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Défilé Dior printemps-été 2020, Maria Grazia Chiuri & Coloco.

Dior est une grande marque de luxe, de haute couture fondée par le couturier Christian Dior en 1946 après la seconde guerre mondiale. La première collection de la maison Dior a été présenté en 1947, depuis de nombreuses collections ont vu le jour. Dior a parfois essayé de faire des actions écologiques que ce soit dans leurs vêtements ou leurs cosmétiques mais lors de défilé il est difficile d’imaginer des espaces éphémères qui réduisent leur impact environnemental sur la planète. Cependant lorsqu’une collection a été présentée lors du défilé Printemps - Été de 2020 la scénographie, qui a été réalisée par Maria Grazia Chiuri, la directrice artistique de la maison Dior, en collaboration avec Coloco, un atelier de paysagistes, a pris en compte cet élément et a réussi à concevoir un espace éphémère écologique.

Ce défilé se situait dans un grand espace intérieur à l’hippodrome de Paris – Longchamp, au coeur du bois de Boulogne.

La question de l’écologie dans un événement éphémère a toujours été un problème puisque comme ça ne dure pas, des matériaux, des objets et autres sont achetés pour l’événement mais souvent non réutilisés ce qui fait de nombreux déchets. De plus, ces événements rassemblent beaucoup de monde donc il y a aussi de la pollution de par le trajet que ces personnes font pour venir.

Ce défilé s’est déroulé dans une scénographie écologique et naturelle parce qu’une forêt au cœur de l’endroit où les mannequins défileront a été crée, elle permet de représenter la prise de conscience écologiste que la marque se fait au fur et à mesure du temps. De plus, les arbres utilisés pour créer cette forêt vont être replantés dans Paris pour reboiser la ville et, lors de l’événement, les visiteurs pourront scanner un QR code qui se trouvera sur tous les arbres du décor pour savoir où ils seront replanter grâce à la collaboration avec la Fondation Good Planet, et sur l’étiquette qui se trouve sur chaque arbre, leur histoire est aussi expliquée. Puis, les matériaux qui ont permis de créer ce décor sont principalement du raphia ou de la paille, ce sont des matériaux naturels.

Donc ce défilé prouve qu’un événement peut-être écologique même s’il est éphémère et redonne donc espoir à la population par rapport à la crise écologique.

On peut aussi remarquer que la scénographie du défilé a permis de transmettre les idées de la collection de vêtements représentés. Premièrement, il faut savoir que cette collection a été inspirée de la sœur de Christian Dior qui s’appelle Catherine Dior, qui exerce le métier de jardinière, et donc les vêtements reprennent cette idée de la nature en reprenant des éléments naturels pour créer des motifs ou autres, et en reprenant les éléments typiques d’une paysanne comme le chapeau de paille. Ensuite, pour créer le décor, cette collection a donné beaucoup d’inspiration sur l’idée d’être en total immersion dans la nature, de faire une ode au monde végétal, de mettre sur le même pied d’égalité l’homme et la nature, c’est pourquoi l’idée de créer une forêt est ressorti.

Enfin, cette scénographie montre la capacité de l’homme à réussir à créer des espaces naturels dans un espace artificiel. Ici, le défilé se déroule dans une très grande salle pourtant on a vraiment l’impression d’être au milieu des bois. Cela montre aussi le pouvoir qu’a l’homme sur la nature car c’est lui qui modifie la nature et créé des choses artificielles pour autant, il peut recréer des espaces très similaires à la nature, ce que Coloco et Maria Grazia Chiuri ont réussi à faire pour cet événement notamment grâce à leur collaboration et aux connaissances de chacun, principalement celles de Coloco pour la création de la forêt artificielle.

Référence :

Clip-vidéo, « Il est où le SAV », Suzanne, 2020

Pour ce clip vidéo, Suzanne a aussi voulu faire passer un message sur la crise écologique et il s’est inspiré principalement des paroles de la musique. Cependant, contrairement au défilé Dior, ici, le décor est un endroit qui se trouve dans la nature, il a pas été pour l’événement mais il l’a été et l’ai encore à cause de l’homme puisque nous sommes la principale cause de pollution dans le monde. Nous pouvons voir que à l’endroit où le clip a été tourné de très nombreux déchets sont entassés, accumulés sur une plage alors qu’on doit normalement être dans un espace naturel agréable visuellement. Tout ce décor donne une alerte aux spectateurs sur la situation environnementale et fait passer un message pour qu’ils se remettent en question et qu’ils évoluent dans leur façon de vivre, consommer…

Ces deux scénographies d’événement montre comment un sujet peut être traité différemment et il prouve qu’un événement peut être écologique de plusieurs façons, soit par les matériaux, éléments utilisés (le défile Dior) soit par la dénonciation de cette crise environnementale (le clip vidéo « il est où le SAV »).

#Bahi Sohane

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Anna G

Image du tir bouchon Anna G de face

Qu’est ce que le Anna G ?

L’objet que je vais vous présenter aujourd’hui n’est autre qu’un tire bouchon, mais pas n’importe lequel ! le tire bouchon Anna G désigné par Alessandro Mendini pour Alessi en 1994. Dans son concept datant du 17eme et son utilisation, ce tire bouchon a beau être simple, mais il est considéré comme l’incarnation de l’imaginaire pop.

Nous en possédons tous un dans les tiroirs ou les placards de notre cuisine, Le tire bouchon à su se faire ça place et nous accompagne lors de nombreuses célébrations. Seul, à plusieurs, en amoureux, en famille ou encore entre amis, que ce soit à la maison, en soirée voir même à un mariages, le tire bouchon est partout là ou l’on en a besoin. Depuis plus de trois siècle, le tire bouchon est resté et je pense restera encore quelques temps, un objet indispensable et très utiles.

Une simple vrille munit de la force des bras, ou alors accompagner d’une structure et d’une petite poigné, aucun autres tire bouchon ne fait autant d’effet que le tire bouchon Anna G et son visage joyeux inspiré d’Anna Gili, une amie et collègue de l'architecte designer Alessandro Mendini. Transformer chaque cuisine en musée de design et répandre la joie, tel était le but de notre designer dans chacune de ses crêtions, elles se devaient d’être drôle et décorative. Partisan du “re-design”, consistant à détourner en ajoutant couleurs et ornementations a des objets déjà existant, pour lutter contre la société de consommation, le Anna G est l’une de ses œuvre particulièrement représentative. Nombreuses sont les inspirations provenant des cultures ethniques, du mouvement pictural et du futurisme chez Alessandro Mendini.

Image zoomé sur le haut des tirs bouchons Anna G, se concentre sur la poigné en forme de visage souriant et le mécanisme des leviers assimilés aux bras

Edition limitée d’Anna G, la danseuse au masque tribal pour les 20 ans du tir bouchon, le masque une fois enlevé, il devient un objet décoratif à part entière.

Comment ça fonctionne ?

Le Anna G est très facile, rapide et intuitif, son utilisation n’a rien de complexe et permet l’ouverture de n’importe quelle bouteille ( possédant un bouchon similaire à ceux en liège utilisés pour les bouteilles de vin ) en un claquement de doigt et sans danger. On l’attrape par la poigné, devenue une sympathique petite tête souriante à la coupe au carré court, que l’on vient insérer sur le bouchon en tournant la tête. Grâce à la vrille archimédienne à la base cachée sous la robe, il ne reste plus qu’à abaisser les bras servant de levier, qui sont remontés tout doucement en coordination avec l’insertion de la vrille dans bouchon, pour pouvoir le retirer en toute simplicité et sécurité.

Tir bouchon Anna G vu de dessous

Pourquoi ce choix ?

J’ai aperçu cet objet lors d’une recherche de références pour le bac, et malgré le faite que sa forme, ses couleurs vives et ses différents design soit intriguant, l’objet en lui même ne m’a pas plus attiré que cela, mais ce qui ma réellement fasciné, c’est l’histoire derrière cet objet, car le Anna G a beau être un tir bouchon inspiré de différents mouvements et crée pour Alessi, son origine, la première inspiration pour le créer provient de l’enfance d’Alessandro Mendini. Lorsque sa grand-mère ouvrait une bouteille lors d’un repas de famille, c’était un évènement de fête, un évènement inoubliable, pour le jeune Alessandro c’était un véritable spectacle, dans sa tête, il voyait une danseuse classique tournoyante comme le tir bouchon, applaudie de toutes par, et c’est ce qu’il a souhaité représenter par le biais d’Anna G.  Une danseuse classique qui lorsque qu’elle tourne, lève délicatement les bras toute en affichant un splendide sourire. Alessandro Mendini à réussi à transmettre une véritable histoire par le biais d’un banal tir bouchon, il a réussi à représenter les gestes d’une danseuse, à encrer, conserver ses souvenir qui lors de chaque utilisation son partagés a l’usager. Le Anna G est une superbe référence qui d’après moi intégrerai parfaitement le thème réenchanter le monde, de part le coté poétique que dégage cet objet aussi simple que complexe.

Edition limitée du tir bouchon Anna G, très colorée et composée de formes géométriques, accompagné de sa version masculine

Sources : Le Monde, Marie clair

CHARRON Mathéo

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Défilé Moshino printemps-été 2021, par Jeremy Scott, 2021

I- La marque Moshino

La marque fut fondée en 1983 par Rossella Jardini. Depuis 2013, c’est Jeremy Scott qui occupe le rôle de directeur de création. La marque est reconnu pour ses détournements et clins d’œil à la culture pop (Barbie, Looney Tunes, Mac Donalds) qui ajoutent à ses œuvres de l’ironie, du second degré.

II-Le défilé 

En 2021, année durant laquelle les événements regroupant un grand nombre de personnes étaient interdis, les créateurs de modes n’ont parfois pas eu d’autre choix que de trouver des solutions pour partager leurs collections malgré la situation. Jeremy Scott a alors opté pour un défilé miniature, sous forme de vidéo. Les mannequins et le public sont alors devenus des marionnettes et les vêtements ont étés reproduits dans une échelle bien plus petite. Tout le défilé a été conçu de façon à imiter le mieux possible le réel, par exemple, on peut reconnaître Anna Wintour,ou d’autre personnalités qui auraient été présentes lors du défilé. Les décors luxueux, les vêtements à l’échelle, les gestes des marionnettes, les visages des personnes représentées, tout est mis en scène de la même manière qu’un défilé en présentiel.

On peut alors relever la notion d’adaptation du designer dans ses projets face à n’importe quelles situations et contraintes actuelles.

Après avoir traité de la capacité d’adaptation du designer, nous pourrions aussi commenter l’utilisation de marionnettes pour cette démonstration. En effet, la marionnette est souvent employée pour réaliser des spectacles ayant pour cible les enfants. On pourrait alors supposer que le créateur avait pour objectif de rendre accessible le défilé aux plus jeunes, de les inclure au domaine de la haute couture en rendant un événement, souvent destiné aux adultes, ludique. À l’inverse, on pourrait supposer que son intention était de rendre plus enfantin, voir fantastique un défilé, évènement faisant partie d’un monde ou la compétition occupe une place importante. Ainsi, c’est un moyen pour le créateur de rendre le défilé moins sérieux, tout en présentant de façon réaliste sa collection.

Nous pouvons alors mettre en avant l’idée de dé-sacraliser, de rendre commun un évènement qui est à l’origine pris très au sérieux.

Nous pourrions aussi commenter l’utilisation des marionnettes comme une critique ou une façon de dénoncer l’utilisation des mannequins par certaines marques comme des poupées qu’elles choisissent uniquement en fonction de leur taille, leur corps et leur visage. Le fait que la marque contrôle tous les faits et gestes du mannequin dans le défilé de Moshino pourrait y faire référence, et sous-entendre que le mannequin n’est parfois qu’un présentoir, qu’on ne prend pas en compte la personne en elle même mais simplement son physique. C’est d’ailleurs pour cette raison que j’ai choisi de présenter ce défilé, car selon moi, il est important et pourrait-être intéressant de prendre en compte les différentes personnalités des mannequins afin de créer un dialogue entre le vêtement et la personne qui le porte.

On pourrait donc soulever la notion d’utiliser l’événement pour faire passer un message, comme une manière de transmettre une idée.

III- Référence

Défilé Dior, printemps-été 2021, Maria Grazia Chiuri, 2021

Pour ce défilé, Maria Grazia a elle aussi dû répondre à la contrainte de la pandémie et du distanciel. Elle s’est alors aussi adaptée pour trouver une autre manière de présenter sa collection sans passer par le traditionnel défilé. Cependant, elle a employé une toute autre forme que celle de Jeremy Scott car en effet, elle présente son défilé sous forme de court métrage, qui présente des cartes de tarot.

Ici, chaque vêtement représente une carte, et par conséquent une atmosphère. Par exemple, la mort et la séduction n’expriment pas la même ambiance. Ainsi, contrairement à Moshino, le mannequin et le vêtement ne font qu’un, ils se complètent l’un l’autre, ils incarnent un rôle, le mannequin n’a pas pour seul fonction d’exposer le vêtement mais de le faire vivre. On pourrait d’ailleurs presque considérer que dans le cours métrage, ces deux éléments possèdent la même importance, car sans l’un ou l’autre, la création pourrait perdre tout son sens.

Sources : 

-> Vogue, Grazia Mag, France info

Corre Manon

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Les Éternels

Film par Marvel Studios Réalisé en Chloé Zhao en 2021. Il s'agit du vingt-sixième film de l'univers cinématographique Marvel et il met en scène les personnages des Éternels.

Je vais vous parler plus particulièrement des costumes que portent les 10 personnages principaux lors de ce film. Les cinéastes voulaient qu'ils aient un look distinct, de tous les héros que regroupe l'univers marvel.Il y a donc 10 costumes tous personnalisé pour chacun de ces personnages.

Ils ont étaient créer par le créateur de costumes Sammy Sheldon Differ et le superviseur des effets de costumes Ivo Coveney. Ils ont voulu créer ces costumes pour que les spectateurs ce pose des questions sur la matière ou même était quel type de vêtement. (commente cet élément : est-ce une habitude pour le spectateur de se questionner sur les costumes pendant un visionnage de film ? quel questionnement pourrait avoir le spectateur sur la matière ?) Ils ont utilisé beaucoup de cercles et de formes géométriques , et ont dit plus exactement"des cercles dans des cercles dans des cercles pour créer des motifs graphiques intéressants." (que peuvent Ils symboliser ?) leur ont donné un effet métallisé pour les rendre intemporel et futuriste. (en quoi l'effet métallisé est-il intemporel ou futuriste ? / attention : intemporel et futuriste sont difficilement possibles simultanément)

J'ai choisi ces images pour montrer la différence des détails de chacun des costumes . (il aurait fallu commenter ces différences, rentrer en détail sur au moins l'un des costumes ou traiter de ce qu'ils avaient de commun et comment chaque personnage se singularisait…)

Pour le bac:Je pense que cette référence pourrais être intéressante car les créateurs on eux même pris de nombreuses références pour créer ces costumes, comme par exemple les costumes grecs (quels éléments viennent de cette époque ?), ils ont réussi à donner une identité visuelle à chacun des personnages visuellement tous en nous faisant comprendre qu'ils appartiennent à un groupe (comment ?)

J'ai choisi de prendre ces costumes car j'ai vu le film Les Éternels récemment et les costumes m'ont tous de suite plus, j'avais trouvé intéressant par leurs l'apparence, les couleurs et notamment par les formes. (qu'est-ce qui t'a précisément intéressé ?)

Source :

https://www.sird.eu/2021/10/18/comment-les-costumes-deternals-sont-differents-des-autres-costumes-de-super-heros-marvel/

https://screenrant.com/eternals-marvel-movie-production-schedule-tight-details/https://screenrant.com/eternals-marvel-movie-production-schedule-tight-details/

- il n'y a pas de notions surlignées - les visuels ne sont pas légendés - il n'y a pas de rapprochement avec au moins une autre référence

Wikipedia

JACQUIN Enora

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🌉 Le Viaduc de Millau 🌉

Photo du viaduc de Millau.

1) Introduction et Localisation.

Bonjour, aujourd'hui je vais vous présenter le viaduc de Millau conçu du Octobre 2001 à Décembre 2004 dans le département de l'Aveyron en France, plus précisément dans la vallée du Tarn.

Carte de France avec en rouge le département de l'Aveyron.

Se viaduc fait partie de l'autoroute A75 qui est une autoroute partant de Clermont-Ferrand jusqu'à Béziers.

Route départementale A75.

2) Les enjeux du viaduc.

Le viaduc de Millau a subit 13ans d'études et de conception avec différentes idées pour produire le viaduc de Millau, voici différentes propositions produites :

Hypothèse de forme de viaduc proposé.

C'est une proposition avec des haubans qui sera sélectionné en 1998.

Se pont doit franchissant une brèche de 2 460 mètres de longueur et de 343 mètres de profondeur au point le plus haut, dans un panorama de grande qualité et avec des vents susceptibles de souffler à plus de 200 km/h.

3) Un pont qui fait des records mondiaux et qui n'hésite pas à rentrer dans les merveilles du monde de l'architecture.

Et oui, se viaduc n'est pas une icône importante du design pour rien. Il est reconnu comme la 8ème merveille du monde.

Monnaie de Paris.

C'est aussi est surtout le 2ème plus long pont du monde avec une longueur de 2 460 mètres (le tablier/plateau). Le premier est le pont Jia-Shao qui fait 2 680 mètres, soit 220 mètres de plus que le Viaduc de Millau.

Pont de Jia-Shao (Jiaxing-Shaoxing) au-dessus de la Rivière Qiantang en Chine.

Mais c'est aussi le pont routier qui as l'ensemble des pile-pylône et piles les plus hautes du monde. Pile-pylône = 343m / Piles = 245m & 221m

Définition de Pile (pont) par Wikipédia

4) Une référence idéale pour le bac.

Si je vous ai présenté en se jour le viaduc de Millau c'est afin que vous le réutiliser pour le bac comme vous le saviez bien. Je vous propose d'utiliser cette icône pour parler des contraintes liées à l'environnement dans l'architecture (ici le vent, la hauteur, le poids de la structure mais également des véhicules qui y passe, ne pas impacter l'environnement visuel de la vallée du Tarn).

5) Vidéo et liens pour approfondir l'étude de cette référence.

Pour les plus nostalgiques d'entre vous, je vous propose une vidéo très détaillée sur la construction du Viaduc de Millau par "C'est pas sorcier".

Vidéo YouTube "C'est pas sorcier".

Articles sur le Viaduc de Millau par Wikipédia

BOUMELID Alexandre TSTDAA

#Youtube

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Iris van herpen, pièce réalisée en 2010, tirée de sa collection printemps/été nommée « crystallization », irisvanherpen.com

L’œuvre :

On ne peut pas vraiment donner de nom exacte à cette création de haute couture. Ce n’est pas un vêtement ni un accessoire qui pourrait être porté quotidiennement. En effet, la pièce n’a pas l’air confortable, elle semble rendre les mouvements impossibles et être très encombrante, voire lourde. On comprend alors que l’objectif premier de la styliste est d’innover, de montrer l’avancée de ses recherches. On peut donc penser qu’Iris van Herpen a voulu mettre en valeur son processus de création et le rendu final, qui possède une certaine symbolique.

Tout d’abord, en ce qui concerne la forme, je trouve qu’elle s’apparente à celle de coquillages. Avec le nom de la collection « crystallization », on comprend que la styliste s’est inspirée du processus de transformation de l’eau en cristal. Sa création prend donc directement l´aparence de ce mouvement avec des formes organiques qui imitent la fluidité du liquide. À l’origine, celui ci est en perpétuel mouvement mais Iris Van Herpen le rend fixe.

Pour cela, elle utilise la modélisation informatique et le prototypage rapide, pour ensuite réaliser la pièce à l’imprimante 3D. Ainsi, une répétition de courbes et de motifs apparaît, ce qui lui donne une forme symétrique, précise et très organisée. L’idée est alors contradictoire avec l’inspiration de la nature qui est, au contraire, aléatoire. On pourrait aussi trouver paradoxale le fait de réaliser un processus naturel, c’est à dire la cristallisation de l’eau, qui a toujours existé en employant des techniques très récentes, qui ne tiennent pas vraiment compte de leur impacte sur l’environnement. Elle fige un élément naturel qui a l’origine se trouve être un mouvement. La stylise créé alors un lien entre un événement naturel et les innovations techniques.

Avec ce projet de haute couture, certes, impossible à porter, Iris Van Herpen innove dans tous les sens du terme. D’abord parce que sa pièce est une sorte de bloc que l’on pose tout simplement sur les épaules du porteur. Aussi par son style inspiré de la nature. Mais surtout pour sa technique de conception innovante : l’impression 3D, qui n’a rien à voir avec les anciennes techniques des couturières, on comprend alors parfaitement le but de cette pièce qui ce trouve être là mise en valeur de l’innovation et des recherches faites par les designers. En effet, d’après ce que j’ai pu voir, il me semble que ce n’est pas courant de trouver des pièces solides, rigides et en un seul bloc comme celle ci, mais on pourrait imaginer que de plus en plus de vêtements soient réalisés de cette manière.

La collection :

Iris Van Herpen a exposé sa collection pendant la semaine de la mode d’Amsterdam en 2010. La styliste décide de la nommer « crystalization » car elle s’inspire du passage entre l’eau à l’état liquide et à l’état solide. Elle présente ainsi 10 pièces toutes plus surprenantes et inattendues les unes que les autres avec des techniques de créations qui n’ont rien à voir entre elles, mais elle parvient à les regrouper visuellement grâce à son inspiration commune.

Qui est Iris Van Herpen ?

Iris Van Herpen est une créatrice de mode néerlandaise connue pour son coté intuitif des possibilités de la mode. Elle est née en 1984 et a fait des études de mode à l'Institut des Arts Artez à Arnhem, aux Pays Bas. Elle commence sa carrière aux cotés du célèbre styliste Alexander Mc Queen, à Londres. En 2005, elle créé sa propre marque et prépare une collection qu’elle présentera à la fashion week des Pays Bas. C’est grâce à sa volonté d’innover, de casser les codes et de surprendre par de nouvelles matières ou techniques qu’elle se fait connaître.

Pour le bac :

A mon avis, ce projet pourrait tout à fait servir de référence pour nos épreuves du bac. En effet plusieurs notions pourraient lui correspondre. Par exemple, par rapport à l’inspiration du processus de solidification et à l’impression 3D, on pourrait le rattacher à des notions qui exprimeraient un lien entre l’industrie et la nature ou alors un lien entre l’innovation ou quelque chose de futuriste et les événements naturels qui existaient avant l’Homme. On pourrait aussi s’en servir pour montrer un objet dans le quel la fonction d’estime, le visuel passe largement au dessus de la fonction d’usage, en effet, l’objet de répond pas à un problème ni à besoin (c'est encore une fois de la haute-couture donc le problème est autour de l'innovation…) car l’objectif premier de cette pièce est d’attirer l’œil et de montrer les recherches de la styliste afin de les partager et qu’elles puissent devenir presque universelles. Pour finir, il pourrait être lié à une notion qui traite des innovations techniques qui offre des résultats inhabituels dans un domaine du design en particulier. Ici, elles révolutionnent le domaine de la mode en concevant un vêtement solide, impossible à moduler et en une seule pièce.

Référence :

Armadillo Boots, Alexander Mc Queen, Pinterest

J'ai choisi cette référence car tout comme la création d'Iris Van Herpen, il semble impossible de marcher avec ces talons. En effet, le talon est très haut, la forme parait inadaptée. Ainsi, comme Iris Van Herpen, le visuel prime. Le créateur a pour intention d’attirer l'œil, de se démarquer par son style et d’innover par la forme surprenante de la chaussure et l’emploi de volume pour les ornements. Il utilise d'ailleurs aussi des inspirations naturelles : on pourrait penser à des fourrures, des peaux animales et des écailles de poisson. Cependant, contrairement à la création d'Iris, on comprend aussi très vite que la fonction de cette paire de chaussures est de marcher, c'est évident, mais elle reste moins importante que la fonction esthétique qui saute au yeux.

Manon Corre

Sources :

-irisvanherpen.com

-arzadesign

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"Fauteuil Bel Air"

Le fauteuil "Bel Air" a été créé en 1982 par Peter Shire, membre du groupe Memphis Milano.

Qu'est-ce que Memphis Milano ?

Memphis Milano désigne un groupe de designers, formé en décembre 1980, qui a duré une décennie, par Ettore Sottsass, regroupant plusieurs designers tels que Martine Bedin, Andrea Branzi, Nathalie du Pasquier, Michele De Lucchi, Shiro Kuramata, et d'autres, dont Peter Shire. Le nom est inspiré de la ville de Memphis aux états-unis, et de la ville de Milan en Italie, pays d'origine d'Ettore Sottsass et d'autres designers du groupe. C'est aussi le mouvement du design le plus important des années 80, dû au passage entre un design fonctionnaliste et standardisé, à un design asymétriques, anti-conformistes et colorés, avec des motifs et des formes géométriques.

Qui est Peter Shire ?

Peter Shire est un designer et céramiste américain né en 1947, ayant donc fait parti du groupe Memphis Milano. Son travail se situe à l'intersection entre l'artisanat, les arts plastiques et le design.

Le contexte de création

Les années 80 sont à la fois standardisée et anticonformiste (à reformuler). À la base, grâce à l'industrialisation, la société avait pris l'habitude de faire des créations qui irait au plus grand monde ?, avec des formes simplifiées au possible, avec des matériaux plus ou moins nouveaux tels que le plastique, pour des coûts de fabrication moins chers et qui poussent à la surconsommation. À l'époque, c'est le mouvement du fonctionnalisme, notamment au niveau de l'architecture qui gagne le cœur de la société. Aussi bien au niveau du coût de fabrication, la routine créé dans les usines qui produisent toujours les mêmes objets, mais nous sommes également dans une société d'après-guerre, toujours dans la gueule froide ? qui nécessite une vie à moindre coût, avec une facilité d'achats et des matières simples à utiliser. Le but de Memphis était donc de contrer l'esprit de l'époque en proposant des créations toutes sauf standardisées.

Description du fauteuil Bel Air

Fauteuil Bel Air version Summer, Autumn, Spring et Winter, 1984, Peter Shire.

Description visuel et matériaux

Tout d'abord, ce fauteuil mesure 1,29m de haut, 1,30m de large et 0,9m de profondeur. La structure intérieure et le pied sphérique est fait de bois, convert de tissu de laine et de coton rembourré avec de la mousse.

On peut y voir plusieurs sortes de pieds : la sphère arrière droite et, à l'avant comme à l'arrière, un pied couvrant la largeur. Il y a 2 accoudoirs, un qui est un cylindre entier à la gauche, et un demi cylindre à droite. Le dossier est aussi asymétrique que le reste : une forme d'arc de cercle est visible sur le côté gauche du dossier. On voit donc que le designer a choisit de rendre minimaliste les parties du canapé : au lieu d'être une forme plus complexe, l'accoudoir prend sa forme de croquis initiale, donc un cylindre. Idem pour chaque partie qui est résumée à la forme géométrique qui s'envoient en rapproche le plus. Le designer se permet de changer des détails de ces figures pour donner de l'excentricité à l'objet, tel que le dossier qui n'est finalement pas qu'un simple rectangle car son angle de gauche est arrondi comme un arc de cercle.

Au niveau des couleurs, elles dépendent des versions, inspirées de chaque saison et donc des couleurs qu'arbore la nature en ces périodes. La version Sumler est la plus connue car elle utilise des couleurs éclatantes et digne du mouvement Memphis : du jaune, du rouge, du vert, du bleu et du orange saturé, aux couleurs des fleurs et paysages estivaux.

Les formes choisies sont une sorte de dessin d'enfant : un accoudoir c'est un cylindre, ou un demi cylindre, alors on crée cette forme pour donner donc cet aspect géométrique. C'est comme si chaque parti avait une forme géométrique simple de base qu'on décide d'utiliser au lieu de chercher à faire disparaître ces formes simplistes. On peut retrouver des formes géométriques dans les dessins d'enfants : en fait, l'enfant ne sait pas encore bien dessiner les détails. Alors il en garde la première image qu'il a eu, donc une forme géométrique, complexe ou non. Car les bonhommes bâtons des petits sont bien un ensemble de formes géométriques, c'est de la d'où peut venir le choix des formes de la sorte. Pareil pour les couleurs, les couleurs éclatantes se retrouvent dans les paquets de crayon de couleurs et de feutres de nos enfants, et dessinent donc avec.

Fonctions et usages

Ce fauteuil remplit la fonction de tous les fauteuils : il permet une assise confortable due aux matériaux utilisés, et un confort de position de l'utilisateur car il a la place de s'asseoir. L'utilisation est simple : on s'assoit sur l'assise, on peut reposer notre dos sur le dossier et mettre nos bras sur les accoudoirs, pour par exemple, regarder la télévision en toute tranquillité.

Symboliques

Ce fauteuil a plusieurs significations. Tout d'abord, il fait donc parti du style du mouvement Memphis, de part l'utilisation de couleurs éclatantes, et de formes géométriques asymétriques. Mais ce fauteuil est aussi un moyen montrer le côté anticonformiste du groupe : il voulait faire des créations qui n'aillent pas dans le sens de la société standardisée et industrialisée de l'époque qui poussait à la surconsommation. C'est donc en détournant les formes initiales d'un fauteuil standardisé, que l'on peut voir comme un meuble ayant des accoudoirs, un dossier et une assise plus détaillées pour permettre au mieux de se raccorder avec les besoins et le physique de l'usager. C'est une forme archétypale, et c'est grâce à cette forme que Peter Shire a pu créer le fauteuil Bel Air, en faisant de ce fauteuil, à la fois une simplification des formes de la forme archétypale du fauteuil, mais aussi en le complexifiant de part les formes asymétriques et les couleurs excentriques, en dehors des couleurs ternes présentes dans les industries (souvent gris, noir, blanc, la quantité et le moindre coût passe avant le choix de couleurs). Et comme dit précédemment, les couleurs de chaque version des fauteuils sont choisis selon les saisons. Cela donne une différente ambiance qui peut convenir aux plus grands nombres. La référence aux saisons est peut-être un moyen de traduire l'importance de retrouver un peu de nature, de réel dans chaque production, un côté unique au lieu d'objets standardisés sans sentiments particuliers.

Les enjeux

Les enjeux de ce fauteuil était donc de faire face à la société de l'époque, en laissant part à l'imagination du designer pour des objets plus vivants et uniques.

Fauteuil Bel Air dans un autre coloris

Pourquoi cette référence ?

Cette référence est importante car c'est une des créations les plus iconiques du mouvement Memphis mais aussi des années 80. Il représente la société changeante de l'époque, qui hésite entre produit de qualité et unique (en quoi est-ce une notion ?) ou produit simple et rapide d'achats. Elle est contre les règles du fonctionnalisme de l'époque, et est donc anticonformiste.

Elle est importante de part ses couleurs vives et ses formes géométriques, (en quoi est-ce une notion ?) utilisées ponctuellement ou de façon différente, comme par exemple le Bauhaus et les couleurs primaires. À la différence que le but recherché n'est pas le même : le Bauhaus visait à être une école, qui malgré l'utilisation des couleurs primaires qui viennent par exemple du mouvement de Stijl, les productions avaient très générales des formes minimalistes. Mais chez Memphis, qui lui est un regroupement de designers qui ne recherchent pas à enseigner, et le minimalisme se retrouve simplement dans les formes géométriques simplifiées, mais qui rendent une forme entière qui ne l'est pas de part la complexité des formes choisies. Le panel de couleur est également plus varié.

Elle est importante aussi de part le fait qu'elle vise plusieurs publics : elle vise les personnes adultes, ayant les moyens de s'acheter un fauteuil de meilleure qualité que les fauteuils du marché industriel, et ayant une ouverture d'esprit sur le monde du design. Mais c'est aussi un meuble qui conviendrait à tout enfant : les formes et les couleurs utilisées réfèrent souvent au monde de l'enfance et du jeu, comme si ce fauteuil était un jouet à part entière. Sauf qu'en soit ce meuble, malgré les formes et couleurs choisies, n'est pas vraiment à la taille de l'enfant. Il est plutôt massif, ce qui fait de lui un objet qui finalement, vise l'enfant qui sommeille en chaque adulte, en chaque acheteur.

Des références qui vont avec les notions du fauteuil Bel Air

Il y a pour moi 2 références que je peux relier à cet objet.

"Permis de Construire" Matali Crasset, 2000

Différentes utilisations du sofa (cabane pour enfants, assise pour adultes) et croquis de la version "cabane".

Ce sofa est fait de mousse résilience, recouverte de skaï bleu et blanc. Il a pour but de viser 2 publics par le biais d'une forme modulable selon l'utilisateur : les adultes utilisent la forme de base du sofa pour l'assise, et les enfants peuvent détacher les modules afin d'en faire par exemple, des cabanes.

"The Big Easy" Ron Arad, 1988

Plusieurs fauteuils The Big Easy, ici blanc et noirs mais existe aussi en rouge.

Le fauteuil The Big Easy de Ron Arad a aussi été créé dans les années 80. Le but anticonformiste est le même, il a voulu créer une assise unique qui ne correspond pas aux formes des assises standardisées, car les formes de ce fauteuil sont inspirées de formes du corps et de formes naturelles, à l'inverse de l'industrialisation.

Charline Berhuy TSTD2A

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Affiche film Illusions perdues, 2021,

Directeur artistique Bruno via, Réalisateur Xavier Giannoli

Cette adaptation du roman d'Honoré de Balzac paru en 1837 est réalisée par Xavier Giannoli avec entre autres Benjamin Voisin, Vincent Lacoste, Cécile De France et Xavier Dolan. L'histoire d'un poète des années 1830 qui voudrait percer à la capitale. Et toutes les digressions qu'il vit pour arriver à son but, du moins à la conclusion. (attention à la syntaxe)

Ce film est présenté par l'affiche ci-dessus. (une phrase ne peut pas débuter ici) Qui est un élément de communication élémentaire puisque c'est en fonction de celle-ci que le public va être attiré ou non dans les salles de cinéma. (est-ce seulement grâce à l'affiche ?) Nous devons alors pouvoir comprendre l'intention au premier regard. Ici, l'affiche est composé de deux gammes de couleurs, le noir qui tranche avec le jaune-orange. Structurée par une lecture verticale de haut en bas, commencant par le titre en doré par lequel passe le coté chic et de la haute société de Paris. (commente la forme du caractère au delà de la couleur) Directement après, le orange de la veste du personnage principale gagne notre attention. Ce orange qui ressort devant un fond de personnages secondaires en costume noir. Et qui occupe l'espace avec ses bras grands ouvert, prêt à nous accueillir qui prennent toute la largeur de l'affiche. Puis enfin, nous remarquons la couronne prête à être posé sur sa tête. Maintenant, si on s'attarde dessus on remarque que tous les acteurs au second plan ne regarde pas Benjamin Voisin (Lucien, personnage principal) de la même façon certain le regarde avec mépris comme Xavier Dolan, d'autre avec joie comme ceux qui le courronne ou encore avec envie comme Cécile De France. (en quoi ces éléments font-ils avancer ton analyse ?) Il apparaît aussi le nom des acteurs principaux et en même temps le logo de la Biennale de Venise qui prouve la valeur et la grandeur du film. (qu'est-ce que cela apporte pour un film ? pourquoi ce logo est-il aussi lisible ?) (quel(s) effet(s) est produit par cette affiche ?)

Jai choisis de parler de cette affiche parce que je trouve quelle est très bien construite, il est facile de la comprendre ainsi que l'univers dans lequel l'histoire va ce passer, sans pour autant devoiler des passages du film. Le travail de communication est admirable, cette refference peut une servir à une notion de comprehension de communication ou encore de communion, celle entre tout le personnages. On peut aussi en retirer l'importance de la structuration et des couleurs dans l'information.

Affiche film Chocolat, 2016, Roschdy Zem

En complément, on peut parler de l'affiche du film Chocolat, un biopic sur le célèbre clown noir des années 1880. Ces deux affiches on à peut près la même construction et les même couleur toutes deux ont un personnage les pras ouvert. Symbole de l'accueil. (en quoi sont-elles singulières ?)

Annexe

Honoré de Balzac (1799-1850)

--- Notions

Mélaine Garrigues

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Le fauteuil RA 1.15 a été crée en 2015 par l'architecte chilien, Rodrigo Gonzalez, l'avocat allemand Alexander Sauer par l'entreprise EL Purista.

Le fauteuil est fait de bois de forêt durable d’Allemagne. La structure est faite de contre-plaquée moulé, les tiroirs sont fait en cèdre espagnol qui as une odeur très particulière. L'assise est faite en cuir naturel. Les pieds sont fais en tubes de métal. Le fauteuil ressemble à un club mais en modifiant quelques courbes en droites comme sur l’extérieur des accoudoirs, sur le haut du dossier ou bien sur l'assise en elle même le coussin est plus plat.

Ce fauteuil est personnalisé par le client car lors de la commande on as 2 choix fait par le client lors de la commande. Un large choix de couleurs de cuirs ainsi que différents bois. le fauteuil est aussi disponible en deux tailles. Ce large choix permet de rendre le fauteuil personnel. Il sera donc au goût du commenditaire. Ce fauteuil aura 2 fonction lier l'une de rangement et l'autre d'assise. Les tiroirs servent de rangement mais aussi de tablette ou l'on peux mettre sont verre, son livre. Les accoudoirs peuvent aussi servir de rangements pour des objet comme un livre ce qui est utile quand on ferme les tiroirs et que l'objet ne tiens pas dans le tiroir. Étend spécialement fait pour les fumeurs un cendrier est intégré à l'un des tiroirs comme ça le fumeur n'auras pas à ce lever pour poser son cigare, sa cigarette et ne mettra pas de la cendre sur le sol de la même façon tout le monde peux l'utilisé. On n'auras pas à se lever pour poser son verre sur une table. Le fauteuil est pratique car on n'a moins besoin de nettoyer le sol et ou la table qui aurai été sali par de la cendre par exemple. On peut aussi dire que le RA1.15 est une combinaison entre une table et un fauteuil.

Dès que j'ai vu ce fauteuil j'ai pensé au lounge chair de Charles et Ray Eames par les matériaux le cuir, le contre plaqué moulé, les pieds en métal et les formes de bois entre les quelques plats et les courbes mais j'ai aussi pensé au fauteuil club par sa forme globale et le matériau cuir. Mes recherches ont confirmé mes pensé car Rodrigo Gonzalez reprends volontairement le style des Eames avec les matériaux et formes. On peux voir des ressemblances entre le fauteuil RA 1.15 et le fauteuil club comme les proportions entre le dossier et les accoudoirs car dans un club quand on s'adosse dans le fauteuil seulement une moitié du dos est dans le dossier et les accoudoirs sont au niveau des coudes et on retrouve le même dossier et les mêmes accoudoirs sur le fauteuil RA 1.15. Mais aussi des différences comme avec la profondeur de l'assise qui et plus courte sur le RA 1.15. Ou sur son épaisseur qui est plus fine sur le RA 1.15. Avec Lounge chair c'est le support de l'assise qui ressemble à celui du RA1.15. La même méthode de bois courbé est utilisée pour les deux fauteuils. Mais la courbure est plus complexe sur le fauteuil RA 1.15 car la forme du lounge chair et un :C alors que pour le RA 1.15 c'est plus un G. Le piètement lui est différent car le lounge chair à un seul pied, le club lui en as 4 mais en bois et ils sont courts alors que le RA 1.15 en a 4 est d'environ 20cm.

Pour le Bac ce projet est intéressent car il nous montre une nouvelle interprétation du fauteuil club qui en as déjà quelqu'une comme lounge chair ou le fauteuil Wassily de Marcel Breuer ... Il est aussi utile de noté les 2 utilisations de ce fauteuil assise et rangement une différence à noté entre les différents "clubs". La cible est aussi peu commune (les fumeurs), pouvoir choisir les couleurs du fauteuil est aussi important le client participe a la construction de son meuble. de plus c'est un meuble précieux et de qualité qui est durable de par ses matériaux.

les images:

-le RA1.15 avec son tabouret (optionnel)

-le RA1.15 vue de derrière

-le RA1.1.5 différents points de vue de l'accoudoir

-le RA1.15 cendrier

-le Lounge chair

-le fauteuil club

Sources:

-https://el-purista.com/

-https://www.ifitshipitshere.com/el-purista-ra-1-15-armchair/

Brice Pollet

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Billie Eilish, everything i wanted : La couverture par Jason Anderson, Novembre 2019

Contexte :

Jason Anderson commença sa carrière en travaillant sur des projets de restaurations de vitraux de cathédrales, puis il c’est rapidement dirigé vers une carrière d’artiste peintre, grâce à quoi il apprendra la composition et où il développera son propre style, centré sur des peintures abstraites sur du verre. L’artiste est connu, notamment sur Instagram où il a environ 220 000 abonnés, pour ses paysages urbains colorés et abstraits, et sa technique de peinture : il commence par croquer un paysage sur un petit carnet au stylo, puis il passe au grand format, où il utilise des couteaux pour peindre à l’huile, car il aime les textures et les formes que ces couteaux créent. Ses peintures sont généralement composées de ces formes générées par le couteau. Selon l’artiste lui-même, la combinaison des couleurs variées et des formes produit un «kaléidoscope» de formes et de tons, ce qui pour lui représente le mouvement et l’énergie omniprésente qui se trouve dans la nature, dans l’extérieur. Selon moi, il parvient très bien à capter ces formes et couleurs qu'il prend de la nature pour les transférer de façon certes peu réaliste mais intéressante et innovante. Les couleurs et la technique de composition de ces peintures peuvent effectivement faire penser à un kaléidoscope du fait que chaque trait de peinture au couteau soit assemblé au dessus d'un autre d'une autre couleurs, ce qui peut d'abord faire croire que le choix de ses couleurs sont aléatoires.

Il fut contacté par Billie Eilish, chanteuse pop dont l’ascension se fît en 2019 lors de la sortie de son premier album, pour qu’il réalise la couverture de son prochain single, everything i wanted; une chanson du genre pop/ pop alternative traitant de la relation proche de la chanteuse californienne et son frère, Finneas, de sa dépression ou encore de comment elle gère la célébrité.

Comment Jason Anderson a-t-il réussi à illustrer et donner vie à un des plus grands succès de Billie Eilish?

Description:

La peinture est une représentation abstraite du Golden State Bridge à San Francisco, en Californie. Les couleurs sont douces mais voyantes : des tons pastel de vert, de bleu, de rouge, de jaune, d’orange, etc. La composition ici est intéressante, car les tons sont plus foncés sur la partie gauche du pont, où il y a une petite touche de noir, attirant donc d’abord l’attention de ce côté. En effet, cette touche sombre va attirer l'oeil vers lui, œil qui va d'abord penser que c'est l'élément "principal" de la peinture, comme si c'était une personne, mais en réalité ce n'est qu'un jeu d'ombres soigneusement organisé par Jason Anderson. Le centre de la peinture et plus clair, pour représenter la source de lumière, le soleil, étant alors juste au-dessus de la vue du pont. Nous pouvons dire que la peinture nous présente le pont sous la lumière douce d’un coucher de soleil. La perspective est volontairement incorrecte et stylisée, simplifiée pour rendre la structure abstraite. Le pont semble d’ailleurs ne pas avoir de fin et le reste de la ville n’est représenté que de façon très simplifiée.

Enjeux:

L’univers de Billie Eilish est très varié, que ce soit visuellement ou musicalement; aucun de ses projets ne se ressemblent. Alors on sait qu’elle n’a pas contacté le peintre par hasard. En effet, elle a déjà expliqué qu’elle est synesthète* : elle associe chacune de ses chansons a des couleurs, des goûts, des parfums, des lieux, des sensations, etc. Nous pouvons déduire qu’elle associe everything i wanteda des couleurs douces, des formes simplistes… On peut alors essayer de trouver à quoi, dans la chanson, sont associés ses facteurs.

(*Synesthésie, nom féminin : Expérience subjective dans laquelle des perceptions relevant d'une modalité sensorielle sont régulièrement accompagnées de sensations relevant d'une autre modalité, en l'absence de stimulation de cette dernière (par exemple audition colorée). - Définition du Larousse)

La chanson en elle-même est plus ou moins douce, avec moyennement rythme rapide mais peu prononcé que l’on peut rapprocher aux couleurs douces, aux tons pastel, les instruments sont synthétiques, ce que l’on peut traduire par l’utilisation du couteau pour peindre, et la chanteuse, accompagnée dans la voix par son frère, effectue des harmonies que l’on peut comparer à la structure de la peinture, le choix des nombreux tons. Attention, ces associations sont purement personnelles et chacun est libre d'interpréter les différents éléments de cette complexe peinture comme il le sent, en les mettant en lien avec les intentions de Billie Eilish et de sa chanson ou non. J'ai essayé d'associer en fonction de se qui me paraissait le plus logique, en essayant de traduire littéralement les paroles vers la peinture pour lier les deux mais la chanteuse a peut être une vision complètement différente de la mienne.

Par ailleurs, l’utilisation de couteaux de peinture rappelle le peintre Courbet, connu pour en être le pionnier, avec par exemple une de ses peintures appelée La Vague, datant des années 1869-1870. (à noter qu'il n'utilise pas que le couteau mais aussi des brosses)

Le rendu de ses peintures au couteau paraît saccadé, le réalisme ici n'est pas privilégié et la texture, le jeu d'ombres créés par les traces de couteau sont se qui apporte l'originalité, l'identité des peintures, il est tout l'intérêt d'utiliser des couteaux pour peindre.

Enfin, le choix du Golden State Bridge n’est pas anodin; d’une part car la chanteuse est californienne, où se trouve le pont, puis d'une autre ce choix s'explique par le fait que la chanson traite entre autre d’un rêve qu’à fait la chanteuse où elle se suicide et personne ne le remarque, elle cite même directement le pont dans la ligne "Thought I could fly, so I stepped off the Golden", en français "J'ai cru pouvoir voler, alors je suis descendu/j'ai sauté du Golden (State Bridge)". On peut d’ailleurs rapprocher ce rêve à la forme abstraite de la peinture.

Le côté "rêve" de la pochette transparaît dans les formes vagues du pont et le manque de transitions directe entre un objet et le fond par le changement de couleur, comme si la peinture était floue, désordonnée. On peut aussi rapprocher cet aspect aux paroles dans le sens où les rêves sont souvent exagéré et ne représentent pas forcément ce que l'on pense, et ici la chanteuse parle d'un rêve où elle se suicide, ce qui n'était peut être pas sa mentalité a l'époque.

A partir de cette recherche, nous pouvons déduire que les enjeux de cette couverture sont donc de transmettre les sensations, couleurs, images et situations qu’associe Billie à sa chanson, à ses paroles ainsi qu’a l’instrumentale, au-delà de simplement l’illustrer. Ces enjeux expliquent donc le fait qu’elle ait choisi Jason Anderson pour réaliser cette couverture, puisqu’il semble avoir le style et la technique parfaite pour ce que visualisait le chanteuse.

On peut noter que l'aspect texture de la peinture avec les marques épaisses et 3 dimensions de peinture faites au couteau ne pourront en effet pas être conservées lors de l'impression des pochettes et même pour les plateformes de streaming, ce qui signifie donc que cette texture n'est sans doute pas l'enjeu le plus important et que le sujet de la peinture, la technique de composition et les couleurs sont privilégiés dans le message de la pochette finale.

En conclusion, je pense que cette couverture est intéressante pour BAC, premièrement grâce à la technique de l’artiste, le fait de peindre avec des couteaux, j’ai découvert la peinture au couteau grâce à cet artiste et je trouve ses méthodes de travail originales et innovantes. Ensuite je pense qu’elle est intéressante grâce à son contexte, où un artiste peintre et une artiste mondialement connue travaillent ensemble, ce qui nous emmène enfin aux enjeux de la peinture, a savoir l'idée de mélanger l'univers visuel de Jason Anderson et celui mental, auditif, et visuel également, de Billie Eilish. Je trouve intéressant le fait qu’il ait du illustrer la chanson d’une artiste mondialement connue et qu’il n’ait non seulement fait ça, mais qu’il a aussi littéralement traduit la chanson de façon visuelle, il a donné une identité graphique aux idées de Billie Eilish et de son frère. Il a donné vie, en quelque sorte, à l’univers qu’à construit Billie autour de son rêve, ce qui n’est pas facile, d’autant plus que ce n’est pas le sien mais celui de la chanteuse, ce qui rend la tâche encore plus épineuse.

Sources:

https://www.boredpanda.com/pixelated-landscapes-art-jason-anderson/?utm_source=google&utm_medium=organic&utm_campaign=organic

https://jasonandersonartist.com/

https://covegallery.co.uk/collections/jason-anderson

https://en.wikipedia.org/wiki/Everything_I_Wanted

https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Vague_(Gustave_Courbet)

https://www.mba-lyon.fr/en/node/210

https://fr.wikipedia.org/wiki/Couteau_%C3%A0_peindre

ADOR Clara

(Il semble que je ne peux toujours pas ajouter de légendes, donc les voici:

- Photos du tableau, une a distance normale puis une d'un peu plus loin.

- Exemples de couteaux à peinture, puis croquis préparatoire à côté de la production finale.

- Photo du Golden State Bridge sous presque le même point de vue que la peinture.

- Peinture "La Vague" de Courbet, 1869-1870.

- Photo rapprochée de la peinture everything i wanted.)

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Le Magicien D'oz.

Film le magicien d'oz.

Réalisé en 1946.

Par Victor Fleming.

Lors de ce film beaucoup de problèmes sont apparu, que soit au niveau des costumes ou du tournage on a découvert par la suite beaucoup de problèmes. À cette époque on ne connaissait pas tous les répercussions de certains produits sur la santé, le tournage était aussi très mal organisé et planifié.

De se film on peut alors voir qu'il y a une notion d'évolution car grâce au designer nous n'avons plus se genre de problème.

Personnage du magicien d'oz, "Tin Man"

Tout d'abord j'aimerait vous parler du costume du Tin Man, c'est un personnage qui serait en aluminium il aurait dû être joué par Buddy Ebsen mais malheureusement, après 2 semaines de répétitions l'acteur est tombé gravement malade. La cause ? Son maquillage. Quand on a regardé la composition du maquillage de Buddy Ebsen contenait de la poudre d'aluminium ce qui lui a causé de graves problèmes pulmonaires. Il fût donc remplacé par Jack Haley qui sera par la suite très connu. On peut donc voir qu'aujourd'hui nous n'avons plus se genre de problème puisque le designer est intervenue, il peut intervenir à travers le design de mode en créant un costume avec des tissus argenté et brillant.

Sorcière du magicien d'oz, "Wicked Witch"

Pour vous citer un 2 ème personnages qui risquaient sa vie à cause de problèmes de maquillage il y a la méchante sorcière de l'ouest (Wicked Witch) jouer par Margaret Hamilton son maquillage vert contenaient en réalité du cuivre, ce qui veut dire que l'actrice ne pouvait pas manger pendant le tournage sinon ça pouvait lui être fatale, même si elle portait seulement son costume il était impossible pour elle de manger. Suite à cela le designer intervient de nouveau et créer du maquillage moins toxique, on veut alors une évolution dans le temps et une modernisation du maquillage aujourd'hui.

En référence à cette évolution dans le cinéma on peut prendre le film peau d'âne, dans ce film on retrouve Catherine Deneuve qui porte une peau d'âne sur sa tête, suite au film elle a témoigné, : d'après elle cette peau de bête était très lourde à porter et c'était très compliqué pendant le tournage. Le designer aurait alors pu utiliser des matériaux synthétique car ils sont plus légers et donc plus pratique pour se déplacer.

À travers cette référence on peut voir l'évolution du cinéma et des costumes, on peut voir qu'à l'époque il y avait beaucoup de problèmes de tournage et de réalisation. Car même si je n'ai pas cité tous les problèmes du film beaucoup de matière toxique on était utilisé que ce soit pour le maquillage des personnages et même des "effets spéciaux" avec l'utilisation d'amiante pendant le tournage. En ouverture on aurait donc aussi pu se demander si le designer n'aurait pas pu utiliser des effets spéciaux à la place de refaire des costumes ou de réinventer des systèmes déjà existants.

RETY Manon

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LA TESLA

1-Histoire

Tesla inc anciennement Tesla motos fut fondée en 2003 par Martin Eberhard et Marc Tarpenning. Son nom fait référence à l'inventeur Nikola Tesla connu pour la création du premier moteur électrique faisant écho aux 100% électriques que la marque prône. L'origine de Tesla est le développement de voitures sportives électriques. La marque de voiture tient sont incroyable côte à son plus grand financeur Elon Musk connu surtout à l'époque pour la création de paypal et aujourd'hui pour la création de Space X. Elon Musk soutient financièrement la firme depuis 2004 à hauteur de 30 millions de dollars et siège au conseil administratif.

Elon Musk

En 2007, Eberhard et Tarpenning quitte l'entreprise laissant la firme à Elon Musk. La valeur de l'entreprise s'élève à 226 millions de dollars en bourse.

2-Les véhicules (2)

En 2008,Tesla motors commercialise le "Roadster". La première voiture de la firme totalement électrique, en fibre de carbone et capable de parcourir 394 km en une seule charge, record encore imbattu aujourd'hui.

Roadster

La Roadster peut monter de 0 à 96km/h en moins de 4 secondes et peut atteindre une vitesse maximale de 200km/h la transformant en grande rival de nombreuses sportives à essence e l'époque d'autant qu'elle ne produit pas de gaz d'échappement.

Son moteur est alimenté grâce à une cellule lithium-ion : technologie souvent utilisée pour les batteries d'ordinateur portables et rechargeable grâce à une prise électrique standard. Bien sûr elle reste une voiture de luxe et est tarifé à 109 000 dollars aux États-Unis.

A partir de 2012, plusieurs voitures voient les jours comme le model S connu comme la voiture la plus vendue en 2015 et 2016. Elle possède un coffre à l'avant du véhicule offrant une meilleure maniabilité au véhicule.

(C'est descriptif. Que peux-tu commenter, interpréter, déduire ?)

Model S

En 2015, le model X apparaît. Elle a une capacité de 7 personnes et peut parcourir 475 km par charge. Le changement le plus flagrant du véhicule sont les ouvertures de portière dites en "falcon wing" (ailes de faucon). Les portières du véhicule s'ouvre donc à la verticale. (et ?)

Model X

3-La Tesla autonome

En 2014, la Tesla montre au grand jour son système Autopilot pour la première fois. Ce système sera d'abord utilisé sur le model S puis sur les autres véhicules de la marque. Il s'agit d'un système optionnel d'assistance à la conduite regroupant divers fonctionnalités de confort et de sécurité comme freiner, accélérer et tourner tout en restant dans sa voie. Bien évidemment tout cela est une option en plus en plus de la voiture. (en quoi est-ce un questionnement de design ?)

Système Autopilot

Actuellement la conduite 100% autonome n'est pas légalement autorisée donc le système requiert obligatoirement la supervision du conducteur. L'entreprise continue de travailler dessus et compte un jour voir la voiture 100% électriques et autonome dans leurs modèles. Depuis 2016,le hardware est présent dans toutes les voitures de l'enseigne. Le hardware est composé de 8 caméras 360 degrés, 12 capteurs ultrasonique, un radar avant, des outils de vision par ordinateur et un ordinateur interne. Tout cela est nécessaire à l'autopilot permettant de "voir" dans toute les directions simultanément.

Pour moi il est important de savoir comment sera notre monde demain et Tesla nous le montre bien avec des véhicules 100% électriques pour éviter la pollution des moteurs essence mais aussi à quelle point l'humanité devient de plus en plus paresseuse. L'homme ne veut plus conduire mais qu'on le conduise à sa destination.

Le big data, youtube : Tesla tout ce que tu dois savoir

Alexia Boschet

- il manque beaucoup d'éléments demandés : justifier en quoi cette référence pourra être pertinente au bac, surligner des notions, légender les images, rapprocher d'une ou plusieurs références

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La statue de la liberté par Auguste Bartholdi et Gustave Eiffel.

La statue de la liberté a été imaginée par Auguste Bartholdi qui a fait la parti extérieure de la statue et Gustave Eiffel qui a fait la structure interne de la statue en 1886. La statue, offerte par la France aux États-Unis est vite devenu un des symbole du pays et du rêve américain car pendant longtemps c'est la première chose que voyer les migrants en arrivant aux États-Unis. La statue domine la ville de New York tel le colosse de Rhodes. La statue de la liberté mesure 45,50 mètres de haut.

Statue de la liberté du Auguste Bartholdi et Gustave Eiffel

Cette statue est un symbole de libertés et des Etats-Unis, elle représente une femme portent une couronne avec une torche dans une main et un livre dans l'autre. De plus, cette statue questionne l’effet du temps sur les matériaux car le verre n'est pas sa couleur d'origine mais les créateurs avais prévu son changement de couleur du a son oxydation on se rend donc compte que l’architecte avais prévu les effets du temps sur la statut. Aussi, cette statue a été entièrement préfabriqué en France et reconstruite aux États-Unis ce qui est une innovation pour l'époque ou de grand progrès technique se faisait en terme d'industrialisation. Car sans ce travail de préfabrication, la statut n’aurait pas pu être livré aux Etats-Unis en piéce détaché.

La statu de la liberté est comparai au Colosse de Rhodes qui fait parti de l'une des sept merveille du monde antique et qui a aujourd’hui disparu. Cette statue enjamber le port et était la première chose qu'on voyer de la ville tel la statu de la liberté. Ces deux statues représente les ville a laquelle elles appartienne. Elles sont toutes les deux grandes et imposante et on formes humines. Le colosse de Rhodes représente Hélios, le dieux grec du soleil.

Représentation du colosse de Rhodes

J’ai choisi la statut de la liberté car c’est une œuvre très connu qui a pu être construite grâce à l’industrialisation et a un architecte Gustave Eiffel.

Emmie CLEMENT

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Camp Daybed

Sohane Bahi

Design objet : Canapé sac de couchage

Le « Camp Daybed » est un canapé qui a été créer par Stéphanie Horning vers 2013 ( je n’ai pas trouvé de date exacte ) mais qui est encore qu’un prototype aujourd’hui. Ce canapé fait partie d’une gamme de mobilier nommé « Camp » inventé par cette designer autrichienne, pour le créer elle c’est inspiré du camping. On peut remarquer qu’elle a repris le sac de couchage qui est un élément clé du camping, que tout le monde connaît et sait comment l’utiliser car c’est un objet très simple, pour l’instaurer dans sa création.

Le « Camp Daybed » qui au premier regard à l’apparence d’un canapé tout à fait normal, banal, avec des lignes simples comme on peut en voir partout c’est-à-dire qu’il a qu’une fonction, s’asseoir, qui est la fonction principale d’un canapé. D’apparence c’est un canapé archétypal, donc c’est l’image que tout le monde a de ce mobilier. Mais qui en fait reprend aussi l’utilisation d’un sac de couchage adapté pour l’intérieur.

Ce canapé a été inventé à partir d’un canapé basique mais il a été détourné, c’est-à-dire qu’on a repris la forme de base mais qu’on la modifié pour pouvoir combiné deux fonctions et deux objets en un, il peut servir pour s’asseoir, regardé la télé… ce qui est la fonction principale d’un canapé mais il peut aussi être utilisé comme un lit en se servant du sac de couchage intégré, il suffit simplement de l’ouvrir en utilisant le zip ce qui est très facile et rapide. Cette particularité permet de pouvoir être utilisé comme un lit, ce qui est très pratique dans des petits espaces, tout en gardant le confort d’un lit classique, puisqu’il est rembourré, comme un canapé-lit mais beaucoup plus simple d’utilisation, on a pas besoin de le déplier, ce qui en plus fait du bruit, ici aucune complications de temps ou de complexité quand on le transforme en couchage puisqu’il garde sa forme de base et quand on est sur le canapé et qu’on s’y endort par exemple, pas besoin de retourner dans son lit, on peut y rester toute la nuit. De plus, il est très pratique pour accueillir un ami chez soi car il ne prend pas plus de place puisqu’il est utilisé par le propriétaire quotidiennement. Ce canapé sac de couchage contient des poches à l’arrière pour pouvoir y ranger tout ce qui peut se trouver autour d’un lit ou d’un canapé. Enfin, la housse peut se retirer facilement pour pouvoir être laver ce qui permet de pouvoir, comme dans un lit, changer et laver l’élément où l’on dort, ce qui montre que ce mobilier se rapproche beaucoup du lit donc il est probablement aussi qualitatif et confortable.

J’ai choisi ce projet car je pense qu’il peut être utile pour le bac car je le trouve très intéressant parce qu’il reprend la notion de détournement, le fait de combiner deux fonctions en objet déjà existant et connu pour une fonction bien précise et c’est quelque chose que de nombreux designers ont déjà fait donc on pourrait le rapprocher d’autres projets similaires. Il montre qu’un objet du quotidien connu par tous peut être repris et transformé pour être innover notamment pour lui apporter d’autres fonctions que celle principale normalement attribué à cet objet, de plus ici même s’il reprend l’idée du canapé-lit, il le fait en réutilisant et en associant deux objets déjà existants pour pouvoir avoir leurs deux fonctions. Il fait voir que deux objets peuvent très bien être combiné en un seul tout en gardant leurs atouts, et qu’un objet même s’il est crée pour une fonction précise il peut tout de même être modifié et/ou utilisé pour une tout autre fonction. De plus ce canapé sac de couchage peut aussi être utilisé au bac avec la notion d’aménagement d’un petit espace car comme il combine deux objets, il prend moins de place, il n’y a plus besoin d’avoir un lit chez soi quand on a ce mobilier puis, il peut servir lorsqu’on accueille quelqu’un chez soi et qu’on a pas la place de rajouter un matelas gonflable par exemple, donc la cible de cet objet pourrait être l’invité, pour qu’il soit confortable et qu’il s’approprie cet objet pour l’utiliser comme-ci c’était le sien.

Ce projet peut se rapprocher du matelas Quand Jim monte à Paris de Matali Crasset créer en 1995 puisqu’il reprend l’idée d’avoir un endroit confortable où dormir dans un espace restreint.

Et, il peut aussi se rapprocher d’une autre référence inventé par Matali Crasset en 2000 qui s’appelle « Permis de construire » et qui cette fois-ci reprend la notion de détournement car c’est aussi un objet mais qui peut être utilisé comme un jeu de construction donc il a aussi deux fonctions combinés dans un seul objet. On peut remarqué que ici le canapé à un aspect commun, comme le Camp Daybed, mais celui-ci est composé de formes plus géométriques, ce qui est moins courant surtout sous cette forme qui plus est le rend moins confortable, et il questionne donc l’usager sur son utilisation.

source : Pinterest, Instagram, le Geek c'est chic, Caroline Munoz

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Wiggle Side Chair

Quand est-ce que la Wiggle Side Chair a-t-elle été créée?

La Wiggle Side Chair fait partie de la série de meubles « Easy Edges » créée par Franck Gehry en 1972.

Wiggle Side Chair

Pourquoi la Wiggle Side Chair a-t-elle été créée?

Cette chaise a été créée à une époque où les fabricants cherchaient une alternative au plastique depuis les années 1960 mais, ils avaient du mal à trouver un matériau qui puisse rivaliser avec la flexibilité légère du plastique. Le carton n’était donc pas une option envisageable puisqu’il n’était pas assez solide. D’ailleurs, à cette époque le carton n’était souvent qu’une seule couche et les tentatives de renforcement étaient faites en pliant et en insérant des languettes et des fentes. C’est à ce moment que Franck Gehry est intervenu et a trouvé une solution qu’il doit en partie à son enfance qu’il a passé dans des quincailleries à construire des villages et des villes à partir de morceaux de contreplaqué. L’architecte utilisait déjà du carton pour construire des maquettes d’architecture et s’est rendu compte qu’il devenait plus résistant lorsqu’il était collé ensemble. Afin d’augmenter la résistance et la résilience du matériau, c’est-à-dire la capacité de la chaise à résister aux chocs qu’elle peut recevoir mais aussi durer dans le temps, les couches de carton ont été laminées à angle droit les unes par les autres. Le but de Franck Gehry était de trouver des matériaux peu chers et abordables qui sortaient quand même de l’ordinaire. L’utilisation du carton comme matériau principal de la chaise par Franck Gehry démontre son « souci fondamental de manipuler les matériaux de base de manière non conventionnelle pour produire des objets fonctionnels mais aussi visuellement frappants ».

croquis de la chaise avant d'être conçue

La Wiggle Side Chair

La Wiggle Chair a donc été conçue grâce au carton ondulé qui, superposé suffisamment de fois dans des directions alternatives renforce la pièce et la rend adaptée à un usage quotidien. Mais, la Wiggle Side Chair n’est pas seulement composée de carton ondulé, elle est aussi fabriquée avec des chants en panneau de fibres dures naturelles. La chaise mesure : L35 x P61 x H87cm, hauteur d'assise 43cm. La Wiggle Chair  c’est aussi un hommage à la chaise Zig-Zag de Rietveld que Franck Gehry a voulu rendre. En effet, la Wiggle Side Chair reprend la forme de la chaise ZigZag avec les plaques de cartons qui sont disposées à angles droits et sont collées entre elles. Néanmoins, la Wiggle Side Chair se démarque tout de même avec ses courbes arrondies et ses différentes couches de carton superposées qui suggèrent une ressemblance avec la chaise ZigZag mais, qui se démarque tout de même. Sa forme permet de se différencier en donnant l'impression d'être d'une simplicité déconcertante. Les matériaux utilisés permettent de rendre la chaise non seulement très confortable mais aussi durable et robuste. Franck Gehry voulait trouver des matériaux peu couteux et c’est ce qu’il a fait avec le carton, par conséquent la chaise ne coutait seulement 15 dollars à sa sortie avant d’être retirée du marché par Franck Gehry. La somme de 15 dollars était pour l’époque très abordable et Franck Gehry voulait justement rendre cette chaise accessible à tous. Cette chaise était même prévu pour la grande distribution avant d’être retiré par Franck malgré son énorme succès. En réalité, Franck Gehry avait pour souhait d’être reconnu en tant qu’architecte et non pas comme un designer, au vu du succès de la chaise, il a donc préféré la retirer. 

Pourquoi ai-je choisi ce projet?

Cette chaise met en avant plusieurs aspects techniques tels que la réadaptation de la chaise Zig-Zag de Rietveld en la chaise Wiggle Side Chair. De plus c’est une chaise qui a permis de donner une nouvelle dimension esthétique à un matériau aussi quotidien que le carton. En effet la chaise met en avant un matériau peu utilisé à l’époque et qui pourtant donne lieu à une texture uniforme et régulière sur chaque côté mais également nous montre que le carton peut prendre des formes géométriques, arrondies...La chaise ouvre un large choix de possibilités sur les différentes manières d’exploiter du carton. En autre, le carton devient l’élément principal du produit et ne sert plus uniquement à réaliser des prototypes. C’est une chaise qui a nécessité une nouvelle technique de fabrication et qui a su se démarquer grâce à son matériau innovant : le carton qui, à l’époque n’était pas un matériau que l’on utilisait pour créer des meubles. Dans cette chaise, Franck Gehry parvient à allier la fonction technologique et la fonction esthétique qui donne naissance à une chaise avec des courbes inédites. Il parvient à créer une chaise confortable grâce à sa technique de fabrication et son choix de matériau. Effectivement, cette chaise peut être définie comme confortable de par sa forme qui s’adapte à la forme du corps, ses différentes couches de cartons qui permettent de rendre la chaise stable et l’utilisation du carton qui a une qualité antibruit.  Mais, la Wiggle Side Chair n’a pas pour seule fonction d’être une chaise, c’est aussi un rangement puisque comme nous pouvons l’observer, la chaise fait la forme d’une vague qui laisse donc des ouvertures à l’intérieur de la chaise qui permettent de pouvoir ranger des livres ou autres... C’est donc une chaise qui est multifonctionnelle. 

Référence similaire:

Le carton n’est pas seulement innovant car il est peu utilisé par la construction de meuble, il est aussi intéressant car c’est un matériau tourné vers l’écologie. Il met en avant un aspect environnemental des matériaux qui sont de plus en plus tournés vers l’aspect écologique plutôt que l’aspect pratique. C’est aussi un moyen de montrer que l’utilisation de matériaux tel que le carton est important pour l’environnement de la planète. C’est d’ailleurs aussi le cas de la collection « carta » de 1995 par Shigeru Ban qui a réalisé des chaises et des chaises longues en carton et papiers recyclés afin de mettre en avant des matériaux naturels et biodégradables tel que le carton ou encore le papier. Nous pouvons d’ailleurs noter qu’il ne s’agit pas uniquement d’utiliser des matériaux biodégradables puisque ces matériaux sont ici combinés avec une structure en contreplaqué de bouleau dans le but de dessiner des assises avec des courbures qui évoquent volontairement des formes organiques qui sont censées incarner l’aspect écologique de la collection. Cette collection tout comme la Wiggle Side Chair sert aussi à montrer que des matériaux tel que le carton ou encore le papier sont des matériaux qui peuvent être utiles et utilisables quotidiennement, ce sont des matériaux qu’il est possible de modeler, des matériaux solides et plus écologique pour la planète. Nous pouvons aussi noter que se sont également des matériaux recyclables.

collection "Carta"-Shigeru Ban

Emma Saya TSTD2A

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Anni et Josef ALBERS mis à l'honneur dans une exposition.

Photo prise de Anni et Josef ALBERS dans leur maison de New Haven, dans le Connecticut.

« Anni et Josef Albers étaient deux êtres uniques. Ensemble, ils formaient un couple hors du commun » Le couple d’artistes Anni et Josef Albers exposé pour la première fois au Musée d’Art Moderne de Paris, consacrée au développement artistique des deux artistes.

L’exposition retrace de façon chronologique leurs parcours de vie et artistiques. Une première parties rassemble leurs productions issues du Bauhaus, de 1920 à 1933. La deuxième parties marque leur départ pour les États Unis en 1933, dédiée aux œuvres réalisées a l’école où ils étudiaient au Black Mountain College.

Puis deux autres parties de l'exposition s’adresse a une sélection de Pictorial Weavings de Anni et de Homages to the Square de Josef , des œuvres emblématique des artistes, plus de 350 œuvres sont exposées. Cette exposition est mise en avant dans le magazine « elle décoration », on y présente les projets les plus emblématique du couple en photographie,  tel que la série hommage to the square, dont l’œuvre carré magique crée en 1949 qui représente trois carré imbriqué, dans cette création Josef Albers questionne l'interaction des couleurs.

Parlons un peu de leurs rencontre, c’est dans la révolutionnaire école du Bauhaus que le couple se rencontre en 1922, et devienne ensuite des icônes du Bauhaus. Josef passionné et compose des tableaux à partir de tessons trouvés dans des décharges , Anni a ainsi rejoint l’atelier tapisserie et leur complicité était immédiate, et leur même visions de l’art les ont rapprochés , qui étaient l’art au développement de l’être et de la société. C'est au sein de l'école du Bauhaus,en tant qu’élèves puis enseignant , qu'ils expérimentent , Josef ALBERS lui réduit le design à la fonction du fonctionnelle c'est à dire que l'objet ou le service est bien adaptés à sa fonction, quand à elle Anni ALBERS expérimente des tapisseries, des bijoux avec la fonction du modernistes , ici le modernisme naît de la forme de l'objet c'est à dire c'est la fonction de l'objet qui en déterminera sa forme.

En 1933 , Josef et Anni fuient l’Allemagne nazie pour les Etats-Unis,où ils étudient à Black Mountain College où ils voyagent et découvrent ensuite le Mexique , L’ Amérique du Sud , et les arts précolombiens, tout ces voyages ont été une source d’inspiration.  L’intérêt pour l’Amérique latine et leur connaissance approfondie des traditions précolombiennes a eu un impact sur  sur la production de leurs propres œuvres. Lors d'un voyage Anni s’inspire par des anciens bijoux mayas, elle réalise une remarquable série de colliers avec des objets du quotidien et des techniques de filetage simples.

Anni Albers Necklace (collier) , vers 1940 Bonde d’évier et trombones : 50,8 x 10,8 , Longueur : 40,6 cm , Bonde : 7.6 cm diamètre

Consacrons-nous sur l'un des projets de Josef ALBERS, les tables gigognes crée vers 1927, « Elles vivent les unes sous les autres, les unes à côté des autres, se déplacent à l’autre bout de la pièce, puis s’imbriquent en un coup de main ». Une citation qui explique la fonction du fonctionnelle  «qui s'imbriquent » , « se déplacent », c'est un mobilier fonctionnelle , car elles s'adaptent à la situation. Elles expriment aussi la notion de praticité car la citation affirme que les tables  se déplacent facilement, et qu’elles s’emboîtent facilement. Cette citation met en valeur les atouts de ces tables.

Pour les matériaux le piétement des tables est en bois de chêne massif connu pour être très résistant en particulier à l'humidité , connu pour leur résistance , et leur durabilité dans le temps. Le plateau de chaque table est composé d’une plaque de verre dont la face inférieure est colorée qui apporte de la luminosité et de la brillance, avec un soubassement en bois laqué coloré qui vas pouvoir permettre une brillance durable dans le temps , et vas permettre d'avoir un résultat avec un aspect soigné aux lignes fines et épurées. 

Les dimensions des tables vont de 40 cm de hauteur , 42 cm de largeur, et 40 cm de profondeur pour la plus petite table gigogne, à 62,5 cm de hauteur , 60 cm de largeur, et 40 cm de profondeur pour la plus grande table gigogne .

Ce set se compose de 4 tables colorées encastrables, sur le système des “Gigognes”. La praticité de ce système est dans l’esprit Bauhaus, la praticité ce dit pratique, par rapport à sa maniabilité, mobilité. La table basse sera disposée dans un salon. Elle sera le meuble primordial de cette pièce autour duquel s’organisera et s’harmonisera le reste du mobilier et de la décoration donc elle doit répondre a certains critère dont la praticité.

La fonctionnalité de cette table de basse ce fait en fonction de son usage c'est à dire comment elle vas être mis en avant, qu'elle sera sa disposition, et comment elle sera exploités dans un salon. La structure de cette table permet un usage fonctionnelle par exemple par sa mobilité.

La forme simple de ces tables ont une apparence de forme géométrique , elles ce caractérisent par des ligne droites , des formes géométrique rectangulaire , qui en fait une forme simple. Ces aspect géométrique sont idéales pour les petits appartements ! Un gain de place, en dynamisant l’espace grâce à leurs coloris, qui s’assemblent et se séparent . Par exemple, une pièce sombre aménagée d’une table basse en verre sera illuminée grâce à la lumière renvoyée par le plateau en verre.

La tables gigognes pourraient ce destinés aux étudiants pour leurs appartements qui sont souvent petits , elle pourrait aussi ce destinés pour les appartements plus sombres, pour que les tables apportent de la luminosité.

Lisant un magazine j'ai toute suite trouvé l'histoire de ces deux artistes touchantes et inspirantes, créés un avenir commun autour de l'art , un parcours de vie et des œuvres , on attiré m'ont attention. J'ai choisi ce projet car j'ai découvert deux personnages du Bauhaus , selon moi je pense que je pourrais réutiliser cette référence pour le bac car ce sont deux personnes qui ont inspirées d'autre artiste , deux personnes importantes du mouvement du Bauhaus, Anni Albers est une artiste textile , et Josef Albers est considéré comme l’un des fondateurs de l’art optique.

Je pourrais choisir ce projet pour les tables gigognes de Josef ALBERS, un projet qui regroupe plusieurs notions tel quels la notion de la praticité par sa mobilité, ou même de la fonctionnalité par son usage et des formes simples géométriques. Des notions que je pourrai réutiliser et faire comparaison avec une autre références et qui pourrai être utile au bac .

Je pourrais faire référence au projet de Earl Silas Tupper , les Tupperware, crée en 1946 ces récipients en plastique qui ont révolutionné le quotidien, pratique par sa forme simple, facile de rangement et facile de transport, léger, emboîtable, qui as vraiment révolutionner par sa praticité. Une utilisation autant révolutionnaire par sa fonction qui sert à la conservation des aliments. Ce sont deux projets qui se ressemble par leur notion commune.

Albane MOREAU

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One piece

One piece ( Wan Písu ワンピース en japonais) est une série de mangas de type shōnen. Il à été écrit par Eiichiro Oda qui est d'ailleurs le mangaka le plus riche de sa profession. One piece est publié depuis le 22 juillet 1997, dans le magazine japonais hebdomadaire "Weekly shōnen jump" . Il est regroupé en volumes reliés aux éditions Shūeisha depuis le 24 décembre 1997. Actuellement le manga compte 100 volumes et il est traduit en 24 langues. Le manga à été animé par Toei animation à partir de 1999.

Pour rappel : le manga est un genre littéraire a part entière, avec plusieurs univers différents.

One piece est un manga de type shōnen et de genre Nikketsu/ aventure/ comédie/ drame/ fantasy/ humour et satire . Ce manga est sur le thème de la piraterie, de l'amitié et de la liberté. One piece est le manga le plus vendu au monde dépassant Dragon ball Z et Akira Toriyama, il est même la série la plus vendu au monde dessinée pour un auteur.

Chaque Tome se classant à la 1ère place dès sa sortie, le record est détenu par le Tome 67 qui à fait 4,05 millions d'exemplaires vendus. En France le manga est devenu leader en 2011 est c'est vendu à 25 millions d'exemplaires depuis sa sortie.

Pourquoi ce manga plaît-il autant ?

One piece est un manga qui a su se démarquer fin des années 90's et début années 2000, de base les mangas sont arrivées vers les années 70's (en France)ce qui ne plaisait pas forcément car jugé trop violent...etc , cependant vers les années 90's tout change car le Japon commence à se faire connaître et les éditions Glénat décide de publier un manga en particulier (Akira) et le peuple français va enfin adhérer , le début du manga à l'étranger était très timide. A première vue , le manga paraît très stéréotypé, mais One Piece à su se démarquer grâce à son scénario très bien structuré où rien n'est fait par hasard mais aussi grâce à la multitude de personnages où les lecteurs peuvent se rattacher. Le manga aborde beaucoup de sujet sensible et mature malgré son apparence enfantin. L'auteur arrive à jouer avec les émotions des lecteurs avec de la mélancolie et une touche humouristique. L'histoire qui peut paraître répétitif et un point fort du manga car en effet chaque chapitre nous donne des éléments et des informations explicite ou implicite que l'auteur glisse méticuleusement grâce à la technique du Forshadowing qui consiste à donner une série d'indices disséminés par l'auteur pour annoncer des évènements proches ou la suite d'une histoire, un peu comme un spoiler caché.

Si One piece à plus autant c'est grâce à ses graphismes très particulier des personnages. Les personnages ne représente pas la réalité, ils sont très exagéré voir burlesque, on le remarque surtout dans la taille des personnages ou certains ferons 1,70 mètres et d'autres ferons 4 mètres de haut , on peut voir cela dans la forme des corps ou la musculature est très accentué ou alors le poids. Chaques personnages à des traits physiques qui lui son propre et ils sont souvent excentrique. Les personnages de One Piece ne sont jamais banales ou alors ce sont seulement les personnages peu important à l'histoire .

son univers qui est très fantastique qui mélange une part de réel et de burlesque (inspiration de personnages historiques et de légendes connues). Mais aussi grâce à son histoire et ses passages fort en émotions. Le manga passe aussi parfois des messages fort comme sur le racisme et les différences, l'esclavagisme et l'injustice. Mais aussi grâce à ses passages humouristique.

One piece est devenu un manga tellement connu et apprécié que un anime à été fait, 14 films sont sortis, un restaurant et un parc d'attraction ont été créés, ainsi que 4 roman et 1 livre de recettes et plus de 5000 figurines. Une série live est même en cours pour 2021-2022.

Résumé :

Luffy, un jeune garçon, rêve de devenir le Roi des Pirates en trouvant le One Piece, le trésor ultime rassemblé par Gol D. Roger, le seul pirate à avoir jamais porté le titre de Roi des Pirates. Grâce à son équipage qui ne cesse de s'accroître, Luffy va alors explorer le monde en combattant ceux qui lui mettrons des bâtons dans les roues, et aussi se faire des alliés.

Sur cette couverture du Tome 67 de One piece nous pouvons voir plusieurs personnages loufoques qui correspondent à l'arc où se passe actuellement l'histoire, le font est violet avec une carte maritime dessus en orange qui rappelle l'océan, la piraterie. Le personnage principal est à l'avant au premier plan tandis que le reste de l'équipage et un peu sur les côtés et derrière Luffy. Les autres personnages de l'arc sont à l'arrière plan. Comme sur tous les Tome on peut voir en haut le symbole de One piece et son écriture avec une corde comme sur les bateaux. Au dessus du symbole nous pouvons voir le numéro du Tome. Juste en bas du titre du manga en blanc, nous voyons aussi le titre du chapitre "cool fight". La couverture est très coloré, les couleurs qui se voient le plus est le blanc/ bleu/ vert / rouge ainsi que jaune. Puis en bas nous avons l'édition (Glénat) et l'auteur (Eiichiro Oda).Le rôle d'une couverture de livre c'est de donner l'envie à l'acheteur de le lire, cela fait aussi bonne impression. La couverture sert aussi de donner une première impression au lecteur, de lui laisser imaginer la suite dans le livre tout en essayant de comprendre de quoi le livre va parler. Par exemple dans cette couverture du Tome 67 les personnages expriment grâce à leur faciès et leur posture un combat proche ainsi que d'autres éléments comme les armes, elle exprime aussi le tournant que va prendre ce chapitre ou un arc qui va arriver grâce à des nouveaux personnages sur la couverture (la tête sans corps) . Je pense que cette couverture remplie ses fonctions qui va donner envie aux fans du manga de vouloir continuer leur lecture pour en savoir plus sur la suite.

Une des plus grandes phrase culte du manga et de l'anime, dit à plusieurs reprises par Luffy est : "Le roi des pirates, ce sera moi !", Cette phrase est souvent dites pendant un combat à son adversaire pour montrer son plus grand rêve à tous.

Pourquoi j'ai choisi cette oeuvre ?

J'ai choisi de parler de ce manga car il à fait partie de mon enfance avec mon frère, c'est un des premiers manga que j'ai vu avec l'anime. Certains personnages sont attachants et même si l'histoire est longue on ne s'en lasse pas quand on est fan. Mais je l'ai choisi aussi car depuis quelques années les mangas sont devenus très populaire chez les jeunes et quelques adultes, tellement populaire que des festivals s'organisent et autres organisations. Mais aussi car les couvertures du manga ne sont jamais faites aux hasard il y a vraiment un travail de réflexion de l'auteur sur le placement des personnages et les choix du visuel, car l'auteur place parfois des messages caché qui peuvent spoilers le déroulement prochain de l'histoire et il permet aussi de faire jaser les fans qui vont faire des théories et qui vont essayer de résoudre certains mystères. Cette référence peut être utilisé au bac car le mangaka à utilisé dans son manga une multitude de références historiques, il a utilisé une part de la culture populaire de l'occident mais aussi japonaise pour faire son manga son style de dessin est très singulier, aucun personnages ne se ressemblent et il arrive à leurs donner de l'originalité soit par leurs traits physiques ou alors leur personnalité. L'auteur s'inspire aussi de personnes réelles pour dessiner ses personnages mais aussi des jeux vidéos comme dans street fighter , des lieux , de la littérature ou encore de Disney.

Un des personnages de One Piece (o-taro) s'inspire des œuvres japonaise traditionnelle grâce à la forme de son visage plutôt ovale, son nez très grand et "pointue" ainsi que les yeux. On peut alors comparer et voir des similitudes au niveau des formes avec une peinture de Kitagawa Utamaro , nommé "Fukaku Shinobu Koi, fait en 1793. Le mangaka utilise aussi des costumes traditionnels japonais comme des kimono, souvent visibles dans le manga, ainsi que des katana ou autres armes japonaise.

Pour rapprocher avec ma couverture du manga One Piece j'ai choisi une fresque créé en 1992 à Cahors par Chamizo représentant la mythologie associée au vin, sur cette fresque ont peut y voir des figures historiques comme Jules César, cette fresque raconte l'histoire du vin selon les époques, un peu comme un livre ouvert. Comme sur la couverture cette fresque raconte une histoire ou du moins ce qu'il se passe avec des personnages excentrique qui font des actions différentes et des faciès différents dans le style Picasso au premier plan, la fresque est très coloré et captive celui qui visualise.

Je vous invite à aller le voir même si le manga est long il en vaut la peine !

T-STD2A YSILD TIENNOT