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obrasdeartecomentadas · 4 years

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Recuento del año en arte

Aclaración:

Este recuento es muy parcial, sesgado, limitado, mínimo cayendo en lo nimio…

Mucho de lo mencionado sucede en la Ciudad de México, creo que por dos razones: 1. Los medios de comunicación lo que más reportan son las cosas que pasan ahí y yo me entero a través de ellos. 2. Fuera de mi ciudad, el ex D.F es el otro lugar que más conozco y al que pude viajar por cuestiones de arte.

Marzo 2019

🐢El movimiento #MeToo estalla en México. #MeTooArtes es el hashtag con el que se denuncia a los acosadores/abusadores/violadores en el campo del arte.

Abril 2019

🐢Jonatan Olvera presenta en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro una instalación titulada “La creación artística”. Alguien fotografía solamente un elemento de la pieza, un vaso con agua, y la imagen se vuelve viral.

La pieza de Olvera completa

🐢 Se anuncia que Gabriel Orozco sería el director del Centro Cultural Chapultepec

Junio 2019

🐢Merces Aqui realiza una obra en la que orina sobre un petroglifo. La obra fue expuesta en el Museo de Artes Gráficas de Saltillo. Causó conmoción, ira, incluso episodios de xenofobia. Aqui nació en Argentina pero se naturalizó como mexicana en el 2008. Aún así, en las noticias sobre la pieza, los medios resaltaban de forma amarillista su origen extranjero.

🐢Jesusa Rodríguez declara que las becas del FONCA deberían desaparecer. Lo cual desata un discusión amplia. Vari@s beneficiari@s usan el #YTúQuéHicisteConElFonca para dar cuenta de cómo usaron el estímulo.

Julio 2019

🐢Juan Pablo Ramos interviene la fachada del MUAC con un letrero de “Se busca asistente curatorial. Sexo femenino. Tez blanca. Excelente presentación. Pro activa. Lic. en Historia del Arte o Afines”. No tod@s cachan la ironía y comienza a llegar llamadas preguntando por el puesto.

🐢Esta imagen tan chida:

Agosto 2019

🐢El Ángel de la Independencia es pintado con consignas feministas 💖

🐢Se realiza la Trienal de Aichi en Japón. La escultura “Comfort Women”, que aludía a la prostitución de coreanas por los soldados japoneses durante la II Guerra Mundial, es objeto de censura.

Septiembre 2019

🐢Le niegan a la influencer Avelina Lésper las instalaciones del Instituto Cabañas (GDL). Muy bien, pues no era obligación darle un espacio en sus salas a la colección privada de un diario conservador.

🐢Fallece Francisco Toledo

Diciembre 2019

🐢El performance “Un violador en tu camino” de las chilenas Las Tesis es replicado en varias partes del mundo 💖.

🐢El plátano de Cattelan @ Art Basel Miami.

🐢El “Zapata Gay” de Fabián Cháirez es expuesto en Bellas Artes (CDMX).

Eventos, exposiciones y demás que disfruté, me parecieron interesantes, etcétera

🐢El ciclo de conferencias “Abajo el muro”: Arte y emancipación desde 1989. Se realizó en sedes como el Museo Amparo y el MUAC. Lo mejor de todo es que las sesiones fueron grabadas y están en YouTube (así es como accedí a ellas). Aquí el link a una:

https://www.youtube.com/watch?v=0BTelkOQXb8&t=1978s (Septiembre a diciembre)

🐢Poder ver la obra del regiomontano Carlos Lara en Salón ACME (febrero)

🐢La expo de Aurora Reyes en el Museo de la Ciudad de México. Reyes fue una muralista, escritora, militante comunista, una figura que no ha recibido tanto reconocimiento en la historia del arte mexicano, por eso considero importante que se le haya realizado esta retrospectiva. (marzo - abril)

🐢La expo de las Superocheras en El Chopo: “una revisión de lo femenino, los feminismos, la denuncia, la emancipación y la transgresión del género, así como de las formas radicales de habitar el cuerpo y relatar una historia”, por artistas mexicanas y latinoamericanas que usaban la cámara de video Súper 8 (noviembre 2018-marzo 2019).

🐢La expo Tú de mí / yo de ti en el Museo de la Ciudad de México, que mostraba puras obras de creadoras mujeres y cuya curaduría fue realizada también enteramente por ellas (abril-mayo)

🐢La expo individual de Enrique López Llamas @ Parque Galería (CDMX) (abril)

🐢La existencia de Ketsueki Koibito, una ilustradora de 19 años que vive en Edomex. En palabra de Canek Zapata:” la gran artista del inconsciente colectivo mexicano”.

🐢La iniciativa que hace poco sacó Satélite de hacer un catálogo de curador@s de toda la república (noviembre).

🐢La expo Barco a Venus, obras relacionadas con la práctica del chemsex (junio)

🐢La participación de la editorial mexicana Broken English en The Wrong Biennale, la bienal de arte digital más importante (noviembre)

🐢La segunda exposición del colectivo Niños Héroes de México. Un grupo de ilustrador@s y pintor@s de Mérida realmente jóvenes (septiembre)

Si tienen otros eventos que crean merecen estar en este recuento, me pueden decir vía mensaje para considerar agregarlos. Me gustaría hacer un recuento del año menos escueto. Si omití algo no fue de mala fe o porque no fuera importante, simplemente no poseo ni el don de la ubicuidad ni el de la omnisciencia xd.

#arte contemporaneo #mexico #arte mexicano

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borges-triana · 4 years

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Tomás Esson vuelve por sus fueros

Quienes vivieron en La Habana durante la segunda mitad de los ochenta o los que son estudiosos del devenir de la historia del arte en Cuba conocen de sobra la importancia que en aquella movida tuvo Tomás Esson, nacido el 8 de febrero de 1963 y de nombre completo Juan Tomás Esson Reid. En el conjunto de su obra creativa de esos años y expresada en la pintura, el dibujo y la instalación, hay dos…

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#Creadores cubanos #Década de los 80 #Diáspora #Instituto de Arte Contemporáneo de Miami #ISA #La Habana

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planboaxaca · 3 years

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Luis Romero (Caracas, 1967) Es artista, gestor cultural, curador y editor independiente, director del espacio ABRA Caracas desde 2016. @abracaracas Como artista tiene una amplia trayectoria con exposiciones individuales en Venezuela, Estados Unidos, Holanda y Bolivia. Su obra está representada en colecciones públicas y privadas. Su trabajo ha estado expuesto en Documenta 12 en Kassel, Alemania; Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil; Bienal de Cuenca, Ecuador; Bienal del Caribe, República Dominicana; MUSAC, Castilla y León, España; Valparaíso Intervenciones, Chile; Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá; Cart(a)jena en Cartagena, Instituto de Visión, Bogotá; Trienal Poligráfica de San Juan y PR’04, en Puerto Rico; Galería Alejandra Von Hartz, Miami; feria ARCOmadrid; y Museo de Arte Alejandro Otero, Museo Jesús Soto, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Bellas Artes y Museo María Abreu en Venezuela. Entre 2005 y 2015 dirige la galería Oficina #1 en Caracas, Venezuela, curando más de 60 exposiciones. Entre sus reconocimiento y residencias se incluyen la Beca Unesco-Aschberg para la Residencia Artística de la Rijsakaemie en Amsterdam, Holanda; residencia en Gasworks, Londres; y CIFO Grants & Commissions Programs Award, Miami. En el 2016 Luis Fue artista residente en el laboratorio de arte oaxaca de @lacurtiduriaoaxaca En donde realizó una extensa investigación en torno a la idea y formalidad de la pirámide como elemento que le permite relacionar nociones de la modernidad latinoamericana junto con procesos de mestizaje . @callmeelromero #luisromero #artewnvenezuela #siemprehayunplanb #thereisalwaysaplanb #oaxacadiverso #oaxacacreativo #oaxacacomunidad #oaxacaradical #invertirenideasdelfuturoahora #apoyaatuartistalocal #supportyourlocalartist #arteenescaladomestica #contemporaryartcollector #colectividadradical #crucespolinizados #oaxacanart #artlandapp #newmodern #dailyart #livingwithart #artadvisor https://www.instagram.com/p/CU7Zs-2rqfk/?utm_medium=tumblr

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tendencias-valentinablanco · 4 years

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“Repensar los espacios por sentido común y no por una pandemia”

La tercera conferencia del curso, la protagonizó la arquitecta, investigadora y comunicadora uruguaya, Gabriela Pallares. Gabriela se especializa en la innovación, gestión urbana y tendencias, en el área del diseño, como speaker y analista. Genera contenidos para medios o marcas, tanto en blogs, como en columnas de TV y revistas, relacionados a arquitectura, ciudades, tendencias y diseño en general.

Fotografía tomada de entrevista - Revista Lara

Se recibió en 1999 de arquitecta, y desde allí su estudio construyó una amplia trayectoria trabajando con marcas locales e internacionales, como Peugeot, Honda, Ediciones Santillana, y más.

En 2013, cuando el mundo digital toma protagonismo, funda Ministerio de Diseño, como una herramienta de marketing y comunicación del estudio de arquitectura. El objetivo principal de este portal o blog es compartir una mirada internacional, amplia, mostrando novedades y tendencias mundiales en Uruguay. Es una fuente de difusión de obras y trabajos de diferentes diseñadores o arquitectos principalmente latinoamericanos. A partir de este espacio, se genera conectividad latinoamericana, de reconocimiento profesional, alianzas con asociaciones de diseñadores de otros países, para difundir eventos y colectivos.

Este portal contiene cinco secciones principales que son:

Actualidad (notas con temas de Innovación, tecnología, diseño, tendencias)

Ciudades (mirada internacional: cosas que están en la ciudad permanentemente: edificios nuevos que se inauguran, parques, elementos que no s)

Perfiles (Profesionales, estudios)

Obras (Sección curada, abierta para diseñadores, arquitectos, diseñadores industriales, gráficos, moda, donde pueden postular sus trabajos)

Productos (Lanzamientos de marcas)

Captura de posteo de Instagram Ministerio de Diseño

Gabriela nos contó que a partir del estudio de inauguraciones en diferentes países, trabajado en la sección ciudades, surgieron proyectos con marcas en Uruguay, como por ejemplo, Jetmar e Itaú, donde organizaron viajes acompañados para clientes premium. Los llevaron a eventos particulares contemporáneos, como Art Basel en Miami o el Salón del Mueble de Milán.

Así es como nace Design Cities, un producto desarrollado en conjunto por el portal de noticias y oficina de contenidos digitales Ministerio de Diseño y el Estudio de Arquitectura Gabriela Pallares y Asoc..

Este proyecto, que aún no pudo lanzarse debido a la pandemia, es una serie de itinerarios o guías de más de cuarenta ciudades de todo el mundo, en formato digital, donde se proponen recorridos urbanos geolocalizados (asociados a Google Maps), con una mirada contemporánea. Son interactivas, traducibles, e incluso se pueden personalizar para empresas. Pallares insistió en que están enfocadas en la actualidad, seleccionando lugares de vanguardia e innovación, siendo este su diferencial principal, ante otras guías ya existentes. Funcionan como complemento de estas más tradicionales.

Algunas de las ciudades que ya se desarrollaron sus guías: Londres, Madrid, Nueva York, Buenos Aires, Munich, Montevideo, Río de Janeiro, Wuhan, Moscú, Santiago, San Petersburgo, Hong Kong, Shanghai y Dublín.

Captura Preview de la guía de Dublín.

Luego de presentarnos sus trabajos fascinantes, Gabriela nos mostró una cantidad de proyectos e innovaciones que surgieron a partir de la pandemia, y reformulaciones de rubros de empresas que tuvieron que adaptarse debido a la situación. Algunas de ellas los restaurantes adaptados con mamparas, las escuelas y museos al aire libre, o las oficinas que se adaptaron a la modalidad por zoom, lo que implicó también que los empleados abrieran las puertas de sus casas y se conocieran más con sus compañeros. También habló de las ciudades que están diseñadas en base a super manzanas, como Barcelona, para que las personas puedan resolver sus necesidades cotidianas minimizando el transporte público, consumos de tiempo y dinero y (en estos tiempos) contacto con gente.

Algo que me llevo de esta charla, que no conocía y que me pareció importante incorporar es el concepto de Economía Rosquilla o Doughnut Economics, propuesta por la economista inglesa Kate Raworth.

Raworth es investigadora sénior en el Instituto de Cambio Medioambiental de la Universidad de Oxford, donde imparte el Máster de Cambio y Gestión Medioambiental. Mediante un diagrama circular, argumenta que nuestra actividad económica debería desarrollarse entre una base social y un techo ecológico. Esto quiere decir que todo el mundo debe satisfacer sus necesidades teniendo acceso a los bienes básicos como comida, vivienda y salud, pero dentro de los medios y recursos disponibles en el planeta. Este modelo busca replantear los problemas económicos y establecer nuevos objetivos, rompiendo con el modelo de mercado actual.

Kate Raworth and Christian Guthier/The Lancet Planetary Health

El agujero central del modelo representa la proporción de personas que carecen de acceso a los elementos esenciales de la vida (atención médica, educación, equidad, etc.) mientras que la corteza exterior representa los techos ecológicos (límites del planeta) de los que la vida depende y que no deben ser sobrepasados. Según la economista, “el espacio justo y seguro para la humanidad” se encuentra entre los dos anillos.

Cuando las empresas oscilan en el aro verde, y mantienen un equilibrio y balance, cumpliendo todos los fundamentos sociales sin sobrepasar ninguno de los techos ecológicos, es cuando pueden crecer en forma sostenible y se considera una economía próspera.

Creo que este concepto es muy acertado y que varias empresas ya lo están incorporando. Las que aún no han incorporado, eventualmente van a tener que hacerlo, ya que es un cambio inevitable teniendo en cuenta el macro entorno en el mercado actual. El cambio climático es real, la contaminación y el agotamiento de recursos también, y el número de población mundial no hace más que crecer, por lo tanto es el momento de transformar la mentalidad de las empresas existentes y fomentar el surgimiento de nuevas con esta propuesta.

Un ejemplo claro es la industria de la moda, la industria más contaminante. Muchísimas marcas, conocidas y no tan conocidas, ya se han comprometido para revertir esta situación.

En el siguiente post profundizaré sobre este tema con un ejemplo de una diseñadora uruguaya. Te invito a ir a verlo! 👀

Y si te interesó como a mí este modelo económico, te dejo el link de una charla Ted donde la misma Kate explica su propuesta:

https://www.youtube.com/watch?v=1BHOflzxPjI

#innovacion #tendencias #arquitectura #diseño #actualidad #ciudades #perfiles #obras #productos #latinoamerica #ministeriodediseño #designcities #connectivity #worldwide #doughnut economics

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carolinaarceorealtor · 4 years

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Conoces el instituto contemporáneo de arte en @miamidesigndistrict - - 📸 @visuals.by.luis #miamidesigndistrict #miamidesigner #institutodeartecomtemporanea #miami #ilovemiami #cuarentena #arte #floridarealtor (at Miami Design District) https://www.instagram.com/p/B_VPEdygL_f/?igshid=1dbfvly4d1udv

#miamidesigndistrict #miamidesigner #institutodeartecomtemporanea #miami #ilovemiami #cuarentena #arte #floridarealtor

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neongardencs · 4 years

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R._Fotografía Artística

Dirección de Arte / Fotografía / Arte

R. ha ido realizando este proyecto artístico a lo largo de los años, comenzando en 2007 y hasta la actualidad; en sus cuidadas composiciones, siempre en espacios evocadores, existe un orden frágil a punto de romperse entorno a una figura femenina que se muestra serena. La figura parece ignorar lo frágil de su entorno, o tal vez simplemente decide obviarlo.

Esta serie de fotografías se han expuesto, entre otros lugares, en Volta (New York City. USA), Pulse Miami (Miami. USA), Art13 (Londres), Art Basel (Basilea. Suiza), Feria de Arte de Bologna (Italia), PhotoEspaña (Madrid), Centro Niemeyer (Avilés), MACA (Museo de Arte Contemporáneo de Alicante), Museo Barjola (Gijón), Arco (Madrid), MadridFoto y en el Instituto Cervantes de Bucarest, Praga, Berlín y Cracovia.

Para ver también el trabajo de R. como fotógrafa para Mirror Maze Music, visita este post:

https://neongardencs.tumblr.com/post/190125426356/r-x-mmm-direcci%C3%B3n-de-arte-fotograf%C3%ADa-como

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klapauciusparatodes · 4 years

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Julio Le Parc Nacido en Mendoza en 1928, Julio Le Parc es considerado uno de los grandes representantes del arte cinético y contemporáneo. Se radicó en París en 1958 y en 1960 fundó allí el Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV, Grupo de Investigación de Arte Visual), espacio que se mantuvo activo por diez años. Desde siempre investiga el movimiento y el rol del espectador en el arte. En 1966 obtuvo el Gran Premio de Pintura internacional en la Bienal de Venecia, evento artístico en el que ha participado en tres oportunidades. La primera retrospectiva de su obra se realizó en Buenos Aires en el Instituto Torcuato Di Tella en 1967. Ha exhibido individualmente en diversas instituciones y museos del mundo, tales como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, el Palais de Tokyo en París, el Pérez Art Museum Miami (PAMM) en Miami, el Instituto Tomie Ohtake (ITO) en San Pablo y el Museo de Arte Latinoamericano (Malba) en Buenos Aires, entre otros.

#julioleparc #arte #art #argentina #CCK #Malba

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entrepalabrasmx · 5 years

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El Toro y otros relatos, Exposición de Eduardo Sarabia que muestra sus intereses personales

A partir del 4 de mayo de 2019, 11:00 h. **Galería Sur del Museo Universitario del Chopo

A lo largo de su trayectoria Eduardo Sarabia ha realizado diversas investigaciones que traduce en la narración de historias y experiencias alrededor de cruces sociales, creencias, mitos, corrupción, violencia y narcotráfico. En los últimos años Sarabia ha tenido interés por la espiritualidad y el misticismo que permea distintos grupos sociales más allá de la moral y de la práctica de intercambios ilícitos. Si bien el proyecto El Toro y otros relatos está realizado ex profeso para la Galería Sur del Museo Universitario del Chopo, también da continuidad a intereses e indagaciones en las que se ha ocupado durante los últimos años.

En esta exposición el artista aborda diversos temas relacionados con momentos que vivió en su juventud y con intereses personales: su búsqueda del quetzal; los campeonatos del equipo de beisbol Dodgers de Los Ángeles en 1981 y 1988; el viaje que realizó a Rusia a los 13 años, entre otros. La muestra está integrada por un mural producido in situ por el artista, así como por 20 tibores de cerámica y sus cajas de embalaje.

El título de la muestra se deriva del beisbolista Fernando "El Toro" Valenzuela, como un referente personal relacionado a la infancia del artista. Así recupera episodios autobiográficos y los enlaza con imaginería frecuentemente relacionada a la peculiaridad de su carácter fronterizo. Eduardo Sarabia opera en esa intersección entre la memoria, los afectos personales, lo social colectivo y la complejidad sugestiva de las prácticas ilegales.

Eduardo Sarabia (Los Ángeles, California, 1976). Cuenta con un BFA (Bachelor of Fine Arts) en Otis of Art and Design en Los Ángeles. Su obra ha sido presentada en diversas exposiciones individuales como en The Mistake Room, LA; en el Museo Tamayo, Ciudad de México; en el Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara; en el Museo de Arte Contemporáneo (MACO), Oaxaca; y en Tokyo Wonder Site, Japón. En Estados Unidos se ha presentado en el Museo de Arte Contemporáneo en Denver; ASU Art Museum, Tempe; y en el Museo de Arte de Santa Mónica, por mencionar algunos.

Ha participado en diversas exposiciones colectivas: New Blue and White, en el Museo de Bellas Artes de Boston (2013); Turn Off the Sun: Selections from La Colección Fundación Jumex, en el Museo de la Universidad de Arizona, Tempe, (2013); New Terretories, en el Museo de Arte y Diseño, Nueva York (2011); An Expanded Field of Possibilities, en el Foro de Arte Contemporáneo, Santa Bárbara (2009); y Phantom Sightings: Art After The Chicano Movement, en el Museo de Arte, Condado de Los Ángeles, entre otras. En 2008 fue parte de Whitney Biennial, en el Whitney Museum of American Art, Nueva York. Salón Alemán, uno de sus proyectos más reconocidos, se ha presentado en varios museos y exposiciones alrededor del mundo. Ha producido diversos proyectos públicos e intervenciones en recintos como New Museum, en Nueva York; Art Public, en Art Basel Miami Beach; y en Unitednationsplaza, en Berlín, Alemania. Su obra ha sido incluida en diversas colecciones públicas y privadas en numerosos países. Actualmente vive y trabaja en Guadalajara, México.

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latikobe · 5 years

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Vuelve a Miami el Festival Vista de Arte y Literatura

Festival Vista de Arte y Literatura

MIAMI, Estados Unidos. – El Festival de Arte y Literatura Vista celebrará el próximo el sábado 15 de diciembre de 2018 su décima edición en Miami, la cual ha sido convocada por el Instituto La Rosa Blanca y Vista Larga Foundation Corp. y patrocinada por El Dorado Furniture y la Fundación para los Derechos Humanos en Cuba.

En esta ocasión, el evento estará especialmente dedicado a los artistas, escritores e intelectuales cubanos que, dentro y fuera de la Isla, se han organizado para oponerse y resistir de manera pública el represivo Decreto 349.

Durante la jornada, que comenzará a las 2:30 pm. en la sede del Miami Hispanic Cultural Arts Center (111 SW 5ta Ave, Miami FL 33130), institución que dirige el maestro Eriberto Jiménez, los asistentes podrán disfrutar presentaciones de libros, música, conversatorios, paneles de debate y el pre-estreno del cortometraje “Telenovela cubana”, del director de cine Lilo Vilaplana.

Desde el año 2014, el Festival Vista da a conocer el trabajo de escritores, editores y artistas, fundamentalmente independientes, en interacción con colegas de otras ciudades y regiones. El festival aspira a ofrecer un espacio de continuidad e intercambio a individuos, editoriales y organizaciones cuya labor cultural constituya un aporte comunitario y merezca apoyo y reconocimiento.

Hasta ahora, el evento se ha celebrado en tres países: Estados Unidos, Colombia y Cuba.

Pese a la represión vigente, el festival ha efectuado varias ediciones en la mayor de las Antillas, siempre al margen de las instituciones estatales y en colaboración con el Club de Escritores y Artistas de Cuba (CEIC) y otros grupos y creadores de la sociedad civil.

[email protected]

X FESTIVAL VISTA de MIAMI

Sábado 15 de diciembre de 2018

Miami Hispanic Cultural Arts Center

(111 SW 5th Ave, Miami, FL 33130)

PROGRAMA

2:30 p.m. – Piscolabis

3:00 p.m. – Presentación del libro “Jacques Maritain y el humanismo cristiano para Cuba” (Neo Club Ediciones), de Jorge Adalberto Núñez. Presentado por Uva de Aragón.

3:45 p.m. – Panel “Poesía desde Miami”. Con la presentación de los poemarios “Trayecto a la rosa” (Alexandria Library), de Estela Garpe, y “Flores silvestres” (Editorial Contemporáneo), de Alexis Rosendo Fernández. Moderado por Erwind Dorado, quien declamará poemas de Emilio Ballagas, con la interpretación del tenor Miguel Cervantes.

5:00 p.m. – Presentación del libro “Ma Rufina te está llamando” (Neo Club Ediciones), de Rigoberto Hernández. Presentado por Ana Olema, Andrés Alburquerque, José Hugo Fernández y el propio autor.

5:45 p.m. – Lanzamiento de “Cuentos Eróticos” (Palabra Abierta-Neo Club), selección de 29 autores presentada por Ismael Sambra y Manuel Gayol Mecías.

6:30 p.m. – Panel “Cuba, de la isla imaginada a la 349”. Con la presentación de los libros “1959” y “Amor de historia antigua”, de Manuel Gayol Mecías, y las intervenciones de José Hugo Fernández, Luis Leonel León y Armando Añel.

7:50 p.m. – Brindis.

8:00 p.m. – Lanzamiento del eBook “Si la memoria no me falla” (Ediciones Incubadora), de Ángel Delgado. Presentado por Denis Fortún. Conversación con el artista sobre la creación en cautiverio a propósito del Decreto 349 en Cuba.

8:50 p.m. – “Rap 349: El arte es libre”, proyección de un video de Paulis Rap Cubano, producido por la Fundación para los Derechos Humanos en Cuba. Paulis es un bicitaxista premiado en el concurso “¿Qué Cuba quería José Martí?”.

9:10 p.m. -Presentación del libro “Hablar en cubano” (Editorial Hispana), de Pablo Socorro. Presentado por Félix Anesio.

9:50 p.m. – Pre-estreno del cortometraje “Telenovela cubana”, de Lilo Vilaplana, y panel “Si se quiere se puede: Cómo realizar una obra más allá de los recursos con que se dispone”, presentado por Gilberto Reyes con la interpretación del músico Boris Larramendi y otros invitados especiales. El cineasta será premiado por la revista Carteles.

Vuelve a Miami el Festival Vista de Arte y Literatura

#Vuelve a Miami el Festival Vista de Arte y Literatura

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zonaescena · 6 years

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Del 18 al 21 de octubre, en la Universidad del Claustro del Sor Juana y en sedes alternas, se llevará a cabo el Festival Internacional de Tango Ciudad de México ** En este marco se realizará el Noveno Congreso Nacional de Tango ** Se reencontrarán dos extraordinarios artistas: el pianista Aníbal Berraute y el bandoneonista Cesar Olguín, con quien formara un trío en los años 90. Juntos proponen un extraordinario dueto con tangos de todas las épocas

** Conferencias, conciertos, talleres, exhibiciones, clínicas, clases de tango y milongas

Del 18 al 21 de octubre, se llevará a cabo el Festival Internacional de Tango de la Ciudad de México (FITCDMX), se realizará en diversos espacios de la Universidad del Claustro de Sor Juana, y tendrá sedes alternas en diversos puntos de la capital.

Con la conferencia “Tangueramente”, impartida por Raúl D’Angelo, psicoanalista y director de la Fundación Red Creando y de Human Dimention América --esfuerzos internacionales enfocados hacia la salud mental y el manejo de emociones, la comunicación, y la integración y la conducción de equipos--, y el Taller Vivencial, impartido por la actriz, bailarina y directora del FITCDMX, María Inés Montilla, el Festival Internacional de Tango será inaugurado el 18 de octubre, a las 18:00 horas, en el Auditorio “Divino Narciso” de la Universidad del Claustro de Sor Juana.

Durante cuatro días, se realizarán conferencias, conciertos, talleres, exhibiciones, clínicas, clases de tango, milongas, en la sede del Festival que es la Universidad del Claustro de Sor Juana (Auditorio Divino Narciso, Sotocoro, Aula Patio de la Fundación y Patio de la Fundación), y en varias sedes alternas, como Milonga El Arrabalero (Marsella 28, Col. Juárez), Foro Lo de Inés (Hamburgo 313, Col. Juárez), Milonga Xola (Juana de Arco y Américas, Col. Moderna), y el Parque México.

El viernes 19 de octubre, a las 16:00 arrancará el Noveno Congreso Nacional de Tango. Entre los invitados especiales, se cuentan el psicoanalista Raúl D’Angelo, el bandoneonista César Olguín y el pianista y productor Aníbal Berraute. También el guitarrista Juan Maurín, el bandoneonista Raúl Vizzi y el contrabajista Sabino Paz.

Muchos de los grandes maestros de este género de danza se darán cita en talleres y presentaciones, como María Inés Montilla, Sol Decima, Lui Alexis, Óscar Tapia, Andrea Benítez, Gabriela Ramírez, Ulises Romero, Valeria Vega, Jonathan Sánchez, Gabriela Mestas, Miguel García, Carlos Blanco y Rey Flores, José Luis Zamudio e Indra Deva, entre otros.

El Festival Internacional de Tango surgió el año de 2010, con motivo del centenario de la Universidad Nacional Autónoma de México, cuando la actriz y promotora María Inés Montilla propone a esa institución la organización de un Festival Internacional de Tango.

La Casa del Lago Juan José Arreola albergó a lo largo de sus 7 primeros años (2010 – 2016) este Festival. En el 2017, el Festival fue auspiciado por el Programa ISSSTE es Cultura y se llevó a cabo en el Centro Cultural del México Contemporáneo. Ahora la sede es la Universidad del Claustro de Sor Juana.

En cada Festival se ofrecen clases de tango para todos los niveles, charlas sobre diversos autores y compositores, clases didácticas que imparten los músicos invitados, exposiciones de productos, milongas públicas, obras de teatro, espectáculos y muestras gastronómicas y culturales.

Las clases de tango son impartidas por maestros profesionales, y se abren a todo público: desde principiantes hasta avanzados, pasando por algunas “clínicas” y talleres especializados.

Gabriel Soria, Presidente de la Academia Nacional de Tango de Argentina, funge como asesor principal del Festival, y coordina las sesiones de “charlas didácticas”, mismas que esta año estarán a cargo de Raúl D’Angelo, con “Tanqueramente”, que es un método innovador de transformación en movimiento, que mediante dinámicas relacionadas con la cultura del tango, facilita y eleva los resultados de integración, escucha, empatía y productividad en equipos, impactando positivamente la vida cotidiana de sus colaboradores.

RAÚL D’ANGELO

Es médico psiquiatra, por la Universidad Nacional de Rosario, Argentina; psicoanalista, por la Universidad Nacional de Rosario, Argentina, y magister en Psicoterapias Ericksonianas. Es profesor Universitario en las Licenciaturas de Psicología, y de Medicina y Terapia Ocupacional en La Universidad Abierta Interamericana, Rosario, Argentina. Es director académico de la Fundación Red Creando, orientada a atender cuestiones de Salud Mental, y también director general de Human Dimention América, empresa de Desarrollo Organizacional. Es capacitador experto en Intervenciones Grupales, relacionadas con el manejo de emociones, la comunicación, la integración y la conducción de equipos, consultor de Ned Herrmann Institute México y consultor de Selecta Consultores.

MARÍA INÉS MONTILLA, DIRECTORA DEL FITCDMX

Es profesora de Interpretación y Artes Escénicas de la Escuela Blanca de la Vega, de Mendoza, Argentina. Bailarina de tango de la Escuela de Tango de Rosario, Argentina. Actriz y dramaturga. Es directora de Malena Escuela de Tango, en la Ciudad de México. Maestra titular de los Talleres de Tango de la UNAM Casa del Lago y Directora General del Festival Internacional de Tango de la Ciudad de México. Tiene el diplomado en Tangoterapia, impartido por el Dr. Raúl D’Angelo, en Rosario, Argentina, y es Creadora del Método de transformación en movimiento, TangueraMente. Ha sido directora de los Talleres de Tangueramente en el Instituto de Capacitación y Desarrollo del Sistema de Transporte Colectivo Metro.

ANÍBAL BERRAUTE, PIANISTA

Pianista de formación clásica que desde siempre abrevó en la música popular, el maestro Aníbal Berraute está radicado en los Estados Unidos, donde trabaja con su propio proyecto de tango fusión y también como arreglador y productor. Antes de eso, Berraute formó parte de la orquesta de Mariano Mores, con la que viajó por el mundo, y trabajó como pianista o director musical de Raúl Lavie, Jairo, Eladia Blázquez, Libertad Lamarque y María Graña, entre otros.

As Tangoes by pretende rescatar los valores originales del tango y recrearlos como un medio de expresión de este tiempo, fusionándolo con el jazz, el candombe y ritmos afroantillanos.

Desarrolla una labor destacada como miembro integrante de la Academia Latina de Artes y Ciencias que otorga anualmente los premios Grammy y es Director Musical en el hotel Faena de Miami Beach.

Algunas de sus propuestas con formación de quinteto:

https://www.youtube.com/watch?v=q7IafD3ff_I

Live concert performed by Anibal Berraute (Pianist), Alberto Núnez Palacio (Conductor) and "Orquesta Filarmonica de Jalisco" at "Teatro Degollado", Guadalajara, México, june 1998.

https://www.youtube.com/watch?v=O2YSmOf_L_s

Para el “Festival Internacional de tango de la Ciudad de México 2018” se reencuentra con el bandoneonista Cesar Olguín, con quien formara un trío en los años 90. Juntos proponen un extraordinario dueto con tangos de todas las épocas.

CÉSAR OLGUÍN, BANDONEONISTA

Con una trayectoria de más 30 años de intensa labor musical dentro y fuera del tango, se ha presentado en los más importantes escenarios y salas de conciertos del país; como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Netzahualcóyotl, el Auditorio Nacional; en los festivales culturales de Zacatecas, Xalapa, Aguascalientes, en el Sinaloa de las Artes, Centro Histórico de la Ciudad de México, Instrumenta Oaxaca, Festival de Música de Morelia y el Festival Internacional Cervantino entre otros.

Tiene en su haber 19 trabajos discográficos: "Suite Piazzollana", "Tangostinato" junto al grupo japonés "Adokín" (Liao Records - Japón), "Five for Tango" con el Cuarteto Latinoamericano de Cuerdas, “Línea Tanguera” junto con la agrupación Cuatro para tango, “El tango de México” y el más reciente “Tango que me hiciste mal…” con la Orquesta Mexicana de Tango, entre otros.

TRIO DE TANGO, MAURIN-VIZZI-PAZ

Tango Trío se formó hace 18 años en Argentina en el espacio cultural El Colectivo, en Buenos Aires, para difundir los diferentes ritmos de ese género y expresar la libertad y la comunión que se genera en el escenario con los músicos y el público asistente durante las interpretaciones.

Su original propuesta musical viaja desde sonidos únicos, como la milonga, con mucho mayor ritmo musical, a través del vals y su melodía tranquila, para culminar con el tango, que expresa profundos sentimientos melancólicos y lo caracteriza también al ritmo del baile.

Algunas de las piezas que el trío interpreta: El abrojito, Romance de barrio, Vida mía, Sur y La milonga, además de explicar a la audiencia sobre los autores de cada tema y el contexto de los mismos.

El Tango Trío está conformado por el guitarrista Juan Maurín, el bandoneonista Raúl Vizzi y el contrabajista Sabino Paz.

#LoDeInés #ClaustroDeSorJuana #Universidad #Tango #Congreso #Tangoterapia #Danza #Música #Milonga #Sur #Bandoneón #Piano

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hermesberrio · 6 years

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#Repost @lafiambrera with @get_repost ・・・ Y aquí el tercer artista que participa en "Street View". Hermes Berrío es un artista urbano egresado en Arte por la Universidad de Nueva York en 2005 y tiene estudios de posgrado en el Instituto Pratt. Desde muy temprano su trabajo recibe elogios por parte del mundo académico en el que estudia, además de diversos reconocimientos y becas otorgados por su excelente rendimiento y altas calificaciones. Sus intervenciones urbanas pueden disfrutarse en espacios públicos y privados de ciudades como Madrid, Méjico, Bogotá o Miami; la obra pictórica de Berrio ha sido parte de relevantes ferias internacionales de arte y hoy día forma parte de destacadas colecciones privadas de Canadá, Uruguay, Méjico, Estados Unidos, Italia, Suiza y España; sus obras se han expuesto en instituciones y galerías de todo el mundo, y algunas de sus piezas han sido alabadas incluso por prestigiosas casas como Christie’s, y han sido expuestas en relevantes ferias internacionales de arte. Cabe destacar su galardón como finalista del ZX FLUX Adidas Contest en 2014, la mención de honor de 2009 del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá o más recientemente la obtención de la beca de la Fundación Pollock-Krasner para el año 2017-2018, una de las becas más importantes del mundo, así como su participación simultánea en 2017 en las ferias Spectrum, Red Dot y Art Spot, que tienen lugar alrededor de ArtBasel Miami, la invitación de la Embajada de Colombia en Madrid, siendo invitado de honor durante la celebración las ferias de arte ARCO y JustMad en ese mismo año, o desde el Ayuntamiento de Bogotá para ser jurado de la Beca de Intervención Urbana en 2015. #streetviewexpo #hermesberrio #España #Madrid #19deoctubre #19102018 #madridcity #urbanart https://www.instagram.com/p/BojPld-hvx0/?utm_source=ig_tumblr_share&igshid=12umc5jdwstrk

#repost #streetviewexpo #hermesberrio #españa #madrid #19deoctubre #19102018 #madridcity #urbanart

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estudiodedecoracion · 6 years

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Peter Marino

Peter Marino. Arquitecto, diseñador e interiorista.

Peter Marino (1949, EE.UU.) es un arquitecto estadounidense acreditado a nivel internacional por re-definir el lujo moderno en arquitectura y decoración, y muy conocido por integrar el arte dentro de sus diseños de interiorismo.

Marino obtuvo un título de la Facultad de Arquitectura, Arte y Planificación de la Universidad de Cornell, una universidad privada y estatutaria de Ivy League ubicada en Ithaca, Nueva York.

Peter Marino comenzó su carrera arquitectónica trabajando para Skidmore, Owings & Merrill LLP (SOM); George Nelson, y I.M. Pei / Cossutta & Ponte.

En 1978 fundó su firma de arquitectura y diseño Peter Marino Architect PLLC, de la que es director, con sede en la ciudad de Nueva York, y con -en la actualidad- 160 empleados y oficinas en Filadelfia y Southampton.

Ese mismo año de 1978 Andy Warhol lo contrató para hacer un proyecto de renovación de su casa en el Upper East Side de Manhattan y la tercera “encarnación” de Warhol’s Factory en el 860 de la calle Broadway.

Su trabajo para Warhol le abrió las puertas a comisiones residenciales de clientes en el mundo del arte, así como de la aristocracia europea.

En lo personal Peter Marino está casado con la diseñadora de vestuario Jane Trapnell, con la que tiene una hija.

Marino es un destacado coleccionista de arte: porcelana francesa, arte moderno y contemporáneo, y bronces franceses e italianos desde mediados del siglo XVI hasta mediados del siglo XVIII.

También destaca por su personal estilo a la hora de vestir; con una apariencia de “motorista tatuado” viste principalmente con ropa negra de cuero, con hebillas y tachuelas, y con una sempiterna gorra también negra y de cuero.

En 1985, la familia Pressman, que en ese momento era propietaria de Barneys New York, contrató a Peter Marino para diseñar el concepto de venta minorista para la tienda departamental dedicada a las mujeres.

Este fue el primer proyecto minorista de Marino, que lo llevó a diseñar 17 grandes almacenes independientes Barney en los EE. UU. y Japón entre 1986 y 1993.

El trabajo de Marino para Barneys lo puso en contacto con otros diseñadores de moda para los que pasó a diseñar boutiques, como Calvin Klein; Donna Karan; Giorgio Armani; Ermenegildo Zegna, y Fendi; y finalmente Chanel; Dior, y Louis Vuitton.

Así en 1996, Peter Marino diseñó una boutique para Giorgio Armani en la Avenida Madison (Nueva York), que fue considerada como la encarnación del “minimalismo de marca registrada“, refiriéndose a como Peter Marino reflejaba el estilo Armani.

En 2004, The New York Times acreditó la teoría de que “el diseño arquitectónico puede ser un componente importante de la identificación de un comprador con una marca“, citando al emblemático buque insignia de Giorgio Armani en Madison Avenue.

El artículo también hace referencia a la Torre Chanel (2004) en el exclusivo distrito japonés de Ginza “que toma el tweed blanco y negro de Coco Chanel y lo explota en tres dimensiones“.

El edificio de 56 metros de altura, tiene un muro cortina de vidrio que encapsula un bloque de aluminio en forma de nido con el patrón de tweed típico de la Casa Chanel.

Las características notables del proyecto incluyen una fachada interactiva de vidrio con 700.000 diodos incrustados emisores de luz, y primera de su clase, y un sistema de 1.120 metros cuadrados de persianas enrollables (de lona) y un cristal electrónico que cambia su estado y permite a los empleados de la oficina ver durante el día, mientras que proporciona un fondo negro por la noche.

En 2007, el primer proyecto de Peter Marino de gran altura de condominio de lujo se inauguró en el 170 East End Avenue en la ciudad de Nueva York. El edificio tiene un amplio vestíbulo de mármol que conduce a un jardín y a una cascada en la parte posterior.

En octubre de 2014, Marino diseñó la tienda insignia para Boontheshop en Seúl, el barrio coreano de Cheongdam-dong, una marca minorista propiedad de Shinsegae, un especialista de productos de lujo surcoreano.

El proyecto de 55.000 pies cuadrados consiste en dos edificios angulares revestidos de mármol blanco y conectados por puentes de vidrio, y que fue la primera tienda multimarca de Marino desde el proyecto de Barneys New York.

En enero de 2015, Peter Marino completó la tienda insignia para Louis Vuitton en Rodeo Drive, en Beverly Hills (California).

La tienda principal para Hublot (2016) en Nueva York, donde Marino diseñó tanto el edificio como los interiores, se convirtió en la boutique más alta de la marca de relojes suizos en el mundo con una esbelta estructura situada en la Quinta Avenida del Midtown en Manhattan, donde abundan otras marcas de lujo.

Otros proyectos actualmente en proceso incluyen: The Getty, un condominio de 11 pisos y una galería de arte adyacente a The High Line (un parque lineal elevado creado en un antiguo espolón del Ferrocarril Central de Nueva York, en el lado oeste de Manhattan).

Una torre de gran altura para Chanel en el distrito de Namiki (Tokio) y los buques insignia de Chanel en Seúl, París y Nueva York.

El restaurante “The Lobster Club” en el Seagram Building de Nueva York; un nuevo buque insignia para Louis Vuitton en Place Vendome en París; Bulgari y Ermenegildo Zegna flagships en la calle 57 de Nueva York.

Un hotel Cheval Blanc en la histórica La Samaritaine (París); los buques insignia de Dior en Seúl y Beijing, y numerosas residencias privadas en todo el mundo.

Entre sus proyectos expositivos y de diseño cabe destacar: “Beauty & Power“, una exposición de su colección de bronces renacentistas y barrocos en la Colección Wallace de Londres (del 29 de Abril al 25 de Julio de 2010).

“One Way: Peter Marino” en el Bass Museum of Art de Miami (3 de Diciembre de 2014 al 17 de Mayo de 2015).

“Memento Mori: Robert Mapplethorpe, fotografías de la Peter Marino Collection” en Tokio (14 de Marzo al 9 de Abril de 2017).

“Fuego y agua“, una exposición de sus esculturales cajas de bronce (Bronze Boxes) en la Gagosian Gallery de Londres (25 de Junio al 11 de Agosto de 2017).

Peter Marino es miembro de la junta directiva de Venetian Heritage Foundation; del Comité Internacional de L’Union Centrale des Arts Décoratifs, y miembro del Instituto Americano de Arquitectos.

Peter Marino ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluyendo 21 citas del Instituto Estadounidense de Arquitectos por la excelencia en el diseño arquitectónico.

Peter Marino también fue galardonado en 2012 con el Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres del Ministerio de Cultura francés en reconocimiento a su importante contribución al arte y la cultura en Francia.

Peter Marino (pág. web).

Peter Marino y uno de sus “Bronze” Boxes.

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planboaxaca · 3 years

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elsolnetworktv · 6 years

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ICA, el nuevo museo de arte de Miami, tiene diseño español

El Instituto de Arte Contemporáneo de Miami (ICA), un museo dedicado a brindar “acceso libre y gratuito al arte innovador”, inauguró hoy su nueva sede, un elogiado “monumento a la innovación” del estudio español Aranguren & Gallegos.

“Ha sido como poner una pica en Flandes”, dijeron a Efe José González Gallegos y María José Aranguren López, titulares del estudio, que asistieron a la inauguración…

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metropolisanluis · 7 years

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Invitan al taller del artista plástico Gabriel Garcilazo

El Instituto Potosino de Bellas Artes como parte de sus actividades para el desarrollo de artistas en la comunidad, lleva a cabo el taller de Dibujo Contemporáneo, impartido por el sobresaliente artista Gabriel Garcilazo. En esta ocasión diversos artistas visuales y plásticos enviaron su dossier a la coordinación de artes plásticas del IPBA para ser evaluado y poder ser parte de este taller y así aprender del trabajo y enseñanzas de Garcilazo, el cual enfoca sus proyectos y obras en procesos de investigación de imágenes e información extraída de medios masivos y de la cultura visual, para abordar, a partir del absurdo o el humor, problemáticas o fenómenos sociales actuales. Este taller es posible gracias a los esfuerzos del Gobierno del Estado de San Luis Potosí, que a través de la Secretaria de Cultura y con la gestión y planeación del Instituto Potosino de Bellas Artes hacen para lograr los planes de desarrollo cultural del Estado. Con el apoyo del Programa Creadores en los Estados el objetivo es fortalecer las acciones de difusión y formación artística y cultural de las entidades federativas, a través de la participación de los integrantes del Sistema Nacional de Creadores de Arte y de su obra. De manera conjunta con el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y el Centro Nacional de las Artes (CENART), se implementan acciones para apoyar al Programa de Retribución Social, que propicia que los beneficiarios del FONCA retribuyan a la sociedad los apoyos que han obtenido para su creación y su desarrollo profesional. La importancia de que un artista como él imparta un curso en nuestra ciudad, además de ser el resultado de sinergia entre Instituciones para el bien social, es la trayectoria de Garcilazo que es substancial resaltar, ya que cuenta con diversos estudios y especialidades, además de la relevancia de sus exposiciones y obras a lo largo de su carrera: Maestría en Artes en la UNAM, México, y la Licenciatura en Artes Visuales y con Especialidad en Arte Contemporáneo y Critica en el Centro Morelense de las Artes (México, 2008). Entre sus exposiciones individuales se encuentran Códice Vaquero, en el Centro Cultural Jardín Borda (Cuernavaca 2015). Ciudades Invisibles, en la Galería de Instituto Cultural de México en Miami, Florida(2014), Dulce violencia (2010) y Un asunto tenebroso (2007), estas últimas en la Galería del Centro Morelense de las Artes del Estado de Morelos (2011). Colectivamente ha expuesto en la X Bienal de la Ibero, Puebla (2015), VII Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán, Mérida (2015), Wynwood Art Walk en Robert Fonataine Gallery, Miami, E.U.A. (2013); Collective Show Mexico City en Casa Mauad (2014) y en Neter Proyectos (2013), ambas en México, D.F. Scope Art Fair en N.Y., E.U.A. y Basel, Suiza (2013); 5ª Bienal Internacional de Arte Visual Universitario (2012); CMYK en Espacio Planta Baja, Cuernavaca, Morelos (2012); V Bienal de Artes Visuales de Yucatán en el Centro de Artes Visuales en Mérida, Yucatán (2011); Beuys don’t cry en Espacio Planta Baja, Cuernavaca, Morelos (2011); 7ª Bienal Alfredo Zalce en el Museo Alfredo Zalce de Morelia, Michoacan (2009); I Bienal Pedro Coronel en el Museo Pedro Coronel, Zacatecas (2008); Bienal Artemergente ’06, Casa de la Cultura de Nuevo León, Monterrey (2006); Emplazamiento LAALvaca, Puebla, Pue. (2004) entre otras. Fué ganador de la X Bienal de la Ibero, Puebla(2015) y de la I Bienal Internacional de Artes y Diseño de la UNAM(2014) y beneficiario de la Beca Nacional de Jóvenes Creadores del FONCA (en 2007 y 2010), fue publicado en la revista Tierra Adentro num. 172 (2011) y en el Catalogo de Artistas Emergentes mART (edición 2009-10). El Instituto Potosino de Bellas Artes te invita a mantenerte al tanto de sus actividades y oferta académica y no perderte ninguno de los beneficios que el arte tiene para ti, es por eso que tiene sus puertas abiertas en Av. Constitución esquina con Av. Universidad s/n, Centro, o comunicarte en sus diversas líneas de comunicación. Teléfono: (444) 822 12 06; o entrar a su página en Facebook: Instituto Potosino de Bellas Artes. -

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planboaxaca · 3 years

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Luis Romero (Caracas, 1967) Es artista, gestor cultural, curador y editor independiente, director del espacio ABRA Caracas desde 2016. @abracaracas Como artista tiene una amplia trayectoria con exposiciones individuales en Venezuela, Estados Unidos, Holanda y Bolivia. Su obra está representada en colecciones públicas y privadas. Su trabajo ha estado expuesto en Documenta 12 en Kassel, Alemania; Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil; Bienal de Cuenca, Ecuador; Bienal del Caribe, República Dominicana; MUSAC, Castilla y León, España; Valparaíso Intervenciones, Chile; Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá; Cart(a)jena en Cartagena, Instituto de Visión, Bogotá; Trienal Poligráfica de San Juan y PR’04, en Puerto Rico; Galería Alejandra Von Hartz, Miami; feria ARCOmadrid; y Museo de Arte Alejandro Otero, Museo Jesús Soto, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Bellas Artes y Museo María Abreu en Venezuela. Entre 2005 y 2015 dirige la galería Oficina #1 en Caracas, Venezuela, curando más de 60 exposiciones. Entre sus reconocimiento y residencias se incluyen la Beca Unesco-Aschberg para la Residencia Artística de la Rijsakaemie en Amsterdam, Holanda; residencia en Gasworks, Londres; y CIFO Grants & Commissions Programs Award, Miami. En el 2016 Luis Fue artista residente en el laboratorio de arte oaxaca de @lacurtiduriaoaxaca . En donde realizó una extensa investigación en torno a la idea y formalidad de la pirámide como elemento que le permite relacionar nociones de la modernidad latinoamericana junto con procesos de mestizaje . @callmeelromero #luisromero #artewnvenezuela #siemprehayunplanb #thereisalwaysaplanb #oaxacadiverso #oaxacacreativo #oaxacacomunidad #oaxacaradical #invertirenideasdelfuturoahora #apoyaatuartistalocal #supportyourlocalartist #arteenescaladomestica #contemporaryartcollector #colectividadradical #crucespolinizados #oaxacanart #artlandapp #newmodern #dailyart #livingwithart #artadvisor https://www.instagram.com/p/CU7ZZfvLt7H/?utm_medium=tumblr

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