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Age Ain’t Nothing But A Number: Sobre como las quinceañeras Aaliyah y Brandy redefinieron el pop contemporáneo hace 25 años.

Hace poco veía este documental sobre cómo Robyn, la ahora críticamente aclamada reina del pop alternativo fungió como el primer borrador de la figura que hoy conocemos como la princesa del pop, Britney Spears. Robyn debutó con un exitoso álbum a los 16 años en su natal Suecia y pronto los ejecutivos norteamericanos apresuraron el crossover a USA, donde Robyn alcanzó el Top 10 con los sencillos Show Me Love y Do You Know (What It Takes). Sin embargo, cuando llegó la hora de crear un álbum sucesor, la sueca decidió no ceder ante la industria y luchó por no convertirse en una marioneta… entonces la misión fue abortada y Robyn fue remplazada por una mucho más sumisa y controlable cantante, la señorita Spears. Todo lo que vino después en el pop fue un intento de reproducir el inconmensurable éxito de Britney.

Si bien es más que evidente el papel de pionera que Robyn representa para el pop del último cuarto de siglo, la verdad es que su debut no era tan revolucionario como parece. En Robyn Is Here ya se estaba replicando una figura nacida poco tiempo atrás, un prototipo surgido de las innovaciones del R&B que estaban revitalizando el genero desde principios de la década; Esa figura era la de Aaliyah y Brandy. 

Old School/I Dedicate: Los referentes

Como nos han explicado los libros de historia de la música, en este arte nada es nuevo, sino que todo es respuesta de lo que vino antes. En Age Ain´t Nothing But A Number, lanzado el 24 de mayo del 94 y Brandy, publicado el 27 de septiembre del mismo año, cuando ambas tenían apenas 15 años, se conjugaban en mayor o menor medida las revoluciones de la música urbana que aparecían en los años anteriores, combinadas con un nuevo estereotipo de artista que se convertiría en el estándar en los años venideros, el de “la chica de al lado”. Si buscamos establecer sus antecedentes inmediatos las elecciones son obvias: En Vogue, TLC, Janet Jackson (abanderadas del New Jack Swing) y Mary J Blige (la primera exponente del Hip Hop Soul), quienes recientemente habían lanzado sus álbumes seminales Funky Divas, Ooooooohhh… On the TLC Tip, Janet. y What’s the 411?, respectivamente.

Young Nation: El Sonido

Los álbumes representaron el inicio del New School R&B, que bebía muchísimo del Hip Hop, y que evolucionó hasta dar algunas de las producciones más fascinantes de los últimos tiempos (algunas de ellas, como veremos más adelante, lanzadas por las mismas Aaliyah y Brandy). 

Sin embargo, por emparentados que parezcan ahora, los trabajos tenían entre si bastantes diferencias. Age Ain’t Nothing But A Number seguía la doctrina de Janet Jackson al ser un álbum más urbano, sensual y provocativo, con apenas unos cuantos tiempos lentos en su minutaje. Por su parte, Brandy se anclaba en la inocencia de la juventud y se influenciaba más de Whitney Houston (quien eventualmente se convertiría en su mentora), al presentar gran cantidad de baladas con la finalidad de mostrar la apabullante habilidad vocal de Nordwood.

A fin de cuentas, la intersección de ambas personalidades daría vida a este nuevo personaje y/o estereotipo, una joven de apariencia inocente e infantil, pero con una sensualidad y sexualidad desbordante, que se convertiría en el molde para la gran mayoría de las novatas del pop a partir de ese momento.

I Wanna Be Down: El Éxito

El triunfo de Age Ain’t Nothing But A Number y Brandy fue inmediato, ambas lograron vender millones de copias tan solo en Estados Unidos y colocaron algunos de sus sencillos dentro del top 10 del Billboard Hot 100. Las críticas también fueron bastante positivas, destacandolas como prematuras  renovadoras del R&B. 

Inmediato también fue el impacto en la industria: Tan pronto como 1995 ya estaban surgiendo los intentos por duplicar su fórmula: En América, Monica y su Miss Thang, en Europa Robyn y su Robyn Is Here. En ese mismo año, Aaliyah ya estaba siendo sampleada por Madonna en Bedtime Stories y en 1996, Baby de Brandy se duplicaba descaradamente en el primer número uno de Toni Braxton, You’re Making Me High. Para 1997 ya estaban influyendo en la génesis de nuevos géneros como el neo soul, inspirando obras capitales de la talla de Baduizm de Erykah Badu.

Movin’ On: El Legado

Tan importantes como fueron los debuts de ambas, solo eran el inicio de las carreras de dos de las intérpretes más influyentes de la música popular contemporánea (es excepcional cómo su desarrollo fue prácticamente paralelo).

Con sus trabajos sucesores, ambas sentaron las bases de la producción musical del nuevo milenio. En One In A Million de 1996, Aaliyah introdujo al mainstream a dos de las figuras más importantes de los tiempos recientes, por un lado a la rapera Missy Elliott y por el otro al productor Timbaland, quien en el futuro trabajaría con los más grandes exponentes de la música pop. Aaliyah elaboraría junto a él en su sencillo más críticamente aclamado, Are You That Somebody (considerado uno de los pináculos de la manufactura musical moderna) y en su único No.1 norteamericano,Try Again. Timbaland también estaría tras la consola de otros importantísimos álbumes de la década de los dosmiles como Loose de Nelly Furtado y FutureSex/LoveSounds de Justin Timberlake.

Con Never Say Never, Brandy cimentaría su estatus de superestrella al alcanzar el no.1 con los sencillos The Boy Is Mine (dueto con Monica) y Have You Ever, siendo el primero el sencillo más exitoso de 1998. Gran parte de este éxito se dio gracias a la inventiva y futurista producción del jovencísimo Rodney Jerkins, conocido como Darkchild. Jerkins representaría un parteaguas en la creación musical de las últimas décadas. Suyos son clásicos elogiados por la crítica y el público como It’s Not Right But Is Ok de Whitney Houston, Say My Name de Destiny’s Child y Telephone de Lady Gaga junto a Beyoncé.

El inicio del milenio vio el cenit de las carreras de Aaliyah y Brandy. Con su álbum homónimo  de 2001, Aaliyah, la artista se ganó un lugar en el canon del R&B al llevar el género a su más compleja y moderna expresión. Por otro lado Full Moon de Brandy publicado en 2002 se ha convertido en objeto de estudio para los vocalistas de R&B, llegando a ser conocido como “la bilblia vocal” gracias a la perfección técnica e interpretativa de las ejecuciones vocales servidas por la cantante en todas y cada una de las futuristas producciones de Darkchild. 

Desafortunadamente, el comienzo del nuevo siglo también trajo consigo la caída de las carreras de ambas cantantes. Escándalos personales y falta de apoyo por parte de su disquera llevaron a Brandy a perder popularidad con cada lanzamiento. De forma más lamentable, la trayectoria de Aaliyah fue abruptamente frustrada debido a su fallecimiento en un accidente aéreo en agosto del 2001.

No obstante, para entonces su trabajo ya estaba hecho: En los siete años posteriores a su debut definieron las características de la estrella pop por excelencia, catapultaron a los productores más importantes de la industria y elaboraron obras capitales que quedarán por siempre posadas sobre los pedestales de la excelencia pop.  

A 25 años de su aparición en la industria los rastros de su legado son más que evidentes; Desde Cardi B embarazada en su mítico debut en Coachella recreando el look de Aaliyah hasta el prominente sampleo de I Wanna Be Down en Ballin Flossin de Chance The Rapper con Shawn Mendes.

[Cardi B homenageando a Aaliyah en el festival Coachella del 2018]

A un cuarto de siglo de Age Ain’t Nothing But A Number y Brandy, podemos afirmar que Britney no sería Britney sin Aaliyah y Brandy; Drake no sería Drake sin Aaliyah y Brandy; Frank Ocean no sería Frank Ocean sin Aaliyah y Brandy; Arca no sería Arca sin Aaliyah y Brandy; Lizzo no sería Lizzo sin Aaliyah y Brandy… finalmente, la música popular no sería como la conocemos sin Aaliyah y Brandy. 

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Landmarks vol 6. Girl, Interrupted: 15 años del debut de JoJo, la superestrella que no pudo ser.

Los caminos del pop son verdaderamente misteriosos: Con talento y un puñado de hits potenciales, a veces solo se necesita un empujoncito por parte de un sello para triunfar; Sin embargo también se necesita el más pequeño descuido legal para verse acorralado frente a una industria despiadada que siempre verá primero por sus propios intereses… Ese fue el caso de Joanna Levesque, más conocida como JoJo, quien a la temprana edad de 13 años se convirtió en una estrella mundial con un potencial grandísimo, mismo que se vería frustrado por un mal manejo por parte de su disquera. 

It´s Jojo In The Place To Be 

Evidentemente el éxito de JoJo no fue casualidad, sino resultado de dedicación desde la infancia y un talento asombrosamente prematuro. Su habilidad y técnica vocal son tan impresionantes que a la edad de 6 años ya tenía ofertas de contratos, pero no fue hasta los 12, cuando su madre consideró que estaba estaba lista para afrontar la fama, que firmó por nada más y nada menos que 7 discos con Blackground Records, disquera que editaría ‘JoJo’ el 22 de junio del 2004.

‘JoJo’ está conformado primariamente por una fusión de pop, R&B y Hip Hop, (formula estándar que ha conquistado la industria durante las ultimas dos décadas) y contiene tal cantidad de números destacables, que pareciera más un trabajo de una artista experimentada que la obra de una debutante. 

‘Homeboy’ es la composición más sofisticada del conjunto, construida sobre un sample de ‘Chasing Me into Somebody Else's Arms’ de Scherrie Payne, al más puro estilo de las producciones del Kanye West de la época. Similar en estructura y muy próxima en calidad es ‘Breezy’, número urbano que abre el álbum e incluye un sample de MSBF. Por su parte ‘City Lights’ de prominente motivo percusivo es cercana al clásico ‘1 Thing’, lo cual no puede leerse más que como un gran halago para la primera. ‘The Happy Song’, más orientada al R&B, es un tema romántico de excelente manufactura, que se desarrolla alrededor de un loop de piano eléctrico y percusiones. Con este mismo estilo encontramos otra de las canciones más notables del disco, ‘Not That Kind Of Girl’, que nuevamente tiene como base un loop de piano eléctrico y un patrón de percusión y que combina una deliciosa sucesión de acordes con una melodía perfecta y un pegajoso riff de sintetizador. Temáticamente este es el momento más “JoJo from the block” del disco, compartido con otro de los tracks sobresalientes, ‘Baby it´s You’, compuesto con un ritmo reminiscente del dembow que lo convierte en el más bailable y arriesgado de la colección. La secuencia más clásica está formada por las baladas ‘Never Say Goodbye’, la impresionante versión del estándar del R&B ‘Weak’ (arriesgada elección de la que JoJo bien librada gracias a su extraordinario talento vocal) y la optimista ‘Keep On Keeping On’ de tintes Gospel, compuesta en su totalidad por la cantante a su prematura edad y que con algún arreglo más grandilocuente no le pediría nada a temas cómo ‘Fly Like A Bird’ de Mariah Carey o ‘Holy’ de Jamila Woods. El hit del álbum evidentemente es ‘Leave (Get Out)’, de un infeccioso riff de guitarra y estribillo “larger than life” (emparentado con ‘Since U Been Gone’), que llevó a su intérprete directamente a lo alto de las listas, alcanzando el número 12 en el Billboard Hot 100 y otorgándole el récord de la cantante más joven en obtener el número 1 en el Billboard Pop Chart (que aun conserva). 

Gracias al triunfo de ‘Leave (Get Out)’ el álbum gozó de un éxito espectacular llegando a vender más de 1 millón de copias tan sólo en estados unidos y 3 millones a nivel global. En un cerrar de ojos JoJo pasó de ser una adolescente común a convertirse en la joven promesa de la música urbana. Pronto el éxito se extendería a otras disciplinas, obteniendo papeles protagónicos en los éxitos de taquilla ‘Aquamarine’ y ‘Runaway Vacation’. Gracias a esta exposición mediática, Joanna superaría su propia marca con ‘Too Little Too Late’, el primer sencillo de su segundo disco, ‘The High Road’, que escalaría hasta el número 3 del Billboard Hot 100 y el número 4 en UK Singles Chart entre muchas otras altas posiciones en mercados decisivos y aun más importante, le daría la aceptación de la crítica. La cima estaba cerca, sólo hacía falta un poco más de proyección mundial y otro sencillo contundente que anunciara su tercer trabajo para que JoJo ocupara el lugar que hoy tienen Rihanna o Ariana Grande. 

La existencia de ‘Acepto Que No Puedes Volver’, versión en español de su éxito ‘Too Little Too Late’ demuestra los planes de establecer a JoJo cómo superestrella en todos los mercados del mundo.

And There Might Be Some Rain

Y fue entonces, a las puertas del estrellato internacional, que JoJo se enfrentó a las crueldades de la industria. Su tercer material se compuso, grabó y produjo en varias ocaciones, cada una de ellas con una respuesta negativa por parte de Blackgound Records, quienes detenían el proyecto sin extender explicación o retroalimentación alguna sobre que cambiar o mejorar para dar luz verde a su publicación. Las especulaciones indican que la mala administración del sello provocaron que perdiera relaciones con todas las distribuidoras que estaban a su alcance, por tanto le era imposible lanzar cualquier material al no ser capaz de sacarlo al mercado y tenerlo disponible para los consumidores. 

Sin embargo, al ser JoJo la artista más exitosa de la disquera, y teniendo un futuro prometedor con el que lucrar, Background se negó a liberarla de su contrato, según el cual aun debía publicar 5 álbumes con el sello. De esa manera dejó a la cantante en un limbo, sin posibilidades de lanzar nueva música ni relacionarse con otra discográfica para continuar con su carrera. Ante esta situación JoJo se refugió en las nuevas herramientas de publicación musical, lanzando un par de mixtapes y algunos singles sueltos (con su aclamada versión de ‘Marvin´s Room’ de Drake de por medio). Sin un sello como respaldo, toda oportunidad de obtener difusión, promoción y/o remuneración económica justa se vio suprimida.

Finalmente en 2013, 7 años después de la publicación de ‘The High Road’, JoJo decidió iniciar un proceso legal en contra de Blackgound Records, proceso que se desarrollaría por un año y tendría como veredicto la liberación de la intérprete tras un largo aprisionamiento creativo. No obstante esta libertad tuvo un precio: Joanna era libre para encontrar una nueva disquera con la que publicar por fin nueva música, pero sus dos primeros álbumes se quedaron en manos de Blackground, quienes debido a sus problemas de distribución no los han hecho disponibles en servicios streaming o compra en linea oficiales y los mantienen a día de hoy fuera de impresión; Incluso se argumenta que estas acciones se realizan para que JoJo no obtenga ninguna ganancia a través de ellos. Mas allá de las consecuencias económicas, el verdadero impacto de esta situación se vio en el ámbito profesional… tras casi una década fuera del radar del público cotidiano y sin tener control de su repertorio antiguo JoJo tendría que reiniciar su carrera desde cero, con casi nulas posibilidades de alcanzar el éxito internacional que se auguraba para su tercer álbum.

Keep On Keeping On

A pesar de las dificultades, JoJo no se dio por vencida y poco tiempo después firmó con Atlantic Records para la publicación de siguiente disco, que se lanzó en 2016 con el nombre de ‘Mad Love’. Este recibió las mejores reseñas de su carrera y aunque se quedó lejos de las 3 millones de copias vendidas por sus anteriores entregas, tuvo un desempeño bastante favorable para las adversidades que enfrentaba, alcanzando el número 6 en el Billboard 200 y obteniendo excelentes números de streaming (las verdaderas métricas de popularidad en la actualidad). 

Evidentemente, a pesar de su regreso triunfal, para la artista era importante recuperar su legado, no solo como una deuda consigo misma, sino como agradecimiento a los fans que estuvieron con ella durante esa década de silencio. Después de analizar sus posibilidades legales y sin oportunidad de recuperar sus masters originales, la única opción disponible fue la de regrabar todo el material para volver a publicarlo ahora en su nuevo sello. De esta manera el 21 de diciembre del año pasado, coincidiendo con su cumpleaños número 28, los álbumes ‘JoJo (2018)’ y ‘The High Road (2018)’ así cómo los sencillos ‘Demonstrate (2018)’ y ‘Disaster (2018)’ aparecieron en los servicios de streaming y tiendas digitales, dando por terminado un proceso de injusticia y reclusión artística que frustró una carrera prominente, más no el talento y la dedicación de una artista dispuesta a vencer todos los obstáculos. 

One And Only, Nothing Less

¿Por qué el debut de JoJo destaca entre una infinita cantidad de Ameries, Ashantis y Keyshias que triunfaron en el pop urbano a principios del milenio?… ‘JoJo’ es un álbum maduro y con enfoque que cuesta creer que haya sido lanzado por una intérprete de apenas 13 años; Además de eso, directa o indirectamente ayudó a encaminar al R&B durante los años siguientes a su publicación en cuanto estilo, composición y producción: Cómo destaca Pitchfork, JoJo trabajó con productores nórdicos antes de que se convirtiera en un patrón a seguir, estableciendo una fórmula de balada de desamor que vería su más fructífera encarnación en las composiciones de la dupla Stargate/Ne-Yo y alcanzaría su cenit en el clásico de Beyoncé, ‘Irreplaceable’, pasando por otros números 1 cómo ‘So Sick' del mismo Ne-Yo o ‘Take A Bow’ de Rihanna. A pesar de no ser un triunfo de críticas inmediato, el público lo sigue aclamando a 15 años de su lanzamiento, incluso haciéndolo trending topic en twitter el pasado Junio, expresando lo importante que ha sido tanto en sus vidas personales cómo en el desarrollo del R&B contemporáneo. Indudablemente, la calidad del álbum, su influencia en la industria y todo el drama que envolvería a la artista a través de los años siguientes le han dado un estatus de álbum de culto entre los entusiastas de R&B, quienes valoran a Joanna cómo la mejor vocalista de su generación y una veterana destacada del género a sus escasos 28 años (LEGENDS ONLY).

#JoJo #music #r&b

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DosmilDieciocho: Álbumes.

Menciones Honoríficas:

‘Lost & Found’, Jorja Smith.

‘Clean’, Soccer Mommy.

‘Negro Swan’, Blood Orange.

‘Devotion’, Tirzah.

‘7′, Beach House.

‘Joy As An Act Of Resistance’, Idles.

15.- ‘Isolation’, Kali Uchis.

14.- ‘Tranquility Base Hotel & Casino’, Arctic Monkeys.

13.- ‘Room 25′, Noname.

12.- ‘Double Negative’, Low.

11.- ‘Daytona’, Pusha T.

10.- ‘Caution’, Mariah Carey.

La importancia de ‘Caution’ no fue únicamente la de reivindicar a Mariah cómo una cantautora de vanguardia en el R&B, sino la de mostrar que para triunfar musicalmente cómo intérprete veterano no es necesario imitar desesperadamente las nuevas tendencias, ni por el contrario, aferrarse a una fórmula anticuada que dio éxito en el pasado, sino encontrar un punto medio en donde tengan cabida composiciones clásicas revestidas con producciones sofisticadas.

09.- ‘A Brief Inquiry Into Online Relationships’, The 1975.

La gran sorpresa del año la dio la banda británica lanzando un disco que habla de la vida moderna, la tecnología y las redes sociales, adjudicándose comparaciones para nada gratuitas con ‘Ok Computer’.  ‘A Brief Inquiry Into Online Relationships’ es el soundtrack pop alternativo perfecto para grandes obras visuales cómo ‘Her’ o ‘Black Mirror’, que versan sobre los peligros de la cada vez más estrecha relación entre el hombre y la tecnología. 

08.- ‘Sweetener’, Ariana Grande.

El cuarto álbum de la cantante representa un momento de madurez y consolidación. Por primera vez encontramos en su trabajo la cohesión y calidad que esperaríamos de líderes de la industria y la crítica cómo Beyoncé o Rihanna. Quizá ‘Sweetener’ esté lejos de ser una obra canónica del R&B de la talla de ‘Butterfly’, ‘My Love Is Your Love’, ‘Beyoncé’ o ‘Full Moon’, pero si podría ser la antesala del gran clásico de Ariana. Probablemente estemos ante su ‘Daydream’, su ‘4′ o su ‘Never Say Never’, álbumes de transición, autodefinición y perfeccionamiento de sus respectivas intérpretes y antecesores a sus grandes obras maestras. Ariana, esperamos tu Magnun Opus.

07.- ‘Invasion Of Privacy’, Cardi B.

De entre la basta cantidad de lanzamientos importantes en la música urbana publicados este año, el debut de Cardi B se destaca por su diversidad, contundencia y sobre todo, por la personalidad irreverente y divertida de la norteamericana. Con este manifiesto de rap contemporáneo Cardi logró un rotundo éxito comercial y una credibilidad crítica unánime, toda una proeza tratándose de una intérprete femenina en una escena considerablemente machista y misógina. 

06.- ‘Honey’, Robyn.

Ocho años después de ‘Body Talk’ Robyn regresó apegada a su fórmula: sintetizadores, ritmos bailables y mucha melancolía. Sin embargo, a diferencia del álbum anterior, en ‘Honey’ se percibe más libertad creativa por parte de la autora, quien se liberó de las limitaciones y restricciones implícitas en la búsqueda de la canción pop perfecta, dando mayor protagonismo a la experimentación. Robyn, si necesitas ocho años más para entregarnos otra obra maestra, tómate tu tiempo por favor. 

05.- ‘Golden Hour’, Kacey Musgraves. 

Ahora que la gran estrella internacional del country se ha mudado definitivamente al pop, Kacey se perfila como la nueva mesías del género con un álbum que, gracias a su calidad y delicadeza, se introduce inminentemente a los clásicos definitivos del Country-pop (junto a obras cómo ‘Fly’ o ‘Come On Over’). Un álbum simple y sincero con alguna concesión ajena al estilo (’High Horse’), que destaca por su autenticidad y emotividad.

04.- ‘El Mal Querer’, Rosalía.

El nacimiento de un nuevo ícono iberoamericano y la revitalización de un género paralizado son los dos grandes logros de un álbum que logró posicionar a Rosalía y al flamenco en la mira internacional. De la mano de El Guincho, la española ofrece una ejecución impecable de tangos, bulerías, pregones y fandangos, vigorizados con una producción urbana contemporánea que les robustece, convirtiéndolos en una manifestación sin precedentes de dicha música tradicional.

03.- ‘Oil Of Every Pearls Un-insides’, Sophie.  

Cinco años de perfeccionamiento cómo productora para artistas de vanguardia (Charli XCX, Vince Staples, Let’s Eat Grandma) se condensan en estas composiciones avant garde que combinan timbres edulcorados, beats agresivos y ambientaciones misteriosas con altas dosis de autotune. Dichas características son perfectas para que Sophie desarrolle no sólo sus habilidades en la producción, sino para que despliegue su enigmático y fluido personaje en una obra de pop moderno altamente significativa para el crecimiento de la diversidad en el panorama musical actual. 

02.- ‘Dirty Computer’, Janelle Monáe. 

Este ambicioso proyecto en la estela del mejor Prince (indudablemente la primera referencia que se viene a la mente) triunfó al desarrollar su argumento en una película musical futurista en la que los individuos considerados “diferentes” ( en este caso “ordenadores sucios”) son perseguidos para ser capturados y alineados con la norma social, una analogía del estado actual del mundo, por parte de una artista recientemente declarada pansexual. Si bien Janelle ya había creado una trilogía conceptual en sus tres trabajos anteriores, es hasta ahora que se aventura a crear una obra audiovisual, que para nuestra suerte no demerita sus esfuerzos musicales, sino que los refuerza en lo que es su trabajo más contundente y accesible. 

01.- ‘Be The Cowboy’, Mitski.

‘Be The Cowboy’ no es el mejor lanzamiento del año por motivos extraordinarios, sino todo lo contrario. El mayor acierto de Mitski es condensar en apenas media hora un retrato fiel, crudo y sincero de los altibajos emocionales de la sociedad contemporánea. En este disco encontramos declaraciones de amor (’Geyser’, ‘Two Slow Dancers’); canciones post-ruptura (’Old Friend’, ‘Lonesome Love’); composiciones de desencanto amoroso (’A Pearl’, ‘Pink In The Night’); Proclamaciones de soledad (’Nobody’, ‘Remember My Name’); entre otros tópicos universales con los que es fácil identificarse. Por supuesto todo eso expresado a través de un puñado de excelentes canciones simples y cortas, pero contundentes, lideradas principalmente por la voz de Mitski y su guitarra (aunque existen momentos donde el piano o los sintetizadores son protagonistas). A veces hilarante, a veces cursi, otras deprimente, ‘Be The Cowboy’ está lleno de contradicciones y dualidades como la vida misma, lo que hace fácil encariñarse con estos 32 minutos de indie pop. 

#music #bestof2018 #indie #alternative #indiepop #mariahcarey #best albums of 2018

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DosmilDieciocho: Canciones

40.- ‘Me & Michael’, MGMT.

39.- ‘When I´m With Him’, Empress Of.

38.- ‘5 Dollars’, Christine and The Queens. 

37.- ‘In My Dreams’, Kali Uchis ft. Damon Albarn.

36.- ‘Hard Rain’, Lykke Li.

35.- ‘Bless Ur Heart’, serpentwithfeet.

34.- ‘Pienso En Tu Mirá (Cap. 3: Celos)’, Rosalía.

33.- ‘Blink’, Bad Gyal.

32.- ‘Mariners Apartment Complex’, Lana Del Rey.

31.- ‘Shallow’, Lady Gaga, Bradley Cooper.

30.- ‘No Angel’, Charli XCX.

29.- ‘Fast Slow Disco’, St. Vincent.

28.- ‘Falling Into Me’, Let´s Eat Grandma.

27.- ‘Pick Up’, Dj Koze.

26.- ‘Geyser’, Mitski.

25.- ‘Lemon Glow’, Beach House.

24.- ‘Pristine’, Snail Mail.

23.- ‘Love Me Right’, Amber Mark.

22.- ‘After The Storm’, Kali Uchis ft. Tyler The Creator.

21.- ‘Ace’, Noname ft. Smino & Saba.

20.- ‘Internationally’, Bad Gyal.

19.- ‘Anna Wintour’, Azealia Banks.

18.- ‘Apeshit’, The Carters.

17.- ‘Crayons’, CupcakKe.

16.- ‘I Like It’, Cardi B ft. J Balvin & Bad Bunny.

15.- ‘If You Know You Know’, Pusha T.

14.- ’Missing You’, Robyn.

13.- ‘Thank You, Next’, Ariana Grande.

12.- ‘Nice For What’, Drake.

11.- ‘This Is America’, Childish Gambino.

10.- ‘Space Cowboy’, Kacey Musgraves.

09.- ‘GTFO’, Mariah Carey.

08.- ‘Make Me Feel’, Janelle Monáe.

07.- ‘Immaterial’, Sophie.

06.- ‘Nobody’, Mistki.

05.-’My My My!’, Troye Sivan.

04.- ‘Love It If We Made It’, The 1975.

03.- ‘No Tears Left To Cry’, Ariana Grande.

02.- ‘Honey’, Robyn.

01.- ‘Malamente (Cap. 1: Augurio)’, Rosalía.

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LANDMARKS VOL. 5: A STAR WAS BORN: 20 AÑOS DE ‘...BABY ONE MORE TIME’.

Por: René Amador

El 23 de octubre de 1998 podría haber sido un viernes cualquiera, pero el lanzamiento del sencillo debut de una jovencísima cantante convertiría ese viernes cotidiano en el inicio de un nuevo capítulo en el devenir de la cultura y la música pop: La era de Britney Spears y Max Martin.

Irónicamente ‘...Baby One More Time’ recorrería un lago camino hasta llegar a las manos de Britney Spears. En primer lugar fue ofrecida por su compositor, Max Martin, al grupo de R&B TLC, quienes la rechazaron debido a la lectura violenta que podría dársele a la linea “Hit me baby one more time”. Por otro lado los Backstreet Boys y la sueca Robyn también la descartarían. Finalmente Martin la ofreció para Spears, que acababa de ser fichada por Jive Records, al mismo tiempo que Simon Cowell peleaba por obtener el tema para la banda británica Five. 

Para 1998 Martin ya había conocido el éxito de la mano de los Backstreet Boys y Robyn, con quienes había logrado colarse en el top 10 del Billboard Hot 100 [’Quit Playing Games (With My Heart)’ #2, ‘Everybody (Backstreet’s Back)’ #4, ‘Do You Know (What It Takes)’ #7, ‘Show Me Love’ #7]; Sin embargo ‘... Baby One More Time’ superaría exorbitantemente el desempeño de cualquier canción que hubiera lanzado antes.

La canción vendió 500, 000 copias tan solo en su primer día en el mercado, debutando en la posición no.17 del Billboard estadounidense y eventualmente alcanzando la posición no.1 por cuatro semanas consecutivas. Por su parte en Europa lideró todas las listas en las que estuvo presente. A día de hoy sigue siendo uno de los sencillos más vendidos en la historia, con aproximadamente 10 millones de copias registradas (siendo el último en alcanzar dicha cifra únicamente con ventas físicas). El álbum del mismo nombre, editado al año siguiente vendió 25 millones de copias. Gran parte del éxito de la canción se debe a su icónico video donde vemos a Britney vestida de colegiala, cuyo concepto fue ideado por la misma cantante. 

El impacto de ‘...Baby One More Time’ fue inmediato, y rápidamente la formula de la chica rubia inocente cantando canciones de R&B proliferó en la radio y la televisión, en la búsqueda de igualar en impresionante éxito de Spears, con ejemplos clarísimos como Christina Aguilera, Mandy Moore o Jessica Simpson. 

‘...Baby One More Time’ fue para Max Martin la patada de la suerte para una exitosa carrera de éxitos sin pausa hasta la actualidad, en la que junto a sus colaboradores y discípulos (Andreas Carlsson, Rami Yacoub, Savan Kotecha, Dr. Luke, Shellback) sumó posteriormente otros impresionantes 64 top 10 en el Billboard (21 de los cuales llegarían al primer puesto), para artistas líderes como Kelly Clarkson, Pink, Katy Perry, Usher, Kesha, Maroon 5, Justin Bieber, Taylor Swift, Selena Gomez, Ariana Grande, Justin Timberlake, Adele, etc.

Por su parte, en los 20 años siguientes Britney vendería más de 100 millones de discos, llegaría en 4 ocasiones más a la cima del Billboard Hot 100 y se quebrantaría ante la presión de ser la estrella más grande del mundo, para renacer convertida en leyenda, asegurando su lugar en el panteón del pop, influenciando a toda una camada de artistas que le han reconocido públicamente cómo fuente de inspiración (Katy Perry, Demi Lovato, Charli XCX, Marina And the Diamonds, Grimes, Selena Gomez, etc.). No obstante, ninguno de sus sencillos igualaría el éxito de su debut, a día de hoy un clásico reconocido y celebrado incluso por las generaciones que aun no tomaban consciencia en el año de su lanzamiento (min. 01:23). 

El sencillo más reciente de Charli XCX junto a Troye Sivan, ‘1999′, referencia en su letra directamente al primer éxito de Britney Spears: “I just wanna go back, sing ‘Hit me baby one more time’”. 

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El 23 de octubre de 1998 no sólo se editaba una de las más grandes, emblemáticas e influyentes grabaciones de la industria musical comercial, sino que con ella se establecería un equipo de composición y producción que dominaría el mercado por los siguientes 20 años y, principalmente, propiciaría el nacimiento de la estrella pop más grande de la historia reciente. 

#britney spears #baby one more time #pop music

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LANDMARKS VOL. 4: SEGUIR AMÁNDOTE ES INEVITABLE. VEINTE AÑOS DE ‘¿DÓNDE ESTÁN LOS LADRONES?’

Por: René Amador.

El 29 de septiembre de 1998 Shakira lanzó su cuarto álbum, ‘¿Dónde Están los Ladrones?’, gestado en Miami durante un exhaustivo periodo de 9 meses con la presión no sólo de igualar los resultados comerciales de su anterior trabajo, ‘Pies Descalzos’, en Latinoamérica, sino también la de obtener un impacto más significativo en el mercado estadounidense, cómo se esperaría en aquel entonces de un proyecto respaldado por Sony Music Latin (la división latina de Sony en Estados Unidos) y co-liderado por su productor ejecutivo de cabecera Emilio Estefan. 

Afortunadamente, a consecuencia de las exigentes ambiciones que la discográfica depositaba sobre el álbum, la cantante colombiana se cercioró de asegurarse que las desiciones creativas recaerían sobre ella, para de esta manera evitar que se le impusiera un cambio radical en la búsqueda del éxito. En realidad, ‘¿Dónde Están los Ladrones?’ representa un equilibrio entre la continuidad y la evolución respecto a su antecesor, cuyo triunfo se encontró en mantener la esencia alternativa de las composiciones de Shakira y aunarles una producción pulida y sofisticada, además de añadir elementos más exóticos (como las trompetas de mariachi en ‘Ciega, Sordomuda’ y la influencia árabe en ‘Ojos Así’).

El disco está dividido en tres estilos: La sección rockera y efervescente conformada por ‘Si Te Vas’, ‘Inevitable’, ‘Octavo Día’ y ‘¿Dónde Están los Ladrones?’; la sección más “upbeat” con bases electrónicas, formada por ‘Ciega, Sordomuda’, ‘No Creo’, ‘Qué Vuelvas’ y ‘Ojos Así’; y finalmente, la sección de baladas que comprende ‘Moscas en la Casa’, ‘Tú’ y ‘Sombra de Tí’. La colección de 11 canciones está realizada con maestría compositiva que le otorga a cada track una calidad melódica excepcional y se ve unificada por el uso de la guitarra cómo instrumento principal y la excelsa lírica de Shakira, tan extraña cómo fascinante.

El carácter rockero y a momentos agresivo del álbum, en linea con la tendencia de autoras enfadadas tan popular en los años noventa, le otorgó a Shakira la eterna comparación con Alanis Morissette, quien había triunfado a lo grande con ‘Jagged Little Pill’ unos años atrás. Dicha comparación tan evidente se utilizó principalmente cómo un arma de desprestigio, puesto que “copiar” la formula de uno de los álbumes más vendidos de la década (y, ojo, de la historia) parecía un movimiento ventajoso y desesperado. Sin embargo, a pesar de la clara similitud con el estilo de Morissette (qué es innegable, aunque no por ello restadora de autenticidad artística), el trabajo bebía también de muchas otras fuentes de inspiración provenientes de artistas alternativos que habían triunfado tanto comercial cómo críticamente en los años precedentes. Es más que clara la proximidad de ‘Inevitable’ con ‘High And Dry’ de Radiohead, la afinidad de ‘No Creo’ y ‘Que Vuelvas’ con ‘When I Grow Up’ de Garbage y la influencia de los Mazzy Star de ‘Fade Into You’ en ‘Sombra de Ti’.

El disco tuvo amplio éxito en sus propósitos comerciales, se vendieron 300,000 copias tan sólo en el día del lanzamiento y eventualmente se alcanzaron los 10 millones de unidades vendidas. Shakira obtuvo inmediatamente la relevancia  codiciada en los Estados Unidos, logrando promocionarse en shows de variedad con altos niveles de audiencia en ese país y recibiendo una nominación al Grammy por mejor álbum de rock latino, urbano o alternativo. La excelente aceptación del proyecto llevó a su discográfica (y a la propia Gloria Estefan) a confiar en la colombiana para realizar una adaptación del trabajo al inglés, encomienda que sería abandonada a favor de la composición de un nuevo álbum, cuyo lanzamiento se realizaría a finales del año 2001 y cuyo primer sencillo ‘Whenever, Wherever’ sería la canción más vendida mundialmente en el año siguiente. ‘¿Dónde Están los Ladrones?’ sentó el precedente para que Shakira lograra el anhelado crossover al mercado estadounidense, y de paso, el estrellato mundial.

Shakira presentando la versión en Inglés de su sencillo ‘Inevitable’ en el Show de Rosie O’Donnell.

Es cotidiano escuchar a alguien mencionar cuan buena era “la Shakira de antes” cuando se reproduce una de las canciones de este trabajo, pero a pesar de la aclamación popular, la crítica especializada prestó poca atención al lanzamiento, lo que por otro lado era predecible al ser 1998 y tratarse de una superproducción publicada por una discográfica transnacional (Si en aquellos años muchos críticos ignoraron una obra capital como ‘Ray Of Light’, las oportunidades de Shakira eran mínimas). No ha sido sino hasta ahora, en los tiempos en que podemos encontrar a Beyoncé junto a David Bowie en las listas de los mejores álbumes del año, que ‘¿Dónde Están los Ladrones?’ ha tenido la oportunidad de ser reivindicado, como por ejemplo al ser incluído en la lista de los 150 mejores discos hechos por mujeres de 1967 a 2017 de la NPR, logrando superar la barrera del lenguaje junto a otras pocas latinas presentes en la lista (La Lupe, Mercedes Sosa, Astrud Gilberto, Celia Cruz, Selena). Es incuestionable que esa barrera del lenguaje siempre jugará en contra de este álbum, puesto que sería casi imposible que prestigiosos medios anglosajones cómo Pitchfork o la NME se aventuraran a publicar la merecida reseña retrospectiva de 10/10 de este disco; sin embargo, a veinte años del lanzamiento de ‘¿Dónde Están los Ladrones?’ es evidente que el verdadero mérito del álbum, más allá de sus ventas millonarias, fue el de crear una sólida colección de canciones que perdurarían en el imaginario popular latinoamericano y se convertirían por derecho propio en el pináculo del pop en español. 

#shakira #donde están los ladrones #music #pop music

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Landmarks Vol.3: I RAN AND I RAN, I WAS LOOKING FOR ME. 20 años de ‘Ray Of Light’.

El 03 de marzo de 1998 Madonna, la artista pop más radical volvería al mundo de la música con una de sus reinvenciones más sorprendentes, sin embargo, en esta ocación la sorpresa no sería consecuencia de presentaciones sugestivas, videos polémicos o de tratar temas tabú en su música, sino por la sutileza, elegancia, vanguardia y calidad del álbum que lanzaba. ‘Ray Of Light’ no contenía nada tan arriesgado cómo ‘Erotica’, nada tan pegajoso cómo ‘Like A Virgin’ ni nada tan hedonista cómo ‘Holiday’; en cambio, si contenía a la Madonna introspectiva y confesional de ‘Like A Prayer’, revestida por las corrientes de electrónica underground que reinaban en Europa, pero que habían tenido poca cabida en el mainstream americano.

Inspirada por su reciente iniciación en el mundo del Kabbalah y especialmente por la nueva etapa de maternidad que había comenzado un par de años antes, la cantante se embarcó en la creación de un álbum místico y espiritual, para la cual reclutaría a su más fructifero co-escritor, Patrick Leonard, además de los productores Rick Nowels, Marius de Vries y el británico William Orbit (quien le había remezclado un par de sencillos anteriormente y de quien ella misma se proclamaba fan). 

El álbum abre majestuosamente con ‘Drowned World/Substitute For Love’, una balada ambient que establece el tono de la obra. Basta con escuchar las primeras lineas para darse cuenta de la madurez que se impregnará durante los 13 tracks: “I traded fame for love, without a second thought. It all became a silly game, some things cannot be bought”. La cantante admite en esta canción que toda la fama y el reconocimiento que obtuvo durante su carrera no fue suficiente para darle felicidad, sino que es hasta ahora que ha sido madre que entiende el verdadero significado del amor y la plenitud, terminando con un certero “And now I find I change mi mind. This is my religion”: Esta es una nueva yo, con una nueva espiritualidad. ‘Drowned World/Substitute For Love’ fungió cómo tercer sencillo del disco, cuyo video dirigido por  Walter Stern, refleja perfectamente la temática de la canción. 

A continuación aparecen tres piezas guiadas por riffs de Guitarra. Las trip hoperas ‘Swim’ y ‘Candy Perfume Girl’ tienen un punto grounge que contrasta con su ritmo levemente más sutil y ambientaciones electrónicas tranquilas. Justo en el medio de ellas está, ‘Ray Of Light’, un eufórico tema techno que destaca por su optimismo y efervescencia. Dichas características le otorgaron evidentemente un lugar cómo sencillo, siendo el segundo del proyecto, obteniendo gran éxito en las listas (No. 5 en el Billboard americano, No. 2 en Reino Unido). Dicho éxito sería apoyado por el galardonado video del sueco Jonas Åkerlund, con quien la cantante tendría una fructífera serie de colaboraciones en el futuro. Tanto video cómo canción son hoy en día uno de los momentos más representativos y recordados de la carrera de Madonna. 

Es entonces que llegamos, de la mano de ‘Skin’, ‘Nothing Really Matters’ y ‘Sky Fits Heaven’ a los momentos más orientados al Dance. ‘Skin’ y ‘Sky Fits Heaven’ son composiciones con gran influencia del trance, siendo más rítmicamente agresivas. Esta última representa otro de los momentos líricamente destacados, donde la autora plasma su nueva visión de la vida adquirida a través de la religión y el Kabbalah. Por otra parte ‘Nothing Really Matters’ es más bien un  número House, en donde nuevamente encontramos el tema de la madurez ante una juventud egoísta y frívola. ‘Nothing Really Matters’ fue el quinto y último sencillo, sin embargo tuvo poca repercusión. Su video, con inspiración en culturas asiáticas, fue dirigido por Johan Renck. 

A partir de este momento entramos a una segunda parte del disco, más exótica y experimental, que inicia con ‘Shanti/Ashtangi’, una versión electrónica de la oración Hindú que Madonna recitaba en sus clases de YOGA, cantada íntegramente en Sánscrito. En seguida, arribamos al cenit del álbum: ‘Frozen’. Una balada electrónica gélida con uno de los mejores arreglos de cuerdas jamás escuchados en una canción pop y tal vez la mejor composición en el vasto repertorio de la Norteamericana. En una decisión extremadamente arriesgada, fue elegida cómo primer sencillo, siendo el primer vistazo que la audiencia obtuvo de esta nueva etapa en la carrera de Madonna, presentándose con el que es quizá el sencillo menos preparado para las listas que la artista haya lanzado nunca. La apuesta dio resultados positivos, convirtiéndose ‘Frozen’ en un éxito mundial, acompañado de un videoclip destacado tanto en la videografía de Madonna como en la de Chris Cunningham.

El tema posterior es otra balada, ‘The Power Of Good Bye’, una exquisita  canción de despedida, cantada sobre acordes de guitarra acústica y programaciones electrónicas. Fue el 4 sencillo y tuvo un éxito moderado (alcanzó el no.11 en USA). El video fue dirigido por Matthew Rolston y estuvo altamente influenciado por la película ‘The Thomas Crown Affair’ de Norman Jewison. 

Los tres tracks finales son quizás los más experimentales. ‘To Have And Not To Hold’ tiene un marcado sabor latino, ya que el demo se escribió bajo una base de Bossa Nova. ‘Little Star’ es una brillante canción de cuna escrita para Lourdes, hija de Madonna. y por último ‘Mer Girl’ una pieza ambiental minimalista con sutiles disonancias donde la artista nos relata una visita a la tumba de su madre. 

Con la temática espiritual y religiosa que lo rodeaba, ‘Ray Of Light’ pudo haber sido todo un desastre, entregándose al sentimentalismo y a la cursilería. Sin embargo, su salvación fue la gran producción detrás de las composiciones. Sin las bases electrónicas perfecta y meticulosamente creadas por Orbit, Nowels y de Vries, el disco no se hubiera convertido en la gran obra canónica que es a día de hoy. ‘Ray Of Light’ le dio alma a las máquinas, le dio complejidad a la sencillez pop y combinó calidad artística con potencial comercial. Además de la magistral composición y producción, el álbum cuenta con la mejor ejecución vocal de toda la discografía de Madonna, quien había mejorado su técnica al prepararse intensivamente poco tiempo atrás para interpretar el papel de Eva Perón en la adaptación cinematográfica del musical ‘Evita’, de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. 

A pesar de de alejarse bastante del sonido que triunfaba en 1998 (en este año el bubblegum pop reinaba en las listas, con exponentes cómo Robyn, Backstreet Boys, N’Sync o Britney Spears y por otro lado el sentimentalismo de Céline Dion vendía millones); ‘Ray Of Light’ fue sorprendentemente un gran éxito en ventas, llegando a los 16 millones de copias despachadas. Por otro lado también le otorgó a la intérprete sus primeros Grammys musicales, al llevarse los galardones a Mejor Album Pop y Mejor Grabación Dance, por el tema titular. 

Las criticas no fueron menos positivas; incluso medios con poca tolerancia hacia la música pop cómo Rolling Stone, NME o Pitchfork han escrito reseñas halagadoras y lo han incluido en sus listas de los mejores álbumes de 1998 y/o de los mejores álbumes de la historia. Además a día de hoy sigue siendo un referente para otros artistas relevantes, desde Adele, la cantante con mayores ventas a nivel mundial, quien ha declarado que ‘Ray Of Light’ le inspiró a la hora de componer su primer álbum post-maternidad ‘25′, hasta la reina alternativa Gimes, quien lo ha definido cómo “una obra maestra”. 

Es fácil entender por que ‘Ray Of Light’ destacó tanto al ser lanzado. No solamente por constituir un giro de 180 grados en la carrera de una intérprete a la que siempre se le había ligado a la frivolidad, superficialidad y la ambición por el éxito, ni por el hecho de haber ido contra las corrientes pop más exitosas en su momento, sino que su mayor cualidad fue la de lograr un álbum coherente y artísticamente destacable, aunando experimentación e innovación al panorama musical comercial de su época, así como introducir nuevas tendencias al público masivo, lo que permitiría a próximos lanzamientos similares como ‘Play’ de Moby (1999) o ‘Discovery’ de Daft Punk (2001) alcanzar una importante repercusión. Esto lo convierte, sin dudas, en una de las grandes obras maestras de la música popular. 

La razón por la cual ‘Ray Of Light’ podría ser la mejor colección de canciones en la historia del pop es por que con él Madonna llevó al pop a los estándares más altos, los cuales durante estos 20 años ningún otro álbum críticamente aclamado ha llegado.  ‘Ray Of Light’ es al pop lo que el ‘Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band’ o el ‘Dark Side Of The Moon’ al rock, un punto de referencia con el que se comprarán todas las obras estéticas similares posteriores.  Algunos álbumes han llegado muy cerca, pero ninguno (ni ‘Blackout’, ni ‘The Fame Monster’, ni ‘Lemonade’) lo ha podido alcanzar.  

#madonna #rayoflight #20years #anniversary #queenofpop

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LANDMARKS VOL.2: LETHAL POISON FOR THE SYSTEM. 10 Años de ‘Paper Planes’.

El 11 de Febrero de 2008 ‘Paper Planes’ fue lanzado cómo tercer sencillo de ‘Kala’, el segundo album de M.I.A. editado en 2007, que había recibido buenos resultados comerciales y excelentes críticas. ‘Paper Planes’ ya había sido elegida por la mayoría de las publicaciones cómo una de las mejores canciones de 2007 y al lanzarse cómo sencillo le dio a la  rapera su entrada más alta en las listas (#4 en EUA, #19 en Inglaterra), obteniendo una nominación a Grabación del Año en los Grammys del 2009.

Producida por Diplo y compuesta a partir de un sample de ‘Straight To Hell’ de The Clash, ‘Paper Planes’ fue fiel al espíritu de la canción sampleada, con M.I.A. rapeando sobre el racismo y el miedo irracional hacia los inmigrantes, especialmente en Estados Unidos; cómo ella misma revelaría en una entrevista a The Daily Beasts: “Es  sobre inmigración e inmigrantes, y sobre cómo se nos ve con mucho temor por que podemos venir a tomar el trabajo de las personas.” [1]. Por su parte, la rapera entendía perfectamente esta situación, al tener que verse obligada a huir de Sri Lanka para refugiarse en La India y Londres durante la guerra civil, en la que su padre lideraba un grupo activista Tamil. Además de esto, M.I.A. se había enfrentado con dificultades para entrar a Estados Unidos al negársele la Visa por haberse encontrado en la Lista de Riesgos del Departamento de Seguridad Nacional del 2006 debido al alto contenido político de su música. Más allá incluso, Mathangi (nombre real de M.I.A.) criticaba al mercado de armas que prolifera en el mundo, generado incontenibles olas de violencia: “Lo puedes aplicar a un nivel callejero y pensar, oh, estás hablando de alguien robándote y diciendo ‘Voy a tomar tu dinero’. Pero en realidad puede ser una idea más grande: Alguien vendiendo armas y ganando dinero. Vender y manufacturar armas es probablemente el negocio más fructífero en el mundo.”[2]

Evidentemente una canción con tanto contenido político cómo esta iba a ser blanco de controversia. ‘Paper Planes’ fue censurada por el gobierno de Sri Lanka, que la vetó de la radio y la televisión. Además, en Estados Unidos, los samples de disparos utilizados en el coro fueron censurados y reemplazados por otros más inofensivos. Sin embargo este sólo sería el inicio de una carrera de controversia y activismo para la rapera, quien en 2010 volvería despertar polémica por el gráfico y explícito video de ‘Born Free’, que mostraba una minoría, en este caso individuos pelirrojos, siendo capturados y ejecutados cómo analogía del genocidio étnico de la comunidad Tamil por parte del gobierno de Sri Lanka. Además recibió fuertes críticas al mostar su desacuerdo con el movimiento  Black Lives Matter, declarando que no sólo las vidas de los afroamericanos importaban, sino que en realidad todas las vidas eran importantes (All Lives Matter), refiriéndose a las vidas de las personas que viven en zonas de guerra y a las de los refugiados. Esta crítica resultaría en el lanzamiento de ‘Borders’, en 2015. 

‘Paper Planes’ fue nombrada una de las mejores canciones de la década por numerosas publicaciones y la estética y el sonido de M.I.A. serían adoptados por gran número de artistas, desde Santogold hasta Beyoncé, pasando por Rihanna. Por su parte Diplo se convertiría a la postre en uno de los productores más importantes de la década siguiente. 

Sin embargo el legado de ‘Paper Planes’ fue más allá de ser el sencillo más exitoso e influyente de la carrera de M.I.A. o de ser una de las canciones más aclamadas y recordadas de la década, sino  que se convirtió en uno de los momentos musicales más políticamente importantes del milenio.

Referencias:

1.-  M.I.A. Goes To War. 

2.- M.I.A., 'Paper Planes,' and coasting to fame on 'Pineapple Express'.

#m.i.a. #paper planes #diplo

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Landmarks Vol.1: Find me ‘IN DA CLUB’.

En 2003 el rap había existido por más de una década, había escapado de los ghettos y se había inmiscuido al mainstream, pero jamás había gozado de un éxito tan grande cómo lo hizo con el primer sencillo de 50 Cent.

El éxito de ‘In Da Club’ sin embargo no fue cuestión de suerte, sino el resultado de la unión de dos factores que estaban predestinados a crear la canción rap por excelencia; Por un lado Dr Dre, el productor de hip hop más aclamado; que con sus habilidades perfeccionadas a través de años de experiencia produjo importantes éxitos en los años anteriores (”The Real Slim Shady” de Eminem; “Let Me Blow Your Mind” de Eve con Gwen Stefani; “Family Affair” de Mary J. Blige), creó un beat tan minimalista cómo infalible, a base de un agresivo ritmo sincopado acompañado por unos aplausos y una orquesta sintética sacados de la biblioteca midi más elemental.

Por el otro lado, 50 Cent, el exdelincuente ahora rapero, había publicado un par de mixtapes con gran repercusión, que llamaron la atención de todos en el mundo del hip hop, desde Puff Daddy hasta Jay-Z, pasando por Eminem, quien lo convirtió en su protegido. Las expectativas eran altas y era cuestión de tiempo para que ‘In Da Club’ explotara.

Lanzada el 7 de enero del 2003, cómo primer sencillo de ‘Get Rich Or Die Trying’, ‘In Da Club’ fue un éxito inmediato, para marzo del mismo año ya había escalado hasta la primera posición del Billboard Hot 100, dónde permaneció 9 semanas. La canción terminó siendo la más exitosa del año según el Billboard Hot 100 del 2003, posición que únicamente había sido ocupada anteriormente por otro tema de rap,‘Gangsta Paradise’de Coolio junto a L.V., hacía ya casi una década, en 1995.

El legado de ‘In Da Club’, más allá de las millones de ventas o las posiciones en las listas, fue establecer definitivamente el estilo de vida y la estética del hip hop en el imaginario popular mundial. A pesar de ser un género muy aceptado en Estados Unidos, el rap nunca tuvo semejantes repercusiones en todo el globo y, aunque artistas como Missy Elliott, Eminem, o Nelly estaban comenzando a expander sus fronteras, ‘In Da Club’ representó el pináculo de esta nueva ola de música urbana. Rápidamente nuevas variantes del Hip Hop fueron encontrando caminos al éxito mundial al que dificilmente podrían haber alcanzado sin el éxito del primer sencillo de 50 Cent. En 2004 ‘Yeah’ de Usher con Lil Jon y Ludacris arrasaba; los Black Eyed Peas hicían su crossover al mainstream e incluso artistas urbanos más orientados a otros mercados estaban tratando de tener su propio ‘In Da Club’ (Descaradamente, las Destiny’s Child, con ‘Soldier’).

‘In Da Club’, que hoy cumple 15 años de ser lanzada, no sólo es una de las canciones más exitosas y críticamente aclamadas de la historia del Hip Hop, sino que significó la canción definitiva en la destrucción de la frontera entre el hip hop y la música popular.

Bibliografía:

The Decade In Music: 50 Cent’s ‘In Da Club’ (2003). Frannie Kelley. 2009. Consultado el 07 de enero del 2017.

The 25 Best Dr. Dre Beats. Sam Sweet. 2012. Consultado el 07 de enero del 2017.

The Rap Yearbook. Shea Serrano. Ice T. Arturo Torres. Abrams image Publishing. 2015. 240 pp.

#50cent #indaclub #in da club #hiphop #music #rap #pop #music journalism #15 years

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WHILE I FALL IN LOVE WITH HIS SONGS: 40 CANCIONES DEL 2017

“The interior of these melodies Is perhaps where we are meant to be Our physical human fantasies I just fell in love with his song”

Björk, ‘Blissing Me’

40.- ‘Look What You Made Me Do’ - Taylor Swift.

Taylor Swift/ Jack Antonoff,/Fred Fairbrass/ Richard Fairbrass / Rob Manzoli.

Producida Por: Taylor Swift/ Jack Antonoff.

39.- ‘Halfway Home’ - Broken Social Scene.

Brendan Canning/ Kevin Drew/ Ariel Engle/ Justin Peroff/ Charles Spearin/ Andrew Whiteman.

Producida Por: Joe Chiccarelli.

38.- ‘J-Boy’ - Phoenix.

Thomas Mars/ Deck d'Arcy/ Laurent Brancowitz/ Christian Mazzalai.

Producida Por: Phoenix/ Pierrick Devin.

37.- ‘Siphon’ - Zola Jesus.

NIka Roza Danilova.

Producida Por: Nika Roza Danilova/ Alex DeGroot/ James Kelly.

36.- ‘Slip Away’ - Perfume Genius.

Mike Hadreas.

Producida Por: Blake Mills.

35.- ‘...Ready For It?’ - Taylor Swift.

Taylor Swift/ Max Martin/ Shellback/ Ali Payami.

Producida Por: Max Martin/ Shellback/ Ali Payami.

34.- ‘Dentro De Ti’ - Javiera Mena.

Javiera Mena.

Producida Por: Javiera Mena.

33.- ‘Evening Prayer’ - Jens Lekman Ft. Loulou Lamotte.

Jens Lekman.

Producida Por: Jens Lekman/ Ewan Pearson.

32.- ‘Pleasure’ - Feist.

Leslie Feist / Dominic "Mocky" Salole.

Producida Por: Leslie Feist / Dominic "Mocky" Salole/ Renaud LeTang.

31.- ‘IDK About You’ Fever Ray.

Karin Dreijer.

Producida Por: Karin Dreijer/ Johannes Berglund/ Nídia.

30.- ‘Passionfruit’ - Drake.

Aubrey Graham/ Nana Rogues.

Producida Por: Nana Rogues.

29.- ‘Mi Gente’ - J Balvin & Willy William Ft. Beyoncé.

José Osorio/ Willy William/ Adam Assad/ Andrés David Restrepo/ Mohombi Nzasi Moupondo/ Beyoncé.

Producida Por: Willy William/ Beyoncé.

28.- ‘Bodak Yellow’ - Card B.

Belcalis Almanzar/ Dieuson Octave/ Klenord Raphael/ Jordan Thorpe/ Anthony White.

Producida Por: J. White/ Klenard Raphael.

27.- ‘Mala Mujer’ - C Tangana.

Anton Alvarez Alfaro/ Cristian Quirante Catalán.

Producida Por: Alizzz.

26.- ‘XO TOUR LIF3′ - Lil Uzi Vert.

Symere Woods/ Bryan Simmons/ John Lucas.

Producida Por: TM88/ JW Lucas.

25.- ‘Popscuro’ - Clubz.

Orlando Fernández/ Coco Santos.

Producida Por: Orlando Fernández/ Coco Santos.

24.- ‘Lipgloss’ - Charli XCX Ft. CupcakKe. 

Charlotte Aitchison/ Elizabeth Eden Harris/ A.G. Cook.

Producida Por: A. G. Cook.

23.- ‘Chanel’ - Frank Ocean.

Frank Ocean.

Producida Por: Frank Dukes/ Michael Uzowuru/ Jarami.

22.- ‘Love’ - Lana Del Rey.

Elizabeth Grant/ Benjamin Levin/ Emile Haynie/ Rick Nowels.

Producida Por: Elizabeth Grant/ Benjamin Levin/ Emile Haynie/ Rick Nowels/ Kieron Menzies.

21.- ‘Blissing Me’ - Björk.

Björk Guðmundsdóttir.

Producida Por: Björk Guðmundsdóttir/ Alejandro Gershi.

20.- ‘Drew Barrymore’ - SZA.

Solána Rowe/ Tyran Donaldson/ Macie Stewart/ Terrence Henderson.

Producida Por: Carter Lang/ Scum.

19.- ‘Backseat’ - Charli XCX Ft. Carly Rae Jepsen.

Charlotte Aitchison/ Carly Rae Jepsen/ A. G. Cook/ EasyFun.

Producida Por: A. G. Cook/ EasyFun.

18.- ‘Say Something Loving’ - The XX.

Oliver Sim/ Jamie Smith/ Romy Madley Croft.

Producida Por: Jamie Smith/ Rodaidh McDonald/ Romy Madley Croft.

17.- ‘Love Galore’ - SZA Ft. Travis Scott. 

Solána Rowe/ Terrence Henderson/ Cody Fayne/ Carter Lang/ Jacques Webster.

Producida Por: ThankGod4Cody/ Carter Lang.

16.- ‘The System Only Dreams In Total Darkness’ - The National.

Aaron Dessner/ Bryce Dessner/ Matt Berninger.

Producida Por: Aaron Dessner/ Bryce Dessner/ Matt Berninger/ Peter Katis.

15.- ‘Tonite’ - LCD Soundsystem.

James Murphy/ Al Doyle.

Producida Por: James Murphy.

14.- ‘Cut To The Feeling’ - Carly Rae Jepsen.

Carly Rae Jepsen/ Simon Wilcox/ Nolan Lambroza.

Producida Por: Nolan Lambroza.

13.- ‘LMK’ - Kelela.

Kelela Mizanekristos/ Jack Lathem.

Producida Por: Jam City/ Kwes.

12.- ‘Tú Si Sabes Quererme’ - Natalia Lafourcade Ft. Los Macorinos.

Natalia Lafourcade.

Producida Por: Cheche Alara/ Gustavo Guerrero.

11.- ‘Midnight’ - Jessie Ware.

Andrew "Pop" Wansel/ Kiah Victoria/ Jessie Ware/ Bastian Langebaek/ Jordan Thomas.

Producida Por: Bastian Langebaek.

10.- ‘Everything Now’ - Arcade Fire.

Will Butler/ Win Butler/ Régine Chassagne/ Jeremy Gara/ Tim Kingsbury/ Richard Reed Parry.

Producida Por: Arcade Fire/ Thomas Bangalter/ Steve Mackey.

09.- ‘Want You Back’ - Haim.

Danielle Haim/ Este Haim/ Alana Haim/ Ariel Rechtshaid.

Producida Por: Ariel Rechtshaid/ BloodPop/ Haim.

08.- ‘New York’ - St Vincent.

Annie Clark

Producida Por: Annie Clark/ Jack Antonoff.

07.- ‘No One Knows Me (Like The Piano)’ - Sampha.

Sampha Sisay

Sampha Sisay/ Rodaidh McDonald.

06.- ‘Boys’ - Charli XCX.

Cass Lowe/ Jerker Hansson/ Ari Leff/ Emily Warren/ Ingrid Andress/ Michael Pollack.

Producida Por: Jerker Olov Hansson/ Cass Lowe.

05.- ‘New Rules’ - Dua Lipa.

Caroline Ailin/ Emily Warren/ Ian Kirkpatrick.

Producida Por: Ian Kirkpatrick.

04.- ‘Desafío’ - Arca.

Alejandro Gershi.

Producida Por: Alejandro Gershi. 

03.- ‘Green Light’ - Lorde.

Ella Yelich-O'Connor/ Jack Antonoff/ Joel Little.

Producida Por: Ella Yelich-O'Connor/ Jack Antonoff/ Frank Dukes/ Kuk Harrell.

02.- ‘D.N.A.’ - Kendrick Lamar.

Kendrick Duckworth/ Michael Williams II.

Producida Por: Mike Will Made It.

01.- ‘Humble’ - Kendrick Lamar.

Kendrick Duckworth/ Michael Williams II/ Asheton Hogan.

Producida Por: Mike Will Made It/ Pluss.

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BROADCAST THE BOOM BOOM BOOM BOOM AND MAKE THEM ALL DANCE TO IT:  10 ÁLBUMES DEL 2017.

“But we're the greatest They'll hang us in the Louvre”

Lorde, `The Louvre’.

10.- ‘Utopia’ - Björk. (c) One Little Indian.

09.- ‘Masseduction’ - St Vincent. (c) Loma Vista.

08.- ‘I See You’ - The XX. (c) Young Turks.

07.- ‘Ctrl’ - SZA. (c) Top Dawg Entertainment/RCA.

06.- ‘American Dream’ - LCD SoundSystem. (c) DFA/Columbia.

05. ‘Take Me Apart’ - Kelela. (c) Warp.

04.- ‘Process’ - Sampha. (a) Young Turks.

03.- ‘Arca’- Arca. (c) XL.

02.- ‘Melodrama’ - Lorde. (c) Lava/Republic.

01.- ‘DAMN.’ - Kendrick Lamar. (c) Top Dawg/Aftermath/Interscope.

#bestalbumsof2017 #music #alternative music #melomaniac #bjork #st vincent #the xx #sza #lcd soundsystem #kelela #sampha #arca #lorde #melodrama #Kendrick Lamar #damn

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Mejores Discos: 2016

10.- ‘Puberty 2′ - Mitsky.

09.- ‘Freetown Sound’ - Blood Orange.

08.- ‘You Wanted It Darker’ - Leonard Cohen.

07.- ‘A Moon Shaped Pool’ - Radiohead.

06.- ‘The Life Of Pablo’ - Kanye West.

05.- ‘A Seat At The Table’ - Solange.

04.- ‘Coloring Book’ - Chance The Rapper.

03.- ‘Black Star’ - David Bowie.

02.- ‘Lemonade’ - Beyoncé.

01.- ‘Blonde’ - Frank Ocean. 

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2016: A COMPILATION

40.- ‘Drinkee’ - Sofi Tukker

39.- ‘Podría Ser Peor’ - La Casa Azul

38.- ‘The Pop Kids’ - Pet Shop Boys

37.- ‘The Big Big Beat’ - Azealia Banks

36.- ‘Safari’ - J Balvin ft. Pharrel Williams, Sky & Bia

35.- ´Too Good’ - Drake ft. Rihanna

34.- ‘Fade’ - Kanye West ft. Post Malone & Ty Dolla $ign

33.- ‘Make Me...’ - Britney Spears ft. G-Easy

32.- ‘Kiss it Better’ - Rihanna

31.- ‘Million Reasons’ -  Lady Gaga

30.- ‘Moth To The Flame’ - Chairlift

29.- ‘What´s It Gonna Be’ - Shura

28.- ‘Siempre Es Viernes En Mi Corazón’ - Alex Anwandter

27.- ‘Baila Sumeria’ - Triángulo de Amor Bizarro

26.- ‘Car’ - Porches

25.- ‘The Comunity Of Hope’ - Pj Harvey

24.- ‘No’ - Nicolás Jaar

23.- ‘Sin Rumbo’ - Arca

22.- ‘Sorry’ - Beyonce

21.- ‘All Night’ - Chance The Rapper ft. Knox Fortune

20.- ‘Blk Girl Soldier’ - Jamila Woods

19.- ‘Augustine’ - Blood Orange

18.- ‘You Want It Darker’ - Leonard Cohen

17.- ‘I Need A Forest Fire’ - James Blake ft. Bon Iver

16.- ‘33 God’ - Bon Iver

15.- ‘Drone Bomb Me’ - Anohni

14.- ‘True Love Waits’ - Radiohead

13.- ‘Ivy’ - Frank Ocean

12.- ‘Into You’ - Ariana Grande

11.- ‘On Hold’ - The XX

10.- ‘Crying In Public’ - Chairlift

09.- ‘Shut Up Kiss Me’ - Angel Olsen

08.- ‘You Best American Girl’ - Mitski

07.- ‘Lazarus’ - David Bowie

06.- ‘Don´t Touch My Hair’ - Solange ft. Sampha

05.- ‘Ultralight Beam’ - Kanye West ft. Chance The Rapper, Kirk Franklin, Kelly Price & The-Dream

04.- ‘No Problem’ - Chanse The Rapper ft. 2 Chains & Lil Wayne

03.- ‘Formation’ - Beyonce

02.- ‘Nikes’ - Frank Ocean

01.- ‘Work’ - Rihanna ft. Drake

Playlist en Spotify (* no.23, 22 y 3 faltantes)

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YEAR IN MUSIC 2015: ALBUMS

20.- ‘Born in The Echoes’ - The Chemical Brothers

19.- ‘Music Complete’ - New Order

18.- ‘Changuemonium’ - Jessy Bulbo

17.- ‘Poison Season’ - Destroyer

16.- ‘Algo Sucede’ - Julieta Venegas

15.- ‘Sangre Cita’ - Dëver

14.- ‘Natalie Prass’ - Natalie Prass

13.- ‘Every Open Eye’ - CHVRCHES

12.- ‘Me - Empress Of

11.- ‘Hasta La Raíz’ - Natalia Lafourcade

10.- ‘How Big, How Blue, How Beautiful’ - Florene + The Machine

09.- ‘No Cities To Love’ - Sleater Kinney

08.- ‘Sometimes I Sit  And Think, Sometimes I Just Sit’ - Courtney Barnett

07.- ‘In Colour’ - Jamie XX

06.- ‘To Pimp A Butterfly’ - Kendrick Lammar

05.- ‘Emotion’ - Carly Rae Jepsen

04.- ‘Art Angels’ - Grimes

03.- ‘Carrie & Lowell’ - Sufjan Stevens

02.- ‘Currents’ - Tame Impala

01.- ‘Vulnicura’ - Björk

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30.- ‘La Muy Puta’ - Christina Rosenvinge ***

29.- ‘Siempre Es Cumpleaños De Alguien’ - Francisco Nixon

28.- ‘Sol a Sol’ - Planeta No 

27.- ‘Vanity’ - Arca

26.- ‘ Orange Blosson’ - Destiny

25.- ‘Fiesta (Remix)’ - Bomba Estéreo ft Will Smith

24.- ‘ Vernáculo’ - Future Brown ft Maluca

23.- ‘Fiesta House’ - Elandh

22.- ‘La Verdad’ - Joe Crepúsculo ft La Prohibida & Supreme Deluxe

21.- ‘Babycakes (Las Medallas)’ - Namuel

20.- ‘Luz’ - Mamacita

19.- ‘Calor’ - María y José ***

18.- ‘xmf’ - La ola Que Quería Ser Chau ***

17.- ‘Crece’ - Modelo De Respuesta Polar 

16.- ‘Amigos’ - Los Blenders

15.- ‘Reptil no Gentil’ - Playa Gótica 

La revelacón chilena del año nos sorprendía con un track de amor desesperado, donde el grito de “quiero, pero no puedo olvidarme de tí” entonado por la dulce voz de Fanny Leona se sobreponía aun delicioso bassline para crear un nuevo himno del indie pop chileno. Y van...

14.- ‘Garotinha’ - María Magdalena

Ritmos convulsivos y una evocadora letra en portugués se conjuntaban en esta suerte de samba epiléptica con la que la chilena nos presentaba su ep ‘Prissa’, demostrándonos cuanto se ha alejado de aquel synthpop con el que nos enamoró hace un par de años. 

13.- ‘Cuando Ríe’ - Jessy Bulbo

Está canción es la más grande concesión que le otorgamos a 2014, pero con justa razón, pues en aquel año fue completamente ignorada, además de que es EL HIT entre todos los hits que contiene ‘Changuemonium’, el álbum que la Bulbo lanzó este año. Incluso podría ser El HIT de su carrera, pues con ayuda de la excelente producción de Emilio Acevedo, ‘Cuando Ríe’ llega a ser un pepinazo de merengue-pop que ya querría Shakira.

12.- ‘Playa Salvaje’ - Planta Carnívora ft Diego Adrián ***

Con el perdón de ‘Ginza’ y ‘La Disco Resplandece’, este era el reggaetón por excelencia del 2015, creado por la Mc más cool de Latinoamérica y el Diego Adrián de Adrianigual. Pero más allá de eso, este tema servía para que Planta Carnívora contrarrestara el machismo del mundo del reggaetón y nos mostrara que las mujeres también pueden reducir a los hombres a un objeto sexual. YOU GO GIRL!

11.- ‘Baloncesto ‘ - La Prohibida

Este tema, escrito por Victor Algora, merece este puesto porque, además de una exquisita producción ochentera, contiene el mejor estribillo que se ha escrito en el pop en español en los últimos años, con una letra y una melodía tan perfectas que es imposible no cantarlas a todo pulmón.

10.- ‘Bolsas’ - C. Tangana ***

El remake de uno de los temas de la mixtape que lanzaron Drake y Future lograba superar a la original por la vulnerabilidad que C. Tangana demostraba en esta oda a los celos y las adicciones.

09.- ‘Historia Del Arte’ - Las  Bistecs ****

Las españolas lograban impartirnos todo un curso de historia del arte en tan solo 3 minutos y medio a través de lo que ellas llaman “electrodisgusting”, pero ojo, ellas mismas lo dicen NO TE LO TOMES EN SERIO.

08.- ‘Explosión’ - Julieta Venegas

Si la canción anterior te pedía no tomártela en serio, esta pide todo lo contrario; “¿Vas a permitir qué esto suceda ante tí?” versaba Venegas en esta canción protesta sobre la situación actual en México.

07.- ‘Eu Sempre Quis’ - Silva

El brasileño logró enamorarnos mediante esta balada, aderezada con unos punteos de guitarra deudores del sonido de The XX y unos pasos de baile al más puro estilo de Drake.

06.- ‘Secretos’ - Marineros 

Poniéndose un poco más roqueras de lo normal, las chilenas nos entregaron el mejor de los sencillos que anunciaban la llegada de su debut, un medio tiempo sensual y agresivo junto al que además lanzaron uno de los mejores videos del año. 

05.- ‘Hambre’ - Gepe ft Wendy Sulca

Gepe ahondaba una vez más en folclor andino en esta acertadísima colaboración con Wendy Sulca. No está a la altura del ‘En La Naturaleza’, pero aun así es uno de los mejores temas del año.  

04.- ‘Nunca Vienes A Mi Casa’ - Adrianigual

Diego Adrián volvía como solista con uno de los mejores temas de su carrera, marcándose uno de los mejores comebaks de la temporada. 'Nunca Vienes A Mi casa’ es el himno chicago house que esperabamos del él y que no podrás dejar de bailar.

03.- ‘Los Vampiros’ - Dënver ft (me llamo) Sebastián 

El comeback definitivo del pop chileno lo hacía este dúo, que anunciaba un rotundo cambio con este temazo tecnopop acompañando de un video tan homoherótico que es imposible no compararlo con ‘Espada’; pero más alla de esto, agregaban un gran tema más al  serepertorio casi inmaculado repertorio.

02.- ‘Hasta La Raíz’ - Natalia Lafourcade

¿Que se puede decir que no se haya dicho ya del primer sencillo de ‘Hasta La Raíz’?... Un tema tan conmovedor que deja inmutado a cualquiera. Compuesta con maestría (esa melodía!, esas cuerdas! esa letra!), este tema confirmó a Natalia como una de las cantautoras más importantes de nuestro país; y le dió un éxito que hace tiempo no conocía.

01.- ‘Juventud Guerrera’ - Tony Gallardo II ***

Tony Gallardo es uno de los autores más prolíficos del panorama nacional, y este año no fue la excepción, ampliando sus proyectos y lanzando varias canciones, pero la mejor de ellas es fue sin duda ‘Juventud Guerrera’, tan apta para esta época, donde caben críticas para la estupidez, violencía humana y la discriminación. 5.23 minutos de synthpop dedicados a todas nuestras batallas perdidas.*** No disponibles en Spotify

Playlist en Spotify sin las canciones no disponibles: https://open.spotify.com/user/12160887547/playlist/10QoessVss5t68RPsd1cW3

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35.- ‘My Baby Don´t Understand Me’ - Natalie  Prass

34.- ‘Dream Lover’ - Destroyer

33.- ‘How Could You Babe’ - Tobias Jesso Jr

32.- ‘Need You Now’ - Hot Chip

31.- ‘Love Is Free’ - Robyn & La Bagatelle Magique ft Maluca

30.- ‘King’ - Years & Years

29.- ‘White Light’ - Shura

28.- ‘When I Rule The World’ - LIZ

27.- ‘Annie’ - Neon Indian

26.- ‘Bitch Better Have My Money’ - Rihanna

25.- ‘Bitch I´m Madonna’ - Madonna

24.- ‘Rewind’ - Kelela

23.- ‘I Can Never Be Myself When Youre Around’ - Chromatics

22.- ‘Can´t Feel My Face’ - The Weeknd

21.- ‘Coffee’ - Miguel

20.- ‘Hello’ - Adele

19.- ‘Leave A Trace’ - CHVRCHES

18.- ‘Ch-Ching’ - Chairlift

17.- ‘Pedestrain At Best’ - Courtney Barnett

16.- ‘Blackstar’ - David Bowie

15.- ‘In Time’ - Fka Twigs

14.- ‘Bordres’ - M.I.A.

13.- ‘Sorry’ - Justin Bieber

12.- ‘4 Dregrees’ - ANOHNI

11.- ‘Standard’ - Empress Of

10.- ‘Black Lake’ - Björk

09.- ‘Run Away With Me’ - Carly Rae Jepsen

08.- ‘What Kind Of Man’ - Florence + The Machine

07.- ‘Should Have Known Better’ - Sufjan Stevens

06.- ‘Hotline Bling’ - Drake

05.- ‘Flesh Without Blood’ - Grimes

04.- ‘I Know there´s Gonna Be (Good Times)’ - Jamie XX ft Young Thug & Poopcan

03.- ‘Lean On’ - Major Lazer ft Dj Snake & MØ

02.- ‘Alright’ - Kendrick Lammar

01.- ‘Let It Happen’ - Tame Impala

Playlist en spotify (sin el no.17): 

https://open.spotify.com/user/12160887547/playlist/3GBPiWaowuUZAv5H8nW7Bj

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#Summer Playlist - 2015

Ya está aquí la época del año con las más altas temperaturas y las noches más cortas, y aquí están también 19 himnos veraniegos para acompañarla que los harán bailar hasta la deshidratación en la pista de baile.

1.- ‘Garotinha’ - María Magdalena. La chilena María Magdalena se aleja esta vez de la música disco y se adentra de lleno a los ritmos tropicales en esta canción cantada en portugués, con ritmos tan irresistibles e hipnóticos que te harán sentirte dentro de un carnaval.

2.- ‘Annie’ - Neon Indian. Nunca el Synth Pop del mexicano Alan Palomo había sonado tan caribeño como en el sencillo de presentación de su nuevo álbum, que se ha ganado comparaciones hasta con La Isla Bonita’(!).

3.- ‘Sparks’ - Hilary Duff. Tal vez la mejor canción pop del año, con ese silbido tan pegajoso, le daba relevancia al regreso de esta princesa Disney. Desde luego que detrás de ella está nada más y nada menos que los suecos Bloodshy y Tove Lo, en la composición y producción, de los cuales no se podía esperar menos.

4.- ‘Can´t Feel My Face’ - The Weeknd. Lejos están aquellos días en los que Abel Tesyafe lanzaba sus mixtapes independientemente y desde el anonimato. Ya convertido en toda una superestrella, se aventura con este sencillo creado para comerse las listas. Ahora mismo es #3 en el Billboard Hot 100, lo cual no es de extrañarse si tomamos en cuenta que está co-escrita y co-producida por el rey Midas del Pop, Max Martin.

5.- ‘White Light’ - Shura. La inglesa dejaba de lado las baladas R&B que le otorgaron la nominación al BBC Sound Of 2015 para abrazar el italo-disco en esta irresistible canción, que nos deja más que sedientos de ese álbum debut programado para este año.

6.- ‘Los Vampiros’ - Dënver. Los chilenos Dënver se superaban a si mismos con este imprescindible single discotequero, que se infuenciaba en el techno noventero para lograr su éxito, además de un imperdible video con bien de sangre, bolas disco y tangas. Definitivamente uno de los proyectos líderes del pop latinoamericano.

7.- ‘Maricas’ - Joe Crepúsculo Lo que ha hecho Crepúsculo al convertir uno de los temas predilectos de Los Punsetes en todo un himno techno hedonista es como para darle un premio, al menos el de mejor cover del año.

8.- ‘Disco In The Sky’ - King So So. Segundo lugar al mejor cover del año es este cover al clásico disco de Terry Callier por parte del alemán Aksel Schaufler  convirtiéndolo en un hit digno del mismísimo Todd Terje.

9.- ‘Emergency’ - Icona Pop. Las suecas buscan un éxito del tamaño de ‘I Love It’ a como de lugar, y este ‘Emergency’ podría ser un digno sucesor, aunque dudo que lo logre. Aun así es perfecto para darlo todo en la pista.

10.- ‘Ba$$in’ - Yelle. El tercer disco de los franceses se convertía en el más aburrido de su carrera, aún contando con la producción del famoso Dr. Luke. Sin embargo hay algo en ‘Ba$$in’ que recuerda a aquellos primeros éxitos del grupo, con esa letra tan pícara y ese ritmo upbeat que hace completamente imposible quedarse quieto.

11.- ‘Holding On’ Ft. Gregory Porter - Disclosure. Los hermanos Lawrence están de vuelta para poner a bailar a medio mundo con su irresistible música House, y aunque este sencillo nos es tan grande como los de su primer álbum, se deja bailar bastante bien.

12.- ‘Love Is Free’ Ft Maluca (Tod Terry Remix) - Robyn & La Bagatelle Magique. Definitivamente uno de los highlights de esta lista, esta canción reúne a la reina del pop sueco Robyn con el legendario Todd Terry, además de la siempre encantadora Maluca y al fallecido Christian Falk. House de primera calidad.

13.-‘Chico Tímido’ - Lulú Jam. Estos pioneros del pop en español se reunían este año para lanzar un tercer disco totalmente veraniego ‘Temporada Alta’, en el cual destacaba este sensual tema, que recuerda tanto al reggaetón como a la M.I.A. del ‘Arular’ (con guiño a ‘Galang’ incluido). Reivindicación total a la multifacética Sofía Oportot.

14.-‘Playa Salvaje’ - Planta Carnívora & Diego Adrián. Definitivamente el “Ultimate Latin Summer Jam”, lanzado en pleno invierno para los habitantes del polo norte, hemos tenido que esperar meses para degustar este hit como se debe, con el calor a todo lo que da. Creado por los chilenos Planta Carnívora y Diego Adrián (del grupo Adriaigual) esta historia de amor de verano hipersexualizada aderezada con unos beats sabrosos de reggaetón nos plantea  la pregunta que todos nos formulamos ¿Que va a suceder cuando termine el verano?...

15.- ‘Caderas’ - Bomba Estéreo. El dúo colombiano volvía este año con el mejor disco de su carrera, donde este ‘Caderas’ nos invitaba a bailar la noche entera, y nosotros obedeceremos ciegamente.

16.- ‘Vernáculo’ Ft Maluca - Future Brown. Otro de los highlights en esta playlist llegaba durante el invierno, de mano de uno de los colectivos electrónicos más interesantes, el cuarteto Future Brown. Resultaba sorpresiva la incursión de estos en el reggaetón, pero en su defensa, lo hacían de forma magistral, apoyados por Maluca. Todo un suceso por que, ¿Cuántas veces una canción como esta sera editada por un sello tan prestigoso como Warp Records?.

17.- ‘Yoga’ Ft Jidenna - Janelle Monáe. ¿Janelle incursionando en la música Trap?... si, es verdad, y con resultados exquisitos. Una canción sensual destinada a triunfar en las listas, aunque en realidad no lo ha hecho... pero debería!.

18.- ‘I Know There´s Gonna Be (Good Times)’ Ft Young Thug & Pocaan - Jamie XX. El integrante de The XX unía sus fuerzas con la estrella del dancehall Popcaan y el rapero Yough Thug para crear su sencillo más pop hasta ahora, una delicia de influencias jamaiquinas tan veraniega como moderna.

19.- ‘Lean On’  Ft MØ - Major Lazer & Dj Snake. La elección obvia para cerrar esta playlist es este tema, una muestra de que a veces éxito y calidad  no están peleados, pues lleva varios meses en la cima de las listas mundiales, y  aun le queda bastante recorrido. La canción del verano del 2015 por excelencia.

Playlist en Spotify, con la ausencia de 'Disco In The Sky' y 'Playa Salvaje'.

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