, pero también ha sabido aportar sus carácter propio para crear algo nuevo a partir de los artistas que adora, como deja claro con 'Del Sur' (Gran Sol, 2019), su más reciente y aplaudido trabajo hasta la fecha, que fue grabado en Nashville por Collin Linden (Lucinda Williams, Emmylou Harris).

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joeanna · 4 years

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El Carnaval de Cádiz : un de los mas grandes de Europa

En el norte de Francia, uno de los festivales más famosos y esperados es el carnaval de Dunkerque. Es interesante saber que nuestros vecinos españoles también tienen su propio carnaval cuya fama supera la de Dunkerque a nivel europeo. Es el carnaval de Cádiz que atrae a miles de personas cada año.

¿Qué es el carnaval de Cadiz?

El Carnaval de Cádiz es uno de los carnavales más conocidos de España. Su principal característica es el humor. A través del sarcasmo, la burla y la ironía, los grupos principales y la gente de la calle "purgan" los problemas más acuciantes de hoy en día.

Se cree que esta alegre celebración anárquica fue inspirada por el carnaval de Venecia - una ciudad con la que Cádiz disfrutó de prósperas relaciones comerciales en el siglo XVI, cuando su puerto era uno de los más importantes de España.

Cómo celebramos el carnaval de Cádiz

El carnaval se prepara todo el año. En enero, la ciudad de Cádiz ve cómo toma forma un pre-carnaval en el que las penas organizan actos de teatro, pequeños espectáculos de danza y/o canto en las calles para establecer un primer contacto con el público y preparar el ambiente del carnaval. También se ofrecen especialidades locales para atraer la atención de los transeúntes y pasar un buen rato.

El carnaval comienza oficialmente el 10 de febrero con una duración de unos 11 días. Desfiles, grupos de canto y baile en las calles, concursos de disfraces, etc.

Durante el carnaval también hay un concurso "Teatro Falla", en el que participan más de cien grupos, entre los que se encuentran las populares "chirigotas". Es un espectáculo visual lleno de baile, música y colores. Uno de los puntos culminantes de las festividades es la Gran Final, donde sólo se seleccionan cuatro grupos. Se celebra el primer viernes de carnaval y dura hasta la mañana siguiente. El final es visto por miles de espectadores y es transmitido por radio y televisión.

Durante las dos "cabalgatas": "Gran Cabalgata" y "Cabalgata del Humor", el público participa activamente en el desfile multicolor que tiene lugar en toda la ciudad.

Como este carnaval es una fiesta popular, hay grupos llamados "charangas ilegales", que son bandas de música compuestas por grupos de amigos, compañeros de trabajo, peñas, fañas, etc. Ellos compiten con los grupos "oficiales".

Que bailes, comida, musica o disfrazes encontramos en esta fiesta

Durante el pre-carnaval y los 11 días de fiesta se degustan especialidades locales, españolas y andaluzas como ostras, mariscos, pescado frito, tortillas, etc.

Durante los carnavales, la música es el centro de los eventos. Puedes escuchar guitarras, mandolinas, tambores, silbatos...

En cuanto a las canciones, suelen ser cómicas, criticando con humor e ingenio los acontecimientos que han marcado la actualidad española del año, como la corrupción política por ejemplo. Esta sátira política y social también está presente en el Teatro Falla. Los ritmos del flamenco, el pasodoble, el tando e incluso el jazz o la música clásica también se pueden escuchar por toda la ciudad en ciertas esquinas.

En el Carnaval de Cádiz es obligatorio disfrazarse. Individualmente, en pareja o en grupo, es necesario mostrar su disfraz, al menos el primer sábado y durante los desfiles. No hay trajes estándar, cada uno da rienda suelta a su imaginación y creatividad.

Los orígenes de este festival

Los orígenes del Carnaval de Cádiz se remontan a la época cristiana y a la Cuaresma. Antes del período de ayuno y arrepentimiento, la iglesia solía permitir que la gente diera rienda suelta a todas sus emociones, incluyendo los sentimientos apasionados y/o carnales. El propósito de la Cuaresma era purificar a los fieles de sus excesos a través de las festividades, para que fueran virtuosos de nuevo en el Domingo de Resurrección.

De esta manera, el Carnaval sirvió como "regulador" de sentimientos como la tristeza y la alegría, lo que el cristianismo llama "el apasionante orden del tiempo". El Carnaval de Cádiz, como se conoce hoy en día, tiene algunas características similares al Carnaval italiano, como el uso de máscaras y confeti, que fue introducido en la provincia andaluza por los comerciantes genoveses en el siglo XV.

Esperamos celebrar el carnaval en 2021 !

#fiestaespanola jo&anna carnaval cabiz andaloucia

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kiro-anarka · 4 years

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A pesar de su prometedora carrera y de su interés por el satanismo, el grupo madrileño Warlock no llegó a grabar ningún disco. Dios no lo quiso, Satán tampoco. «Llevando solo dos meses juntos, sin equipo adecuado, con un rudimentario juego de luces, sin manager, los tres tíos: VÍCTOR RAMOS, J. A. SÁNCHEZ, FÉLIX BARAHONA salieron bien parados y nos hacen pensar en un futuro cojonudo». Así describía una revista de la época uno de los conciertos Warlock celebrado en el barrio de Aluche en 1977. A pesar de esas entusiastas palabras, son pocos los que recuerdan hoy en día a este grupo madrileño. Nunca llegaron a entrar al estudio a grabar, ese «futuro cojonudo» no se materializó y sus miembros, cansados, decidieron disolver el grupo. Hoy, más de cuatro décadas después, Warlock está de actualidad porque el sello Guerssen ha lanzado un LP que recoge algunas de las escasas grabaciones de época realizadas por el grupo en el local en el que ensayaban.

Este disco surgió del empeño de Víctor Ramos, cantante y guitarrista de la banda, que no quería que quedasen inéditas esas canciones que tanto habían gustado ese día en Aluche, o la vez que telonearon a Ian Gillan en el Teatro Monumental en sesión de tarde y noche, o cuando tocaron en un festival junto a Moris, Teddy Bautista y Mermelada de lentejas o en ese otro, en el que coincidieron con Eduardo Bort, Burning y CAI.

Para ello, decidió volverlas a grabar con su grupo actual, Sohpie’s Choice y se las llevó a un amigo propietario de un sello de discos para ver si le interesaba editarlas. «Mi amigo me dijo que lo que la gente buscaba eran las grabaciones originales, no grabaciones nuevas que sonasen como en los 70, y me preguntó que si no tenía alguna grabación antigua», recuerda Víctor Ramos. Sí había una, pero había sido registrada en el local de ensayo con un casete no profesional y no sonaba del todo bien. «Tú tráemela», le pidió su amigo que, tras escucharla, decidió publicar un single.

«El single llegó a manos de la gente de Guerssen que, cuando lo escuchó, le comentó a mi amigo que por qué no sacaba un LP con todo el material. Como él no estaba en condiciones de abarcar ese proyecto, les propuso que lo hicieran ellos», relata Víctor.

Dicho y hecho. El pasado 16 de junio, el sello Guerssen publicó Warlock. 40 años antes, un disco con nueve temas del «primer grupo español de hard–rock con estética / influencia satánica / ocultista de todos los tiempos».

Con motivo de este lanzamiento, Agente Provocador ha hablado con Víctor Ramos para recordar la trayectoria de Warlock desde sus orígenes hasta ese «futuro acojonante» que no fue o que tal vez está a punto de ser.

Visto con retrospectiva y aunque sonábamos muy bien, nuestro estilo era muy británico y eso ya no se estaba haciendo en el 78. Nosotros éramos muy de principios de los 70.

Agente Provocador: Además de esa curiosa profecía, la crítica del concierto de Aluche mencionaba que ese día había un lleno impresionante en la sala lo que, según el periodista, «nos dice que Las Catacumbas funcionan, ya que sin apenas publicidad es todo un éxito llenar un teatro por pequeño que sea». ¿Cómo es posible que con esas y otras buenas críticas ni siquiera llegaseis a grabar?

Víctor Ramos: Creo que el problema fue que no estábamos en el mundillo ni en los circuitos de músicos. Nosotros nos movíamos a nivel de tiendas de discos y de gente que organizaba eventos. Gracias a eso conseguimos lo que conseguimos. Fuimos a la radio, hicimos entrevistas… Pero no estábamos relacionados a nivel de compañía discográfica. Visto con retrospectiva, me he dado cuenta de que, aunque sonábamos muy bien, nuestro estilo era muy británico y eso ya no se estaba haciendo en el 78. Nosotros éramos muy de principios de los 70 y en España en esa época estaba surgiendo el rock urbano. Además cantábamos en inglés y en esa época ya se empezaba a cantar en español. Luego estaba el cambio político. Si no eras comunista tampoco encajabas, y a nosotros la política nos importaba tres mierdas.

AP: Pero el festival de la Feria del Campo en el que tocasteis con Moris, Bloque o Teddy Bautista estaba organizado por la Joven Guardia Roja, que eran las juventudes maoístas.

VR: Nosotros ni sabíamos de qué iba aquello. Lo único que teníamos claro es que los que actuaban eran la hostia. De hecho, ni siquiera recuerdo quién nos consiguió ese contrato. La cosa era que tenías que estar integrado y ser del Rrollo. También tenía mucho peso todo el tema de las drogas. Si no te drogabas parecías tontito. Por eso creo que la razón de que no funcionásemos fue un cúmulo de todas esas cosas.

AP: ¿Qué drogas se consumían en el 77 además del tabaco y el alcohol? Parece que los 60 están marcados por el LSD, los 80 por la heroína, pero ese periodo intermedio está un poco desdibujado.

VR: Básicamente era hachís. Pero si eras más guay y estabas más puesto, la heroína ya estaba ahí. Los destrozos de los 80 ya estaban en esa época. No había mucha cocaína. En el extranjero sí la había, pero en España solo en altos niveles. Casi ni se oía hablar de la cocaína pero los picos sí estaban ahí.

AP: ¿Ya no se tomaban alucinógenos?

VR: Sí, todavía había bastantes. Hachís, tripis y heroína.

AP: ¿Y algún medicamento de farmacia? Te lo pregunto porque, en esa época, las anfetaminas, por ejemplo, eran todavía legales.

VR: Sí, es verdad, las anfetaminas. El Bustaid y el Optalidon. Cuando vendía discos en el Rastro de Madrid para sacarme algo de dinero, vino un tío con una flamante Gibson Les Paul y me dijo «15.000 pesetas», cuando era una guitarra que podía estar costando 200.000. Le dije que a mí, reunir 15.000 pesetas podía llevarme mucho tiempo. Entonces me respondió «pues 15 botes de Bustaid». Luego me dijo un amigo, «¡pero si valen cuatro pesetas! Te hubiera conseguido yo los que necesitases…».

AP: Volviendo a lo anterior, ¿os planteasteis en algún momento grabar una maqueta?

VR: Eso suponía meterte en un estudio y gastar dinero. Además, había que pagar el local de ensayo. Yo no trabajaba, no tenía ni un duro más allá de una asignación semanal que creo que era de mil pesetas. Gracias a los otros dos, que trabajaban, se pudieron conseguir algunas cosas. Hacer funcionar Warlock era costosísimo. Era muy complicado.

AP: ¿Recuerdas cuánto podría costar grabar una maqueta por aquel entonces?

VR: Ni idea, pero era impensable. En aquel tiempo era todo carísimo. Los amplificadores, las guitarras era extremadamente caro. Si te cuento que yo metía mi voz por el ampli de guitarra porque ni siquiera teníamos caja de voces… Ya la mesa de mezclas, ni se sabía lo que era.

El éxito que tuvimos fue gracias al sonido. No éramos buenos, sé hacer pocas cosas con la guitarra, pero sé hacer que eso suene y aquello sonaba.

AP: ¿Qué equipo teníais?

VR: Los bafles nos los hizo el padre del bajista. Para que fueran muy bonitos los hizo enormes y eso pesaba… Si cualquier bafle de cuatro altavoces de Marshall ahora pesa la hostia, esos pesaban el doble. El mío llevaba cuatro altavoces y el del bajista uno. Pero se cascaban cada dos por tres. La gente que trabajaba en los grupos de la época tenían su Marshall pero eso para nosotros era impensable.

AP: ¿Y los instrumentos?

VR: Mi guitarra era una Ibanez y el bajo, un Teisco imitación al los originales. Una Gibson SG en mi caso y un Jazz Bass en el del bajista. Lo curioso es que ahora están supercotizados.

AP: ¿Y qué eran los Warlockpedales?

VR: ¿Los Warlockpedales?

AP: Lo he leído en una de las reseñas de los conciertos que decía «Su sonido sabemos es crudo, desgarrado y corrosivo, empleando para su consecución una serie de “warlockpedales” y con el equipo a toda “caña”».

VR: Creo que es cosecha del periodista, pero sí es verdad que utilizaba una distorsión fabricada por un amigo que sabía hacerlas y que también me hizo un amplificador de transistores. Los otros pedales eran un wah-wah, una distorsión y un JetLizer, que era una mezcla de Phaser y Chorus.

AP: Da la sensación de que era todo muy precario en esos años.

VR: Sí, era todo muy rudimentario. Por eso, el éxito que tuvimos fue gracias al sonido. No éramos buenos, sé hacer pocas cosas con la guitarra, pero sé hacer que eso suene y aquello sonaba..

De Necrophagus a la mili

Antes de formar Warlock, Víctor Ramos y Juan Ángel Sánchez tocaban la guitarra y el bajo, respectivamente, en un grupo llamado Necrophagus. Félix Barahona hacía lo propio en otra banda llamada Mackenna. Un buen día, Juan Ángel conoció a Félix y le empezó a enseñar a tocar al bajo todo el repertorio de Necrophagus. Cuando Félix se las aprendió, Juan Ángel se compró una batería.

VR: No me dijeron casi nada de todo esto porque pasó en la época en que yo estaba en la mili. Cuando volví y vimos lo que habían hecho, decidimos cambiarnos el nombre. Lo copiamos de otros Warlock que había en Inglaterra pero, en aquella época, como estaba todo tan lejos, quién se iba a enterar.

AP: Como has comentado hace un momento, en esa época también se hacía el Servicio Militar. Ahora ya no nos acordamos, pero partía vidas y carreras por la mitad. ¿Cómo afectó al grupo?

VR: La mili era una putada. Pero para que no fuera tanta putada, si te apuntabas al Ejército del Aire tenías unas ventajas como, por ejemplo, hacer menos mili y hacerla en Madrid. A mí me mandaron a Getafe, muy cerca del local de ensayo. Lo que me provocó algunos problemas porque, aunque me tocase a guardia, me iba a ensayar al local. Mi tarea era aparcar aviones y cuando llegaban y yo no estaba allí, me mandaban al calabozo.

AP: ¿Donde ensayábais?

VR: Nosotros vivíamos en la Ciudad de los Ángeles, que está entre Villaverde y Orcasitas. En aquella época era un campo con bloques de casas. Cuando estábamos con Necrophagus, una asociación de vecinos nos prestó un local, un bajo que utilizaban para muchas otras cosas. Con Warlock nos mudamos a Getafe, cerca de la estación. Allí había dos casas. En una vivía una familia con unos niños y en la otra, que la tenía un hombre vacía, ensayábamos dos grupos.

AP: ¿Cuándo acabaste la mili?

VR: Tenía que acabar en el 79, pero te daban una cosa que se llamaba Permiso indefinido y, desde mediados del 78 a mediados del 79, me las veía y me las deseaba para ir a pasar revista y esconderme el pelo para no tener que cortármelo. Lo llevaba superaplastado bajo la gorra y me encogía de hombros para que no se viera que ya colgaba por detrás y lo conseguí. Eso sí, durante años y años he tenido el sueño recurrente de que me tocaba ir a la mili otra vez y me cortaban el pelo.

AP: Según he leído después de que volvieras de la mili, les tocó irse a los otros dos miembros.

VR: Después de irme yo se fue el batería. De hecho, hay una foto por ahí en la que estamos los dos con el pelo corto. Pero el batería siempre fue muy extraño. Él era el que era satánico, le encantaba el diablo y esas cosas. Nosotros éramos más de las ciencias ocultas, de la filosofía y yo sobre todo del espacio y de los marcianos. Pero el batería siempre fue un tío muy extraño. Éramos amigos, estábamos mucho tiempo juntos pero nunca supe qué cosas tenía en la cabeza. En la mili tuvo muchos problemas, iba, venía y, en el 79 ya no aparecía, así que fue sustituido por otro batería. Ese 1979, mientras el batería iba y venía, Félix también se fue a la mili. Por eso en el concierto de Ian Gillan en el Teatro Monumental le sustituyó otro bajista.

El primer grupo satánico en la católica España

Seguidores de grupos como Black Sabbath y Lucifer’s Friends, Warlock fueron el grupo pionero del rock satánico en España, país de tradición católica en el que la separación Iglesia-Estado no acaba de estar del todo clara.

AP: ¿Cómo se recibió entre el público que fuerais un grupo satánico?

VR: Lo del rock satánico no se oía mucho por aquí, así que a la gente le molaba porque les parecíamos transgresores. Por otro lado, aunque había cosas que todavía estaban muy controladas por el régimen de Franco, en el momento en que pasamos a ser una democracia, todo cambió bastante. Había sectores que seguían pasándolo mal como el colectivo gay pero la policía ya no se metía tanto con otro tipo de cosas. Todo lo de la Movida, la libertad y todo eso yo recuerdo es haberlo vivido unos años antes. Por eso nunca nos planteamos que pudiéramos tener problemas con lo del satanismo. Aunque siempre te puede aparecer un pirado al que le siente mal y te joda la marrana, pero eso también te puede suceder ahora.

AP: ¿Entonces nunca tuvisteis un problema con las autoridades?

VR: Recuerdo que Mikel Barsa trajo a tocar a Camel, que luego no tocaron y se montó un follón… Mikel Barsa nos llamó para pedirnos prestadas las letras de Warlock porque, en esa época, para tocar en directo había que mandar las letras al Ministerio de Cultura para que las vieran y pasaran censura como si fueran las letras de Camel. Así que las letras satánicas de Warlock pasaron censura sin problema.

AP: ¿Vuestro rock satánico era teatral al estilo Alice Cooper o Black Sabbath?

VR: No sé si habría gente que lo hacía en esa época pero a nosotros ni se nos hubiera ocurrido. Eso requería una infraestructura tremenda y no teníamos medios. La verdad es que ni nos lo planteamos. Como hablábamos antes, era todo muy precario.

AP: Ya nos has contado que no hubo problemas con las autoridades de aquí, pero ¿y con las de «el otro lado»?

VR: El batería que sustituyó a Juan Ángel me recordó hace unos días una anécdota de la que yo no recordaba nada hasta que él me la mencionó. Un día, cuando aún no nos llamábamos Warlock, estábamos ensayando y pensando qué nombre ponernos. Uno de los que estábamos barajando era 666. No sé qué pasó pero, en un momento dado, se apagó la luz y desde los amplificadores sonó una voz que dijo «no hagáis eso» o «no os llaméis 666».

Aburridos de esperar el fin

La marcha de Juan Ángel Sánchez fue cubierta por un nuevo batería, Santiago Tabuenca, que aportó una nueva personalidad al grupo. Sin embargo, los contratos discográficos seguían sin llegar y las actuaciones comenzaban a escasear.

VR: El primer batería era más bruto pero Santiago era más fino. Le gustaban Premiata Forneria Marconi, King Krimson y eso hizo que el sonido no fuera igual. Luego, los temas nuevos tampoco sonaban ya a Black Sabath, a adoquín pesado. En esa época, Enrique Pérez se fue de Burning y nos comentó que se iba a dedicar al management y que si queremos ir con él. Aceptamos y empezamos a componer cosas que incluso eran más comerciales, pero Enrique nos dijo que en inglés no, que había que cantar en español. Estuvimos intentándolo, él no se dedicó demasiado a ello, perdimos contacto, no nos salían conciertos… y hasta aquí hemos llegado. Eso fue a mediados del año 80.

AP: Da la sensación de que el momento que os tocó vivir fue muy desconcertante para las compañías de discos, que no supieron cómo reaccionar. Se muere Franco, hay más libertad, los sesenta están superados, los setenta se están agotando pero todavía no se ha popularizado la Nueva Ola o el punk.

VR: A partir del 75 las cosas ya empezaron a cambiar fuera de España. Los discos no estaban tan bien grabados como los de años antes y la creatividad, hacer cosas diferentes propias de los años 60 y principios de los 70, en el 75 se convirtieron en «a ver por dónde van los tiros». A partir del 75, 76, 77, las discográficas diseñaban lo que se iba a vender y si ibas con un producto bueno, cambiaban al cantante, metían un saxo… Por eso, lo bueno de la Movida fue que hacían lo que les salía de los cojones. Aunque a nivel musical no eran grandes cosas, la creatividad era bastante buena. En ese sentido, si me hubieran obligado a hacer ese tipo de cambios me hubiera jodido un huevo y no hubiera salido el disco que he sacado ahora o el que he grabado. Por eso, por un lado estoy contento de no haber grabado en su momento porque podría no haber salido lo que éramos.

AP: Aunque ha tardado, el disco está ahí. Además, ha salido en vinilo, que eso a finales de los noventa hubiera sido imposible. ¿Has pensado presentarlo en directo?

VR: Con el nuevo grupo Sophie’s Choice no tocamos a nivel profesional, pero tengo que hablar con Guerssen. No me estoy moviendo mucho tal y como está la situación de la pandemia, pero si el disco sigue teniendo repercusión, estoy planteándome cambiar el nombre del grupo por Warlock’s Choice. A raíz de todo esto puede ser un buen momento para hacerlo y «La elección del brujo» no está mal. De hecho no se lo he comentado a nadie, eres el primero.

https://youtu.be/c1qdDtiLG20

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diyeipetea · 7 years

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365 razones para amar el jazz: Billy Higgins (swingueando y soleando) [252]

Billy Higgins (swingueando y soleando)

Seleccionado por Martí Farré

Incluído en Clifford Jordan Quartet: Glass Bead Games (Strata East, 1974)

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rockandblognet · 5 years

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The Boo Devils lanzan nuevo EP y fechas de su actual gira

The Boo Devils lanzan nuevo EP bajo el título «DEVIL-O-MATIC» y anuncian las primeras fechas de su gira por España

La banda madrileña de Rock N’ Roll presenta su nuevo EP “Devil-O-Matic”. Este cuarto trabajo producido por José María Rosillo (Estudios Audiomatic), está compuesto por cuatro temas, tres de ellos originales y una versión. Ésta última, “Por Amor”, es una adaptación libre en castellano y homenaje al rocker francés Johnny Hallyday de su tema «De L’Amour». Los temas originales, “Burning Flags”, “Ocean Drive” y “The Devil By My Side”, combinan como marca de la casa, rock n’ roll con surf, pop y hasta góspel.

Desde que en 2016 publicaran el LP «The Noble Art Of Rock N’ Roll», el quinteto (compuesto en la actualidad por Al Navarro -voz y guitarra acústica-, Joe Gabardo -guitarras-, Emmanuel Miró -contrabajo-, Ángel Sietevidas -guitarras- y Fabio VZ -batería-), ha estado inmerso en una larga gira y preparando este nuevo lanzamiento que presentarán en un nuevo tour 2019-2020 del que ya han anunciado varias fechas y aún tienen muchas más por confirmar:

04 Octubre – Sala Nave 9, Bilbao.

05 Octubre – Sala Stereo, Logroño.

18 Octubre – Sala El Sol, Madrid.

26 Octubre – Cesar’s Garage Festival, Navarra

09 Noviembre – Good Rockin’ Festival, Valladolid.

15 Noviembre – Las Armas, Zaragoza.

17 Enero – La Cueva del Jazz, Zamora.

13 Marzo – Sala Rocksound, Barcelona.

El álbum tiene una tirada limitada y numerada muy exclusiva en vinilo. También se ha editado en formato CD y estará disponible en Spotify, iTunes y demás plataformas digitales a partir del 13 de Septiembre de 2019.

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Además, viene acompañado por el videoclip del primer single, “Por Amor”, producido por LongWay Films, en el que han contado con la colaboración de la troupe de burlesque «Reservoir Kittens».

The Boo Devils lanzan nuevo EP y fechas de su actual gira en el artículo original de Rock and Blog

#rock music #heavy metal #rock

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nitdesoul · 5 years

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SEALSKIN is a singer, composer & music producer...

La artista rusa con raíces armenias y mongolas reside en España, mayormente en Barcelona desde 2015. Siendo lingüista su primera profesión, ella absorbió rápidamente la tradición musical de España. Haber lanzado su carrera artística bajo el nombre Sealskin, la artista formó un equipo de producción con sus colegas y en 2017 empezó lanzamientos de sus temas más orientados a público indie pop y electrónica (China Wall, Created for Love, Coconut, etc). A parte se ha demostrado como autora y cantante en edm y latin pop colaborando con djs y productores tales como Aubør y VAL.

Siempre permaneciendo en la línea del experimento hacía nuevas formas de expresión, como por ejemplo en sus temas más cósmicos y exclusivos como Ocean Call y el último ep Atmosferic, Sealskin acabó sintiéndose atraída por el autentismo musical. Vivir lejos de su país la lanzó en una búsqueda profunda interna y espiritual, y la hizo sentir una gran nostalgia por su raíz eslava y música antigua rusa. Todo en conjunto le motivó involucrarse en proyectos más auténticos que la pura electrónica - escribir en español, reflejar la tradición musical latina y del este a través de su arte. Ahora esta acudiendo más a su propia raíz que promete un nuevo giro en su música.

Dream Team

CHAWER

DJ, Human, Music Maker and frustrated Astronaut... In that specific order.

Nacido en la Ciudad de México, Chawer es un DJ y creador de música electrónica. Influido por muchos géneros, artistas y tipos de música, su estilo va desde Lifting Drum & Bass hasta los sonidos más profundos de Post-Dubstep.

Recientemente se mudó a Barcelona, donde se agrega a la lista de True Color Records y, más tarde, también se une a los equipos de Overdub y SUBconscious.

Como DJ, se distingue por tener una técnica casi perfecta, una gran selección musical y una amplia gama de música. Esto le ha permitido compartir escenarios con nombres como: Maztek, Sam Binga, Hybrid, Digital, Flava, Kursiva, Deekline y más.

BARTAN

Bass Guitar, beatmaker.

Stan Barabanov - guitarrista, beatmaker, DJ, productor de Rusia. Empezó a tocar la guitarra eléctrica en 2000 llevando mas hacía blues y hard rock, mezclándolo adelante con géneros de electrónica. Lleva desde 2012 creando música electrónica, últimamente enfocado en varios proyectos de electrónica, donde se da a conocer su raíz y pasión por música ambiental, étnica y épica. Se nota el origen eslavo en su manera de tocar y su sensibilidad espiritual, que fue el principal punto de conexión entre Bartan y Sealskin cuando se conocieron en el entorno de la escuela Microfusa.

https://soundcloud.com/bartanbeat

DANIEL MOLINA

SAXO

De formación clásica, músico de Conservatorio Superior de Zaragoza con Premio Extraordinario y música de cámara; con una formación extraordinaria en música contemporánea y electroacústica en el conservatorio de Burdeos [ FR ] y música moderna en el Taller de Músics de Barcelona. Es actual saxo solista de la Banda Municipal de Barcelona y ha colaborado con orquestas como OMS (Orquesta Sinfónica de Madrid), el Grupo Enigma, la Banda de la Comunidad Europea y diversas big bands. Ha participado en los principales festivales y salas junto a su grupo de Jazz Dani Molina Quartet, registrando el disco en directo «Toc Toc» y «África» presentado en el festival Mas i Mas de Barcelona. En la actualidad realiza un trabajo de investigación en el área de la música electrónica y experimental improvisada, realizado conciertos junto a Ramiro Martinez (Kulyela) el grupo MONOCROM. Es actual saxo del Baktun ensemble y ahora colabora con SEALSKIN.

Qué veremos en la siguiente NIT de SOUL?

En el show se presenta la nueva Sealskin, la nueva yo, mas madura, mas verdadera, más conectada con mi alma y mi corazón. He estado buscando y he encontrado. Sé porque me llamo Sealskin, fue predestinado ese nombre para que yo a través de este proyecto me conectara con mi yo, my wild woman, my chamanic roots. Mis antepasados fueron chamanes, y siento esa sangre en mí. Lo mío es conectar a la gente con la intimidad, sonido, voz, meditación, visión, con libertad y sensualidad. Soy la hipnosis y la cura. La belleza y la magia. La sombra y la luz.

“Soy la hipnosis y la cura. La belleza y la magia. La sombra y la luz.”

Entrelazando saxo con atmósferas envolventes, riffs de guitarra y la voz que te canta íntimamente sobre lo místico, lo que no ves, te abre nuevas visiones, nuevas sensaciones, te eleva a otros niveles de percepción. En este concierto tocarán músicos con los cuales comparto la sensibilidad - el aire místico - Dani Molina con el saxo, el fuego - Stan o Bartanbeat con la guitarra eléctrica y Bruno Chawer con beats y fx y yo juntaré agua, aire y tierra en mi voz.

picture credit: sofar sounds

Y tu nuevo album?

Tocaré un par de temas de mi nuevo álbum. No lo quiero desvelar del todo aún, dos temas del futuro lo tocaremos,

Music by Sealskin

youtube

China Walll Composition - Zoë Mrt and Sealskin Cello - Raphael Zweifel

ᴠɪᴇʀɴᴇs 𝟷𝟸 ᴅᴇ ᴊᴜʟɪᴏ 𝟷𝟿:𝟹𝟶 ᴘᴍ ᴠᴇɴᴜᴇ: ᴍɪsᴄᴇʟᴀɴᴇᴀ ᴄᴀʀʀᴇʀ ᴅᴇ ɢᴜᴀʀᴅɪᴀ 𝟷𝟶, ʀᴀᴠᴀʟ.

Event: http://bit.ly/2Yi34KU

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trastornadosrevista · 4 years

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Buenos Aires Trap 2019: los dilemas de la intensidad y de la expansión

La segunda edición del Buenos Aires Trap trajo a la mesa una serie de interesantes reflexiones. Ya asentado el movimiento en nuestro país, la vara continúa creciendo y la exigencia hacia los mejores artistas también. Crónica -sin los shows de Duki y Nicki Nicole, reseñados aparte- de una jornada en la que la intensidad física y la profundidad sonora compitieron mano a mano por el trono.

Si la primera edición del Buenos Aires Trap había sido la confirmación de que este nuevo movimiento musical y cultural iniciado en las plazas de Buenos Aires había llegado para quedarse, la segunda edición del junte de trap –y otras yerbas– más grande del país fue un contundente primer paso hacia una nueva etapa. Partiendo desde una mejor distribución general dentro del Hipódromo de Palermo (se unificó el largo corredor vertical frente al escenario), de un sonido global muchísimo más potente, de un escenario de verdadero primer nivel y de una apertura hacia otros géneros y estilos musicales, este muy intenso festival terminó por consolidar su lugar dentro de la escena masiva argentina.

La elección de la palabra “intensidad” no es azarosa, ya que fue la característica principal de una larga jornada que se extendió desde las doce del mediodía del sábado hasta casi las dos de la mañana del domingo. Con el camino hacia el escenario pavimentado de activaciones por parte de los grandes sponsors y de stands con merchandising oficial –marca de crecimiento exponencial y también señal de alerta–, los primeros en llegar tuvieron la posibilidad de entrar en calor con el eclecticismo sonoro de Sofía Hervier, el clasicismo minimalista de Lautaro LR, el alma cien por cien latina de La Queen y el rap crudo traído a la mesa por los desfachatados Dillom + Muere Joven.

Con la nave central del Hipódromo de Palermo ya repleta, un Seven Kayne con un severo malestar estomacal dejó literalmente el cuerpo en una de las mejores presentaciones del día. Mostrando una elevada capacidad tanto de agite como de contemplación, Joaquín Cordovero agregó a la mezcla original de trap y rap pizcas de pop post-2000, música electrónica y hasta de rock. El hecho de que haya dedicado una gran porción de su show a colgarse la guitarra y tocar canciones por completo acústicas marcó una diferencia importante respecto de casi todos sus colegas, dejando en claro que los géneros y estilos más clásicos pueden combinarse sin mayores problemas con los sonidos que dominan la actualidad.

Directo desde el corazón profundo de Chile, aunque sin muchos conocedores de su música entre el grueso del público, Polima West Coast & Young Cister encendieron de forma definitiva al recinto de la mano de beats muy ácidos y de un empuje físico que dejó en un segundo plano a las insólitas fallas en ambos micrófonos. Los Brokeboyz hicieron gala de una amplia gama de recursos, apoyándose en el hip hop ochentoso, en el gangsta rap y –estructuralmente– en la combinación entre analógico y digital que planteó en su momento el nü metal. Con la plataforma prendida fuego, Dak1llah saltó directo a las llamas sin ni una pizca de auto-tune y acompañada por guitarra, batería y bajo; aunque la faceta latina poco a poco comienza a ganar un lugar central dentro de su universo sónico, Morena Jabulij sostuvo la bandera del soul y el R&B muy alta en el cielo y también se acercó con muchísima naturalidad al pop más radial. En uno de los pocos shows en los que el agite y el vértigo no fueron las características principales, Dak1llah hasta se dio el lujo de lanzar un breve freestyle en el que probó que alcanzarla es una tarea más que compleja.

Luego de que Facu Ballve –uno de los creadores de la escena, prócer absoluto– saludase al público a pedido del siempre incansable Coscu y hasta regalase algunas remeras de su productora, Anestesia Audiovisual, el uruguayo Pekeño 77 tomó por asalto el Buenos Aires Trap haciendo de la palabra “intensidad” una forma de vida. Si existen carencias técnicas (algo excusable, pues el trap va mucho más allá de eso), no hay nada mejor que dar un recital que entienda y refleje por completo la esencia del festival en el que se encuentra insertado. Beats filosos y pesados, un flow lisérgico y un manejo supremo del escenario que tapó cualquier consideración estrictamente musical: una inyección de locura en estado puro, que incluyó un intercambio letal con el infalible Homer El Mero Mero (“Detenido”) y dos épicas zambullidas que ayudaron a consolidar el ambiente de cara a la segunda mitad del día.

Tal como la presencia de Malajunta Malandro el año pasado, la presencia de Sara Hebe marcó algo por completo diferente a la norma: luego de manifestarse en contra de la represión en Chile y del golpe de estado en Bolivia, Sara Hebe Merino trajo mucha potencia bailable con su peculiar cruza entre cumbia y hip hop, aunque sin descuidar los flancos del reggaetón, el rock y el sonido originario de América Latina. Sin que mediase mucho tiempo, Alemán salió enfundado en un traje de piloto (edición especial de Supreme, claro) al grito de “llegó El Patrón” para traer el barrio profundo de México directo al gran escenario; a puro hip hop clásico con pinceladas de rap, boombap y mucho scratch, puso a la multitud a saltar en otra demostración de corporalidad absoluta. La química plena, ágil y artera con MC King marcó el ritmo de su setlist y definió uno de los grandes momentos del Buenos Aires Trap, siendo muy destacable el hecho de que en ningún tramo utilizó ni el voice over ni el auto-tune para impulsar un sonido que superó con creces el límite del decibel.

Bizarrap tuvo la posibilidad de probarse en vivo con un híbrido entre DJ set y performance con invitados, algo que generó euforia más que nada entre la franja que va de los 15 y 18 años, pero que exhibió las grietas de un proyecto que funciona mejor en el estudio. Los invitados no estuvieron en su mejor forma salvo un muy jugado Alemán y un aceleradísimo Kiddo Toto, hecho que desperdició por completo la telaraña de texturas digitales (trap, rap, EDM, acid house y dubstep a la orden del día) y la caótica pared sonora construida con mucho cuidado por Gonzalo Conde. Mientras el sol seguía brillando, Lucho SSJ demostró todo lo que ha avanzado en estos primeros años dentro de la escena; un flow siempre cadencioso, sobriedad sobre el beat y un timing interesante más allá de algunos baches que surgieron en los momentos de mayor vértigo. Orillando entre el gangsta trap y el trap latino, esta vez no se apoyó en los nombres de peso que lo han apadrinado, comenzando de a poco una nueva etapa que seguramente lo catapulte aún más alto.

La presencia de Delaossa tal vez haya sido la más desaprovechada del festival, pues el nulo conocimiento entre el público de sus canciones hizo que su paso fuese menos contundente de lo imaginado. Representante del hip hop y el trap más clásicos de España –contracara del estilo visual e ideológico más banal y superficial de compatriotas como, por ejemplo, C Tangana– repartió una buena cantidad de rimas filosas y una sucesión de beats artesanales muy pesados, fríos y oscuros que agitaron el avispero. Fiel a la calle donde se crió, El Joven De Niro siempre puso al barrio y a la clase obrera por delante de todo, probando que la autenticidad y el apego a las raíces son todo lo que se necesita para ser el verdadero rey de reyes. Por su parte, Bhavi resultó ser otro de los distintos de la jornada: sin perder un pulso frenético, colocó en su gran olla al emo pop, al dark pop, al dubstep, a la electrónica y al dembow, destacándose también por un muy fino uso de las pantallas. La explosión de bajos y la distorsión presentes en “Mojaa” generaron un delirio colectivo que bien puede servir como explicación de por qué la escena del trap ha reemplazado simbólicamente al rock en el imaginario colectivo de los más jóvenes.

El show de Ca7riel y Paco Amoroso fue otro de los puntos más elevados del Buenos Aires Trap y no solamente por el maximizado nivel de intensidad que se vivió de principio a fin. Aún con ciertos momentos de tensión –Paco miró fijo a un espectador que le lanzó un botellazo y por poco no se tira a buscarlo– lo hecho por uno de los duetos más calientes del mercado fue impresionante: la introducción al mejor estilo big band de jazz por parte de la ATR Band sirvió como preludio perfecto para un show donde lo analógico venció casi por completo a lo digital. Más allá de lo que generaron con su constante y desquiciado movimiento sobre las tablas, fue muy interesante el hecho de que pudiesen hacer fundir con tanta eficacia al rap con géneros hermanos y primos como el rock clásico e industrial, el funk, el blues, la psicodelia sesentosa y el heavy metal. Los alaridos de Ca7riel oscilaron entre lo hardcore y lo tribal, condimento ideal para un Paco Amoroso deluxe que se encargó de llevar adelante los momentos más melódicos de cada canción; del neo soul de “Ouke” a la muy perturbadora y profunda oscuridad pesadillesca de “Ola Mina XD”, el paso de estos outsiders por el Buenos Aires Trap los definió como los líderes de la próxima revolución y como los dueños de ese marcador que hoy por hoy dibuja y des-dibuja los límites sonoros.

Neo Pistea no le sacó demasiado jugo a una noche que, a pesar de todo, fue consagratoria por varias cuestiones específicas. Merecedor de un horario central, utilizó uno de los mejores juegos de visuales y volvió a mostrar que pocos se mueven sobre las tablas y manejan al público como él. Durante poco menos de media hora, disparó casi sin pausa una andada de hits con predominio de pista y en los que lo físico volvió a ser el eje: “Messi” llegó entre imágenes del homenajeado, mientras que el reggaetón de “Otra Botella”, el gangsta latino de “Uh” y el espíritu de Atlanta de “Medusa” alcanzaron para calentar el ambiente ¿Está mal esto? No, pero alguien con los quilates de Neo Pistea tiene que poder ir más allá del clásico show de trap, algo que queda para esos nombres con más intensidad que talento ¿Cómo justificar esta afirmación? La tríada compuesta por “Verte”, “Karma” y “Criminal” lo encontró navegando con acierto entre el pop, el rap y los ritmos latinos originarios; en definitiva, un muy buen segmento que dejó en un segundo plano la genuina locura generada con una versión muy poguera de “Tumbando El Club” (antecedida por el himno nacional argentino) con más arengas que canto junto a Lucho SSJ y ObieWanShot.

De la primera presentación grande de Nicki Nicole hablaremos aparte, pues dejó tantos puntos de análisis que su síntesis en un párrafo sería injusta. Con el retraso de casi una hora y media que regía desde el comienzo, la salida de C Tangana fue excesivamente tardía; más si se considera la preparación del escenario tuvo como elementos adicionales solamente un octapad y un kit de percusión. Sea como fuere, el nacido en Madrid apareció con la potencia de un pura sangre de la mano de la oscura “Caballo Ganador”, impactando a un público que, mayoritaria y sorpresivamente, no conocía gran parte de sus canciones. Erigiéndose en lo estético y aspiracional como un paria del rap y el hip hop ibéricos de la vieja escuela, Antón Álvarez Alfaro se paseó por Buenos Aires a puro oficio y pivoteando –prueba de la centralidad de nuestro continente– sobre el trap norteamericano (“Baile de Lluvia”), el dembow (“Bien Duro”), el reggaetón (“Onta” y “Booty”) y los típicos ritmos latinos europeizados (“Pa’ Llamar Tu Atención”). Logrando por momentos desatar el delirio (“Still Rapping”), y a pesar de no recibir la respuesta merecida, el español regaló una actuación clínica guiada por una serie de beats ascendentes en lo referido a su profundidad, ritmo y estridencia.

En un solo movimiento, C.R.O consiguió pasar de una performance bastante monótona, empujada por caballos de fuerza pero caracterizada por el mal uso de las pistas, a un rescate emotivo del hip hop clásico de los ’80 junto a su socio, Homer El Mero Mero, durante seis minutos en los que brilló como ninguno en el Hipódromo de Palermo. Escalonadas, “Tengo Sed”, “Unidad 9” y “Esperanza” –todas de Bardero$–fueron el ejemplo cabal de que muchos de estos artistas no necesitan del auto-tune y de que por debajo de la inevitable pátina comercial proporcionada por la industria, yace una enorme cantidad de talento que debe seguir siendo trabajado. El cierre con “Arriba Las Manos” (junto a Pekeño 77), “Keta” y “Afterhouse” volvió a encontrarlo en modo “agente del caos”, pero cantando mucho más que en la primera parte y mostrando mucha audacia para hacer dialogar al trap con el reggaetón y la música disco.

Previo al cierre de Duki, en lo que fue una réplica del orden de la pasada edición, Khea volvió a pisar muy fuerte en el momento indicado. Mientras los láser cruzaban el cielo de Buenos Aires, el argentino puso a girar la rueda con el remix caliente de “Mi Cubana” y la potencia estridente de “Empresario”. El estreno de “Me Desmayo”, en la que conversó a la perfección con la pista, y el flow denso de “Tengo 30” fueron la antesala ideal para el gangsta de “Nivel” junto a Lucho SSJ y para la explosión mainstream de la mano de “B.U.H.O” y “Ánimo” junto a Midel. Sorpresa absoluta, “Mía” llegó en versión semi-analógica con la guitarra eléctrica en las virtuosas manos de su sensacional DJ y compañero de ruta, Chino, quedando en sus manos todos los planos del futuro; “Sad” hizo aún más visible el cruce con lo electrónico, sumando un teclado a la mezcla y quedándole perfecto a Khea el traje de crooner bajo el cielo estrellado. La tensa y doliente calma se sostuvo al ritmo de “Cómo Le Digo” y de “Vete” –con descenso al vallado incluido–, para sellar su lugar en el olimpo del trap regional con una versión llena de distorsión y punteos de “Loca”.

El Buenos Aires Trap 2019 finalizó bien entrada la madrugada del domingo, dejando tras de sí una buena cantidad de reflexiones respecto del estado actual de la escena del trap en nuestro país. Siendo el momento de la consolidación uno ya superado, también es hora de que sus máximos referentes logren llevar la propuesta mucho más allá de la pura intensidad sobre el escenario. Si ellos han subido la vara, también lo ha hecho la mayoría de su público, pues ya no alcanza con la combinación entre pogo, arenga y pista. Sobrevivirán los que puedan superar este dilema; como queda claro en esta crónica, algunos ya lo han hecho más allá de sostener esa esencia anárquica sobre las tablas. El otro punto saliente fue la incorporación de otras ramas de la música urbana, accionar que respeta por completo la esencia de este sub-género del rap: su híbrido universo sonoro se encuentra en constante expansión, redefiniendo fronteras, fusionando lo impensado y mutando su identidad sin prejuicios.

Por Rodrigo López Vázquez

Fotografía: Pablo Timo

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mercedes-rodrigo · 5 years

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Bienvenidos a un nuevo podcast, os invitamos a escuchar Nuestros Valiosos Expertos en Innovación: Soundpainters. Hoy estamos con Ricardo Gassent Balaguer, músico, Soundpainter multidisciplinar, creador y director artístico de Soundpaintingmadrid. Artista Residente 2017 en la Cité des Arts de París. Estudios superiores de oboe, armonía, composición y contrapunto, ampliando su formación en Berlín entre 2001 y 2005, trabajando la música de cámara con solistas de la Berliner Philharmoniker. Posteriormente funda la Sociedad Filarmónica Madrid Berlín, proyecto de intercambio cultural entre profesionales de la música de España y Alemania. Ha tocado en las mejores salas de Europa y estrenado muchas obras contemporáneas para oboe junto a Sebastián Mariné. Es profesor de las Escuelas Municipales de Música y Danza de Alcobendas y Tres Cantos, como profesor de oboe y director de Bandas Juveniles, desarrollando proyectos creativos e interdisciplinares. Desde 2018 es Director de la Banda Municipal de Tres Cantos. En 2012 comienza a estudiar Soundpainting con Walter Thompson en París y en 2014 crea Soundpaintingmadrid. Forma parte del grupo de los Soundpainters más relevantes del mundo que se reúnen una vez al año en Think Tank para el desarrollo del lenguaje a nivel artístico. Ha realizado proyectos de Soundpainting con distintas compañías profesionales de Europa. En estos tres últimos años es formador en los centros regionales y autonómicos de formación del profesorado de primaria y secundaria de toda España. Y desde el 2018 es uno de los tres Certificadores Asociados en Soundpainting del mundo.

M: Buenos días Ricardo

R: Buenos días Merce

M: Después de esta amplia trayectoria profesional, ¿qué es lo que te cautivó para iniciarte en el Soundpainting?

R: Lo conocí en un curso de verano… de artes escénicas…cada profesor llevaba un área… con jovencitos….unas profesoras comenzaron a utilizar algunos de los gestos de Soundpainting … el funcionamiento con los chavales, cómo lo utilizaban, como herramienta me parecía increíble, producían un sonido más vivo, la atención que tenían hacia ellas era inmensa, había una implicación por parte de los chavales total y además el resultado que producía era muy muy interesante…

M: ¿Qué nos ofrece el SPTNG que otra disciplina artística o educativa no nos da?

R: El Soundpainting es un lenguaje de signos… te está dando una herramienta en la que no es necesario usar la voz… composición en tiempo real… lo que llamamos improvisar…. Esto también es importante. Los educadores tenemos mucho de improvisar… porque el entorno cambia continuamente y los chavales cambian… Es una cuestión multidisciplinar… 4 disciplinas a la vez con una misma persona a la vez, un lenguaje universal… sin conocerse, con distintos idiomas, pueden funcionar perfectamente.

M: Tienes una gran trayectoria profesional, tanto con alumnos de iniciación, a partir de los 8 años, como con profesionales. Si tuvieses que diferenciar un antes y un después del SPTNG, qué destacarías?

R: Trabajar técnicamente cosas de manera mucho más divertida que los métodos de técnica con repeticiones, que es lo más monótono que hay… puedo trabajar esta serie de cosas, explorar sonidos, desarrollar el instinto de los chavales , herramienta nueva, manera más fresca y espontánea, no tan académica ni de repetición de habilidades, Soundpainting es más una acción de habilidades, de una manera mucho más fácil, Soundpainting conecta, te ofrece la propuesta artística de otra manera, que un alumno tenga la posibilidad de entender que ellos tienen su posibilidad de expresarse artísticamente, sin necesidad de leer una partitura, pueden estar explorando esa parte y cuando posteriormente vean la partitura lo entenderán mucho mejor, más rico e integrador. Como es multidisciplinar, puedes entender de otra manera,, puedes concentrarte en la materia sonora como elemento fenomenológico.

M: ¿Y en cuanto a proyección profesional? Qué oportunidades ofrece?

R: Las propuestas escénicas son múltiples. En la actualidad, improvisación, crear en tiempo real, no es exclusivo del SPTNG, está la danza improvisada, música y jazz. La improvisación ha sido la base de la composición, por ejemplo Bach era un grandísimo improvisador. La improvisación tiene mucho que ver con jugar, con explorar, con buscar cosas, luego decides y escribes, eso ya es componer. Al público le ofreces algo diferente, que está ocurriendo en ese preciso momento; puedes usar al público como parte de la actuación. El resultado escénico depende de cada Soundpainter. Como propuesta escénica, todo lo que tiene que ver con la improvisación, encontrar materiales que el público pueda ver cómo se desarrolla. Lo que sí es exclusivo es, que es multidisciplinar en tiempo real, eso es único en el Soundpainting,, no hay otras disciplinas que funcionen con esta premisa.

M: ¿En qué espacios puede desarrollarse?

R: En cualquier entorno, aprovechar todo. El Soundpainting te permite performar en cualquier espacio, en cualquier arquitectura urbana tanto interiores como exteriores. Como es un lenguaje de gestos, lo importante es que te vean y cómo puedes manipular. De manera frontal, a la italiana, o que el público te pueda rodear por todas partes… y que pueda formar parte de la actuación… a mí es lo que más me gusta… enriquece muchísimo.

M: En algunas performance a las que he asistido, tanto Walter Thompson como tú formabais una sola composición, totalmente interconectados, cómo es posible llegar a ese punto de conexión?

R: Es tan sencillo como escucharse, dialogar, generar algo por contraste o por afinidad. Básicamente la idea es dialogar y disfrutar con la composición.

M: ¿Es posible unir educación con expresión?

R: No solamente es posible… es imprescindible. Cuando hablamos de expresión, hablamos de expresión hacia lo artístico… utilizamos el arte como manera expresar y comunicar cosas que no podemos hacerlo de manera racional… o podemos dar a entender aquello que queremos de una manera más clara que con la palabra. Es muy importante que el ser humano lo desarrolle. Trabajar la comprensión abstracta … generar esas relaciones entre la abstracción y el mundo interior es muy importante porque ayuda a explorarte, a comprenderte, comunicándolo a los demás. Mostrar lo que llevo dentro me parece muy importante, porque es lo que queremos ¿no? queremos personas completas y equilibradas.

M: Crees que es importante las premisas “no hay error” “componer en tiempo real” en el ámbito educativo?, ¿cómo lo incluyes en tus clases?

R: En Soundpainting la primera norma es “no hay error” porque el objetivo es trabajar con las capacidades de las personas, es decir no copiar a los demás, trabajar sobre uno mismo, el NO ERROR viene por aquí, el NO ERROR así visto en educación es importante porque las personas tenemos que equivocarnos, el error no es un problema… si el niño intenta hacer una cosa y no le funciona, pero lo ha intentado, si tú le dices “efectivamente, te has equivocado, pero vamos a trabajar ahora para que veas cómo podemos llegar ahí”, dar libertad, si tenemos claro qué queremos enseñar, cada día lo que hay que buscar es el camino para que sea lo más interesante para ellos y para el profesor, no intentar transmitir algo de una única manera.

M: Tienes un amplio bagaje como soundpainter, en ámbitos muy distintos (con diferentes edades, con docentes, con artistas como músicos, actrices, bailarines o artistas visuales) ésto nos puede dar pistas sobre tu metodología ¿Cómo la definirías?

R: Yo veo las cosas fáciles e intento transmitírselas y confío dar el tiempo para que las personas puedan experimentar, no intento que repitan sino compartir lo que yo experimento, ese es el punto común que tengo a todos ellos, y evidentemente tener en cuenta a la hora de comunicarlo que no es lo mismo estar con chavales que con adultos, el cerebro funciona de otra manera, el universo emocional es diferente. Es Importante confiar, para conducir a esas personas donde tú quieres que lleguen.

M: En seminarios para profesorado, has visitado centros escolares, alumnos desde infantil, primaria, secundaria hasta bachiller ¿Cuál ha sido tu experiencia?

R: Experiencia enriquecedora. Ha habido centros escolares muy distintos en edades y entorno social, profesores que sin estar juntos trabajan de la misma manera, es decir hay algo en común y es bueno que se conozcan. Los alumnos dependen muchísimo del entorno en el que están, centros que funcionan muy bien de manera colectiva tienen claro lo que quieren trabajar, y cumplen muy bien una función de intermediario cultural y hay otros que no, que son más grises, que no existe esa alegría, esa emoción, y no es sólo por el profesorado, trasciende más allá del profesor en el aula. He visto centros que trabajan muy parecido, el propio entorno del colegio te da esa atmósfera, el entorno artístico entre un centro y el otro son muy similares aun cuando el perfil socio-económico es totalmente inverso. El trabajo era el mismo, la alegría y la estimulación era la misma. Sin embargo en otro centro esto no funcionaba, hay algo por encima, que te impide desarrollar eso, y es el entorno poco estimulado donde es necesario ser consciente de centro educativo como intermediario. Esos entornos son lo que más me han llamado la atención, como agentes facilitadores, las familias te tienen que dar muchas cosas, pero cuando la familia no te da, la escuela tiene que tener esa función sí o sí. No podemos tener gente gris y poco estimulada, falta algo en el sistema educativo que pueda hacer que lo que por un lado no está se pueda compensar.

M: Cómo crees que puede enriquecer el SPTNG a la tarea educativa en los centros escolares?

R: El Soundpainting puede ser una herramienta, un lenguaje común a un centro educativo que cada profesor pueda utilizarlo de forma libre. Necesario trabajar con el cuerpo. Trabajar capacidades de educación física, de forma más creativa y cómoda; también para idiomas. El Soundpainting como herramienta común en todo el centro que lo conoce y les une.

M: Sabemos que tus gran pasión por la música parte de una persona a la cual siempre tendrás una gran admiración, tu padre. Qué consejos darías a los padres que tanto colapsamos el tiempo libre de nuestros hijos?

R: La música… en mi caso es una PASIÓN, es otro mundo el musical, me encanta mucho el movimiento, el mundo artístico es otra cosa. La infancia es algo imprescindible, mi padre… nos dejaba jugar… hemos jugado con sus instrumentos, te transmitía que la música era vida; más allá de repetir notas, está el hecho artístico, las condiciones humanas, el transmitir los distintos caracteres a través de la música … te mostraba la música de una manera totalmente divertida… la capacidad de que tus padres te den un entorno donde tú puedas jugar, experimentar, desarrollar tu instinto con el ejemplo y mostrarte las cosas, pasar tiempo con tus hijos, jugar y divertirse… en nuestra infancia lo importante era jugar, el hecho de jugar, no a qué jugar y a la vez, si hablamos de formación para que te creen pasiones y ser profesional de…, la seriedad en la formación no puede estar separada, “como cocinar”, puedes disfrutar cocinando pero al final tiene que saber bien lo que te vas a comer.

M: ¿Qué es lo que más te fascina cuando haces una composición en tiempo real con adultos?

R: Me fascina que funcione, que empiece a fluir, que seamos capaces de unirnos y tener sensibilidades conjuntas, nuestras energías y potencias son muy grandes a diferencia de los niños, profundizar por ellas y viajar por esos universos creativos.

M: ¿Y con niños?

R: Es el brotar y el fluir constante, “un manantial que no acaba nunca”, está todo más indefinido, espontáneo, alegre, fuente de creatividad, fluir continuo, juego desenfadado, la cantidad y variedad de materiales que son capaces de proponer en cualquier momento, es “como una carcajada continua”.

M: Gracias Ricardo por tus aportaciones tanto de experto, como de maestro. Ha sido un placer contar contigo.

R: El placer ha sido mío, por poner el foco en el Soundpainting, que es algo moderno y que poco a poco, gracias a personas como tú, que vais encontrando esa sensibilidad , conseguiremos que se extienda.

M: Muchas gracias

Música elegida por Ricardo: Sonata para piano n°8 "Patética" (2° movimiento). Beethoven

Fotografía: Helena Palma

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