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Tampopo

(1985)

Una de las películas más eróticas de todos los tiempos. Si solo hubiera una palabra en español que significara caliente y hambriento al mismo tiempo. Contiene grandes digresiones surrealistas de la trama principal: los ingredientes secretos que hacen que esta película sea tan divertida y deliciosa. (Excepto por esa escena de yema de huevo.)

Diario de un cura rural

(1951)

El alcance minimalista de Bresson en su magistral y avanzado ensayo sobre fortaleza, fe y humanidad nos permite apreciar cuántos directores, incluidos Tarkovsky, Bergman, Buñuel, Vlácil e incluso Scorsese, crecieron admirando este hito legendario de proporciones metafísicas. Destinado exclusivamente a aquellos que reconocen el cine como un arte y buscar varias perspectivas con respecto a las preguntas más trascendentes de nuestra existencia, Journal d'un Curé de Campagne golpea el alma de su espectador con una magnitud catastrófica.

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Walkabout (Encuentro de dos mundos) 1971

Walkabout es excelente para ver. Roeg se aleja de las narrativas tradicionales para proporcionar una visión inquietante y superficialmente desolada del “outback” australiano, pero debajo del vacío de las vistas majestuosas se encuentra un mundo lleno de vida, tanto peligroso como reconfortante. En la superficie, Walkabout es una historia de dos niños perdidos varados en el interior, tratando de regresar a los entornos urbanos en los que se criaron y se sienten seguros. Luego nos damos cuenta que el tema es que el hombre "civilizado" ha perdido su conexión con la naturaleza: usa y abusa de los recursos de la tierra sin tener en cuenta el ciclo de la vida y sus propios orígenes como cazadores / recolectores. Ahora, cazan por placer, no por comida, y marcan la tierra por comercio y conveniencia, no por sustento. Al igual que el padre de los niños, esa desconexión con el mundo natural ha llevado a una especie de locura. Los niños, aún jóvenes e inocentes, no han perdido completamente esa conexión instintiva y están mejor adaptados para sobrevivir, aunque con ayuda. Walkabout es un excelente ejemplo de la visión poco convencional de Roeg y su habilidad como director. Con una hora y cuarenta minutos de película, casi desearía que se rindiera a lo que probablemente se esperaba y expandir la naturaleza episódica del viaje de los niños. La película flota por tomas de paisajes no contaminados y superposiciones surrealistas. Descarta la idea de que la cámara ve lo que ven los protagonistas ven, y que la realidad física es el único aspecto de nuestra conexión con la tierra. Presenta una visión onírica de la naturaleza, muy parecida al propósito de un paseo real. Fue una verdadera delicia ver esta película.

Distant Voices, Still Lives 1988

Lo que esta película y Terence Davies hacen claramente es deleitarse con la nostalgia, y a la vez, horrorizarse con la nostalgia. Capturando el pasado a través de estándares (musicales) y breves memorias, se desplaza de un lado a otro entre momentos de alegría y camaradería, y momentos de dominación patriarcal y violencia doméstica de tal manera que no solo captura los momentos, sino también la atmósfera del pasado. No mira hacia atrás a los horrores y dice que no fue del todo malo; mira hacia atrás a las alegrías y dice que no fue del todo bueno, y sin embargo, permite que ambos tengan tanto prestigio como el otro. Y luego, la película continúa sin interrupciones en el presente de los personajes (que aún se encuentra en lo más profundo de nuestro pasado) y muestra las consecuencias de tal pasado, tanto lo bueno como lo malo. El dolor permanece junto a los recuerdos cariñosos, y las vidas de estos personajes, transmitidas a nosotros en la conversación y en los momentos de ocio, se revelan tan tintadas como la una con la otra. A pesar de tener un aire profundamente romántico, a pesar del hecho de que cada escena está envuelta en música (de hecho, la película podría clasificarse fácilmente como musical si no fuera normalmente), la película captura la esencia de la realidad. La idea de que los buenos viejos tiempos no fueron tan buenos no es un concepto revolucionario, pero sigue siendo impresionante ver la idea abordada tan directamente. En lugar de sentirse como una película expuesta, como una película que muestra simplemente el lado oscuro de la clase trabajadora, el tiempo de guerra de Liverpool podría ser, y en lugar de sentirse como un "vete a la mierda" como lo podría hacer un enfoque más experimental, esta película se siente como una nueva imagen de la nostalgia. No descarta el sentimiento; simplemente reconoce las profundidades del pasado. Sugiere que el sentimiento y la catarsis pueden caminar de la mano, que puedes sentirte nostálgico sin mentirte a ti mismo. Ahora podemos cantar juntos y sentirnos bien con los buenos tiempos, y podemos estar solos en una ventana que da a una calle oscura y llorar por los malos momentos en un lapso de 100 minutos, y ambos son igualmente válidos.

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Stromboli (1950)

La película es tanto un documental sobre Bergman en una película neorrealista como una narrativa. Pero la película se llama Stromboli, no Bergman, y esto es realmente un medio para un fin. La actuación es ciertamente un aspecto aquí, pero solo en su relación con la tierra, y cómo nuestra relación con la naturaleza requiere un rechazo / despojo gradual de las construcciones "civilizadas" que creamos. Pero lo que es civilizado solo existe en nuestras mentes, y lo que determinamos a medida que la sociedad cambia según lo que nuestro entorno exige. Karin se queja de que ella es "demasiado civilizada" para un lugar así, inicialmente considerando a las personas de las islas como bestias primitivas, pero incluso Stromboli tiene sus propios conceptos sociales. El clamor de Karin ante la liberación 'juguetona' de su marido de un hurón para que pueda matar a un conejito es la primera reacción simpática que produce su personaje, pero hay una mayor implicación que se extiende al final de la película: que la naturaleza es una ley en sí misma, pero que también es posible una humanidad más grande y universal si podemos aprender cómo responder a la crueldad. ¿La escena del atún, tiene alguna representación de dilema existencial, o más cerca que convence al espectador de que debe ser vegano?) Continúa esta línea de responder a las mayores implicaciones de la crueldad. Sin embargo, para estos aldeanos, esta es una forma de vida. Pero estas respuestas son clave para Karin, que pasa gran parte de la película como una figura considerablemente vana y desagradable: cuanto más responde al medio ambiente, más se vuelve uno con la tierra, se da cuenta de que no está por encima de la naturaleza sino que es parte de ella. Ella descubre la humildad. Pero, hay que aclamar la escena del volcán: si podemos superar el impacto inicial de una actriz importante de Hollywood que escala un volcán en vivo, esta línea llega a su conclusión. Karin llega a la cima, ve el sol sobre las nubes y finalmente admite "Tengo miedo". ¿Y qué es lo que vemos cuando Karin grita "Dios misericordioso"? Una manada de pájaros. Rossellini, un ateo, determina que Dios no es una cosa, sino todas las cosas. Como dijo Truffaut, "Rossellini solía filmar ciudades bombardeadas, ahora filma almas bombardeadas".

El Verdugo (1963)

Esta película es considerada como una de las mejores películas del cine español de todos los tiempos, y yo pienso estar de acuerdo. Como se sabe, es una comedia negra, a ratos muy negra, sobre las tribulaciones de un enterrador convertido en verdugo. La película por sí sola cumple su propósito cómico, Berlanga siempre tuvo una capacidad especial para mostrar en toda su grandeza/bajeza la mierda más reseca y profunda de la españolidad, y hacerlo de un modo desternillante. Pero además sorprende cómo lo hizo, en el momento histórico en que lo hizo, con una dictadura nacional-católica, con la reserva espiritual de occidente bien encima de todos. Porque esta película habla de la pena de muerte, el enchufismo, el sexo prematrimonial, el arribismo, la pobreza, la amoralidad y el profundo atraso cultural español, temas que toca con una naturalidad que sorprende para la época. Me impactó en especial una de las escenas finales, quizás la única que no tiene un ápice de comedia, que resultó para mí uno de los momentos más desgarradores sobre la pena de muerte que haya presenciado en cine.

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Madre Juana de los Ángeles (1961)

Lo primero que tengo que elogiarle a este película de Jerzy Kawalerowicz es su excelente fotografía en blanco y negro, bien centrada y con gran uso de luces y sombras. También excelente dirección con cámara estable en movimientos lentos. La edición de ritmo suave emana ligereza para los espectadores. Gran presentación del convento antes de que incluso entremos en él. A solo 20 minutos de la película, llegamos al convento, pero primero aprendimos sobre su fama a través de la boca de los habitantes y vemos el miedo que causa en sus ojos. Vemos la pira carbonizada donde un sacerdote acusado de brujería fue quemado vivo hace unos días mientras los niños juegan a su alrededor.

Las monjas reaccionan según la Madre Juana, son como una colmena de abejas, excepto la dulce monja Margareth, que vive entre la gente de la taberna y no sufre de posesiones. Pero ella tiene que enfrentarse a su propio demonio. Un extraño encantador con ojos penetrantes y una sonrisa seductora que se arrastra como un lobo entre las ovejas. La tentación aquí es el deseo de vivir una vida en común fuera del celibato, y el diablo cuelga la esperanza como una zanahoria frente a un burro. En esta película, la posesión se ve reforzada por el poder de la interpretación, incluido el contorsionismo. No hay prótesis de miedo o efectos especiales. Excelente e hipnótica secuencia de exorcismo en la iglesia con una hermosa coreografía dirigida por la Madre Juana (siempre con una leve sonrisa en su rostro como si pensara que ella es superior a los demás y la ama) en una actuación abrumadora de Lucyna Winnicka, la actriz polaca que ganó el Premio especial del jurado en el Festival de cine de Cannes de 1961 por este papel. Termina con las monjas tendidas en el suelo de la iglesia con los brazos abiertos formando una imagen icónica.

La película también tiene un gran debate entre un sacerdote y un rabino sobre la realidad del fenómeno de las monjas. El rabino pregunta: "¿Y si Satanás creó el mundo? Con tanta muerte, enfermedades y guerras, ¿cómo puede Dios crear todo?". La tragedia de los judíos ha cambiado la forma en que enfrenta su fe, inyectando nihilismo y debilitando la confianza en los planes divinos. El debate termina con ambos lados reconociendo que son iguales en su infinita ignorancia de la realidad de los ángeles y los demonios. Quizás una de las mayores contribuciones de "Madre Juana de los Ángeles" al género es la idea de enfrentar la posesión como un acto de amor extremo de quien desea unirse con su amada como si fuera un solo ser. Una confusión entre el amor y la obsesión que conduce a la tragedia.

Zazie en el metro (1960)

Esta película contiene una de las actuaciones mas increíbles de un niño/a que he visto en mi vida, es el pegamento que mantiene unida a una película que no parece estar tan preocupada por ser tan coherente. No es difícil, en lo que a mí respecta, concretar qué tipo de película es esta. Tan extraño como es, una vez que se obtiene el estilo de éste en su sistema, es una película bastante fácil de acompañar, que se presenta como un Looney Tunes de acción en vivo con escenas slapstick e incidentes en abundancia, aunque con mucho más, que una sopa de lenguaje malo e insinuaciones sexuales lanzadas en buena medida.

Hay un montón de diversión en Demongeot que recurre a insultos profanos e indaga sobre las supuestas inclinaciones "hormosexuales" de su tío. El problema es que, a diferencia de las mejores caricaturas de Looney Tunes, es muy impredecible, y aunque algunas de las bromas son muy buenas y, de hecho, muy inteligentes, algunas de ellas son completamente planas. Sin embargo, hay una vena de comentarios sobre la sexualidad y la explotación de los niños que se presentan en esta película que, en realidad, no se sientan cómodos al lado del absurdo general que está ocurriendo aquí. Realmente es una situación de petróleo y agua y, aunque no creía que todo el humor funcionara, sí creo que esto habría funcionado mucho más efectivamente como una comedia sin límites.

Una espléndida actuación del genial Philippe Noiret como tío de Zazie es otro punto brillante en una película que tuvo sus momentos, y muchos de ellos, pero nunca me atrajo tanto como a mis compañeros. 

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Samba Traore (1992)

En Samba Traoré (que toma su nombre del personaje principal) no hay indicios de ninguna deficiencia de producción o artesanía: es una película bellamente filmada y bellamente representada sobre un hombre que regresa de la ciudad a su pueblo natal, para establecerse. y encontrar una nueva vida. Está huyendo de una vida delictiva, o al menos, de un delito específico (la película comienza con él organizando un robo a mano armada en una gasolinera), y por supuesto, la narrativa exige que esto finalmente lo alcance. Mientras tanto, este es un retrato fácil y fluido de la vida de un pueblo pequeño, ya que Samba se vuelve a conectar con viejos amigos y conoce a una mujer con la que se quiere casar. Nunca es condescendiente con sus personajes ni con su público: la película está simplemente construida, pero la cámara se mueve de manera expresiva y hay capas en los personajes que van más allá de cualquier simple drama didáctico de maldad, castigo y redención. Esta es realmente una buena película.

Lecciones de la Oscuridad (1992)

La autodestrucción del hombre nunca ha sido capturada tan bellamente como en las Lecciones de la Oscuridad. Una representación graciosa y poética de las tendencias masoquistas del hombre cobra vida a través de la maravillosa dirección de Werner Herzog. Evitando los componentes fundamentales de un documental típico, Herzog presenta este documental como un lienzo en blanco. Al hacerlo, deja que el espectador absorba los paisajes hermosos e inquietantes de un Kuwait desolado. Hay poca o ninguna narración o entrevistas en la película, lo que hace que el espectador pueda empaparse de lo visual y los temas que se muestran sin interrupción ni guía del sesgo.

La cinematografía se desliza con una mirada pensativa, como si estuviera en busca de las profundidades del alma humana. Vaga por los incendios y la destrucción, pintando una representación surrealista de un infierno en la tierra. La banda sonora clásica y operística que se reproduce a lo largo de la película crea una yuxtaposición inquietante y perturbadora de la depravación de la influencia de Satanás sobre el hombre y la gloria celestial del Dios todopoderoso. Lecciones de la Oscuridad representa una sincera desolación del hombre de una manera extremadamente bella y poética. Un documental único en su género que se destaca por ser uno de los mejores en su género.

Fata Morgana (1971)

Supuestamente, Herzog tenía la intención de convertir su filmación del Sahara en una película de ciencia ficción, y hay una imagen de algunos edificios abovedados en la distancia que se parecen mucho a las primeras escenas de Tatooine. Si hubiera usado ese lugar, podría haberse adelantado a George Lucas por casi una década. En su lugar, lo convirtió en un documental abstracto que reúne muchas ideas que se confunden con los paisajes e imágenes dramáticos.

A pesar del hecho de que Herzog se enfoca en algunas de las partes más feas del desierto (detritus modernos, animales muertos), aún captura su belleza, y para mí, esa belleza supera la descomposición y el peligro que Herzog intenta transmitir. . Sus recitaciones de Popol Vuh invocan (quizás irónicamente) el pensamiento religioso embriagador, y las canciones de Leonard Cohen capturan la melancolía y la poesía, en contraste con el extraño escenario que Herzog saca de los desiertos. Es un cuaderno de viaje con una lengua en la mejilla y una conciencia de sí mismo, pero nada de eso importa ante las enormes dunas de arena y el paraíso del oasis. Verdaderamente impresionante. Tengo la hipótesis de que Herzog estaba experimentando más con sus propias ideas y percepciones hacia lo "distante" que con el cine mismo.

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Dias de Santiago (2004)

Hasta el día de hoy, este es el único elemento fílmico del Peru que he visto. Como se menciono en clase, no conozco el cine de Sudamérica lo suficiente. Pensándolo bien, es algo verdaderamente lamentable, ya que la mayoría de los países latinoamericanos tenemos mucha historia y muchas costumbres en común. Tal vez, por el hecho de ser vecinos de E.U.A, esto nos da un sentido de superioridad sobre todos estos otros países. Dicho esto, Dias de Santiago, dirigido por Josue Mendez, es una gran representación sobre un acontecimiento real poco hablado en el Peru. Vemos la dificultad que vive Santiago, un ex militar, al regresar a la vida cotidiana en los barrios bajos de Lima. Sufre no solo de estrés post traumático, si no también de tendencias violentas en situaciones que no lo ameritan. Vemos como se quiere adaptar, pero el mismo es su peor enemigo,  y cuando la vida le presenta una salida, le cuesta tomarla. En si el trabajo fotográfico y de sonido no es el mejor, pero si algo nos muestra esta película es que no se necesita de tomas grandilocuentes o sonido millonario para contar un gran relato. Felicito a Josué por su valentía al aventarse a hacer una película de muy poco presupuesto y con un tema difícil. Un ejemplo a seguir definitivamente. 

Alambrista! (1977)

Es triste que nuestra historia es mejor contada y le interesa mas a los extranjeros. Las cabezas olmecas de tres zapotes fueron descubiertas por Mathew W. Sterling. Y esta película (esta obra de arte), hecha tan solo 100 años después de ese descubrimiento, fue hecha también por un Robert M. Young, otro gringo. La frase celebre, “no sabes lo que tienes hasta que lo pierdes” aplica un poco en esta situación. En este caso, nosotros no apreciábamos lo que teníamos hasta que alguien de otro país le dio importancia. Entonces a nosotros nos empezó a importar. Esta es sin duda la mejor película de inmigrantes ilegales que existe. Esto se debe a que la historia no esta basada en estereotipos o en la imaginación imparcial, si no en la experiencia real de un hombre. También hubo muchos expertos en inmigración, en cultura mexicana en estados unidos, y diversas otras personas preparadas que aconsejaron la creación de la historia. Esto, combinado con un director inspirado en el documental, sumaron a crear una verdadera obra maestra. Se sufre y se ríe, pero sobre todo se logra empatizar con el personaje, con nuestro paisano. Una de las escenas que más me impacto fue cuando Roberto acompañó a Sharon a la iglesia, y el verdaderamente esta estupefacto. A nosotros nos causo risa, pero para el Roberto real debió haber sido de la experiencias más bizarras de su vida. Un choque cultural inmenso, y viviéndolo solo. Me fascino este filme por todo lo mencionado, y aparte porque logro capturar nuestra cultura y su cultura perfectamente. Con los modismos, no agringado como le encanta a Hollywood. Increíble, increíble, estoy sin palabras. 

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La Tierra (1930)

Aleksandr Dovzhenko fue el teórico menos abierto de la gran escuela de montaje de vanguardia de la década de 1920/30 soviética (sus contemporáneos, como Eisenstein y Pudovkin, estaban poniendo en práctica las tesis publicadas sobre el estilo cinematográfico). Porque, como corresponde a un director que narró apasionadamente las luchas de la clase campesina de su Ucrania natal, y que se basó en el folclore indígena y en su propia vida, su trabajo apela más al corazón y su montaje (en contraposición a Eisenstein) a los sentidos, que a la mente. Y esto se puede ver claramente en lo que quizás sea su mejor película, sin duda su película más conocida: La Tierra (Zemlya). Hoy en día, como el trabajo final en una trilogía suelta que también comprende Zvenigora (1928) y Arsenal (1929), la Tierra es el último aplauso de Dovzhenko para la naturaleza, la tierra y los que trabajan en ella y cuyas vidas están inextricablemente ligadas a ella. La película está literalmente repleta de imágenes grandiosas del mundo natural, como los primeros planos de un vasto cielo y campos ondulados, de girasoles y manzanas. La relación colectiva de los agricultores con este mundo y su orden se establece inmediatamente a través de la yuxtaposición de un anciano que muere (el final de la vida, de un ciclo) y los niños pequeños (el comienzo); El hecho de que estén comiendo las manzanas que yacen esparcidas sobre el pasto, cristaliza aún más el sentido de un ciclo constante y natural de nacimiento, crecimiento y muerte.  Este prólogo al drama principal de la película también presenta de manera sucinta otros elementos centrales de la narrativa. Por ejemplo, la muerte del anciano puede interpretarse como el paso de un antiguo orden para dar paso a una nueva forma de vida, simbolizada en la historia por el tractor, la maquinaria, que hará que la vida y el trabajo sean mucho mejores para el agricultores. El hecho de que un bebé nazca al final consolida la idea del nacimiento de este nuevo orden, de esta nueva vida para todos, que luego regresará a las tomas del paisaje y, en particular, a las manzanas bajo la lluvia (limpieza, lavado). Lo antiguo, se relaciona con el orden natural, el ciclo natural. Verdaderamente el hombre ha encontrado su lugar en el mundo.

Amator (1979)

Amateur es una de las obras más importantes de Krzysztof Kieślowski, parte de la tendencia del cine de la ansiedad moral, cuyos creadores, en la segunda mitad de la década de 1970, intentaron prestar atención a los problemas sociales más apremiantes. La historia se resume en un cineasta amateur que debe enfrentar los problemas de la participación social y enfrentar el problema de la responsabilidad documental como protagonistas de sus películas. Esta es una película cuyo tema nos concierne a todos los estudiantes de cine. El cine tiene el poder de influenciar como la gente vive su día a día. Puede influir en su moralidad, y en su toma de decisiones. Es un instrumento extremadamente poderoso, así que es importante aprender a usar el medio correctamente, y no solo crear por dinero. A fin de cuentas nadie quiere ver lo que ya ha visto, es nuestra responsabilidad como amateurs aprender que estamos jóvenes todavía, y que no lo sabemos todo. Poco a poco iremos agarrando la habilidad y la cultura para poder hablar de temas fuertes y pertinentes de nuestro país de manera inteligente y sin prejuicios. Una gran filme, que todo el que aspira a hacer cine debería ver. 

Matador de Ovejas (1978)

En esta película poética sobre una familia en Watts, Charles Burnett observa la tranquila nobleza de las vidas vividas con valores pero sin oportunidades. Las vidas no van a ninguna parte, la película no va a ninguna parte, y al quedarse donde están, evocan una sensación de tristeza y pérdida. En la pobreza hay poca libertad. La película esta montada con una serie de episodios vagamente relacionados que no suman mucho, mientras que de alguna manera se suman a todo. Sus imágenes en blanco y negro y su edición deliberada crean una sensación de resignación serena; Así es como es, y siempre será. Filmado por Burnett por $10,000 como su tesis de maestría en la escuela de cine de UCLA, no encontró distribución porque no podía pagar los derechos de la música en su banda sonora. ¿Seguramente, si Burnett hubiera querido que su película se viera, podría haber usado música más barata? No, en absoluto, porque en un nivel más profundo quería que su película fuera una demostración de la amplitud de la música de y por los afroamericanos. Tienes que estar preparado para ver una película como esta, o poder relajarte y permitir que se desarrolle.  Una escena sigue a otra sin un patrón aparente, reflejando cómo las vidas de su familia combinan una rutina infinita con las interrupciones de eventos aleatorios. El día en que todos se amontonan en un auto para ir a las carreras, por ejemplo, una película menor los habría tenido ganando o perdiendo. En esta película, se les poncha una llanta, y no tienen repuesto. Así, la pobreza se convierte en tu compañera en cada travesía.

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Kes (1969) 

Ken Loach nos entrega un filme describiendo la vida de un joven niño pobre de Yorkshire, quien se consigue un halcón y le enseña a volar. A simple vista parece que la trama no nos entrega mucho, cuando en realidad la historia es bastante bella e inteligente. Billy es un chico solitario pero inteligente, que no reconoce lo único que es hasta que el maestro le pide que hable de sus intereses. En realidad hizo una hazaña increíble, entrenando de cierta manera a un halcón, lo cual para cualquiera puede llegar a ser casi imposible. Pero el no vio las limitantes, y no respondió a las criticas negativas sobre su interés en querer entrenar un halcón. Este filme nos muestra que no se necesita ser un hombre fornido y correcto para lograr hacer cosas increíbles, solo se necesita determinación y mucha práctica para lograrlo. Los personajes están bastante bien construidos, y nos transmiten ese sentimiento de cotidianidad. Nos transportan totalmente al mundo en el que Billy pertenece. La foto no es increíble, pero es correcto para el tono de la película. Una de las que más he disfrutado este semestre. 

IF... (¿De que lado estas?) 1968

Me agrado ampliamente el pedazo de película que vimos en clase. Desafortunadamente la he intentado ver por mi cuenta pero no me ha sido posible. Michael McDowell es un fantástico actor, y su carisma me agrada. Tomare un poco de el para uno de mis personajes de teatro. Las universidades de Inglaterra, especialmente las que son similares a Oxford, me son sumamente agradables, ya que tienen un estilo arcaico y formal que hace que la cultura inglesa se note mucho más. Considerando que Oxford fue de las primeras universidades en la historia, también edificios como estos demandan mucho respeto, han educado a los más brillantes de los brillantes, y esa energía se transmite. Entonces, meter a McDowell y a sus cómplices en un establecimiento como este es un elemento seguro para causar problemas, y hacer un verdadero divertimento. 

El color de la granada (1969)

Sergei Parajanov quizo homenajear al gran poeta y músico armenio Sayat-Nova, y lo hizo a travez de una hermosa obra con cámara fija e increíbles escenografías. El filme relata los eventos en la vida del artista, desde su infancia hasta su muerte. También muestra de forma particular sus relaciones con mujeres, incluyendo su musa. Definitivamente fue una película avant-garde, que a momentos es difícil entender ya que el lenguaje usado es meramente teatral, con planos abiertos y la cámara completamente estática. 

El cine como poesía y la poesía como cine. un trabajo tan arraigado en la psique de su tema que requiere que cada célula de su cuerpo esté sintonizada con su longitud de onda. si lo hace, será recompensado con una de las películas visualmente más deslumbrantes y realmente seductoras que se hayan creado. una de las únicas ocasiones en que mi incapacidad para acceder a partes de la "trama" (o en este caso encantamientos líricos y poéticos) enriquece mi experiencia; Esta era la vida de este hombre y solo su vida. Intentaré entender lo que puedo, siempre ... pero a veces solo podemos ser curiosos. Una película que creo que solo mejorará con la edad y la experiencia.

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Hambre (1966)

Henning Carlsen adapta la obra maestra de Knut Hamsun, y la convierte en una obra maestra del cine. La historia trata sobre la adaptación de un artista en la civilización occidental capitalista. El personaje principal (inspirado claramente en Knut Hamsun, su autor original) vaga por las calles de Cristianía (ahora Oslo) perdido en la miseria, sufriendo hambre y cansancio. Constantemente intenta escribir artículos y venderlos a una revista para ganar algo de capital. El artista no funciona con capital, por lo tanto sobrevivir como uno es muy difícil. Es una fortuna que Carlsen no haya optado por seguir las narraciones y pensamientos del escritor como voz en off. Más bien adaptó todos sus pensamientos, reacciones internas y sentimientos de manera visual, no literaria, cinematográfica. Es una gran fortuna que existan películas de éste tipo. 

Ordet (1955)

Dreyer nos regala una increíble obra poética. Filmada con un estilo que se asemeja al teatro, este ateo nos muestra la lucha entre la religión y la fe. Con momentos realistas y surrealistas, con milagros y tragedias, nos relata la historia de un granjero y su familia. Todos los personajes representan alguna figura eclesiástica, incluyendo a Jesus (en el hijo “especial” del granjero). Al final, sucede el milagro, pero vemos que el tiempo no paso. Entones tal vez el milagro no sucedió, o tal vez si pero en un espacio y tiempo indescriptibles. Se me hizo un poco larga para decir verdad, pero eso no le quita merito a su gran trabajo poético. 

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¿Porqué corre amok el señor R? (1970)

Fassbinder hace un experimento sumamente interesante en esta película. Dejar que en todas sus escenas los actores improvisen, logrando así que los personajes mismos actúen de la forma más genuina y real. Es un retrato de la cotidiana Alemania de principio de los setentas. Mostrando la vida de un empleado en un despacho de arquitectos, con una vida monótona y desabrida. El personaje principal, el Sr. R, es alguien bastante patético en su forma de actuar en la vida: pasivo, sin convicciones, medio tonto, etc. Y su esposa, compañeros de trabajo y padres lo sabe y a lo largo de la película lo van oprimiendo, excluyendo e ignorando sutil y constantemente, hasta hacer que le de amok. El trabajo de la cámara igualmente es muy bueno. Todo el tiempo es cámara en mano, lo cual se siente muy cotidiano y natural, mas no apela al cliché de imitar videos caseros. Un gran filme sin duda. 

También los enanos comenzaron desde pequeños. (1970)

Werner Herzog sitúa una comunidad distópica de enanos en las islas canaria. El director logra llevar la incomodidad y el anarquismo al máximo en esta ficción. Todo el elenco son enanos que tienen acorralado dentro de lo que parece ser una casa municipal a un funcionario del gobierno que tiene secuestrado a un militante anarquista. Los enanos vándalos crean un caos infinito alrededor de la casa, en un mundo surrealista. Herzog logra con esta película, meterse en las entrañas entrañas y desacomodar todo lo que la cultura del mundo occidental ha ordenado. Es una película que se debe ver por lo menos una vez. 

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La casa es Negra (1962)

Forugh Farrokhzad, poeta y documentalista iraní, hizo solo una película antes de su prematura muerte a la edad de 32 años. Aunque hubiera sido fascinante ver qué otra cosa pudo haber creado su única película, The House is Black, es una obra sorprendente de Realización de documentales: un estudio poético de la condición humana en los confines de una colonia de leprosos iraníes. En veinte minutos, Farrokhzad yuxtapone los tristes rasgos desfigurados de la comunidad con su humanidad inherente mientras encuentran alegrías en las mismas cosas que todos hacemos, desde jugar juegos de mesa hasta escuchar música. Su apariencia se considera demasiado impactante para la sociedad, están encerrados y puestos en un gueto, pero su espíritu permanece ininterrumpido e inamovible. Bellamente editada, aprovechando la inexperiencia de la directora, y acompañada de su propia poesía, este es un documento poderoso sobre la crueldad de la sociedad y la belleza del espíritu humano expresada con claridad y compasión genuina. Inspirador, conmovedor, profundo e inolvidable.

El ascenso (1977)

El ascenso, la película final de la directora Larisa Shepitko y que se dice que es una de las mejores películas de guerra que se hayan hecho, es una obra maestra sombría y desgarradora de poder genuino y desgarrador. Es una historia de supervivencia, sacrificio y traición que captura la fragilidad, la fealdad y la grandeza del hombre. Es raro que una película coincida genuinamente con su reputación vertiginosa. Sin embargo, El ascenso no solo cumple sino que trasciende las expectativas y ofrece un estudio abrasador de la humanidad durante un período de oscuridad inimaginable. La película sigue a dos partisanos rusos mientras buscan comida en los inhóspitos alrededores de la ocupada Bielorrusia nazi. Sin comida fácil a la vista, los dos hombres desesperados se adentran en un territorio peligroso poniendo en riesgo no solo sus propias vidas, sino también aquellos con los que entran en contacto. Cuando el enfermo Sotnikov recibe un disparo en la pierna, su situación se vuelve aún más desesperada y su deseo no disminuido de sobrevivir tendrá graves consecuencias para aquellos que los ayudan. Divulgar un poco más de la trama perjudicará innecesariamente una segunda mitad que es incesante en su desesperación y angustia. Aunque aparentemente es una película de guerra, El ascenso trasciende las limitaciones de su género al convertirse no solo en una alegoría religiosa de la relación entre Cristo y Judas, sino también en una crítica ligeramente velada de la ocupación soviética. El director, Shepitko, hace malabarismos con estos temas fuertes para crear una potente combinación de fe, política y luchas universales. La película está ambientada en un mundo donde las elecciones morales imposibles y los obstáculos insuperables están siempre presentes. En la guerra, la moral rara vez es en blanco y negro, incluso en aquellos personajes que se considerarían villanos, y cada persona tiene un precio que pagar por sus decisiones, ya sea colaborando con los nazis o albergando partidarios rusos. Tan pocas películas capturan esta psicología conflictiva tan brillante como lo hace El ascenso. Incluso cuando los caracteres se definen dentro de un entorno parabólico, parecen trascender la clasificación simple y, como resultado, se vuelven más humanos. Es fácil ser detallado acerca de El ascenso y derivar en el elogio hiperbólico por temor a que tus palabras no hagan justicia a la película o al oficio de Shepitko. Sin embargo, a pesar de su gran complejidad moral, el éxito de la película se deriva de su escisión y sorprendente simplicidad, y mil palabras más nunca capturarán este poder crudo y duradero. Maestro.

Ven y mira (1985)

Ven y mira es una película que me parece casi imposible de revisar. La descripción de ver una película como una "experiencia" a menudo resta valor a la calidad de la pieza, pero teniendo en cuenta el profundo efecto que la película tuvo en mí, realmente siento que ninguna otra palabra puede hacerle justicia. Las películas de la Segunda Guerra Mundial a menudo parecen ser víctimas del romanticismo y el sensacionalismo de Hollywood y aunque eso ciertamente tiene cierto atractivo, siempre prefiero mis películas de guerra del lado sombrío. Desolador y sombrío es algo que los rusos hacen realmente bien y combinados con las atrocidades que ocurrieron durante la Segunda Guerra Mundial en Bielorrusia, lo que se nos presenta es uno de los estudios más perturbadores y de confrontación de los efectos devastadores de la guerra que he visto. Seguimos a la joven Florya en un viaje que es desgarrador en su descripción de la pérdida de la inocencia, la naturaleza sádica y cruel del hombre y la fuerza destructiva indiscriminada que es la guerra. La inevitable destrucción del alma de este joven muchacho capta los horrores de la guerra en el pequeño e individual sufrimiento de alguien arrastrado por una vorágine de caos y odio, perdiendo el control de su propio destino de forma lenta pero segura, aniquilando su cordura y su infancia en el proceso. Aleksey Kravchenko da una actuación impresionante. La profundidad de la emoción que logra evocar es increíble. Hay un puñado de escenas en las que simplemente te mira fijamente a la cámara y, a medida que la película avanza, estas miradas pierden su humanidad y ganan una emoción casi bestial, que culmina en una escena final devastadora y hermosa que destaca con una feroz ira y aceptación poética de La naturaleza cíclica de la violencia. Además de su brutal honestidad y su enfoque intransigente a los actos de guerra atroces, también hay una belleza extraña en la dedicación con la que se hace y en la forma en que parece transgredir un sueño surrealista a una realidad de pesadilla. La hermosa fotografía y el maravilloso trabajo de cámara en puntos brindan un bienvenido alivio, lo que le permite tener una vista de pájaro por un tiempo y encontrar algo de belleza entre la fealdad. Ven y mira es una experiencia que no puedo recomendar ya que es increíblemente inquietante. Voy a etiquetar esto con quizás un término aún peor. Ven y mira es una película importante. Debe considerarse y respetarse como una de las películas más importantes sobre la guerra que se haya hecho. Se desprende tanto de la naturaleza humana y de los horrores que aún somos capaces de hacer, que esto no se puede perder para nadie que no le importe tener un espejo sostenido que lo mira con una piedad y una tristeza implacables.

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El año pasado en Marienbad (1961)

Deconstruyendo el cine de la manera que Bresson quería hacer, pero de manera más grandiosa. Es similar al movimiento de arte dadaísta del anti-arte, rompiendo las reglas y destruyendo la noción de lo que percibimos como verdadero arte. Quizás no tanto como eso, pero Resnais claramente experimenta con el medio del cine de una manera muy poco aceptada e irónicamente se convierte en el punto focal de donde reside la grandeza de la película. El año pasado en Marienbad comienza con una narración repetitiva y poética que llena siniestramente el aire de los largos pasillos y salones vacíos de los que habla suavemente. Solo en las primeras escenas iniciales, es evidente que Resnais está lista para ofrecer algo completamente único al mundo del cine. La narración nace de una obra de teatro que refleja la trama de la película. A esto le sigue una escucha vaga de las conversaciones de los huéspedes del hotel con una cámara que se mueve con fluidez. Lo que hace que esto sea aún más convincente es cómo la acción se detiene en medio de la conversación, a veces en la mitad de la conversación, y solo se nos permite que las imágenes en escena se hundan y obtengan remanentes del diálogo hablado real antes de que se reanude a su propio ritmo. Esta naturaleza caótica del cine burla a la audiencia con la estructura normal de la película a la que pueden estar acostumbrados. La película mantiene su tono ambiguo a través de un ambiente de ensueño y una ubicación fantástica que parece casi irreal en sí misma. ¿Cómo podría uno descifrar qué es real y qué no? Eso es una prueba de lo rica que es realmente esta película. Sin duda, es uno de los que sospecho que requeriría múltiples visualizaciones para determinar el verdadero conocimiento del material. Sin embargo, incluso sin una comprensión completa, la película sigue siendo una maravilla para la vista. La elegancia de la arquitectura y la forma en que Resnais lo captura de una manera mágicamente surrealista. Atrapándonos en un mundo de mármol frío, polvo blanco concreto y lujo indiferente. Es visualmente una de las mejores imágenes cinematográficas que he visto con la colocación de tomas haciendo más que solo resaltar el encuadre. La famosa foto del mirador al patio del jardín con fuentes y hay un puñado de invitados representados en una recreación de la vida real de lo que podría pasar fácilmente como una pintura clásica de la época del Renacimiento. El año pasado en Marienbad es simplemente una mirada maravillosa a la realización de películas y pruebas poco ortodoxas que se convirtieron en una de las mejores películas que se han realizado.

Noche y Niebla (1956)

Alain Resnais realizó uno de los documentales más crudo y morboso de la historia. Es irreal la información y las imagenes tan intensas que empaca en esos 32 minutos, que en realidad parecen durar una eternidad. Ninguna película ni recreación artística le harán justicia a los horrores y la miseria que se vivieron en estos lugares. Resnais tuvo el valor de llegar 11 años después de este genocidio, lo cual es básicamente nada de tiempo, y documentarlo. Las imágenes de los 11 años antes y después contrastan como las de una pintura rococó a una de Goya en la Quinta del Sordo. Las construcciones donde millones de personas perdieron su vida a simple vista parecen granjas o establos. Todo el documental se vive con una intensidad y un horror que pocos otros documentales podrán emular.  Es una obra maestra en su propio respecto.

La tierra vista desde la luna (1967)

En este pequeño corto, Pier-Paul Pasolini recurre a la comedia para contarnos una pequeña historia. Ciancicato pierde a su esposa y quiere casarse de nuevo. Encuentra a una nueva, pero es sorda. El la lleva a su casa y a ella no le parece. Entonces el y su hijo idearon un plan para comprarla. Su nueva esposa tiene que pretender querer suicidarse para recaudar dinero, pero este plan falla cuando ella se resbala sobre una cascara de plátano y muere. Al final acaba en la misma tumba que la ex esposa, con un plátano. La disfrute ya que la tome como un divertimento, y hasta aquí dejare mi crítica

Pajarracos y Pajaritos (1966)

Con esta película ya no me cabe duda de que Pasolini es un genio. Cualquier persona que mezcle a animales que hablan, con Dios y con comedía de excelente manera tiene que ser un genio. Aparte de tener un dialogo extremadamente inteligente, la genialidad y el trabajo previo que se necesitó para tener un cuervo que habla y los sigue es inaudito. Me remite a nuestro primer corto de la carrera que hicimos en clase sin nombre, donde tuvimos que realizar un corto integrando a un animal en la historia. Pasolini toma este principio y lo eleva a la enésima posibilidad. Aunque se me hizo un tanto larga por la parte de los frailes, no le quita el valor inmenso que tiene. Me encantó, y seguramente regresare a ella. 

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Dušan Makavejev

El hombre no es un pájaro (1965)

La opera prima de Dušan Makavejev, resulto ser un gran relato atípico. Es una película cautivadora, ya que desde el inicio de esta, empieza con escenas vanguardistas. El hombre narrando lo que sucede actualmente, y viendo a lo que creemos es la audiencia, pero después descubrimos que no es así. Milena Dravic da una magnifica actuación, no me sorprende que después la haya seleccionado para participar en “Los misterios del organismo”. Es un cineasta poco convencional, que se atrevió a hacer cine en un país comunista y opresor, y esto se muestra a grandes rasgos en esta película. Hablar de sexualidad y en especial, de una relación sexual tan peculiar era muy valiente y atrevido para esa época.

Amorío - La tragedia de una empleada de teléfonos (1967)

Si la pasada fue una obra vanguardista, que se pueda decir de la actual. No solo se habla de un amorío en esta película, si no que también se habla de asesinato. Nos temas completamente anti éticos y que causan controversia. Esto, más un lenguaje cinematográfico espectacular y muchos minutos de desnudez femenil, hacen que el resultado final de esta sea una maravilla. Para el contexto del país y del tiempo no solo era vanguardista, si no transcendental.

Inocencia desprotegida (1968)

Este cuasi documental, trata sobre la primer película hecha sonoramente en la antigua Yugoslavia. Trata principalmente sobre Dragoljub Aleksić, un intrépido acróbata que hacía hazañas casi imposibles. Contiene humor, intensidad, y mucho valor histórico. Es una obra importante porque difiere de la ficción, y dejo en evidencia un momento importante en la historia mundial.

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Thérèse (1986)

Siendo completamente honesto, esta es de la películas que menos he disfrutado este semestre. Alain Cavalier (director) realizo un largo que tenía potencial, ya que los Santos casi siempre dan para buenas historias. En el caso de Thérèse, no fue así. El uso del foro fue un toque interesante, pero hacia que fuera mucho más difícil de reconocer los espacios, ya que todas las paredes se veían iguales. Los otros personajes también me causaban poco interés porque nunca pasaba nada con ellos. Lucie fue el único giro interesante que tuvo la historia. En conclusión, el filme tenía buenas intenciones pero al final no será una que recuerde felizmente.   

Redes en el atardecer (1943)

Este corto experimental fue escrito por Maya Deren y dirigido por Maya Deren y su esposo Alexander Hammid. Ella es la protagonista de esta peculiar historia. No quiero entrar en los hechos específicos del corto, si no en lo que yo pude rescatar. El corto resalta las experiencias internas del individuo. No ejemplifica un suceso que pudo ser presenciado por más de una persona. Nos representa como el subconsciente de un individuo puede interpretar y hacer que un suceso relativamente inocente sea elevado a un nivel de experiencia emocional crítica. 

Pierrot el Loco (1965)

Al igual que con todas las películas de Godard, siento que solo estoy hojeando la superficie de un estanque profundo lleno de un significado mayor del que soy capaz de lograr sin haber visto todas las mismas películas, leer todos los mismos libros, escuchar todos los mismas canciones, pensamos todos los mismos pensamientos, o respiramos todas las mismas respiraciones que Godard. Supongo que eso es lo que lo convierte en un cineasta definitivamente personal, sus "huellas dactilares en todos los fotogramas", como repetiría mi profesor de estudios francófilos como un maldito mantra. Puede ser alienante a veces, pero en Pierrot Le Fou creo que se encuentra el equilibrio perfecto entre Godard, el pesado semiótico, Godard, el izquierdista estridente, y Godard, el tipo de la película. Es una película fluida que como una marea entra y sale de una película y de una película (si no entiende la diferencia, ¿por qué está leyendo esto?), Lo que sugiere que entre el mundo real y el mundo ficticio, entre El mundo interior y el mundo exterior, entre las ideas y los sentimientos, entre las palabras y las acciones, las barreras son delgadas y maleables, creando intercambios, tensiones y contradicciones constantes ("En una palabra: emoción"). Incluso los nombres no tienen un significado. Algo para reflexionar, sí, pero también algo para jugar. Y Pierrot Le Fou es extremadamente juguetón y divertido, incluso cuando comenta sobre la guerra de Vietnam, la corrupción del lenguaje en los anuncios, y todo lo que estaba molestando a Godard cuando le entregó sus líneas a los actores justo antes de decir "¡Acción!" (Samuel Fuller afirma que improvisó su parte). Belmondo y Karina son todas las parejas condenadas en la historia del cine y, por extensión, todas las parejas en la historia. Belmondo es demasiado caliente para lidiar con el fatalismo de Karina (más interesada en su línea de muslo que en su línea de destino), es una soñadora, es pragmática ... se acerca mucho a que los hombres son de Marte, las mujeres son de mierda de Venus, pero es una relación que a lo largo del curso de la película cambia y evoluciona en un patrón deprimente y familiar. Con todas las referencias cinematográficas, literarias y artísticas introducidas, es suficiente para hacer girar la cabeza. Realmente es la vida como una película (o una película como la vida).

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Con los puños en el bolsillo (1965)

Esta película me fascino como pocas películas me han fascinado. Al principio no sabes de que va, y los actores nos llevan por cambios de realismo y surrealismo a un paso extremadamente veloz. Conforme la trama avanza, descubres que el personaje principal (Alessandro) es un epiléptico paranoico, quien toma decisiones con muy poca racionalidad. Esto se nota primeramente cuando se inserta un cuchillo en la panza, y después descubrimos que jamas paso. Este momento surreal me encanto, porque no sabía si era real o no. Después, cuando maneja a su familia al cementerio y le deja la carta suicida a su hermano, se nota como Alessandro esta un poco demente. La película esta hecha de manera en la que estas cosas fuertes y pesadas pasan, pero no se sienten tanto por la edición y el humor que existe en ella. Esto se nota en la escena donde Alessandro asesina a su madre. Lo inverosímil de la situación nos causa gracia, pero en el momento que el empuja a la madre, toda la audiencia se queda perpleja. Es algo verdaderamente inaudito. Me causo un poco de gracia el ver el cuerpo de la madre con nada mas que unos cuantos rasguños en las manos, cuando claramente una caída de esa altura destruiría o deformaría el cuerpo completamente. Pero a fin de cuentas lo acepte porque ese era el estilo de la película. Su momento más humano fue en la fiesta de su hermano. En la mayor parte de la historia se muestra seguro o loco, y aquí se muestra apaciguado. No solo es demente si no también introvertido, lo cual mucha gente es. Esto me hizo tener un poco más de empatía por el, aunque no mucha porque inmediatamente después mata a su hermano retrasado. La escena final donde sufre su ataque epiléptico es increíble. La cámara se mantiene fija, y solo deja que la maravillosa actuación de Lou Castel suceda. 

Para resumir, me encanto la película por lo impredecible que fue, y por el estilo surreal y humorístico que tuvo. A parte critica muchos valores italianos como la familia y la religión de la madre ( la religión católica). Se necesitan muchos pares de huevos para realizar una obra así, y saber que la mayoría del publico se va a aborrecer con ella. Pero eso es lo que se necesita para hacer obras maestras que trasciendan su época. Me encantó, me fascino, me sentí extasiado y me dejo con ganas de hacer cine como ese. 

Riso Amaro 1949

Esta historia trata del clásico triángulo amoroso. Un hombre que enamora a dos mujeres, excepto que al final no acaba tan bien como en Hollywood. Esta película es una mezcla entre el realismo y el neorrealismo. La mayoría de los personajes representados son de clase baja, y nos muestra un lado de Italia poco glamoroso. Un arrozal ( no se así se dice), como los miles que existen en Asía. Para mi punto de vista fue una producción bastante complicada ya que en más de la mitad de la película tenían que lidiar con agua. A la par de esto, las mujeres son las que llevan el protagonismo. Silvana y Francesca nos muestran un lado sensual y provocador, que es muy efectivo para la trama. La película se me hizo un poco lenta, pero el final valió la pena.

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Jean Renoir

TONI (1935)

Toni es una increíble obra neorrealista. Se nota desde luego con la simplicidad de la locación, los personajes de clase baja, y el climax tan poco dramático que tuvo. A simple vista, parece una historia simple que carece de gran valor cinematográfico. La genialidad yace en los pequeños detalles, como las canciones de los trabajadores, los toques humorísticos de los problemas de Toni, y los pequeños momentos de suerte como perros cruzando o el tropiezo de algún actor. Aunque no es una de sus mejores obras, definitivamente tiene su propio valor al ser de las primeras en implementar a no actores, y a incluir a la clase baja en la pantalla grande. 

La regla del juego (1939)

Parecería que las dos películas son de directores completamente diferentes. Una trata sobre la clase baja y lidia con no actores, cuando la otra trata sobre la burguesía francesa y el mismo director actúa en ella. Como opinión personal debo reconocer que Renoir ademas de ser un magnifico director, es un excelente actor también. Su personaje fue de los más influyentes e imponentes de toda la película. El dialogo igualmente me parece una obra maestra. La genialidad de que todos los personajes hablen encima de otros, y que todo parezca verosímil. Solo como dato curioso, me parece interesante que su sobrino, Claude Renoir, haya producido esta película y fotografiado Toni. También me parece interesante que su amante, Marguerite Renoir, haya editado las dos películas. También tomo su apellido sin nunca haberse casado con el, lo cual me parece algo bastante chingón.

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Jean Vigo

Rodrigo Vargas

À Propos de Nice (1930)

Jean Vigo y Boris Kaufman hicieron un trabajo espléndido creando este corto documental, representando la vida cotidiana en Niza. En particular me gusta como se usa la cámara, de una tan burda y vanguardista. La cámara seguía las siluetas de las paredes, encontraba geometría en los techos, y hacia que la vida real se convirtiera en arte. 

Aunque siempre es interesante documentar a personas en su vida cotidiana, me habría gustado que alguno de ellos hubiera interactuado con la cámara. Me hubiera hecho sentir como si esa persona me estuviese mirando, y que su mirada sigue viva. No obstante, el sutil use del surrealismo le agrego una capa más de profundidad, y convierte este documental en algo ejemplar.

Taris, rey del agua (1931)

Este documental en forma de cortometraje me recordó un poco a “Olympia 52″ de Chris Marker. La primera escena de Taris en especial. Transmiten el espíritu y la adrenalina de ver deportes competitivos. 

Me da gusto que Jean Vigo no se haya tomado tan "serio” el realizar este documental, y que pudo meter un poco de él en Taris. La natación no es un deporte tan emocionante como el futbol o el tenis, pero lo resolvió astutamente usando diversas tomas que eran vanguardistas y divertidas. 

Cero en conducta (1933)

De toda la filmografía de Vigo, la que más me llamo la atención fue este mediometraje. Los actores se me hacen sensacionales, y te hacen sentir que eres parte de ese internado. Yo que me metía en muchos problemas de chico en la escuela junto a mi hermano cuate, me pude relacionar con los sentimientos de anarquía y rebeldía de los chicos.

Los personajes adultos son una farsa total, pero eso hace que la historia sea poco predecible, y se siente fresca aunque haya sido realizada hace casi 90 años. El desenlace es todo un pedazo de arte, donde los cuatro chicos suben el tejado saludando a sus compañeros. Probablemente después de ese suceso los niños serán expulsados, pero ese sentimiento de victoria aunque fugaz es un hermosos sentimiento de libertad y felicidad. Una excelente manera de acabar el mediometraje. 

L,Atalante (1934)

El ultimo filme de Vigo es considerada su mejor, y una de las mejores de todos los tiempos, y como soy un mero estudiante de cine sin suficiente conocimiento y cultura todavía para argumentar contra ello, estoy igualmente de acuerdo. 

Truffaut dice que Vigo en términos de realismo carnal y puro fue el que llego mas lejos de todos en su época, y en eso si estoy completamente de acuerdo. También dice que el cine con el tiempo se ha ido sofisticando por si solo poco a poco, y que perdió ese contacto con la realidad que podemos ver en À propos de Nice. 

Vigo pudo hacer que una historia de “amor”, se pudiera ver en su total realidad. El aburrimiento de la esposa, lo mundano de las rutinas del barco, los gatos llendo y viniendo a su placer, hasta la escena final donde Jules viene por la esposa de la manera más simple posible. Claro que le dio su toque artístico con la escena del “baile” acuático, y eso nos muestra que no tenemos porque encasillarnos en un solo genero y mamarlo hasta morir. Esta película incorpora la comedia, el arte, y el drama en un bello entralazamiento fílmico, y no cabe duda que merece su lugar como una de las mejores de todos los tiempo.