#garouste et bonetti
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Années 80
Mode, design et graphisme en France
Ouvrage collectif comprenant les contributions de nombreux historiens, chercheurs, journalistes et conservateurs : Lola Barillot, Axelle Baroin, Alexis Bernier, Mathilde Le Corre, Anne-Marie Fèvre, Dominique Forest, Jean-Louis Gaillemin, Amélie Gastaut, Étienne Hervy, Karine Lacquemant, Sophie Lemahieu, Pascal Ory, Marie Ottavi, Julien Péquignot, Philippe Poirrier, Sébastien Quéquet, Margo Rouard-Snowman.
Ed.Les Arts Décoratifs, Paris 2022, 305 pages, 360 illustrations, 23,5x30,2cm, ISBN 9782383140030
euro 54,00
email if you want to buy [email protected]
Catalogue de l'exposition présentée au Musée des Arts décoratifs, à Paris, du 22 octobre 2022 au 16 avril 2023.
700 œuvres – objets, mobilier, silhouettes de mode, affiches, photographies, clips, pochettes de disques et fanzines – retracent cette époque frénétique synonyme d’éclectisme, où le postmodernisme ouvre tous les possibles artistiques.
Les années 80 voient naître une nouvelle génération de designers – Olivier Gagnère, Elizabeth Garouste et Mattia Bonetti, Philippe Starck, Martin Szekely… – dans un contexte propice à la liberté d’expression. La silhouette, elle aussi, se libère des injonctions de style et certains créateurs de mode sont élevés au rang de « superstars » comme Jean Paul Gaultier ou Thierry Mugler. La publicité, le design graphique et l’audiovisuel connaissent leurs années fastes avec Jean-Paul Goude, Jean-Baptiste Mondino et Étienne Robial. De la musique new wave au post-punk en passant par le hip-hop : c’est toute une histoire de la fête qui s’écrit dans des lieux mythiques fréquentés par les noctambules du Tout-Paris.
23/12/23
#années 80#art exhibition catalogue#Musée Arts Décoratis Paris 2022#mode#design#graphisme#France années 80#Garouste Bonetti#Starck#Gaultier#Mondino#Sottsass#Yamamoto#Miyake#Comme des Garçons#designbooksmilano#fashionbooksmilano
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Robe "Jules César" en soie de Christian Lacroix (1987) présentée dans une "Cabine d'Essayage" et d'une "Chaise" d'Elizabeth Garouste et Mattia Bonetti (1987) à l'exposition “Années 80. Mode, Design et Graphisme en France” au Musée des Arts Décoratifs, avril 2023.
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Garouste et Bonetti "Jour et Nuit" Bed, circa 1980, France
Elizabeth Garouste and Mattia Bonetti were a duo of French designers who were known for their imaginative decorative art and furniture designs. Their unique style paired romantic, surreal, and avant-garde aesthetics to create wholly original versions of everyday objects such as candle holders, armoirs, and chairs.
#garouste et bonetti#elizabeth garouste#mattia bonetti#french design#bed#daybed#art deco revival#postmodern design
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Alexandre NOLL, Bar, 1946
À l’image de ce Bar, nombre d’oeuvres prennent l’allure de totems et semblent invoquer l’esprit de la forêt, de l’arbre perdurant derrière la bille de bois sculptée et polie. Noll s’insère ainsi dans une lignée de créateurs adeptes des matériaux primitifs qui confèrent une dimension rustique, voire sauvage, aux meubles et objets, et ainsi les réenchantent, de Jean Royère à Garouste et Bonetti. Les créations de Noll s’imposent par une science intuitive du matériau, un poli unique, une grande maîtrise.
Collection Roubaix La Piscine
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Peter Marino
Peter Marino. Arquitecto, diseñador e interiorista.
Peter Marino (1949, EE.UU.) es un arquitecto estadounidense acreditado a nivel internacional por re-definir el lujo moderno en arquitectura y decoración, y muy conocido por integrar el arte dentro de sus diseños de interiorismo.
Marino obtuvo un título de la Facultad de Arquitectura, Arte y Planificación de la Universidad de Cornell, una universidad privada y estatutaria de Ivy League ubicada en Ithaca, Nueva York.
Peter Marino comenzó su carrera arquitectónica trabajando para Skidmore, Owings & Merrill LLP (SOM); George Nelson, y I.M. Pei / Cossutta & Ponte.
En 1978 fundó su firma de arquitectura y diseño Peter Marino Architect PLLC, de la que es director, con sede en la ciudad de Nueva York, y con -en la actualidad- 160 empleados y oficinas en Filadelfia y Southampton.
Ese mismo año de 1978 Andy Warhol lo contrató para hacer un proyecto de renovación de su casa en el Upper East Side de Manhattan y la tercera “encarnación” de Warhol’s Factory en el 860 de la calle Broadway.
Su trabajo para Warhol le abrió las puertas a comisiones residenciales de clientes en el mundo del arte, así como de la aristocracia europea.
En lo personal Peter Marino está casado con la diseñadora de vestuario Jane Trapnell, con la que tiene una hija.
Marino es un destacado coleccionista de arte: porcelana francesa, arte moderno y contemporáneo, y bronces franceses e italianos desde mediados del siglo XVI hasta mediados del siglo XVIII.
También destaca por su personal estilo a la hora de vestir; con una apariencia de “motorista tatuado” viste principalmente con ropa negra de cuero, con hebillas y tachuelas, y con una sempiterna gorra también negra y de cuero.
En 1985, la familia Pressman, que en ese momento era propietaria de Barneys New York, contrató a Peter Marino para diseñar el concepto de venta minorista para la tienda departamental dedicada a las mujeres.
Este fue el primer proyecto minorista de Marino, que lo llevó a diseñar 17 grandes almacenes independientes Barney en los EE. UU. y Japón entre 1986 y 1993.
El trabajo de Marino para Barneys lo puso en contacto con otros diseñadores de moda para los que pasó a diseñar boutiques, como Calvin Klein; Donna Karan; Giorgio Armani; Ermenegildo Zegna, y Fendi; y finalmente Chanel; Dior, y Louis Vuitton.
Así en 1996, Peter Marino diseñó una boutique para Giorgio Armani en la Avenida Madison (Nueva York), que fue considerada como la encarnación del “minimalismo de marca registrada“, refiriéndose a como Peter Marino reflejaba el estilo Armani.
En 2004, The New York Times acreditó la teoría de que “el diseño arquitectónico puede ser un componente importante de la identificación de un comprador con una marca“, citando al emblemático buque insignia de Giorgio Armani en Madison Avenue.
El artículo también hace referencia a la Torre Chanel (2004) en el exclusivo distrito japonés de Ginza “que toma el tweed blanco y negro de Coco Chanel y lo explota en tres dimensiones“.
El edificio de 56 metros de altura, tiene un muro cortina de vidrio que encapsula un bloque de aluminio en forma de nido con el patrón de tweed típico de la Casa Chanel.
Las características notables del proyecto incluyen una fachada interactiva de vidrio con 700.000 diodos incrustados emisores de luz, y primera de su clase, y un sistema de 1.120 metros cuadrados de persianas enrollables (de lona) y un cristal electrónico que cambia su estado y permite a los empleados de la oficina ver durante el día, mientras que proporciona un fondo negro por la noche.
En 2007, el primer proyecto de Peter Marino de gran altura de condominio de lujo se inauguró en el 170 East End Avenue en la ciudad de Nueva York. El edificio tiene un amplio vestíbulo de mármol que conduce a un jardín y a una cascada en la parte posterior.
En octubre de 2014, Marino diseñó la tienda insignia para Boontheshop en Seúl, el barrio coreano de Cheongdam-dong, una marca minorista propiedad de Shinsegae, un especialista de productos de lujo surcoreano.
El proyecto de 55.000 pies cuadrados consiste en dos edificios angulares revestidos de mármol blanco y conectados por puentes de vidrio, y que fue la primera tienda multimarca de Marino desde el proyecto de Barneys New York.
En enero de 2015, Peter Marino completó la tienda insignia para Louis Vuitton en Rodeo Drive, en Beverly Hills (California).
La tienda principal para Hublot (2016) en Nueva York, donde Marino diseñó tanto el edificio como los interiores, se convirtió en la boutique más alta de la marca de relojes suizos en el mundo con una esbelta estructura situada en la Quinta Avenida del Midtown en Manhattan, donde abundan otras marcas de lujo.
Otros proyectos actualmente en proceso incluyen: The Getty, un condominio de 11 pisos y una galería de arte adyacente a The High Line (un parque lineal elevado creado en un antiguo espolón del Ferrocarril Central de Nueva York, en el lado oeste de Manhattan).
Una torre de gran altura para Chanel en el distrito de Namiki (Tokio) y los buques insignia de Chanel en Seúl, París y Nueva York.
El restaurante “The Lobster Club” en el Seagram Building de Nueva York; un nuevo buque insignia para Louis Vuitton en Place Vendome en París; Bulgari y Ermenegildo Zegna flagships en la calle 57 de Nueva York.
Un hotel Cheval Blanc en la histórica La Samaritaine (París); los buques insignia de Dior en Seúl y Beijing, y numerosas residencias privadas en todo el mundo.
Entre sus proyectos expositivos y de diseño cabe destacar: “Beauty & Power“, una exposición de su colección de bronces renacentistas y barrocos en la Colección Wallace de Londres (del 29 de Abril al 25 de Julio de 2010).
“One Way: Peter Marino” en el Bass Museum of Art de Miami (3 de Diciembre de 2014 al 17 de Mayo de 2015).
“Memento Mori: Robert Mapplethorpe, fotografías de la Peter Marino Collection” en Tokio (14 de Marzo al 9 de Abril de 2017).
“Fuego y agua“, una exposición de sus esculturales cajas de bronce (Bronze Boxes) en la Gagosian Gallery de Londres (25 de Junio al 11 de Agosto de 2017).
Peter Marino es miembro de la junta directiva de Venetian Heritage Foundation; del Comité Internacional de L’Union Centrale des Arts Décoratifs, y miembro del Instituto Americano de Arquitectos.
Peter Marino ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluyendo 21 citas del Instituto Estadounidense de Arquitectos por la excelencia en el diseño arquitectónico.
Peter Marino también fue galardonado en 2012 con el Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres del Ministerio de Cultura francés en reconocimiento a su importante contribución al arte y la cultura en Francia.
Peter Marino (pág. web).
Peter Marino y uno de sus “Bronze” Boxes.
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"Chaise du Privilège" par Elizabeth Garouste et Mattia Bonetti (1980) et "Robe du Soir" en soie d'Yves Saint Laurent (1979) présentées à l'exposition “Années 80. Mode, Design et Graphisme en France” au Musée des Arts Décoratifs, avril 2023.
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Jean Royère
Jean Royère. Diseñador de mobiliario e interiores.
Jean Royère (1902, París, Francia – 1981, Pensilvania, Estados Unidos) fue un diseñador pionero de un estilo original que combinaba colores brillantes con formas orgánicas y biomórficas, hechos con materiales preciosos dentro de una amplia gama de logros imaginativos.
Jean Royère nació dentro de una familia adinerada, y en 1931, a los 29 años, renunció a una posición cómoda en el comercio de importación y exportación (en donde inicialmente se había establecido profesionalmente) para establecer su negocio como diseñador de interiores buscando la aventura.
Royère quería experimentar esta aventura con pasión, sin principios ni reglas, pero él, que había sido un estudiante malo, se convirtió en un gran trabajador y supo asimilar las nuevas técnicas y enriquecerse con todas las experiencias.
Se adscribió a su nuevo oficio como aprendiz de Pierre Gouff, con quien aprendió la meticulosa artesanía de la ebanistería en los talleres del Faubourg Saint-Antoine de París.
En 1934 realizó su primera comisión de diseño profesional, la muy aclamada remodelación del Café Brasserie del lujoso Hotel Carlton en los Campos Elíseos, lanzando su carrera de la noche a la mañana, y obteniendo una gran popularidad.
Gracias a este éxito inicial y a su característico estilo innovador, una combinación de colores vivos, formas sinuosas y materiales preciosos, Jean Royère se convirtió rápidamente en un muy solicitado diseñador de interiores internacional.
En 1944, fundó su propia compañía y comenzó a construir una clientela global.
Diseñó habitaciones y muebles lúdicos y brillantes, lujosos y sofisticados en toda Europa, América y Oriente Medio; y entre sus patrocinadores y clientes de renombre -que le confiaron el diseño de sus palacios- estaban el rey Hussein de Jordania, el Sha de Irán y el rey Farouk I (el penúltimo rey de Egipto y Sudán), que quedaron cautivados por su libertad creativa y su elegancia formal.
En la década de 1950 Royère fue una figura clave de la vanguardia, abordando todo tipo de trabajos de decoración y abriendo oficinas en el Cercano Oriente, Teherán, El Cairo, Beirut (diseñó el interior del Hôtel Saint-Georges en Beirut, Líbano) y América Latina (por ejemplo en São Paulo).
En decoración, el estilo Jean Royère estaba marcado por el uso de los más variados materiales (madera, bambú, corcho, metal lacado, paja y flores de herbario), que utilizaba respetando la personalidad de cada cliente.
Jean Royère no concebía los muebles aislados, y primero diseñaba el marco arquitectónico; un escenario rítmico y desprovisto de decoraciones superfluas.
Prefería las telas con colores vibrantes y muy adornadas, las chimeneas siempre tenían un espacio en sus habitaciones, y las lámparas con múltiples ramas de metal llamaban la atención, como si fueran una sorprendente vegetación.
En 1947, Jean Royère redecoró el departamento de su madre en París para el que diseñó un sofá curvado, rotundo y bulboso de tres plazas con un respaldo en forma de plátano sobre patas cilíndricas.
Esta forma inusual, cubierta con un terciopelo suave y difuminado, recibió originalmente el nombre de “Boule” (Bola), para más tarde inspirar el encantador apodo de “L’Ours Polaire” (El Oso Polar).
Este Oso Polar, creado con un esqueleto interior de madera similar a los utilizados en los sofás de Luis XVI, causó furor cuando Royère lo exhibió en la exposición “La Résidence Française” de Art et Industrie de París.
El número reducido de piezas originales de este sofá los han convertido en rarezas, y ya desde hace años se refleja en los precios desorbitados que alcanzan en las Casas de Subastas. Así vemos como un conjunto de dos sillas y un sofá llegaron a alcanzar cifras cercanas al millón de dólares.
El encanto es simple, dice el decorador francés François Catroux, quien vio por primera vez las piezas en el sur de Francia en la década de 1960, y luego las re-descubrió hace algunos años cuando se volvieron a editar: “Son inusuales, son hermosos, son raros, y todo el mundo se ve tan elegante y relajado sentado sobre ellos“.
También el muy famoso y mediático cantante Kanye West publicó en Twitter: “Royère no hace una cama de Oso Polar, pero el sofá es mi mueble favorito de todos los que poseemos“.
Una vez presentado en sociedad pronto llegaron los pedidos. Se encargaron versiones de dos sillas para la oficina del Ministro de Asuntos Exteriores francés en Helsinki; y el Sha de Irán compró varios sofás para el comedor y para el bar de la casa de su hija Shahnaz en Teherán.
Jean Royère se retiró profesionalmente en 1972 y dividió su tiempo entre Francia y los Estados Unidos hasta 1980, cuando se mudó definitivamente a los Estados Unidos, donde vivió hasta su muerte en 1981.
En 1999, el Museo de Artes Decorativas de París realizó una exposición de su obra, y en 2008, fue objeto de una importante retrospectiva póstuma en la Galería Sonnabend de Nueva York.
Sotheby’s (pág. web).
Christie’s (pág. web).
Jean Royère y sofás El Oso Polar “L’Ours Polaire” (1949).
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Marie Christophe
Marie Christophe. Artista y diseñadora contemporánea.
Marie Christophe es una artista y diseñadora contemporánea francesa conocida en todo el mundo por desdibujar los límites entre la escultura (arte) y las artes decorativas, entre arte y utilidad.
La labor creativa de Marie Christophe está marcada desde el principio por las colaboraciones con marcas de lujo como Dior, Cartier, Hermès, Roger Vivier y/o el diseñador de interiores Jean-Louis Deniot.
“Su trabajo es ligero, aireado y extremadamente poético“, dice Bruno Frisoni, director creativo de Roger Vivier, quien encargó numerosas decoraciones a Marie Christophe; desde un par de piernas de mujer a unos pies dibujados con letras cursivas que forman el nombre de “Roger Vivier“.
Marie Christophe estudió en la Escuela ESAG Penninghen (l’école de direction artistique et d’architecture intérieure) de París, y su padre, un arquitecto de interiores, le trasmitió el gusto por el espacio, la decoración y los objetos.
Después de terminar sus estudios en la escuela se instaló inmediatamente por su cuenta, pero al principio, al no tener taller, tenía que encontrar un material ligero y compacto, fácil de manejar.
Así fue como descubrió la idea del alambre de hierro o latón (del diámetro de una percha de ropa) que de inmediato la inspiró.
Le encantó su transparencia y el poco peso que le permitía hacer grandes volúmenes, como candelabros XXL que pueden alcanzar incluso más de los tres metros de altura.
En 2007, Marie Christophe, una entusiasta del color, empezó a añadir aplicaciones y elementos lujosos de cristal y cerámica de Vallauris que nunca ocupan todo el espacio (Christophe siente una gran pasión por los ceramistas de los años 60).
Con este material, Marie Christophe da forma a piezas únicas de animales, personajes, objetos, escenografías de escaparates, etc.
Christophe tiene el don de convertir un simple alambre en un objeto no sólo decorativo sino también funcional, como pueden ser sus luminarias que se inspiran en sus muchos viajes y encuentros.
Como diseñadora es excepcionalmente creativa y sus líneas simples, limpias y elegantes se transforman en marcos delicados y transparentes. Una telaraña de alambre de estaño flotando en el espacio.
La magia comienza con una sola bola de alambre enrollada y retorcida, moldeándose a través de cristales brillantes y cuentas de colores, transformándose en una lámpara de araña elaborada o una escultura caprichosa.
“El momento crucial es cuando una escultura finalmente se convierte en un animal o un objeto con una identidad definitiva“, dice Marie Christophe.
Trabajar con alambre fue un paso natural de Marie a través de su progresión desde la escuela de arte, donde primero estudió dibujo y luego escultura, antes de mezclar las dos disciplinas en objetos de alambre garabateados que se volvieron más complejos con el tiempo.
Descubierta por Jean-Louis Robert Frédéric Dumas (1938 – 2010), un empresario francés que fue presidente del grupo Hermès (se le atribuye convertir a Hermès en una marca global de lujo) y director artístico de la compañía desde 1978 hasta 2006.
Jean-Louis Dumas conoció a Marie Christophe en 1996 en una exposición colectiva de arte en París, y en 1997 fue contratada para construir caballos esculturas de tamaño natural para los escaparates de la compañía en Beverly Hills.
La sofisticación juguetona del trabajo de Marie Christophe, definida a veces como “bobo” -un término irónico francés para denominar al estilo hipster bohemio– también se refleja en su residencia ecléctica de dos pisos del siglo XVIII, y sus casi 30 acres de pastizales que la rodean.
Christophe comparte esta villa con su marido, el diseñador de interiores Emmanuel Fenasse, y sus hijos Joseph y Raoul en Gers, una región agrícola al oeste de Toulouse (en el suroeste de Francia) y a la que se trasladaron desde París.
En el interior de la habitación que Christophe ha elegido como su taller, hay una mesa estrecha y alargada que rememora la sala de billar que alguna vez fue.
Las exquisitas esculturas de Christophe, tan delicadas que incluso las piezas más grandes no dominan una habitación completamente amueblada, aparecen como estructuras decorativas estilizadas que no distraen, pues apenas parecen estar ahí.
Marie Christophe exhibe sus piezas en ciudades de todo el mundo como Nueva York, Tokio o París.
Marie Christophe (pág. web).
Fuente: (The New York Times Style Magazine).
Marie Christophe y lámpara “Hibou” de la colección Sixties.
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Pierre Charpin
Pierre Charpin. Diseñador, artista y escenógrafo.
Pierre Charpin (1962, Saint-Mandé, Île-de-France, suburbios del este de París, Francia) se graduó en Bellas Artes en la Ecole Nationale Supérieure d’Art de Bourges en 1984. En la actualidad vive y trabaja en Ivry-sur-Seine, cerca de París.
Es hijo del escultor Marc Charpin, del que seguramente aprendió pacientemente a ver la pieza en proceso de fabricación antes de que se revelase finalmente. Desde principios de los años 90 se dedica a diseñar objetos y muebles.
La investigación formal de Pierre Charpin materializa ideas con formas únicas y arquetípicas de una forma poética y minimalista. “Para mí no hay diferencia entre trabajar para la industria o para una galería“.
El enfoque discreto y suave de Pierre Charpin se caracteriza por la armonía y la simplicidad que desprenden todas sus creaciones.
Su lenguaje formal es simple y colorido pero deja espacio para el humor y para el juego. “Trato de transmitir mensajes delicados y sensibles que no siempre encajan con la gran difusión“.
Así por ejemplo, en 1990 realizó su primera exposición individual en la Galerie Perkal (París) donde presentó su investigación sobre la posibilidad de muebles “antropomórficos” y una serie de objetos de vajilla de plata fabricados en 1988.
Después de trabajar en 1993 y 1994 en Milán, en el Estudio del diseñador británico George Sowden (uno de los fundadores del grupo Memphis), regresó a París.
En 1995 recibió la beca de investigación “Carte Blanche” de la VIA (Valorisation Innovation dans l’Ameublement), que concede cada año a los diseñadores cuya originalidad y madurez del enfoque creativo sea excepcional, como parte de la misión de promoción y desarrollo de la creación francesa a través de uno o más premios “Carta Blanca“.
Estas becas ofrecen a los fabricantes, editores y distribuidores la oportunidad de descubrir y conocer a la gente con talento, y que además van a ser los creadores del mañana.
En 1996, diseñó varios proyectos de asientos para “La Colección Tropical” (La Maison du Meuble Créole, Isla de La Reunión).
Ese mismo año (1996) participó y fue el curador responsable de la exposición “Montado en Ivry” en el Crédac (Centre d’Art Contemporain d’Ivry-Sur-Seine).
En 1997 participó en la 1ª Bienal de Diseño en Saint-Étienne, en la que atrajo la atención de la empresa minorista Vroom por su investigación sobre el coche como objeto, resultado de un taller con estudiantes de las Beaux-Arts de Saint-Étienne.
En 1998, Brunati empezó a distribuir su sillón “Slice“, que sería reeditado en 2014 por Cinna – Ligne Roset.
Ha participado en proyectos de investigación con asociaciones, como los realizados de 1998 a 2001 en el C.I.R.V.A. (Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts Plastiques en Marsella, Francia), diseñando objetos de vidrio.
Y de 2003 a 2005 en el CRAFT (Centre de Recherche sur les Arts du Feu et de la Terre en Limoges, Francia) diseñando objetos de porcelana.
También ha hecho colaboraciones de diseño de productos con empresas internacionalmente conocidas como: Alessi; Cristalleries de Saint-Louis; Hermès; Japón Creative; Ligne Roset; Magis; Manufacture Nationale de Sèvres; Montina; Pamar; Tectona; Venini; The Wrong Shop, y Zanotta.
En 2004 Pierre Charpin fue el ganador del concurso internacional para el diseño de La Carafe “Eau de París“.
Desde enero de 2010 el Ayuntamiento de París se encarga de gestionar el agua de la ciudad a través del organismo municipal “Eau de Paris“, tras 25 años de gestión privada.
Para celebrar este momento se reeditó la garrafa de agua de París, una botella de cristal, de cuello ancho y sin tapón, creada por el diseñador Pierre Charpin. Las garrafas costaban unos 12 euros y se podían comprar en las tiendas de menaje de la ciudad y en el Pavillon de l’eau.
En el 2005 su florero “Triplo” para Venini, figuraba en la lista de selección para el Compasso d’Oro. El mismo año (2005) en el que fue nombrado “Créador del año” en el Salon du Meuble de París.
El más reciente galardón ha sido en 2017, elegido Diseñador del año en el salón Maison & Object de París.
Después de montar una primera exposición individual de su obra en 1999, la Galerie kreo (París) tiene el derecho exclusivo de producir ediciones limitadas de sus piezas presentadas en exposiciones individuales desde 2005 : “Plataforma” en 2006; “All’Aperto” en 2008; “81 / 2” en 2009; “Ignotus Nomen” en 2011, y “Marbles & Clowns” en 2015.
Algunas de sus exposiciones individuales son : “Una muestra di mobile” (1998) Galería Post Design (Milán); “Torno subito” (2001) Galería de los Curiosités, Museo de las Artes Decorativas (París); “Oggetti Lenti” (2005) Galería de Diseño Milano; “Entre los jarrones” (2009) en el MUDAC (Museum of Contemporary Design and Applied Arts) de Lausanne; “Pierre Charpin en el apartamento 50” (2014) Cité Radieuse (Marsella); “Villégiatures, Design Parade 10” (2015) villa Noailles (Hyères), y “Atmosphera” (2015) SpheraExposición (Kyoto).
Pierre Charpin ha sido además el escenógrafo de sus propias exposiciones en el MUDAC (Museum of Contemporary Design and Applied Arts) de Lausanne, y en 2011 “Pierre Charpin au Grand-Hornu, veinte años de trabajo” en el Centre d’Innovation et de Design au Grand-Hornu (Bélgica).
Así como también ha sido el escenógrafo para exposiciones temáticas como “Quali cose siamo“, en la 3ª Trienal del Museo del Diseño (Milán), organizada por Alessandro Mendini en 2010.
En paralelo con su trabajo como diseñador, de 1998 a 2008 dio clases de diseño en la École supérieure d’Art et de Design de Reims, y desde 2006 ha sido profesor en el Departamento de diseño industrial de la ECAL-Universidad de Arte y Diseño en Lausana.
Las piezas de Pierre Charpin han sido incluidas en muchos libros de diseño junto con otros creadores.
Su trabajo también ha sido objeto de varias publicaciones monográficas como “Pierre Charpin à Vallauris” y “Pierre Charpin au CIRVA” (2000); “Nouvelles formes pour Sèvres” (Bernard Chauveau Éditeur, 2008) y “Entre les Vases” (Birkhaüser, 2009) coincidiendo con su exposición en el MUDAC (Museum of Contemporary Design and Applied Arts) de Lausanne (Suiza).
En 2014, JRP Ringier publica su primera monografía “Pierre Charpin“.
Sus diseños están incluidos en muchas colecciones privadas y numerosas colecciones públicas como Fonds National d’Art contemporain (París / La Défense); Musée National d’Art moderne / Centre de Création Industrielle (París); Musée des Arts Décoratifs (París), y Museo de Arte de Indianápolis (Estados Unidos).
Pierre Charpin (pág. web).
Pierre Charpin con dibujos sobre papel “Termitière” (2015), y re-edición del sofá “Slice” (2016) para Cinna – Ligne Roset.
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