#Olivier Royère
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Tomita Kazuhiko
Tomita Kazuhiko. Diseñador industrial y de producto.
Tomita Kazuhiko (1965, Nagasaki, Japón) se describe a sí mismo como un nómada errante entre el Este y el Oeste, y su trayectoria profesional y biográfica no hace más que confirmar esta teoría.
Como diseñador es capaz de construir nuevas marcas o de darles un nuevo giro, al aplicar su experiencia creativa en varios campos, desde el diseño gráfico hasta la arquitectura.
Tomita Kazuhiko estudió diseño industrial en la Universidad de Chiba en Japón (1989).
Posteriormente, en la década de 1990, gracias a una beca de Cassina & British Council, estudió diseño de muebles en el Royal College of Arts de Londres, donde se graduó en 1992.
Éste mismo año (1992) se mudó a la ciudad que es la meca del diseño industrial: Milán.
En 1993 diseñó la línea “Stars” de productos cerámicos en colaboración con Alessandro Mendini y Ettore Sottsass.
También en 1993 fundó el Studio 2.5-Dimensional Design (Milán) -que después se convertiría en Tomitadesign– empezando a presentar sus colecciones en ferias internacionales.
En el año 2000, se convirtió en director de Arte de la compañía COVO, y en este contexto, diseñó también la COVO Shop en la ciudad de Roma.
COVO, una marca con un ADN completamente italiano y raíces internacionales, combina elegancia con simplicidad, tradición y contemporaneidad, y clasicismo con diseño vanguardista.
En 2001 creó la colección de artículos de mesa “Rim” para Rörstrand, empresa de porcelana en Kungsholmen (Estocolmo, Suecia), junto con Vico Magistretti.<
Tomita Kazuhiko fue nombrado director de Arte de NUSSHA París en 2004, y desde entonces ha trabajado con varios fabricantes más, incluida por ejemplo, la empresa italiana Moroso.
Las creaciones de Tomita Kazuhiko son lúdicas, pero a la vez prácticas.
Con una mirada cuidadosa y sensible que combina armoniosamente forma y contenido promueve, sin sacrificar nada a la funcionalidad, la investigación y la experimentación que va desde el uso hábil de los materiales hasta la selección previsora de productores internacionales.
Su universo se encuadra dentro del arte y del estilo de vida tradicional japonés a la vez que convive con el concepto europeo de lo moderno. Sus ideas asumen el mismo objetivo, hacer artículos destinados a un uso global y prolongado que dure toda la vida.
Un factor de enlace entre todas sus creaciones es la simplicidad, pues para él éste es un factor muy importante, pero no la simplicidad llevada al minimalismo entendido como lo hacía la Bauhaus.
Para Tomita Kazuhiko la reducción a lo que es importante y esencial es una característica del shintoismo japonés, donde según su teoría los objetos inanimados también contienen energía espiritual.
Así por ejemplo, la colección de mesas de sobremesa”UkiYo” (2006-2007) para Moroso, realizadas en resina de poliéster co-moldeada, están decoradas con los patrones utilizados en los kimonos tradicionales e inspirados en Ukiyo, un movimiento cultural japonés del siglo XVIII.
Relacionado con el realismo sintoísta, que establece que nada puede permanecer sin cambios durante mucho tiempo, la filosofía de este movimiento (Ukiyo) vive cada momento al máximo como una forma, curiosamente, de alcanzar la vida eterna.
Desde esta perspectiva, la floración se convierte en el período anual más alegre y radiante, donde se extiende por todas partes la máxima cantidad de energía. Sin embargo, nadie puede decir si la flor recién florecida seguirá viva un momento después.
Las tapas o sobres de estas mesitas -con finísimas patas de acero tubular acabado en polvo RAL 3003 rojo brillante- se pueden invertir y utilizar como bandejas.
Su trabajo se ha exhibido a nivel mundial, en ciudades como Tokio (exposición individual “2.5-Dimensional Design“, Ozone Gallery, 1999); en Jerusalén (“FUSION: Arquitectura + Diseño en Japón“, 2002, Museo de Israel); Nueva York (Exposición “COVO”, 2002, galería Totem SOHO) o en Milán (“RE-FUSION”, 2003).
También sus productos han entrado en los museos para quedarse, como los productos que diseñó para la marca Essential, que se han integrado en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Tomita Kazuhiko es profesor visitante en Diseño Industrial en la Universidad de Roma.
Y ha ganado numerosos premios internacionales a lo largo de su carrera, como por ejemplo el primer premio en el concurso “El futuro arquitectónico del acero inoxidable” (Londres, 1991) por Sir Noman Foster.
El Marchette Award Gold, RCA, (Londres, 1993); Distinción G-mark / Good Design Award (1998), Departamento de pequeñas y medianas empresas, JIDPO (Tokio), y The International Design Yearbook (1998 y 2002), Londres.
Tomita Kazuhiko (pág. web).
Tomita Kazuhiko y mesa de sobremesa”UkiYo” (2006-2007) para Moroso.
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Nouvelle publication
Histoire et civilisation du livre. Revue internationale,
Genève, Librairie Droz,
XV (2019), 393 p., ill.
ISBN 978-2-600-060000-4
L’histoire littéraire des bibliophiles (XIXe-XXe siècles)
M. Le Bail, « Introduction »
M. Le Bail, « Charles Nodier ou la « condition d’origine » comme condition d’une histoire littéraire des origines ? »
A.-C. Royère et J. Schuh, « Les éditeurs bibliophiles : l’amateur comme créateur de livres (1890-1914) »
M. Charreire, « L’œuvre « Doré » du bibliophile Jacob »
N. Pamart, « Jean de Tinan, ou la recherche d’une légitimité littéraire par le beau livre »
O. Bessard-Banquy, « Du luxe au semi-luxe »
F. Rouget, « Prosper Blanchemain, bibliophile et éditeur des poètes minores de la Renaissance française »
J.-L. Diaz, « Charles Asselineau face aux Minores du romantisme »
R.-J. Seckel, « Sade 1850-1909, début de reconnaissance ? »
P.-J. Dufief, « Octave Uzanne : de la bibliophilie à l’histoire littéraire »
J.-D. Wagneur, « Le Panthéon de papier de Firmin Maillard : Bohème et hémérophilie »
L. Portes, « Eugène Le Senne, bibliophile et collectionneur »
Études d’histoire du livre
G. Bischoff, « Libreria publica : la bibliothèque de Saint-Jean de Strasbourg au berceau de l’humanisme rhénan »
B. Delestre, « La bibliothèque de l’Académie royale d’architecture (1671-1793) »
A. Béhin, « Un imprimeur dijonnais à la Bastille : Louis Hucherot et l’affaire du Parlement outragé (1761) »
M.-D. Leclerc, « Pierre de Provence dans le papier bleu »
C.-É. Vial, « Louis-Philippe et les livres. De la collection familiale à la bibliothèque du musée de l’histoire de France »
J.-Y. Mollier, « Albert Demangeon, un géographe chez Armand Colin »
Livres, travaux et rencontres
Comptes rendus, par Catherine Rideau-Kikuchi, Jean-Yves Mollier, Marisa Midori Deaecto, Livia Castelli, Olivier Poncet, Florine Lévecque-Stankiewicz, Améie Ferigno, István Monok, Ilaria Pastrolin.
Le lecteur qui souhaiterait disposer de renseignements complémentaires sur la Revue (notamment les livraisons antérieures) pourra se reporter au site de la Librairie Droz: https://www.droz.org/france/fr/80-histoire-et-civilisation-du-livre-revue-internationalehttps://ift.tt/2K0mZIw
Attention : cette page est en cours d’aménagements en vue de la pose d’une barrière mobile de trois ans.
Derniers billets publiéssur ce blog
Annonce d’un colloque d’histoire du livre
À propos de L’École d’Athènes, de Raphaël (attention: trois billets publiés successivement)
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Ex Nihilo’s Benoît Verdier is a Raptors Fan and Wants His Brand to be the Tesla of the Fragrance World
There’s a pep talk happening when I arrive at the Saks Fifth Avenue Toronto flagship on an early Saturday morning. Benoît Verdier, one of the three co-founders behind French perfume line Ex Nihilo, is here for a guest appearance, and the beauty hall sales associates are buzzing, excited to hear him speak before they open doors to customers. It does feel like there is a celebrity in the room, though no one is asking him to autograph their arms, something that routinely happens when he’s visiting Russia. “They are insane about fragrance,” says Verdier.
He orders a black Americano, presumably to counter his lack of sleep the night before; after flying in from Manhattan, Paris-based Verdier caught game 4 of the NBA finals, cheering for the Raptors, who he says are his favourite team in the league. (He became a fan after making several visits to Toronto for Saks, catching games and acquiring jerseys while he was in town.) He even sent a selection of fragrances to Drake and the OVO Crew. (FWIW the Raps’ global ambassador prefers Amber Sky).
Here, the practically Canadian Verdier talks about the brand’s perfume-mixing robot Osmologue, how to turn your favourite fall fragrance into a summer spritz, and why he wants Ex Nihilo to be the Tesla of the fragrance world.
Photography courtesy of Saks Fifth Avenue
How did you meet your co-founders Sylvie Loday and Olivier Royère?
“I met Olivier in school, where we were studying political science. We met Sylvie through friends. Olivier and I had this long-time plan to work together on a project. We discussed it with Sylvie one night, and she said she was interested. It took us a year to prepare everything, without being paid, working in a small shitty office. So it sounds romantic but it was really tough. We’re really like a start-up company, [launching the business] from our garage. And then we had the chance to have a beautiful space in Paris on rue Saint-Honoré. It was really crazy because it’s a lot of money to invest, especially on that street. We’re next to Dior, we’re next to all the big names. Everybody was wondering ‘who are these guys, and how can they spend so much money?’ Ex Nihilo means ‘created from scratch.’ We love the idea of being outsiders. And it’s true that when we started the company, nobody was expecting us. We just popped up one day, from nothing, from nowhere.”
I read that some old guard perfumers dropped by to check it out the store when it opened?
“Francis Kurkdjian came in. He was taking pictures and smelling everything. He was not very friendly, unfortunately. And I said ‘Hey, Francis, why don’t we do a collaboration together. That would be so cool.’ He looked at me [as if to say] ‘certainly not.’ Since then we’ve met again and now it’s cool. And all the big companies came by. You can recognize them. The head of marketing for Europe, and the head of innovation, they came together, and they took pictures with their phones. It’s very funny, because with the amount of money and power they have, why do they come to the small brands to take inspiration? Now you see the trend that all the niche brands want to become luxury brands because they want to evolve. And all the mainstream brands, they want to be niche. So they are creating a lot of private collections.”
You work exclusively with perfumers from Givaudan like Olivier Pescheux, and Quentin Bisch, who created your best-selling scent Fleur Narcotique. How do you decide which perfumers you’re going to work with on each fragrance?
Syvlie has a background in engineering and worked at Givaudan, so she made the connection with the noses. According to the olfactory category we want to create, we ask perfumers who specialize in that category. Other times it’s interesting to challenge them. For instance, Olivier Pescheux is very good with oud, and woody scents. So we might say, ‘Ok, Olivier, [this time] make us something super spicy.’ And sometimes they come with really fresh ideas. When perfumers work with us they don’t have any limits to costs for the materials, and we are very free in terms of the creative brief. They just have to respect the brand and what we want to do. Compared to a classic brief, it’s very funny. So they always accept because for them it’s a way just to do something different, with less pressure.”
Tell me about the Osmologue, the perfume mixing robot?
“Fragrance companies like IFF and Givaudan already have this machine [in their labs]. But it’s much larger, and super expensive. At the beginning when we started to think about the brand, we knew that personalization was a mega trend in every market. You can personalize your coffee, you can personalize your sneakers, your car. It’s very, very mainstream. And one of the luxury categories that was really conservative about that was perfumery. So at the top of the pyramid you have Guerlain or Cartier. A custom fragrance from them is going to cost forty thousand dollars. It’s very complicated. But between that and the mainstream, there was nothing. So we said, we are quite influenced by technology and the French avant-garde, what could we do to propose this level of service to the customers? So we decided to downsize the machine, make it more it more efficient and more convenient. This [one at Saks’ Toronto location] is the only Osmologue in Canada. The others are in Paris, London, New York and Dubai.”
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Discover the finest perfumery raw materials part of the EX NIHILO personalization program at 352 rue Saint-Honoré. The exclusive technology of the Osmologue allows the most accurate weighing and blending of the different ingredients involved in your SIGNATURE fragrance. See you there to experience the full demi-bespoke ritual, also available in London, Dubai, New York and Toronto!
A post shared by EX NIHILO Paris Official (@exnihiloparis) on May 4, 2019 at 6:46am PDT
How does it work?
“We start with the raw ingredients, the concentrates of fragrance and then we do all the steps exactly like in the laboratory. It was very difficult to do 100 per cent bespoke, so we’ve done demi-bespoke, which means we start with your favourite fragrance in the collection and then we can modify it according to what you like and according to your taste. Or according to the season. So if you like Fleur Narcotique, we can personalize it using the Osmologue with something that is going to be more fresh, or more woody or more floral. For instance if you want something for spring, we can play with orange blossom.”
Your packaging is art deco-inspired and has all these little details, like a tiny stamp of the Gallic Rooster, the unofficial national symbol of France.
“Americans have the eagle, we have the rooster. [laughing] We love to bring this art of detail in everything. The next step is to change the way you do luxury packaging. Because [currently when you look at the industry], it’s not very sustainable. If [other luxury brands] are like Bentley or Rolls Royce, I would like to push our brand to be something more like Tesla, because the philosophy of our brand is to innovate.”
Can you tell me about the fragrance launching this fall that’s inspired by musicians, and is reminiscent of the scent of vintage guitars?
“Yes Atlas Fever. It’s a creamy, very addictive scent. On top it’s vanilla and tonka bean. The more you roast the tonka bean, the creamier it gets. And then when it dries down you smell sandalwood and cedarwood, so it’s a bit smokey.”
Anything else in store for the brand?
“We’re launching hair mists [in Canada in July]. They don’t have too much alcohol, and they’re not too aggressive. And they aren’t flankers of an existing fragrance. It’s a new way to perfume your hair.”
The post Ex Nihilo’s Benoît Verdier is a Raptors Fan and Wants His Brand to be the Tesla of the Fragrance World appeared first on FASHION Magazine.
Ex Nihilo’s Benoît Verdier is a Raptors Fan and Wants His Brand to be the Tesla of the Fragrance World published first on https://borboletabags.tumblr.com/
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Ex Nihilo lancia la sua prima linea corpo
Il sillage ipnotico e femminile di Fleur Narcotique dà vita alla prima linea corpo firmata Ex Nihilo. Scopriamola insieme
Un’arte profumiera priva di costrizioni: è questa l’unica guida che fornisce Ex Nihilo, la maison parigina fondata da Sylvie Loday, Olivier Royère e Benoît Verdier.
Come ti abbiamo già raccontato, ai maestri profumieri vengono forni…
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#Benoît Verdier#Body Lotion#Body Wash#Campomarzio 70#Campomarzio70#Ex Nihilo#Fleur Narcotique#Olivier Royère#Sylvie Loday
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Ex Nihilo presenta per la prima volta in Italia le sue fragranze per la persona e per l’ambiente, ispirate a un’idea di profumeria libera da regole, limiti, costrizioni
Ex Nihilo in latino indica una creazione venuta fuori dal nulla
È questo il nome che hanno scelto Sylvie Loday, Olivier Royère e Benoît Verdier quando hanno fondato la loro maison profumiera a Parigi, in Rue Saint-Honoré 352: Ex Nihilo, perché questo marchio creato “dal nulla” è in grado di rivoluzionare la visione della profumeria.
Ex Nihilo: l’ispirazione
Ex Nihilo nasce da un’idea di profumeria libera da qualsiasi costrizione creativa o economica: ai maestri profumieri vengono forniti i materiali più pregiati e il savoir faire francese, dopodiché viene data loro carta bianca, per spingerli a dare il massimo superando limiti e infrangendo regole. “Non c’è niente di contraddittorio nell’unire l’innovazione a un savoir-faire secolare, per creare un risultato contemporaneo e totalmente nuovo”, spiega la co-fondatrice Sylvie Loday, ingegnere franco-americana innamorata con il sogno di creare i profumi che immaginava.
L’incontro tra tradizione e innovazione viene sottolineata anche da Olivier Royére, collezionista dalla natura nomade, che definisce Ex Nihilo come “un brand di convinzione: lotta per unire il moderno all’antico, la tradizione all’avanguardia. Vogliamo lasciare un segno”. Infine Benoît Verdier, ciclista provenzale che descrive il profumo come un insieme di note musicali, spiega qual è l’ispirazione che sta dietro le fragranze Ex Nihilo: “Vogliamo creare sinergie e collaborazioni con talenti in diverse discipline. La nostra fonte deriva tanto dalla profumeria quanto dal design e dall’architettura”.
L’esperienza Ex Nihilo
Ex Nihilo si trasforma anche in esperienza: nei suoi flagshop, il brand profumiero offre un servizio personale, accogliente, quasi rituale. Tra i marmi, i metalli e il legno dei negozi di Parigi Saint-Honoré, Harrods Salon de Parfums, Bergdorf Goodman New York e Bloomingdale’s Dubaï, i clienti possono sperimentare tutte le fragranze Ex Nihilo.
Sperimentare, non semplicemente annusare: la maison propone infatti anche un programma di personalizzazione chiamato Osmologue©, che permette di customizzare le fragranze delle collezioni Initiale e Babylone miscelando a loro i materiali più puri ed esclusivi al mondo.
Tra i capisaldi di Ex Nihilo, troviamo sicuramente le collaborazioni con i nuovi talenti della profumeria, del design e dell’architettura. Ogni anno la maison collabora con un talento emergente per creare oggetti da collezione firmati e numerati, da esporre poi nei luoghi più prestigiosi al mondo.
Ex Nihilo declina la sua innovativa idea di profumo in cinque lussuose collezioni. Scopriamole insieme
La Collection Initiale: fragranze iconiche e personalizzabili
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La Collection Initiale include le creazioni olfattive più iconiche della maison, create spontaneamente dai profumieri partendo dai materiali più raffinati. Le fragranze di questa collezione, come abbiamo spiegato poco fa, possono essere personalizzate in negozio grazie alla tecnologia Osmologue©.
Cologne 352, creata dal profumiere Jacques Huclier, rappresenta la colonia parigina per eccellenza. Ispirata alla maison stessa, la Cologne racconta Parigi attraverso le note frizzanti d Limone e Ginepro, che sfociano poi in un cuore floreale di Boccioli di Arancia, Rose e Gigli e in un fondo morbido di Cedro e Muschio Bianco. Jasmin Fauve è il racconto di una chimera: la fragranza firmata da Aurélien Guichard racconta infatti di un fiore velenoso fatto di pelle. Il suo profumo ipnotico è rappresentato attraverso le note del Giglio, del Bocciolo di Arancia, del Gelsomino e della Tuberosa, chiuse da un Accordo Animale. Rose Hubris è un tributo alla Rosa di Maggio, protagonista del bouquet ideato da Olivier Pescheux insieme a Fieno, Litchi, Muschio di Quercia e Patchouli.
Fleur Narcotique è una delle fragranze più iconiche della famiglia Ex Nihilo. Si tratta di un’overdose floreale ideata da Quentin Bisch, aperta dalle note fruttate di Litchi, Bergamotto e Pesca che esplodono poi in un trionfo di Gelsomino, Peonia e Fiore di Arancio, sfumati sul fondo con un sentore legnoso e muschiato. Musc Infini, creato da Louise Turner, ripercorre invece la dolce sensualità del muschio floreale abbinandolo a Uva, Bergamotto, Rosa, Patchouli, Fava Tonka e Vaniglia. Vetiver Moloko è una fragranza legnosa, cremosa, inaspettata, creata dal profumiere Guillaume Flavigny. Le sue note di Bergamotto e Rosa Bulgara incontrano il Cipresso e il Latte del cuore, per poi sfumare in un fondo di Vetriver e Vaniglia. Bois d’Hiver di Michel Girard è vellutato e speziato: la testa di Pepe Rosa e Cardamomo apre la strada al cuore di Cedro, Eliotropo e Ciclamino, sottolineati dal fondo di Muschio, Sandalo e Patchouli.
Oud Vendôme rappresenta invece un incontro con l’Oriente, ricreato da Olivier Pescheux con le note di testa di Zenzero e Zafferano che proseguono con un cuore di Galbano e Cedro e terminano con il prezioso accordo di Muschio, Incenso e Legno di Agar. Infine, Venenum Kiss è una fragranza liquorosa, opulenta, velenosa creata da Quentin Bisch circondando il cuore di Ambra e Assoluta di Rosa con le note di Neroli, Noce Moscata, Zafferano, Vaniglia, Sandalo.
Les Interdites: i piaceri proibiti del profumo
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Les Interdites è una collezione sovversiva, ispirata ai piaceri proibiti: sensualità, animo coutre e profumi addictive si incontrano nelle tre fragranze di questa linea. Sweet Morphine è femminile, delicato, lascivo: Nathalie Cetto ha fatto sbocciare questa fragranza unendo Lillà e Bergamotto a Iris, Momosa e Absolute Orpur®, per poi sfumare in un fondo di Vetiver, Patchouli, Bourbon Vanilla. Devil Tender invece si ispira alle contraddizioni della femminilità: innocente ma scandalosa, dolce ma pericolosa; per farlo, il profumiere Nadège Le Garlantezec ha accostato Uva, Pepe Rosa, Pesca e Rosa a un fondo di Suede, Legno di Cedro e Sandalo. Infine, Love Shot è un manifesto di sensualità disinibita: è stata di nuovo Nathalie Cetto a scegliere Lamponi, Bergamotto, Peonia, Bacche Rosa e Patchouli, chiudendoli poi con note vanigliate e accordi di Pelle.
Iconoclaste: sofisticatezza parigina
Iconoclaste rappresenta la collezione più sofisticata, anticonformista e seducente di Ex Nihilo: in una parola, si tratta della collezione parigina per eccellenza. Citizen X di Yann Vasnier racconta la freschezza del rooftop di un hotel di lusso attraverso le sue note di Mastice, Pepe Bianco, Assoluta di Iris, Incenso e Legni Ambrati. French Affair, invece, è stato creato da Quentin Bisch ispirandosi all’attitudine chic, seducente e anticonformista degli anni Settanta: Bergamotto, Litchi e Foglie di Violetta aprono la composizione dominata da Angelica, Cedro e Rosa Assoluta e concluda dal seducente fondo di Vetriver, Patchouli e Quercia.
Babylone: Parigi incontra l’Oriente
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Babylone è una collezione opulenta ispirata all’incontro tra Parigi e l’Oriente e, come la Collection Initiale, può essere personalizzata. Le fragranze che ne fanno parte sono due, entrambe create da Olivier Pescheux: c’è Amber Sky, in cui il dolce fondo d’Ambra viene esaltato con le note di Coriandolo, Bergamotto, Noce Moscata, Fava Tonka e Vaniglia; e c’è Midnight Special, il profumo notturno dalla testa speziata al Pepe Nero, Cannella e Zafferano, dal cuore fatto di Tosa e dal fondo di Legno d’Agar, Patchouli e Vaniglia.
Collection Sublimes Essences: essenze da sovrapporre
Ultimo tassello creato da Ex Nihilo per il quotidiano rituale del profumo, Collection Sublimes Essences si rifà al trend mediorientale delle sovrapposizioni tra profumi, orientati a sublimare le fragranze. Ogni essenza della collezione è stata quindi progettata dal profumiere Olivier Pescheux per andarsi a sovrapporre alle fragranze delle collezioni Ex Nihilo. Sublime Essence Ambre ad esempio è costruita attorno alle Bacche Rosa, strutturate da un fondo legnoso; questa essenza è calda, forte e vigorosa, perfetta per sublimare Bois d’Hiver, Venenum Kiss o Rose Hubris. Sublime Essence Musc è invece un accordo di Muschio sublimato da un cuore floreale, progettato per ravvivare con la sua solare sensualità fragranze come Rose Hubris o Oud Vendôme. Infine, Sublime Essence Oud, a base di Incenso e Legni, è il partner perfetto di Midnight Special, Venenum Kiss e Rose Hubris.
Home Scents: una casa al sapore di Ex Nihilo
Accanto alle fragranze dedicate alla persona, Ex Nihilo propone una serie di candele profumate. Ispirate a luoghi e atmosfere, le candele Home Scents create da Shyamala Maisondieu e Olivier Pescheux regaleranno alla casa i sofisticati profumi di Ex Nihilo. Bouquet Mistique, ad esempio, porta in casa l’armonia fresca e delicata di un mazzo di gigli bianchi, affiancati dalla profumiera a Fava Tonka e Incenso per creare un effetto spirituale, quasi sacro. Bois Des Anges invece ci porta davanti a un camino fumante, con un cognac in mano, creando un’atmosfera calda e intellettuale. Lait d’Épices è dolce e festivo, perfetto per il periodo natalizio: le sue note di Latte, Nocciola, Cannella e Vaniglia sono piacevoli quanto i biscotti speziati che si mangiano a Natale. Ambre Fou è mistico, spirituale, cremoso: merito degli ingredienti speziati come il Coriandolo e la Noce Moscata, accostati alla dolcezza di Vaniglia, Fava Tonka e Frutti di Bosco e al calore del Legno di Cedro e di Sandalo. Infine, Ultra Rose è una fragranza floreale a base di Rosa di Maggio, fresca ed eclettica.
Federica Miri
In vendita in Italia da Campomarzio70
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Ex Nihilo: profumo di libertà Ex Nihilo presenta per la prima volta in Italia le sue fragranze per la persona e per l’ambiente, ispirate a un’idea di profumeria libera da regole, limiti, costrizioni…
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Ed Annink
Ed Annink. Diseñador gráfico, de productos, curador y docente.
Ed Annink (1956, Utrecht – 2012, Amsterdam, Holanda) fue muy activo en diseño gráfico, ambiental y de muebles, donde se distinguió por la nitidez de sus proyectos, la poesía de su enfoque y la funcionalidad de sus productos.
De 1976 a 1978 Ed Annink estudió en la Escuela de Orfebrería en Schoonhoven.
De 1980 a 1985 siguió su formación como diseñador de muebles en la Real Academia de Arte y Diseño en La Haya, graduándose Cum Laude en el departamento de Diseño de Muebles y Arquitectura Interior.
Ed Annink fue cofundador y director creativo del estudio holandés Ontwerpwerk y realizó numerosos trabajos como director de arte y curador.
Creó productos para el mercado de consumo internacional con marcas como: Droog; Driade; Authentics; Royal VKB; Purple South; Kwantum y Nexus.
Siempre combinó la actividad del diseñador de productos, exposiciones y eventos con su papel como consultor y asesor para muchos institutos de diseño en los Países Bajos y en otras partes del mundo.
Pero Annink siempre involucró a otros y también buscó el contacto con diseñadores amigos y contemporáneos -en su mayoría diseños únicos o de pequeña producción- dentro de la gama del diseño holandés más radicalmente innovador.
En 1985 el Centraal Museum de Utrecht invitó a Annink a establecer una Sala/habitación de estilo posmoderno.
Ed Annink diseñó muchos de los objetos que expuso en esta sala, donde colocó un enorme espejo. Los visitantes se veían a sí mismos y a la vez los objetos también se veían reflejados.
Diseñó el piso, la mesa y el aparador; y en el medio de la habitación había un aspirador naranja esférico, como si el residente acabara de salir de la habitación.
Ed Annink agregó dos sillas del siglo XVIII de la colección del museo para indicar que cada diseño puede ser intemporal y atemporal.
Esta habitación es característica de la forma de trabajar de Annink. Sorprendente y alegre, es a la vez un incentivo para pensar/reflexionar sin ser pedante ya que “el diseño no puede florecer sin discusión y diálogo“.
A raíz de su muerte, a partir del 13 de octubre de 2012, esta sala se volvió a exhibir durante algunas semanas.
Gracias a la iniciativa de Ed Annink se publicaron libros, se organizaron exposiciones y se hicieron accesibles al público muchos archivos del patrimonio cultural holandés.
En abril de 2002 publicó el libro “Annink, designer” en Milán, y en septiembre de 2003 “Mentes brillantes, bellas ideas” fue el título del libro y la exposición comisariada por Annink para Experimentadesign biënnale en Lisboa, donde se combinaron las obras de Bruno Munari; Charles y Ray Eames; Martí Guixé y Jurgen Bey.
“Este título simboliza su entusiasmo e iniciativas“, dicen desde Ontwerpwerk, el estudio de diseño cofundado por Annink.
Fue co-fundador y presidente de los productos de la Fundación de la Imaginación, que iniciaba y organizaba proyectos de diseño y publicaciones internacionales.
Dirigió talleres internacionales para Vitra Design Museum y fue director del Máster de experiencia y diseño de escenarios funlab en el Design Academy of Eindhoven.
La última vez que Annink trabajó para el Centraal Museum de Utrecht tuvo lugar en el contexto de la segunda edición del “Manifiesto de Utrecht” en 2007-2008.
Como superintendente, fue responsable del contenido -junto con Max Bruinsma– de la exhibición de la obra de Gerd Arntz y Otto Neurath.
Uno de sus proyectos más recientes fue “Design Den Haag 2010-2018“, un programa de diez años para promover el diseño en la formulación de políticas europeas, consiguiendo forjar vínculos entre el diseño y el gobierno en Europa.
Esta investigación fue una de las muchas misiones de Ed Annink que, con su energía y generosidad constantes, pudo conectar diferentes mundos.
Ed Annink creó el programa de exposiciones para la primera edición en 2010 (en Den Haag y Berlín).
Para Max Bruinsma (crítico de diseño, curador y editor) Ed Annink era: “Alegre, juvenil, social, creativo y lleno de energía, Ed Annink fue un gran colega y amigo para muchos en el mundo del diseño holandés“.
Según Bruinsman tenía (al menos) dos talentos aparentemente opuestos; era un visionario apasionado y un gerente estricto. Una combinación rara, ciertamente en el campo cultural.
“Una de las muchas cosas que admiro en Ed es que él no solo tenía estas dos personalidades, sino que podía conectarlas de manera muy productiva. El hombre apasionado de ideas y el gerente enfocado asociaba lo lúdico y una logística sin fisuras“.
Centraal Museum (pág. web).
El diseñador industrial y curador Ed Annink.
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A
Achille Castiglioni
Adolf Loos
Alessandro Mendini
Alfredo Häberli
Alvar Aalto
Andrea Branzi
Andrée Putman
Andreu Carulla
Andy Martin
Antonio Citterio
Arend Groosman
Arik Levy
Arne Jacobsen
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Autoban
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BarberOsgerby
Benjamin Graindorge
Benjamin Hubert
Bertjan Pot
Boca do Lobo
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Carlo Alessi
Carlo Mollino
Carlos Tíscar
Charles Rennie Mackintosh
Charles y Ray Eames
Claesson Koivisto Rune
Claudio Colucci
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David Adjaye
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Doriana y Massimiliano Fuksas
Doshi Levien
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Ed Annink
Edward van Vliet
Eero Aarnio
Eero Saarinen
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Elena Manferdini
Elisabeth Garouste
Enrico Franzolini
Enzo Mari
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Fabio Novembre
Federica Capitani
Fernando Mastrangelo
Filippo Mambretti
Finn Juhl
Formafantasma
Francesco Rota
François Bauchet
Frank Gehry
Frank Lloyd Wright
Fredrikson Stallard
G
Gabriella Crespi
Gae Aulenti
Gaetano Pesce
Geoffrey Harcourt
George Nelson
George Sowden
Gerrit Rietveld
Gio Ponti
Goula Figuera
Greg Lynn
H
Hans J. Wegner
Héctor Serrano
Hella Jongerius
Hermanos Campana
Hervé Van der Straeten
I
Ico Parisi
India Mahdavi
Inga Sempé
J
Jaime Hayón
Jasper Morrison
Jean Prouvé
Jean Royère
Jean-Louis Deniot
Jean-Marie Massaud
Jean-Michel Frank
Jens Risom
Joaquim Tenreiro
Joe Colombo
Johan Lindstén
Jonathan Adler
Joost Van Bleiswijk
Jörg Schellmann
Josef Hoffmann
Jurgen Bey
K
Kaare Klint
Karim Rashid
Kelly Wearstler
Kenya Hara
Kiki Van Eijk
Konstantin Grcic
L
Le Corbusier
Lex Pott
Lievore Altherr
Lindsey Adelman
Lucas Muñoz Muñoz
Ludovica y Roberto Palomba
Lukas Peet
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Maarten Baas
Maarten Van Severen
Marc Newson
Marc Thorpe
Marcel Breuer
Marcel Wanders
Marco Acerbis
Marianne Brandt
Marie Christophe
Mario Bellini
Martin Szekely
Matali Crasset
Matteo Thun
Mattia Bonetti
Max Lamb
Michael Anastassiades.
Michele de Lucchi
Mies van Der Rohe
Miguel Milá
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Nacho Carbonell
Nadadora
Naoto Fukasawa
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Nigel Coates
Nika Zupanc
Noé Duchaufour-Lawrance
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Odosdesign
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Olivier Mourgue
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Paola Navone
Paolo Lomazzi
Patricia Urquiola
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Ricardo Fasanello
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Sacha Lakic
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Vincenzo de Cotiis
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Yrjo Kukkapuro
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Enrico Franzolini
Enrico Franzolini. Artista, arquitecto y diseñador industrial.
Enrico Franzolini (1952, Udine, Italia) estudió en Florencia y se graduó en arquitectura en la Universidad de Venecia en 1979.
Enrico Franzolini comenzó su carrera como artista plástico (investigaciones pictóricas) que le llevaron a tomar parte en varias exposiciones -individuales y colectivas- en exhibiciones y galerías de arte en la década de 1970.
En 1972 fue invitado a la 36ª Bienal de Artes Decorativas en Venecia, donde exhibió dos objetos producidos por la manufactura de vidrio Livio Seguso en Murano.
En 1978, su primera exposición individual en la Galería Plurima de Udine, marcó el comienzo de su interés por la arquitectura, pero al mismo tiempo también se interesó por el diseño de interiores y de producto.
Al igual que Magistretti y muchos otros diseñadores en Italia, Enrico Franzolini ha estado activo en todo el espectro de campos creativos, desde las bellas artes hasta la arquitectura y las diversas prácticas relacionadas con la artesanía.
Utiliza una gran variedad de materiales: madera, metal y todas las variedades de plástico, tanto a pequeña como a gran escala.
El trabajo de Franzolini personifica la integridad, la innovación técnica y las formas ingeniosas por las que el diseño italiano ha sido admirado durante décadas.
En los años 80 y 90 algunos de sus proyectos de arquitectura y diseño industrial fueron publicados por revistas especializadas como Domus; Modo; Abitare, e Interni.
En 1981 Enrico Franzolini fundó su propia firma en Udine (Italia) donde aborda temas de diseño que varían mucho en escala y alcance, pero que comparten un método reconocible y una coherencia estilística.
La integridad y la definición de los proyectos junto con una calidad estética muy precisa y refinada son elementos fundamentales de cada proyecto.
En 1993, su proyecto para una casa privada recibió menciones honoríficas y ganó el Premio Piranesi.
Como diseñador industrial, ha colaborado durante años con muchos fabricantes de prestigio en la industria del mueble, como Casamilano; Moroso; Gervasoni; Cappellini; Crassevig; Knoll International; Montina; Pallucco; Alias; Foscarini, o Accademia.
Entre sus obras arquitectónicas destacan las oficinas de Calligaris en Manzano; el R.I.F. Edificio de oficinas; Mercedes Crysler Jeep Showroom Buiding en Udine y Pordenone; Tower and Shopping Centre Antivari en Udine; el edificio de oficinas Potocco en Manzano Udine y algunas casas privadas en Vittorio Veneto.
En 1991 fue galardonado con el primer premio en la competencia Top Ten en Promosedia Intenational Fair en Udine.
En 1993, su colección “Light Box” se exhibió por primera vez en Udine en la Galería Plurima, luego fue presentada por Cappellini en 1994 en el Salone del Mobile de Milán.
En 1999 recibió una mención honorífica en el Triennale Compasso d’Oro Prize de Milán por la silla “Asia“, diseñada para Crassevig. En 2005, la silla “Lagoa“, diseñada para Accademia, ganó el Reddot Design Award.
También trabajó en la planificación conceptual de varias exposiciones que tuvieron lugar en el Museo de la Iglesia S. Francesco en Udine: la exposición “Mosaico” en 1997, la exposición “Le arti a Udine in ‘900” y “L’antico a nuovo” en 2001.
Junto con Vicente García Jiménez firmó para Foscarini la lámpara “Big Bang“, una explosión de planos cruzados de la que se desprende una forma de iluminación completamente inédita.
La lámpara de suspensión “Big Bang” es una explosión de planos que se entrecruzan -caos y geometría- creando una arquitectura de superficies, luces y sombras, de gran efecto arquitectónico y escenográfico.
Enrico Franzolini (pág. web).
Enrico Franzolini y lámpara “Big Bang”, diseñada junto con Vicente García Jiménez para Foscarini.
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A
Achille Castiglioni
Adolf Loos
Alessandro Mendini
Alfredo Häberli
Alvar Aalto
Andrea Branzi
Andrée Putman
Andreu Carulla
Andy Martin
Antonio Citterio
Arend Groosman
Arik Levy
Arne Jacobsen
Atelier Oï
Autoban
B
BarberOsgerby
Benjamin Graindorge
Benjamin Hubert
Bertjan Pot
Boca do Lobo
C
Carlo Alessi
Carlo Mollino
Carlos Tíscar
Charles Rennie Mackintosh
Charles y Ray Eames
Claesson Koivisto Rune
Claudio Colucci
D
David Adjaye
Dieter Rams
DimoreStudio
Doriana y Massimiliano Fuksas
Doshi Levien
E
Edward van Vliet
Eero Aarnio
Eero Saarinen
Eileen Gray
Elena Manferdini
Elisabeth Garouste
Enrico Franzolini
Enzo Mari
Ettore Sottsass
F
Fabio Novembre
Federica Capitani
Fernando Mastrangelo
Filippo Mambretti
Finn Juhl
Formafantasma
Francesco Rota
François Bauchet
Frank Gehry
Frank Lloyd Wright
Fredrikson Stallard
G
Gabriella Crespi
Gae Aulenti
Gaetano Pesce
Geoffrey Harcourt
George Nelson
George Sowden
Gerrit Rietveld
Gio Ponti
Goula Figuera
Greg Lynn
H
Hans J. Wegner
Héctor Serrano
Hella Jongerius
Hermanos Campana
Hervé Van der Straeten
I
Ico Parisi
India Mahdavi
Inga Sempé
J
Jaime Hayón
Jasper Morrison
Jean Prouvé
Jean Royère
Jean-Louis Deniot
Jean-Marie Massaud
Jean-Michel Frank
Jens Risom
Joaquim Tenreiro
Joe Colombo
Johan Lindstén
Jonathan Adler
Joost Van Bleiswijk
Jörg Schellmann
Josef Hoffmann
Jurgen Bey
K
Kaare Klint
Karim Rashid
Kelly Wearstler
Kenya Hara
Kiki Van Eijk
Konstantin Grcic
L
Le Corbusier
Lex Pott
Lievore Altherr
Lindsey Adelman
Lucas Muñoz Muñoz
Ludovica y Roberto Palomba
Lukas Peet
M
Maarten Baas
Maarten Van Severen
Marc Newson
Marc Thorpe
Marcel Breuer
Marcel Wanders
Marco Acerbis
Marianne Brandt
Marie Christophe
Mario Bellini
Martin Szekely
Matali Crasset
Matteo Thun
Mattia Bonetti
Max Lamb
Michael Anastassiades.
Michele de Lucchi
Mies van Der Rohe
Miguel Milá
N
Nacho Carbonell
Nadadora
Naoto Fukasawa
Nendo
Nigel Coates
Nika Zupanc
Noé Duchaufour-Lawrance
O
Odosdesign
Oeuffice
Olivier Mourgue
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Paola Navone
Paolo Lomazzi
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Patrick Jouin
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Patrick Norguet
Pedro Friedeberg
Peter Ghyczy
Peter Marino
Philip Michael Wolfson
Philippe Starck
Piero Fornasetti
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Pierre Paulin
Piet Hein Eek
Poul Kjaerholm
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Quentin de Coster
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Ricardo Fasanello
Richard Hutten
Richard Sapper
Rick Owens
Rodolfo Bonetto
Rodolfo Dordoni
Ron Arad
Ron Gilad
Ronan & Erwan Bouroullec
Ross Lovegrove
S
Sacha Lakic
SANAA
Satyendra Pakhalé
Scholten & Baijings
Serge Mouille
Sérgio Rodrigues
Seung-Yong Song
Shiro Kuramata
Simone Simonelli
Snarkitecture
Sori Yanagi
Sou Fujimoto
Stefan Diez
Stefano Giovannoni
Studio Job
Studio Kaksikko
T
Tapio Wirkkala
Tejo Remy
Thomas Sandell
Tobia Scarpa
Tokujin Yoshioka
Tom Dixon
Toni Grilo
Tord Boontje
U
Ueli y Susi Berger
UUfie
V
Verner Panton
Vico Magistretti
Vincent Van Duysen
Vincenzo de Cotiis
Vladimir Kagan
Von Pelt
W
Warren Platner
William Plunkett
William Sawaya
X
Xavier Lust
Xavier Mañosa
Y
Yrjo Kukkapuro
Yves Béhar
Z
Zaha Hadid
Zanuso
from https://decorador.online/disenadores-destacados/enrico-franzolini/
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Federica Capitani
Federica Capitani. Diseñadora Industrial y de mobiliario.
Federica Capitani es una diseñadora italiana que estudió Diseño Industrial en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Génova.
Entre 2002 y 2005 trabajó para Patricia Urquiola (Milán), y en 2005 se incorporó a Marcel Wanders (Amsterdam), donde fue responsable de diseño de producto y muebles hasta 2007.
Tras un período trabajando en proyectos de diseño y cultura en Japón, Federica Capitani se trasladó a Londres, para en 2009 establecer su propio Estudio de Diseño: Federica Capitani Studio.
El trabajo de Federica Capitani abarca desde pequeños objetos hasta proyectos arquitectónicos centrados en el diseño de mobiliario e iluminación, y en la actualidad también da clases en el Royal College of Art de Londres.
Entre sus clientes destacan empresas tan importantes como: Zanotta; Moroso; Rosenthal Studio Line; Kenneth Cobonpue; M & C Saatchi; Peroni Nastro Azzurro, e Iittala.
Algunas de las colecciones más destacadas de Federica Capitani son por ejemplo la colección “Peroni“, una línea de botellas creadas a mano utilizando la técnica del vidrio soplado.
Experimentando con las propiedades físicas de un elemento de uso tradicional, como es un modelo determinado de botella de vidrio, Federica Capitani distorsionó los recipientes a través de su proceso de elaboración y le otorgó a cada uno un volumen y forma única.
Lo que consiguió fue concederle a este objeto unas características nuevas gracias a un cuidado proceso de fabricación que fusiona el diseño con una rescata y asentada tradición artesanal italiana.
La colección fue desarrollada para ser presentada en una muestra colectiva en el Design Museum de Londres, que buscaba precisamente mostrar el panorama actual del diseño italiano contemporáneo.
La colección “Adesso” (2014) para la empresa Kenneth Cobonpue, combina líneas ligeras y mínimas con colores frescos y vibrantes, y la comodidad despreocupada y casual necesaria para adaptarse a la vida contemporánea al aire libre.
Dos anillos, de perfil de aluminio, interseccionan de forma libre creando una estructura sencilla para utilizarla como bastidor para albergar las cuerdas de polietileno tejidas a mano.
La disposición espacial de los anillos proporcionan la tensión necesaria para colocar la trama de cuerdas anudadas, haciendo cruces y aspas, que crecen de un anillo a otro.
Por su parte, la colección de asientos y sillas “Imba” (2015) diseñada por Federica Capitani para Moroso y fabricada artesanalmente en Dakar África), tiene su origen en la combinación lúdica de dos partes que fluyen y se entrelazan.
La geometría de la parte interna utiliza un patrón de tejido cerrado que ofrece comodidad para el asiento y el respaldo, mientras que la parte externa se envuelve suavemente alrededor del asiento creando una estructura espaciosa, para un tejido semi-abierto que ofrece cierta intimidad.
Federica Capitani (pág. web).
Federica Capitani, y silla de la colección “Adesso” (2014) para Kenneth Cobonpue.
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David Adjaye
Dieter Rams
DimoreStudio
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Eero Saarinen
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Elisabeth Garouste
Enzo Mari
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Federica Capitani
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J
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Odosdesign
Odosdesign. Agencia de diseño integral, de producto y estrategia visual.
Odosdesign es una Agencia de Diseño especializada en proyectos de diseño (generando nuevos productos), comunicación y estrategia visual (introduciéndolos en el mercado) y dirección de arte (creando su identidad de marca).
Odosdesign, que tiene su base en Valencia, fue fundada en 2005 por Ana Segovia, diseñadora de producto de formación y directora de arte por vocación; por María Mengual, diseñadora gráfica, y por Luis Calabuig, diseñador multidisciplinar que compagina la construcción de imágenes y objetos con su labor docente en la Universidad.
Los tres se licenciaron en Diseño Industrial por la UPV de Valencia en 2001, después de lo cual trabajaron para varios estudios de diseño nacionales e internacionales.
Otros miembros de la Agencia son la ingeniera Paloma Inda, project manager; Luis Iranzo, diseñador digital, experto en animación y video; Rosalía Sebastián, diseñadora polivalente, y Marta Andrés, arquitecta de formación y diseñadora por convicción.
La suma de todas estas distintas personalidades les permite llegar a un final común siempre creativo.
“Nuestro trabajo se basa en una búsqueda común de nuevos fundamentos y en la combinación de funcionalidad, creatividad y estética“.
Por este motivo, Odosdesign destaca por su carácter multidisciplinar y su capacidad de realizar y desarrollar proyectos integrales para empresas e instituciones, abarcando todas sus necesidades de diseño de producto, diseño gráfico, dirección de arte, branding, video o diseño web.
En Odosdesign entienden el diseño como la herramienta necesaria en toda estrategia empresarial que pretenda comunicar y transmitir productos, servicios o ideas.
“Saber diseñar productos nos ayuda a saber comunicarlos, por eso basamos la comunicación en el diseño gráfico y la dirección artística para conseguir una unidad y una perfecta identidad para el producto“.
Odosdesign ha trabajado para empresas como Gandia Blasco, Bancaja, Sancal, Mobenia, Cambrass, do + ce, Babidu, Koo-International.
Para Odosdesign el diseño aporta una diferenciación que aplican desde todas sus vertientes:
Entienden el diseño industrial o de producto como una fusión entre tradición y renovación, con un enfoque experimental en sus materiales y técnicas productivas.
“Desarrollamos productos duraderos que están más allá de la moda. Para alcanzar estos altos estándares, es importante estar involucrado en todos los procesos, desde el concepto inicial hasta el desarrollo de productos y la comunicación, incluyendo el diseño gráfico y la dirección artística“.
Así por ejemplo, su parasol “Ensombra” para la firma Gandia Blasco les dio a conocer y desde entonces ya han diseñado casi cincuenta productos diferentes para marcas como Sancal; GAN; Punt; Arlex; Viccarbe; MUJI; Mobenia, o incluso su propia vajilla inspirada en la comida rápida.
“Consideramos el diseño de nuevos productos como una reflexión sobre los diferentes estilos de vida y sus necesidades… Observamos todo a nuestro alrededor y analizamos cómo reaccionamos ante esas cosas, ya que nuestros futuros diseños también estarán a nuestro alrededor y se convertirán en parte de nuestra realidad“.
Para la comunicación visual de las empresas desarrollan proyectos integrales de comunicación gráfica porque no sólo se trata de crear marcas diferenciadas, capaces de transmitir los valores de la empresa que representan, sino también de trazar estrategias a largo plazo que les permita incorporar esas marcas -en sus distintos soportes- de manera eficiente.
Para la mayoría de las empresas el diseño editorial sigue siendo su carta de presentación presencial. Por eso en Odosdesign cuidan al máximo los catálogos, los libros, las libretas o incluso la gráfica aplicada a envases o espacios. En los últimos años han desarrollado los catálogos de Gandia Blasco; GAN; Punt; Actiu; Levantina, o Inbani.
En Odosdesign también desarrollan proyectos de comunicación digital, imprescindible en la sociedad actual, que se unifican perfectamente con el resto de comunicación empresarial, tanto offline como online, desarrollando proyectos web para empresas como Punt; Babidu; Gandia Blasco; Cala Bandida, y muchas más.
Odosdesign han recibido varios premios, entre ellos el Primer premio INJUVE 05 a la mejor trayectoria profesional; el Grand Design Award 2007 (Londres); el Delta Selection 2007 a producto exterior, y el Premio Gioia Casa 2007, también a producto exterior; la Medalla de Plata de la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV) por el equipamiento urbano o de uso público.
También han resultado ganadores, en la Categoría de Edición, del Concurso Igloo Festival 2010 por Torraspapel, y consiguieron el LAUS de bronce 2013 por la dirección de arte para GAN.
Sus productos han sido expuestos en muchas ciudades del mundo, como Valencia, Barcelona, Madrid, Tokio, Nueva York, París, Helsinki, Miami, Milán y Copenhague; y sus proyectos han sido publicados en numerosas revistas especializadas de ámbito nacional e internacional.
Odosdesign (pág. web).
Odosdesign, compuesto entre otros por los 3 co-fundadores de la Agencia: María Mengual, Luis Calabuig y Ana Segovia. A la derecha, galán de noche “Easel” (2015) para Arlex.
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Rodolfo Bonetto
Rodolfo Bonetto. Diseñador industrial autodidacta y docente.
Rodolfo Bonetto (1929 – 1991, Milán) fue diseñador y docente, y uno de los mayores exponentes italianos en el campo del diseño industrial.
Reconocido como uno de los padres fundadores del diseño italiano, con sus creaciones contribuyó al éxito internacional de el “hecho en Italia” después de la II Guerra Mundial.
Abandonó la educación secundaria, y una exitosa carrera como batería de jazz con el famoso “Sexteto italiano“, para dedicarse a la profesión de diseñador y trabajar en el área de bienes de consumo y de bienes de producción con diferentes enfoques.
La pasión del joven Rodolfo Bonetto por el diseño y el automovilismo se vio apoyada por su tío paterno Felice Bonetto -famoso piloto de carreras de los años cincuenta- y comenzó a dibujar bocetos de coches.
De formación autodidacta -una característica muy poco común en la escena italiana- pero dotado de un gran talento y gusto estético, así como de una gran habilidad para el dibujo técnico, comenzó a trabajar como colaborador para la compañía italiana Veglia Borletti (proveedores de la industria de la automoción).
A partir de esos años diseña los primeros croquis de carrocerías para las compañías Carrozzeria Vignale, Viotti y Carrozzeria Boneschi.
Trabajó desde 1951 hasta 1957 como consultor de diseño de Pininfarina S.p.A. -abreviatura de Carozzeria Pininfarina-, una empresa italiana de diseño y construcción de coches en Cambiano (Italia).
Pero realmente su carrera como diseñador comenzó cuando fundó en Milán su propio Estudio de diseño en 1958.
Durante su larga carrera realizó numerosos proyectos en diversos ámbitos de la producción industrial en serie, sobre todo en aquellos a los que no se suele tener en cuenta, ni se considera esencial la intervención de los diseñadores.
Electrodomésticos, máquinas, herramientas, equipos electrónicos, instrumentos musicales, televisores, maletas, equipos de música, muebles, equipos la iluminación, relojes, lámparas, botas de esquí, radios, equipos instrumentales en aviones, láseres quirúrgicos y carrocerías de automóviles.
De todos estos, siempre fue el componente técnico lo que más le interesó, una peculiaridad que lo distingue de la mayoría de los diseñadores italianos, que están tradicionalmente más cerca del mundo de los muebles.
Su relación con Olivetti fue muy intensa y estimulante profesionalmente, como por ejemplo la planificación de la sede y el centro de producción Horizon para Olivetti en Ivrea y el diseño de máquinas y herramientas complejas -como el número de control de OCN (1967)- que modificaban la apariencia del entorno de la fábrica.
Igualmente importante fue su colaboración con Fiat (desarrollando por ejemplo el Motor Fire, 1984) para quien diseñó muchos interiores de automóviles, como el diseño exitoso del interior del 131 Supermirafiori (1978), y que hoy son patrimonio histórico del Estudio Bonetto Design.
En diseño de mobiliario destaca “4/4” (1969) para la empresa B-Line, que representa el producto multifuncional típico que puede adaptarse fácilmente a la configuración y al uso. De esta manera, permite interpretaciones continuamente nuevas de los espacios en los que vivimos.
Las líneas curvadas, el plástico brillante y la unión fácil convierten los cuatro elementos en una mesa de centro redonda, una mesa serpenteante, una biblioteca modular, o incluso en una estantería de esquina.
Fabricado en plástico ABS moldeado por inyección, “4/4” es una solución inteligente para el hogar, el estudio o la sala de espera. Como dato anecdótico aparece en la película de 007 “Diamonds are Forever” junto a Sean Connery.
Aunque Rodolfo Bonetto se orientó de forma destacada hacia la praxis del diseño, también lo hizo a proporcionar a las nuevas generaciones una importante contribución a la enseñanza del diseño.
Desde 1961 a 1965 dio clases de diseño industrial en la Hochschule für Gestaltung (Universidad de Diseño) de Ulm, y de 1974 a 1979 en el ISIA Design Roma (Istituto Superiore per le Industrie Artistiche) en la ciudad de Roma (Italia).
Fue Presidente dos veces (de 1971 a 1973 y de 1981 a 1983) de ADI (Asociación de Diseño Industrial) y presidente del CIADI (Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial).
Fue honrado con ocho Compasso d’Oro, el último de los cuales se le concedió poco después de su muerte en 1991 como un tributo a sus treinta años de actividad.
Desde entonces, su Estudio de diseño está dirigido por su hijo Marco Bonetto, que amplió aún más la actividad del Estudio (Bonetto Design) hacia el sector del automóvil.
Marco Bonetto también fundó el Centro de Diseño Bonetto en Montecarlo como homenaje a su padre, un centro que revitaliza ideas y servicios hacia nuevas disciplinas de diseño.
Rodolfo Bonetto sabía aunar sus conocimientos tecnológicos con su sabiduría sobre los materiales de producción y con los aspectos ergonómicos, encontrando el equilibrio entre los avances en investigación y la estética. El arquitecto Vittorio Gregotti lo llamaba “El trabajador formado“.
Rodolfo Bonetto es el único diseñador italiano que nunca realizó proyectos de arquitectura y que estuvo constantemente enfocado en la producción de objetos y productos hechos en serie.
Rodolfo Bonetto (pág. web).
Rodolfo Bonetto, y mesa baja o estantería modular “4/4” (1969) para B-Line.
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Peter Marino
Peter Marino. Arquitecto, diseñador e interiorista.
Peter Marino (1949, EE.UU.) es un arquitecto estadounidense acreditado a nivel internacional por re-definir el lujo moderno en arquitectura y decoración, y muy conocido por integrar el arte dentro de sus diseños de interiorismo.
Marino obtuvo un título de la Facultad de Arquitectura, Arte y Planificación de la Universidad de Cornell, una universidad privada y estatutaria de Ivy League ubicada en Ithaca, Nueva York.
Peter Marino comenzó su carrera arquitectónica trabajando para Skidmore, Owings & Merrill LLP (SOM); George Nelson, y I.M. Pei / Cossutta & Ponte.
En 1978 fundó su firma de arquitectura y diseño Peter Marino Architect PLLC, de la que es director, con sede en la ciudad de Nueva York, y con -en la actualidad- 160 empleados y oficinas en Filadelfia y Southampton.
Ese mismo año de 1978 Andy Warhol lo contrató para hacer un proyecto de renovación de su casa en el Upper East Side de Manhattan y la tercera “encarnación” de Warhol’s Factory en el 860 de la calle Broadway.
Su trabajo para Warhol le abrió las puertas a comisiones residenciales de clientes en el mundo del arte, así como de la aristocracia europea.
En lo personal Peter Marino está casado con la diseñadora de vestuario Jane Trapnell, con la que tiene una hija.
Marino es un destacado coleccionista de arte: porcelana francesa, arte moderno y contemporáneo, y bronces franceses e italianos desde mediados del siglo XVI hasta mediados del siglo XVIII.
También destaca por su personal estilo a la hora de vestir; con una apariencia de “motorista tatuado” viste principalmente con ropa negra de cuero, con hebillas y tachuelas, y con una sempiterna gorra también negra y de cuero.
En 1985, la familia Pressman, que en ese momento era propietaria de Barneys New York, contrató a Peter Marino para diseñar el concepto de venta minorista para la tienda departamental dedicada a las mujeres.
Este fue el primer proyecto minorista de Marino, que lo llevó a diseñar 17 grandes almacenes independientes Barney en los EE. UU. y Japón entre 1986 y 1993.
El trabajo de Marino para Barneys lo puso en contacto con otros diseñadores de moda para los que pasó a diseñar boutiques, como Calvin Klein; Donna Karan; Giorgio Armani; Ermenegildo Zegna, y Fendi; y finalmente Chanel; Dior, y Louis Vuitton.
Así en 1996, Peter Marino diseñó una boutique para Giorgio Armani en la Avenida Madison (Nueva York), que fue considerada como la encarnación del “minimalismo de marca registrada“, refiriéndose a como Peter Marino reflejaba el estilo Armani.
En 2004, The New York Times acreditó la teoría de que “el diseño arquitectónico puede ser un componente importante de la identificación de un comprador con una marca“, citando al emblemático buque insignia de Giorgio Armani en Madison Avenue.
El artículo también hace referencia a la Torre Chanel (2004) en el exclusivo distrito japonés de Ginza “que toma el tweed blanco y negro de Coco Chanel y lo explota en tres dimensiones“.
El edificio de 56 metros de altura, tiene un muro cortina de vidrio que encapsula un bloque de aluminio en forma de nido con el patrón de tweed típico de la Casa Chanel.
Las características notables del proyecto incluyen una fachada interactiva de vidrio con 700.000 diodos incrustados emisores de luz, y primera de su clase, y un sistema de 1.120 metros cuadrados de persianas enrollables (de lona) y un cristal electrónico que cambia su estado y permite a los empleados de la oficina ver durante el día, mientras que proporciona un fondo negro por la noche.
En 2007, el primer proyecto de Peter Marino de gran altura de condominio de lujo se inauguró en el 170 East End Avenue en la ciudad de Nueva York. El edificio tiene un amplio vestíbulo de mármol que conduce a un jardín y a una cascada en la parte posterior.
En octubre de 2014, Marino diseñó la tienda insignia para Boontheshop en Seúl, el barrio coreano de Cheongdam-dong, una marca minorista propiedad de Shinsegae, un especialista de productos de lujo surcoreano.
El proyecto de 55.000 pies cuadrados consiste en dos edificios angulares revestidos de mármol blanco y conectados por puentes de vidrio, y que fue la primera tienda multimarca de Marino desde el proyecto de Barneys New York.
En enero de 2015, Peter Marino completó la tienda insignia para Louis Vuitton en Rodeo Drive, en Beverly Hills (California).
La tienda principal para Hublot (2016) en Nueva York, donde Marino diseñó tanto el edificio como los interiores, se convirtió en la boutique más alta de la marca de relojes suizos en el mundo con una esbelta estructura situada en la Quinta Avenida del Midtown en Manhattan, donde abundan otras marcas de lujo.
Otros proyectos actualmente en proceso incluyen: The Getty, un condominio de 11 pisos y una galería de arte adyacente a The High Line (un parque lineal elevado creado en un antiguo espolón del Ferrocarril Central de Nueva York, en el lado oeste de Manhattan).
Una torre de gran altura para Chanel en el distrito de Namiki (Tokio) y los buques insignia de Chanel en Seúl, París y Nueva York.
El restaurante “The Lobster Club” en el Seagram Building de Nueva York; un nuevo buque insignia para Louis Vuitton en Place Vendome en París; Bulgari y Ermenegildo Zegna flagships en la calle 57 de Nueva York.
Un hotel Cheval Blanc en la histórica La Samaritaine (París); los buques insignia de Dior en Seúl y Beijing, y numerosas residencias privadas en todo el mundo.
Entre sus proyectos expositivos y de diseño cabe destacar: “Beauty & Power“, una exposición de su colección de bronces renacentistas y barrocos en la Colección Wallace de Londres (del 29 de Abril al 25 de Julio de 2010).
“One Way: Peter Marino” en el Bass Museum of Art de Miami (3 de Diciembre de 2014 al 17 de Mayo de 2015).
“Memento Mori: Robert Mapplethorpe, fotografías de la Peter Marino Collection” en Tokio (14 de Marzo al 9 de Abril de 2017).
“Fuego y agua“, una exposición de sus esculturales cajas de bronce (Bronze Boxes) en la Gagosian Gallery de Londres (25 de Junio al 11 de Agosto de 2017).
Peter Marino es miembro de la junta directiva de Venetian Heritage Foundation; del Comité Internacional de L’Union Centrale des Arts Décoratifs, y miembro del Instituto Americano de Arquitectos.
Peter Marino ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluyendo 21 citas del Instituto Estadounidense de Arquitectos por la excelencia en el diseño arquitectónico.
Peter Marino también fue galardonado en 2012 con el Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres del Ministerio de Cultura francés en reconocimiento a su importante contribución al arte y la cultura en Francia.
Peter Marino (pág. web).
Peter Marino y uno de sus “Bronze” Boxes.
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François Bauchet
François Bauchet. Diseñador de productos, artista visual y escultor.
François Bauchet (1948, Montluçon, Francia), artista visual y escultor -estudió en la École des Beaux-Arts en Bourges- realizó su primera incursión en el mundo del diseño de productos en 1981.
De 1978 a 1982, fue profesor en la École des Beaux-Arts en Mâcon, y desde 1982 da clases en la École des Beaux-Arts de Saint-Etienne.
La contribución de François Bauchet al mundo del diseño y el arte ha sido muy prolífica, y suele combinar la escenografía, la arquitectura interior y el diseño.
Además, fascinado por la sociología (estudio de las sociedades humanas y los fenómenos religiosos, económicos, artísticos, etc) utiliza las observaciones que hace para sus diseños.
Las piezas de François Bauchet se encuentran en la frontera entre lo funcional y la obra de arte, y sus piezas hacen preguntas sobre la importancia de la presencia y la realidad material de las cosas en un mundo con un gran protagonismo de la imagen.
François Bauchet ha progresado desde el uso de la madera laqueada hasta el trabajo con resina, y ahora utiliza telas crudas y cerámicas para crear muebles que desafían nuestras ideas preconcebidas, pero siempre con sutileza y elegancia discreta.
En 1983 realizó el proyecto “C’est aussi une chaise” (“También es una silla”), que se presentó en el Salon des Artistes Décorateurs (SAD), y de 1984 a 1998, colaboró con Galerie Neotu.
En 1987, diseñó las oficinas de la Fondation Cartier en Jouy-en-Josas, cerca de París, y participó en Documenta 8 de Kassel (Alemania).
Otros trabajos destacados han sido el mobiliario de recepción para el Centre d’Art en Vassivière-en-Limousin y el área de recepción del Museo de Arte y de la Industria en Saint-Etienne.
También el equipamiento de exposición y mobiliario de la cafetería para la Galerie Nationale du Jeu de Paume en París (años 80), o el mobiliario para el parque del Castillo de Azay-le-Rideau.
En el año 2000, el Museo de Artes Decorativas de París organizó una exposición individual sobre su obra.
Desde 1999, colabora con la Galerie kreo de París para la que creó nuevas piezas, incluida la colección “Módulo” en 2001 y la colección “Hadar” en 2003.
En 2002, François Bauchet fue galardonado “Créateur de l’année” (Creador del año) en el Salon du meuble de Paris.
En 2010, “La cuarta pared“, fue una instalación que representaba los esfuerzos de colaboración entre François Bauchet, Eric Jourdan y nº. 111 (una firma creativa compuesta por Sophie Françon, Jennifer Julien y Grégory Peyrache).
Estos tres diseñadores de nº. 111 fueron alumnos de Bauchet y Jourdan en la École des Beaux-Arts de Saint-Etienne, y la exposición formó parte de la zona “off” en el St. Etienne design biennale 2010.
Este proyecto, una exploración de “nociones de volumen y espacio” estudia la forma en que la luz y el entorno generan atmósferas y espacios.
Los objetos domésticos comunes (un escritorio, una lámpara de pie, una mesa, un sillón y luces colgantes) estaban instalados en la parte superior de un escenario y se experimentan de manera diferente como resultado de su aislamiento intencional.
A medida que los espectadores se movían por el espacio, los ángulos, la escala y la composición de los objetos cambiaban, fomentando un mayor replanteamiento de las relaciones que existían entre los objetos, tanto dentro como fuera del espacio ordinario. “La distancia transforma…. replanteando las relaciones“, según nº 111.
El trabajo investiga la forma en que la iluminación y la composición afectan al estado de ánimo, al volumen y al espacio. Los mismos objetos se evalúan de manera diferente cuando se observan desde diferentes puntos de vista.
En 2013, Galerie Kreo organizó una nueva exposición individual para su colección “Cellae” (almacenamientos y mesas), que muestra varias piezas hechas de materiales poco habituales como fieltro técnico y resina.
Sus piezas y objetos están actualmente en producción con Galerie Kreo; Cinna; Ligne Roset; Ercuis; Haviland; GHM, y Thévenon.
También tiene piezas en varias colecciones permanentes: la FNAC; el Museo de Artes Decorativas en París; el Museo del Diseño de Lisboa (Portugal) y el Museo de Arte de Indianápolis.
François Bauchet (pág. web).
François Bauchet y “Méridienne Yang” (2002) para Cinna, de Ligne Roset.
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Achille Castiglioni
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Bertjan Pot
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Jean Royère
Jean Royère. Diseñador de mobiliario e interiores.
Jean Royère (1902, París, Francia – 1981, Pensilvania, Estados Unidos) fue un diseñador pionero de un estilo original que combinaba colores brillantes con formas orgánicas y biomórficas, hechos con materiales preciosos dentro de una amplia gama de logros imaginativos.
Jean Royère nació dentro de una familia adinerada, y en 1931, a los 29 años, renunció a una posición cómoda en el comercio de importación y exportación (en donde inicialmente se había establecido profesionalmente) para establecer su negocio como diseñador de interiores buscando la aventura.
Royère quería experimentar esta aventura con pasión, sin principios ni reglas, pero él, que había sido un estudiante malo, se convirtió en un gran trabajador y supo asimilar las nuevas técnicas y enriquecerse con todas las experiencias.
Se adscribió a su nuevo oficio como aprendiz de Pierre Gouff, con quien aprendió la meticulosa artesanía de la ebanistería en los talleres del Faubourg Saint-Antoine de París.
En 1934 realizó su primera comisión de diseño profesional, la muy aclamada remodelación del Café Brasserie del lujoso Hotel Carlton en los Campos Elíseos, lanzando su carrera de la noche a la mañana, y obteniendo una gran popularidad.
Gracias a este éxito inicial y a su característico estilo innovador, una combinación de colores vivos, formas sinuosas y materiales preciosos, Jean Royère se convirtió rápidamente en un muy solicitado diseñador de interiores internacional.
En 1944, fundó su propia compañía y comenzó a construir una clientela global.
Diseñó habitaciones y muebles lúdicos y brillantes, lujosos y sofisticados en toda Europa, América y Oriente Medio; y entre sus patrocinadores y clientes de renombre -que le confiaron el diseño de sus palacios- estaban el rey Hussein de Jordania, el Sha de Irán y el rey Farouk I (el penúltimo rey de Egipto y Sudán), que quedaron cautivados por su libertad creativa y su elegancia formal.
En la década de 1950 Royère fue una figura clave de la vanguardia, abordando todo tipo de trabajos de decoración y abriendo oficinas en el Cercano Oriente, Teherán, El Cairo, Beirut (diseñó el interior del Hôtel Saint-Georges en Beirut, Líbano) y América Latina (por ejemplo en São Paulo).
En decoración, el estilo Jean Royère estaba marcado por el uso de los más variados materiales (madera, bambú, corcho, metal lacado, paja y flores de herbario), que utilizaba respetando la personalidad de cada cliente.
Jean Royère no concebía los muebles aislados, y primero diseñaba el marco arquitectónico; un escenario rítmico y desprovisto de decoraciones superfluas.
Prefería las telas con colores vibrantes y muy adornadas, las chimeneas siempre tenían un espacio en sus habitaciones, y las lámparas con múltiples ramas de metal llamaban la atención, como si fueran una sorprendente vegetación.
En 1947, Jean Royère redecoró el departamento de su madre en París para el que diseñó un sofá curvado, rotundo y bulboso de tres plazas con un respaldo en forma de plátano sobre patas cilíndricas.
Esta forma inusual, cubierta con un terciopelo suave y difuminado, recibió originalmente el nombre de “Boule” (Bola), para más tarde inspirar el encantador apodo de “L’Ours Polaire” (El Oso Polar).
Este Oso Polar, creado con un esqueleto interior de madera similar a los utilizados en los sofás de Luis XVI, causó furor cuando Royère lo exhibió en la exposición “La Résidence Française” de Art et Industrie de París.
El número reducido de piezas originales de este sofá los han convertido en rarezas, y ya desde hace años se refleja en los precios desorbitados que alcanzan en las Casas de Subastas. Así vemos como un conjunto de dos sillas y un sofá llegaron a alcanzar cifras cercanas al millón de dólares.
El encanto es simple, dice el decorador francés François Catroux, quien vio por primera vez las piezas en el sur de Francia en la década de 1960, y luego las re-descubrió hace algunos años cuando se volvieron a editar: “Son inusuales, son hermosos, son raros, y todo el mundo se ve tan elegante y relajado sentado sobre ellos“.
También el muy famoso y mediático cantante Kanye West publicó en Twitter: “Royère no hace una cama de Oso Polar, pero el sofá es mi mueble favorito de todos los que poseemos“.
Una vez presentado en sociedad pronto llegaron los pedidos. Se encargaron versiones de dos sillas para la oficina del Ministro de Asuntos Exteriores francés en Helsinki; y el Sha de Irán compró varios sofás para el comedor y para el bar de la casa de su hija Shahnaz en Teherán.
Jean Royère se retiró profesionalmente en 1972 y dividió su tiempo entre Francia y los Estados Unidos hasta 1980, cuando se mudó definitivamente a los Estados Unidos, donde vivió hasta su muerte en 1981.
En 1999, el Museo de Artes Decorativas de París realizó una exposición de su obra, y en 2008, fue objeto de una importante retrospectiva póstuma en la Galería Sonnabend de Nueva York.
Sotheby’s (pág. web).
Christie’s (pág. web).
Jean Royère y sofás El Oso Polar “L’Ours Polaire” (1949).
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