musica-barroca - Tumblr blog

musica-barroca · 5 years

Text

Los Acordes Que son Para Que Sirven, Diferentes Tipos

En este articulo quiero hablar sobre los acordes, ya que la teoría básica de la música es importante para todos los músicos!. Pero la verdad es que muchos no ponen la cantidad correcta de tiempo y esfuerzo en lo básico (pero no tú, ¿verdad? Bien).

Dedicar incluso una pequeña cantidad de energía a unos pocos conceptos básicos de la teoría de la música valdrá la pena de forma masiva para la composición de tus canciones.

Pero, ¿cuáles son los conceptos teóricos musicales más importantes que todo músico debe conocer?. Una de las habilidades más vitales es la construcción de acordes… La construcción de acordes es un elemento básico de la teoría musical con el poder de transformar la forma en que escuchas, entiendes y escribes música.

Incluso si ya sabes cómo construir acordes, una rápida actualización siempre ayudará a afinar sus habilidades.

En este artículo aprenderás a construir 4 tipos de acordes comunes en cualquier nota raíz de la música memorizando patrones simples de notas. Para sacar el máximo provecho de este tutorial, toque junto con el instrumento de tu elección.

¿Qué son los acordes en la música?

Los acordes son dos o más notas armónicas tocadas al mismo tiempo. La mayoría de los acordes básicos se construyen utilizando tres notas. Los acordes se construyen sobre su nota raíz (la nota inicial). El resto de las notas de un acorde están determinadas por la calidad del acorde.

Los acordes se pueden construir con docenas de notas, aunque el resultado probablemente sería un enorme lío disonante que no sería útil para nada más que para la música experimental.

Aprender para que sirven los acordes en la musica

Trata de pensar en tu música como un edificio. Tus acordes son la base. Para entender mejor cómo funcionan los acordes en tu música, piensa en tu canción como un edificio. Tus acordes son la base.

Los oyentes no siempre reconocerán los acordes en una canción, pero ellos proporcionan la forma y el espacio para apoyar una melodía. Los acordes pueden ser tocados por cualquier cosa, desde una guitarra hasta un quinteto de metal.

La construcción de acordes y progresiones de acordes es simple una vez que usted entienda lo básico. Pero para construir acordes, es necesario saber qué intervalos son primero….

¿Qué son los intervalos en la música?

Los intervalos son las relaciones nota a nota que escuchamos en la música. Los acordes son simplemente combinaciones variables de intervalos. Como pronto aprenderás, incluso el más mínimo cambio de los intervalos de un acorde resulta en cambios masivos.

Para entender los intervalos en los acordes, es necesario conectar un número específico de semitonos. Los semitonos son la distancia entre una nota y la que está directamente encima de ella.

Los acordes proporcionan la forma y el espacio para apoyar una melodía. En la guitarra, un semitono está representado por un traste. En un piano, los tonos y semitonos son diferentes.

Diferentes tipos de acordes y cómo hacerlos

¿Quieres dominar la teoría y el marco de arreglos que hay detrás de la música única y memorable?. Saber cómo escribir una gran progresión de acordes es clave para producir una canción memorable y de sonido profesional. Pero ¿cuál es el punto de partida para una gran progresión de acordes? Conocer los diferentes tipos de acordes.

En este artículo, veremos los acordes comunes, cómo suenan y dónde usarlos. pero si lo que estas buscando es conocer los acordes de tu canciones favoritas para poder tocarlas como si fueras todo un profesional esta pagina https://mundoacordes.net es la mas apropiada ya que tiene un sin fin de acordes musicales en todos los generos posibles y una variedad, si lo que que quieres es sentirte todo un musico de verdad esta web es para ti.

Antes de continuar, asegúrate de que está familiarizado con los siguientes conceptos:

Notas: ¿Puede nombrar las notas en un piano? Intervalos: ¿Sabes lo que es un tercio mayor y un quinto perfecto? Escalas/llaves: ¿Sabes lo que es una escala mayor? Ahora que ya lo tienes claro, hablemos de lo que es un acorde.

Calidad de acordes

El tipo de acorde que está tocando depende de los intervalos entre las notas del acorde. Otro nombre para esto es la calidad del acorde. Major es un tipo de calidad de acordes, al igual que Minor.

Cada calidad de acorde tiene su propio sonido distinto. Algunos sonarán felices, otros tristes y otros misteriosos. El aprendizaje de estos diferentes tipos de acordes hará que la escritura de progresiones más fácil.

¿Por qué es esto?

Si estas atascado escribiendo una progresión de acordes, pero sabes que quiere un acorde feliz / triste / malvado / misterioso para continuar, todo lo que tiene que hacer es elegir un acorde con esa cualidad.

Ahora, vamos a discutir los tipos de acordes comunes, cómo construirlos y dónde encontrarlos.

Conoce los diferentes tipos de acordes musicales

Tipos de acordes

Hay 9 cualidades comunes de acordes que debes tener en cuenta. Algunos de estos no se usan con frecuencia, mientras que otros se usan ampliamente:

Mayor

Menor

Disminuido

Séptimo Mayor

Séptima Menor

Séptima dominante

Suspendido

Aumentado

Extendido

Es posible que haya oído hablar de algunos de ellos, mientras que otros pueden ser extranjeros. Está bien, ahora te explicar un poco mas a detalle algunos de los mas importantes.

Acordes con dos notas

Los “acordes” de dos notas se denominan intervalos. En teoría musical, un intervalo es la diferencia entre dos tonos. Un intervalo se denomina de acuerdo a su número y calidad. Por ejemplo, un “tercio mayor” es un nombre de intervalo, en el que el término “mayor” describe la calidad del intervalo y “tercero” indica su número.

El número de un intervalo es el número de notas que abarca. Se cuentan tanto las líneas como los espacios de un pentagrama musical, incluyendo las posiciones de ambas notas que forman el intervalo. Por ejemplo, el intervalo de la nota C a G es un quinto porque el número de notas de Do a Sol es de cinco (Do, Re, Mi, Fa, Sol), que ocupan cinco puestos de trabajo consecutivos, incluidas las posiciones de Do y Sol. El nombre de cualquier intervalo se califica aún más usando los términos perfecto, mayor, menor, aumentado y disminuido.

Acordes Dissonantes

Algunos acordes tienen diferentes cualidades para su sonido, que pueden no sonar en perfecta armonía, y estas cualidades se conocen como acordes disminuidos y aumentados. Pueden sonar extraños o desequilibrados. Estos son “disonantes” y aunque estos acordes no suelen ser agradables al oído en el sentido tradicional, son bastante cautivadores cuando se colocan estratégicamente en la música.

Acordes con más de tres notas

Los acordes pueden tener más de 3 notas, estos acordes se conocen como tétradas o acordes terciarios. Estos pueden incluir acordes de séptima, acordes de tonos añadidos, acordes extendidos, acordes de tonos alterados y grupos de tonos.

Acordes rotos

Las notas de un acorde roto no se tocan simultáneamente, tal como suena, sino que se divide en una secuencia de notas. Un acorde roto puede repetir algunas de las notas del acorde, también.

El término musical arpegio significa tocar un acorde roto en orden ascendente o ascendente. Cada arpegio es un acorde roto, pero no cada acorde roto es un arpegio.

Progresiones de acordes

Una serie ordenada de acordes se llama una progresión de acordes o una progresión armónica. Las progresiones de acordes son la base de la armonía en la música americana y la tradición clásica.

Conclusión

Existen muchos más acordes que estos. Yo diría que si estas iniciando con los acordes, entonces estos son ideales para aprender acerca de ellos.

También, como con cualquier cosa en la música el estado de ánimo y la sensación de los acordes es una cosa subjetiva. Tienes que descubrir qué acordes te gustan. Si algo no suena suspensivo u oscuro para ti, entonces no suena suspensivo u oscuro para tu publico.

La entrada Los Acordes Que son Para Que Sirven, Diferentes Tipos aparece primero en Musica Barroca.

from Musica Barroca https://ift.tt/2N5HqX4

0 notes

musica-barroca · 5 years

Text

Los Mejores Dispositivos con los que Disfrutar de la Música Barroca

Para disfrutar de tu música barroca favorita debes contar con un buen equipo que te aporte un sonido potente, sin ruido ni distorsiones. Queremos presentarte un listado de los mejores equipos y reproductores musicales para ayudarte a elegir el que más te convenga según tus necesidades de potencia y calidad.

Ventajas de los equipos compactos de música

Debido a la virtualización actual hemos pasado del uso de aparatos analógicos con características limitadas a un mundo moderno, donde la música esta digitalizada, al alcance de todos y sin distorsiones.

Las horas de reproducción son muy importantes, no queremos que a la mitad del concierto de Vivaldi el reproductor se detenga por falta de batería. Los equipos compactos tienen la ventaja de ofrecer un sonido continuo gracias a su conexión a la corriente alterna

Conectividad, la capacidad de que nuestro equipo se pueda conectar con la computadora, TV o cualquier fuente de sonido externa nos ofrece mucha versatilidad

Sonido envolvente, gracias al uso de varios altavoces que contribuyen a canales de audio distintos puedes oír toda la gama de sonidos, de tal forma que se percibe un gran realismo

Reproducen distintos formatos de música, siendo MP3 el más utilizado.

Minicadenas

Estos equipos pensados para el hogar se caracterizan por ser compactos y accesibles a la vez que ofrecen una excelente calidad de sonido. Reproducen discos compactos, pendrives, dispositivos móviles, TVs, computadoras y cualquier fuente de sonido gracias a sus entradas auxiliares. También permiten la conexión por medio de Bluetooth y servicios de transmisión en línea como Spotify.

Si deseas adquirir una, en esta pagina minicadena.info encontraras las mejores minicadenas del mercado, basándose en opiniones de clientes, relación calidad precio y características técnicas. En esta web podrás encontraras minicadenas con estupendas características, modernas, con conexión wifi, sonido Hi-Fi, buena potencia, múltiples entradas, subwoofer, recepción AM y FM, control remoto, etc. De distintas marcas y modelos, además de comparativas con las que podrás ver cuál es la mejor de todas, cual ofrece una mejor relación calidad-precio y la más barata si es que llevas un presupuesto ajustado.

Microcadenas

Las microcadenas son ideales para quienes desean llenar de música alguno espacio pequeño. Su pequeño tamaño ofrece una potencia moderada por lo que son más accesibles. Ofrecen muchas opciones de conectividad con las que podrás reproducir música desde distintas fuentes o plataformas, como el móvil, computadora o servicios de transmisión online.

Los mejores sistemas stereo para disfrutar de la musica barroca.

Reproductores de mp3 portátiles

Este tipo de aparatos te permiten reproducir música que previamente hayas garbado en ellos, aunque también te permiten entradas por tarjeta SD y pendrives. Están diseñados para ser transportados con facilidad por lo que son de tamaño pequeño e incorporan una batería recargable, ideales para salir a correr o llevar música a tus viajes. Emiten el sonido a través de pequeños altavoces incorporados o por medio de la conexión con auriculares o altavoces externos.

Utilizan un software para la reproducción de sonido, por lo que pueden almacenar un gran número de músicas de acuerdo a su capacidad de almacenamiento, pudiendo estar entre 1 GB y 20 GB o más dependiendo del fabricante. Una ventaja adicional, es que además te permiten guardar todo tipo de archivos.

Teléfonos Móviles

Los móviles están mejorando mucho en cuanto a su calidad para la reproducción de música, siendo una opción atractiva para todos aquellos melómanos. Además de la cámara, calidad de pantalla y rendimiento, la experiencia de audio también es un factor de peso.

Para disfrutar de Mozart en un teléfono móvil te recomendamos que lo elijas por la potencia de su altavoz, lo cual te garantizan una mejor calidad de sonido. Los móviles de gama media alta incluyen un sonido estéreo muy potente, con frecuencias medias, agudas y graves aceptables. Pero debes saber que esto solo lo consigues con los mejores fabricantes, lo que supone un mayor precio. La mayor limitante para usar un móvil como reproductor de musía es su batería, pues se agotara con mucha rapidez.

Computadoras

Las computadoras al igual que los celulares apuntan a la mejora de la calidad del sonido, y más ahora con la llegada de servicios de música por streaming. Tienen incorporado un equipo completo de grabación, y reproducción de música. Debes elegir las mejores en base a tu propuesto y lo que estés buscando evaluando la velocidad del procesador, y la RAM ya que estos determinan la fluidez y calidad del sonido.

Las laptops poseen altavoces incorporados, pero no ofrecen una calidad superior mientras que las desktop deben conectarse a un periférico de sonido que pueden ser altavoces comunes de computadoras o alguno de los medios arriba descritos para obtener una salida de audio de mayor calidad.

La tecnología nos ofrece distintos equipos y dispositivos para escuchar música barroca en casa con una calidad tal, que podemos sentirnos atrapados por la melodía. Son capaces de inmortalizar el momento y llevarlo a ti con la misma calidad, gracias a los cuales se han perpetuado en el tiempo las obras de nuestros grandes artistas como Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frederich Handel, Claudio Monteverdi por mecionar algunos. Así que esperamos que puedas elegir el equipo que más te convenga adaptado a tu bolsillo y las especificaciones que buscas.

La entrada Los Mejores Dispositivos con los que Disfrutar de la Música Barroca aparece primero en Musica Barroca.

from Musica Barroca https://ift.tt/2Nes2Gz

0 notes

musica-barroca · 5 years

Text

La Música en el Renacimiento Instrumentos, Caracteriticas, Periodos

La musica en el renacimiento era una parte esencial de la vida civil y religiosa. El rico intercambio de ideas en Europa, como los sucesos políticos, económicos y religiosos en el periodo 1400 a 1600 en base a algunas caracteristicas del barroco dieron sitio a importantes cambios en los estilos de composición, los métodos de difusión de la música, los nuevos géneros musicales, y el desarrollo de instrumentos.

La música más esencial del primer Renacimiento fue compuesta para ser usado por la iglesia-polifónica (compuesto de múltiples armonías simultáneas) misas y motetes en latín para esenciales iglesias y capillas de la corte. A fines del siglo XVI, no obstante, el patrocinio se dividió entre muchas áreas: la Iglesia Católica, las iglesias protestantes y los tribunales, apasionados ricos, y la impresión a toda la música eran las fuentes de ingresos para los músicos. A principios del siglo XV fue dominado en un inicio por el Inglés y músicos europeos del norte.

Corte de Borgoña

Fue singularmente influyente, y atrajo a músicos de toda Europa. El más esencial de ellos fue Guillaume Dufay (1397-1474), cuya oferta musical variada incluido motetes y misas por los servicios de la iglesia y la capilla, muchos de cuyos grandes estructuras musicales basadas en el canto gregoriano existente. Sus muchos pequeños ajustes de la poesía francesa muestran un lirismo melódico dulce ignota hasta su temporada. Con su dominio de la manera musical a gran escala, como su atención al texto-entorno secular, Du Fay preparó el escenario para las próximas generaciones de músicos renacentistas.

Por en torno a 1500, la música letrada europea estaba dominada por los músicos franco-flamencos, el más importante de los que fue Josquin Desprez (1450-1521). De la misma manera que muchos músicos señalados de su temporada, Josquin viajó extensamente por toda Europa, trabajando para clientes del servicio en Aix-en-Provence, París, Milán, Roma, Ferrase y Condé-sur-l’Escaut. El intercambio de ideas musicales entre Francia, Países Bajos, Italia y dio sitio a lo que podría considerarse un estilo europeo internacional. Por una parte, la polifonía o bien la música multivoiced con su estilo de contrapunto horizontal seguido desarrollando en dificultad.

Al tiempo, la armonía basada en una predisposición vertical de intervalos, incluyendo terceras y sextas, fue explorada por sus texturas y llenos de pertinencia a fin de que acompañe a una línea vocal. La música de Josquin resume estas tendencias, con el estilo del Norte complicada polifonía usando cánones, armonías preexistentes, y otras estructuras compositivas sin inconvenientes fusionó con la inclinación italiana para establecer con ingenio palabras con las armonías que resaltan la poesía en vez de disfrazarlo con la dificultad. Josquin, como Du Fay, compuesta primordialmente misas y motetes latinos, mas en una inacabable pluralidad de estilos. Su producción secular incluye ajustes de poesía cortesana francesa, como Du Fay, sino más bien asimismo arreglos de canciones populares francesas, música instrumental, y frottole italiano.

Con el comienzo del siglo XVI, en la música del renacimiento europea se generaron una serie de cambios trascendentales en 1501, el impresor veneciano llamado Ottaviano Petrucci publicó la primera compilación esencial de la música polifónica, el Harmonice Musices Odhecaton A. El éxito de Petrucci condujo por último a la música.

Impresión de la musica instrumental en el renacimiento

En Francia, Alemania, Inglaterra, y en otros paises. Ya antes de 1501, toda la musica en el renacimiento debía ser copiada a mano o bien aprendido de oído; libros de música eran propiedad exclusiva de los establecimientos religiosos o bien cortes exageradamente ricas y los hogares. Tras Petrucci, al tiempo que estos libros no eran económicos, se hizo posible para un número considerablemente mayor de personas que tienen que aprender a leer música.

El Periodo Renacentista

Prácticamente al tiempo, la tecnología de instrumentos condujo al desarrollo de la viola da gamba. Una con trastes, se inclinó instrumento de cuerda. músicos europeos apasionados de medios acometió la flauta, como el laúd, la grabadora, el clave, el organo barroco y otros instrumentos. La viola de gamba y la grabadora se jugaron juntos en consortes o bien conjuntos, y para facilitar esto frecuentemente se genera en las familias o bien en conjuntos, con diferentes tamaños que juegan las distintas líneas. Publicaciones de Petrucci y otros proveen estos jugadores por vez primera con la música anotada (en contraposición a la música improvisada que desempeñan los instrumentistas profesionales). El siglo XVI fue testigo del desarrollo de la musica instrumental del renacimiento como la canzona, ricercare, fantasia, alteraciones, y las composiciones de danza inspirado en contrapunto, tanto para solistas y conjuntos, como un género realmente diferente y también independiente con sus modismos separado de formas vocales y práctica acompañamiento al baile.

Los instrumentos representados en el estudio del duque Federico da Montefeltro de Urbino (1479-1482) representan tanto su interés personal en la música y el papel de la música en la vida intelectual de un hombre del Renacimiento educado. Los instrumentos se ponen al lado de múltiples instrumentos científicos, libros y armas, y que incluyen un órgano portátil, laúdes, violín, cornetti, un cuerno de caza,una flauta, tambor, un anillo de harpa, tintineo, un rabel y una lis.

Desde 1520 hasta finales del siglo XVI, los músicos de toda Europa emplean el lenguaje polifónico de la generación de Josquin en la exploración de la expresión musical mediante la canción francesa, el madrigal italiano, el tenorlieder alemán, el villancico de España, y la canción Inglés, como en la música sagrada.

la Reforma y contrarreforma afectó de manera directa a la polifonía sagrada de estos países. Las revoluciones protestantes (sobre todo en el norte de Europa) cambiaron en sus actitudes cara la música sagrada, con lo que dichos cambios arte como la introducción de himnos parcialmente simples en idioma alemán (o bien corales) cantadas por la congregación de los servicios luteranas. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525/26-1594), profesor de capilla en la Cappella Giulia al lado de San Pedro, en la ciudad de Roma, es visto por muchos como el icónico músico alto renacimiento de la Contrarreforma música sagrada, que cuenta con líneas claras, una pluralidad de texturas, y una reverencia musicalmente expresiva de sus textos sagrados. El inglés (y católico) músico William Byrd (1540-1623) a horcajadas sobre los 2 mundos, componiendo obras-mandado mensajes de texto latino para la Iglesia Católica.c

La musica en el renacimiento y los humanistas del siglo XVI estudiados

Viejos tratados helenos sobre la música que discute la angosta relación entre la música y poesía, de qué manera la música podría agitar las emociones del oyente. Inspirado por el planeta tradicional, renacentista músicos palabras de ajuste y la música juntos de una forma poco a poco más trágica, como se ve en el desarrollo del madrigal italiano y después de las obras de ópera de Claudio Monteverdi (1577-1643). La adaptación del renacimiento de un músico cantando y acompañándose con un instrumento de cuerda, una alteración sobre el tema de Orfeo, aparece en obras de arte del Renacimiento como Caravaggio, y Tiziano’s Venus y el jugador del laúd.

Caracteristicas de la musica del renacimiento

La musica en el renacimiento es similar a la música medieval. Esto es porque se producen una serie de cambios distintos, de los cuales podemos destacar los siguientes algunas caracteristicas de la musica renacentista:

La musica durante el periodo del renacimiento

Desarrollo de la técnica polifónica, La polifonía alcanzó alta complejidad la musica en el Renacimiento, el uso generalizado de los grupos lingüísticos con diferentes tesituras y timbres. Durante este periodo, ya podemos hablar de las 4 voces que llegaron hasta estos dias (bajo, soprano, alto y tenor ). En el ambito polifónico, 2 técnicas de composición son las que se distinguen: una homofonica (donde se manera homogénea se mueven las voces) y otra contrapuntista (en donde la voz de manera independientemente se mueve).

Reemplazo del ritmo irregular: Debido a la gran complejidad de la polifonía, que es una de las es una de las características de la musica del renacimiento, los sistemas de clasificación deben ser desarrollados en términos métricos, esto hace que se descarte el ritmo libre gregoriano, para marcar una medidas firmes de música, en donde los tiempos de las duraciones de los sonidos sean completamente absolutas.

Los cambios de armonía: Compositores comienzan a presentar sus trabajos en la voz de los terceros de distancias superpuestas que no fueron utilizados en la Edad Media. Este uso de la tercera serán los correctos antecedentes nuestro actual sistema de sonido

La música en los periodos del renacimiento

El periodo del Renacimiento musical comprende los siglos XV y XVI, dentro de este podemos destacar 3 etapas importantes:

Primer Renacimiento

Inicia en la primera mitad del siglo XV. También es nombrado como el periodo franco-flamenco, gracias a que los duques de Borgoña actuaron como mecenas de un grupo de grandes personajes, que se convertirán en los artistas más importantes de aquella ��poca. Entre los más destacados compositores podemos nombrar a Dufay, Ockeghem. Después la gran mayoría de música de estos grandes autores será religiosa (motetes y misas). Durante este Primer periodo del Renacimiento será muy popular la técnica compositiva llamada contrapunto imitativo, que lo que hace es tratar de proyectar un tema ó motivo repetidamente entre las voces distintas.

Alto Renacimiento

Comprende entre la segunda mitad del siglo XV, y la primera mitad del siglo XVI. Músicos franco-flamencos repartidos por toda Europa, cada país dan la bienvenida la nueva música y se adapta a su estilo de composición. Por lo tanto, se crean los llamados estilos nacionales. En Italia, el genero mas cautivador fue el madrigal, en Francia centra el desarrollo mas popular en el chanson y en Alemania el lied fue elque mas auge tuvo.

Bajo Renacimiento

Se desarrolla en la segunda mitad del siglo XVI. Italia es el país más importante de la música en el renacimiento, las innovaciones más interesantes entran en la música profana; Sin embargo, los dos personajes más notables de la música son Giovanni Pierluigi de Palestrina y Tomás Luis de Victoria (español). Los géneros más importantes son la misa y el motete. En este tiempo, también debemos destacar al italiano Claudio Monte Madrigal (escribió 8 tratados) y es crucial para el nacimiento de la ópera Orfeo en 1607.

Instrumentos del renacimiento musical

Muchos instrumentos se originaron desde el periodo del Renacimiento; otros eran cambios o mejoras, instrumentos que existían antes. Algunos han llegado hasta nuestros días; otros han desaparecido y han sido re-creados para realizar la música de esa época en las carpetas públicas. Al igual que en los tiempos modernos, los instrumentos del renacimiento musical pueden clasificarse como latón, cuerdas, percusión y de viento de madera.

Instrumentos de vientos:

Chirimía. Formado con un tubo de madera y una lengüeta doble (muy parecido a los oboes pero de un tamaño mayor). Los tubos fueron también más comúnmente hechos de madera y muchos de ellos tenían tallas y decoraciones . Fue el más popular de instrumentos de lengüeta doble del período de renacimiento.

La flauta es una de los instrumentos de la música renacentista mas populares

Flauta dulce o flauta de pico. Actualmente se utiliza el mayoría de los casos con fines educativos; fue de los instrumentos del renacimiento más populares.

Cromorno. Este instrumento es de madera, de una lengüeta doble (como la dulzaina) que termina con la forma de U.

Gaita. Se cree que fue inventado por los pastores que pensaban utilizar una bolsa hecha de oveja o de cabra piel y proporcionaría la presión de aire de modo que cuando su jugador toma una respiración, el jugador sólo tiene que apretar la bolsa escondido debajo de su brazo para continuar con el tono. El tubo de la boca tiene una sencilla pieza redonda de cuero giraba en torno al extremo de la bolsa de la tubería y actúa como una válvula de retención. La caña está situado dentro de la boquilla de metal largo, conocido como un bocal.

Grabadora. El registrador es un instrumento común que todavía se utiliza hoy en día, a menudo se enseña a los niños de las escuelas primarias. En lugar de una caña que utiliza una pieza de boca silbato, que es una pieza de la boca en forma de pico, ya que su fuente principal de producción de sonido. Se hace generalmente con siete agujeros para los dedos y un agujero para el pulgar.

Percusión

Pandereta. Fue originalmente un tambor de marco sin los jingles unidos al lado. Este instrumento se desarrolló pronto y tomó el nombre de pandereta durante las cruzadas medievales, momento en el que adquirió los jingles. Se encuentra a menudo con una sola piel, ya que seo hizo fácil para un bailarín para que lo pueda tocar.

Arpa de judio. Un instrumento prohibido debido a su construcción de la plata, y debido a la gran demanda de plata del siglo XIX en Austria esto era otra razón para su ilegalización. Un instrumento de acero que produce sonido usando formas de la boca y de intentar pronunciar las vocales diferentes con los labios.

Laton

Diapositiva trompeta. Similar al trombón de hoy, excepto que en lugar de una sección del cuerpo deslizante sólo una pequeña parte del cuerpo cerca de la boquilla y la propia boquilla, es estacionaria.

Corneta. Hecha de madera y jugó como la grabadora pero soplado como una trompeta. Se hace comúnmente en varios tamaños; el mayor se llamaba la serpiente. La serpiente se convirtió en prácticamente la única corneta utilizada en los principios del siglo XVII, mientras que otros rangos fueron reemplazados por el violín. Se dice que es el instrumento del renacimiento más cercano a la voz humana con la capacidad de utilizar la expresión y dinamica.

Trompeta. Las primera no tenían válvulas y

El cromorno es uno de los instrumentos del renacimiento

se limitaron a los tonos presentes en la serie de armónicos. También se hicieron de tamaños diferentes. Aunque comúnmente se muestran siendo utilizado por los ángeles, su uso en las iglesias era muy limitado, una excepción destacable es la música de la escuela veneciana.

Instrumentos de cuerda

Violin. Este instrumento, desarrollado en el siglo XV, comúnmente tiene 6 cuerdas. Se toca por lo regular con un arco. Tiene cualidades estructurales similares a la vihuela española; su principal característica de separación es su tamaño más grande.

Laúd. Se puede referir generalmente a cualquier instrumento de cuerda que tiene las cuerdas que se ejecutan en un plano paralelo a la mesa de sonido, más específicamente a cualquier instrumento de cuerda pulsada con un cuello (ya sea trastes o sin trastes) y una profunda, redonda, o más específicamente a un instrumento de la familia de los laúdes europeos.

Lira. Su construcción es muy parecida a una arpa pequeña, pero se tocaba con una púa. Sus cuerdas variaban dependiendo de la epoca 4, 7 o 10. Se tocaba con la mano derecha, mientras que la mano izquierda silenciada las notas que no se deseara. liras nuevas fueron modificados para ser tocadas con un arco.

Violin de rueda o Zanfona. En la que las cadenas se sonaban por una rueda pasan sobre de ella. Su funcionalidad se puede comparar con la de un violín mecánico, en el que su proa (la rueda) es girado por una manivela.

Arpa irlandesa o Cláirseach. Durante la Edad Media fue el instrumento más popular de Irlanda y Escocia. Debido a su importancia en la historia de Irlanda se ve incluso en la etiqueta de Guinness, y es el símbolo nacional de Irlanda hasta el dia de hoy.

Conclusión

Como vez la musica en el renacimiento es parte importante de la historia ya que sido una gran epoca donde se han inventado nuevos instrumento y descubierto nuevos sonidos que han aportado muchos beneficios a la musica, es por esto que este periodo es muy importante.

La entrada La Música en el Renacimiento Instrumentos, Caracteriticas, Periodos aparece primero en Musica Barroca.

from Musica Barroca http://bit.ly/2MXbeXH

0 notes

musica-barroca · 5 years

Text

El Periodo Barroco, Caracteristicas, Historia, Pensamientos

Mas que otra cosa podemos definir el periodo barroco o periodo clasico, como un movimiento artistico desarrollado entre los siglos XVII y XVIII, así como el estilo que utiliza exagerado y claro, fácil de interpretar detalle para producir drama, tensión, euforia, y la grandeza de la escultura, la danza, la pintura, la literatura, y la música.

Definicion

La palabra barroco se deriva de la antigua sustantivo “Barroco”, que es una perla que no es redondo sino de forma impredecible y elaborado. Por lo tanto, en uso informal, la palabra barroco puede significar simplemente que algo es “elaborar”, con muchos detalles, sin hacer referencia a los diferentes estilos barrocos de los siglos XVII y XVIII.

Historia

El origen del barroco comenzó alrededor de 1600 en Roma, Italia y se extendió a la mayor parte del continente euopeo. En la música, el barroco se aplica al período final de la dominación de limitativa contrapunto, donde las diferentes voces e instrumentos se hacen eco entre sí, pero en diferentes tonos, a veces invirtiendo el eco, e incluso llegan a revertir el material temático.

Caracterisiticas del periodo barroco

Uno de los aspectos que definen la música del barroco es la conexión y expresión de temas litúrgicos. Dado que muchos compositores importantes de la época estaban al servicio de la iglesia en Europa, la música sacra compuesta para ocasiones religiosas específicas era la norma. La razón fundamental para componer para muchos compositores de la época barroca fue en honor a Dios .

youtube

Pensamientos

Johann Sebastian Bach una vez declaró que: “El único objetivo de la figurada bass debe ser otra cosa que la gloria de Dios y la recreación de la mente. Cuando este objeto no se mantiene a la vista, no puede haber verdadera música, pero sólo raspado infernal y que grita”. La música se utilizo a menudo como un medio para crear un marco devocionario en el que las almas podían ser llevadas más fácilmente a Dios.

Esta idea está de acuerdo con Martin Luther afirmo que la música emana del espíritu divino y al igual que Dios , tiene un aspecto omnipresente. “En primer lugar y luego, mirando a la música en sí, se dará cuenta de que desde el principio del mundo se ha inculcado e implantado en todas las criaturas, individual y colectivamente. Para nada es sin sonido o armonía.” Lutero creía que “la alabanza a través de la palabra y la música es un sermón en el sonido.”

Los compositores barrocos y filósofos en poder de la idea de que la música, la ciencia y las matemáticas poseían relaciones cósmicas. Pitágoras descubrimiento de la serie de armónicos, con sus propiedades matemáticas’, fue tal vez el descubrimiento más influyente en la definición del aspectos teóricos de la música occidental. La idea de una armonía celestial divinamente ordenada deriva de la filosofía griega y los escritos de los filósofos cristianos, sobre todo, Severnius Boecio. Estos principios cósmicos se cree que han emanado de Dios y como tal, tenía profundas connotaciones espirituales y religiosas.

Compositores

La música barroca forma una parte importante de la música clásica. Se asocia con compositores como Henry Purcell, Antonio Vivaldi, Georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach, Claudio Monteverdi, Ludwig Van Beethoven, entre otros. El período barroco vio el desarrollo de la tonalidad diatónica. Los compositores e intérpretes de la época desarrollaron nuevas técnicas de ejecución instrumental. La música barroca amplió el tamaño, la variedad y complejidad de la ejecución instrumental, y también estableció la ópera como género musical. Muchos de los términos y conceptos musicales de esta época se encuentran todavía en uso hoy en día.

Influencias en la Edad Barroca

Sin embargo, el historiador del arte alemán Erwin Panofsky resumió poco lisonjero el movimiento barroco como una “raqueta señorial,” probablemente, al comentar sobre las desventajas de la intrincada estilo de la época.

Influencias en la Edad Barroca La fama y el éxito del “grandilocuente” se anima por la Iglesia Católica Romana que se había pensado en el vencimiento del Concilio de Trento que las artes deben contar los argumentos religiosos en la participación directa y emocional. Sin embargo, el historiador del arte alemán Erwin Panofsky resumió poco lisonjero el movimiento barroco como una “raqueta señorial,” probablemente, al comentar sobre las desventajas de la intrincada estilo de la época.

La nobleza vio el idioma teatral de la casa barroca y el ingenio como un entorno para asombrar a los visitantes y declarar la intrepidez y el cuidado de homenaje. Palacios barrocos se construyen alrededor de una secuencia de entrada de los tribunales, antesalas, grandes escaleras, salas de recepción y de forma secuencial cada vez mayor magnificencia. En una profusión de detalles similares, la música, la arquitectura, el arte y la literatura de inspiración entre sí en el periodo barroco, movimiento cultural como artistas exploraron lo que podían crear a partir de los patrones repetidos y variados.

Evolucion en el periodo del barroco

Barroco fue precedido por el Manierismo. En las pinturas, los gestos barrocos son más amplios que los gestos manieristas: menos ambiguo, menos arcano y misterioso, más como los gestos de la etapa de la ópera , una importante forma de arte barroco. Posturas barrocas dependen de (contrapeso), la tensión dentro de las cifras que mueve los planos de los hombros y las caderas en direccionamientos. Se hizo las esculturas parecen casi como si estuvieran a punto de moverse.

Comenzando aproximadamente en 1600, la memorial de nuevo arte dieron origen a lo que ahora se conoce como el periodo barroco.

La entrada El Periodo Barroco, Caracteristicas, Historia, Pensamientos aparece primero en Musica Barroca.

from Musica Barroca http://bit.ly/2Fluubi

0 notes

musica-barroca · 5 years

Text

Las 10 Revoluciones en la Historia Mas Importantes

Las revoluciones en la historia han sido muchas ya que a lo largo de la civilización, ha habido varios incidentes que han alterado para siempre la historia de la humanidad donde la gente común se unió para derribar regímenes opresivos. Estos movimientos dependían de la unidad de las partes involucradas y tenían algunos precursores de la guerra civil e internacional. Aqui te comparto las revoluciones mas importanes en la historia.

Revolución comunista China

El 1 de octubre de 1949, Mao Zedong, líder del Partido Comunista Chino (PCCh), proclamó la creación de la República Popular China (PRC). La declaración puso fin a la costosa guerra civil entre el PCCh y el Partido Nacional o Kuomintang (KMT), que comenzó inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial y hubo conflictos entre las partes desde los años veinte. La formación de la República Popular China ayudó a poner fin a la prolongada agitación gubernamental en China que comenzó con la Revolución China en 1911. A medida que China continental cayó en manos de los comunistas en 1949, los Estados Unidos suspendieron todas las relaciones diplomáticas con la República Popular China durante varias décadas.

Revolución Islámica

La Revolución islamica (también conocida como Revolución Irani) fue un período en el que los iraníes llevaron a cabo numerosas manifestaciones contra la dinastía Pahlavi respaldada por Estados Unidos y terminaron con el derrocamiento del líder, Mohammad Reza Shah Pahlavi e impusieron un estado islámico liderado por el Gran Ayatollah Ruhollah Khomeini. La Revolución iraní atrajo la atención internacional con estudiantes universitarios muy involucrados. El gobierno islámico pidió el rechazo del capitalismo entre otras ideas que se consideraron como “occidentales”, una acción que causó una disputa diplomática entre Irán y los Estados Unidos. La Revolución iraní se convirtió en una inspiración para otros movimientos en todo el mundo, incluido el movimiento contra el apartheid en Sudáfrica.

Conoce las revoluciones mas importantes de la humanidad

Revolución Haitiana

La Revolución haitiana fue una exitosa guerra contra la esclavitud que tuvo lugar en la entonces colonia francesa de Saint-Domingue (hoy Haití). La revolución que duró más de 12 años comenzó el 21 de agosto de 1791, terminó el 1 de enero de 1804 y costó cientos de miles de vidas. Los rebeldes de Haití luchaban contra la institución de la esclavitud, y su victoria cambió la postura global sobre la esclavitud. Muchas de las revueltas de esclavos posteriores en América y los movimientos de derechos civiles del siglo XX se inspiraron en el éxito de la Revolución haitiana.

Revolución Industrial

Considerada por muchos uno de las mas importantes en la historia, la Revolución industrial fue un movimiento global a principios del siglo XIX e implicó la transición a la mecanización de los métodos de producción de mano en ese momento. El origen de la Revolución industrial se remonta a Gran Bretaña y se caracterizó por un mayor uso de la energía de vapor y el desarrollo de maquinaria pesada y el surgimiento del sistema de fábrica. La Revolución industrial sigue siendo uno de los momentos más cruciales de la civilización humana, ya que muchas innovaciones significativas mejoraron el nivel de vida de las personas con muchas oportunidades de trabajo en las fábricas. Los economistas incluso consideran que la Revolución Industrial es la fase más crítica de la civilización humana después de la domesticación de plantas y animales. Si te interesa conocer mas en el siguiente enlace https://profeenhistoria.com/revolucion-industrial/ puedes conocer mas a detalle todo lo relacionado con la revolucion industrial.

Revoluciones de 1848.

Las revoluciones en la historia han tenido un impacto grande por ejemplo Las revoluciones (liberales) de 1848 fueron una serie de trastornos políticos que se produjeron en 1848 en toda Europa y se convirtieron en la ola de revoluciones más generalizada en Europa. Las revoluciones de 1848 involucraron a Francia, Alemania, el Imperio de Austria, los Estados italianos, Polonia y el Reino de Hungría, entre otros, y fueron principalmente democráticos. Si bien las revoluciones ocurrieron casi simultáneamente en todo el continente, hubo una coordinación cero entre los países involucrados. Las revoluciones de 1848 dejaron un legado duradero y causaron el fin del sistema de gobierno feudal en muchos países y vieron el crecimiento de la democracia en Europa.

Revolución Cubana

La Revolución cubana fue una revuelta que se produjo en la nación insular de Cuba y culminó con el derrocamiento del gobierno autoritario liderado por Batista. La revolución tuvo lugar durante 5 años, comenzando el 26 de julio de 1953 y finalizando el 1 de enero de 1959. En los años anteriores a la revolución, el público cubano se encontraba bajo una inmensa presión debido a los altos niveles de desempleo, el aumento de la inflación y la limitada infraestructura de agua. Los rebeldes liderados por Fidel Castro, su hermano Raúl Castro y el Che Guevara comenzaron ataques esporádicos contra el gobierno y finalmente tomaron el control del país el 1 de enero de 1959. Fidel Castro impuso de inmediato un gobierno socialista revolucionario y las principales industrias nacionalizadas. La Revolución cubana fue de gran importancia ya que comenzó una relación bilateral larga y tensa entre los Estados Unidos y Cuba.

Revolución de Xinhai

La Revolución de Xinhai fue la revolución de 1911 en China que llevó al colapso de la última dinastía imperial en el país, la Dinastía Qing. Si bien la revolución desempeñó un papel importante en la configuración de las políticas sociales y económicas modernas del país, también fue uno de los momentos más violentos en la historia china y costó cientos de miles de vidas. La causa principal de la revolución fue el creciente desdén público de la Dinastía Qing, que fue acusada de tener políticas arcaicas y de no poder modernizar el país, acusaciones que se vieron agravadas por la pérdida de China durante la Primera Guerra Sino-Japonesa de 1895. La Revolución de Xinhai duró cuatro meses y dio como resultado el fin del gobierno imperial en China y vio el establecimiento del Gobierno Provisional de la República de China.

Revolución Francesa

La Revolución Francesa fue un período de 10 años donde se llevaron a cabo muchas reformas sociales y políticas. La Revolución Francesa comenzó en 1789 y terminó en 1799 y cambió la historia moderna en Francia y en Europa en general. Si bien los historiadores no están seguros de la causa exacta de la revolución, se pueden señalar varios factores como los desencadenantes clave y, lo más notable, es la creciente desigualdad social y económica. En los años anteriores, Francia había participado en varias guerras en el extranjero, incluida la Guerra de la Independencia de los Estados Unidos y la Guerra de los Siete Años, que tenían graves implicaciones para el estado económico del país. El resultado de la revolución sentó un precedente en los modelos socioeconómicos globales con el reemplazo del monarca por una república democrática. Te comparto la revoloción aquí este interesante articulo que a mi parecer es el mas detallado sobre este tema.

Revolución Americana

La Revolución Americana, que tuvo lugar entre 1765 y 1783, comenzó después de que los miembros de la sociedad colonial estadounidense se negaran a someterse a la autoridad del Rey y el Parlamento de Gran Bretaña. La decisión del Parlamento de Gran Bretaña de imponer impuestos a los estadounidenses molestó a los colonos que se adelantaron y destruyeron un envío de té gravado de la East India Company. La acción hizo que Gran Bretaña cerrara el puerto de Boston hasta que los perpetradores del vandalismo fueran llevados ante la justicia. Con el tiempo, estas luchas económicas se convirtieron en protestas violentas en las que los colonos que estaban en contra de las decisiones de Gran Bretaña (conocidos como patriotas) se enfrentaron con los colonos que respaldaron a Gran Bretaña (leales). La guerra final atrajo a otros jugadores internacionales, incluidos Francia, España y los holandeses, a convertirse en la Guerra de la Independencia de los Estados Unidos de 1775 a 1783.

Revolución Rusa

La Revolución Rusa es el término usado para describir dos revoluciones que ocurrieron en Rusia en 1917 entre febrero y octubre. La primera revolución, conocida como la Revolución de febrero, se centró en la entonces capital rusa, Petrogrado, y llevó al colapso del Imperio ruso y la abdicación de su líder, el emperador Nicolás II y el establecimiento de un gobierno provisional. La segunda fase de la Revolución rusa, conocida como la Revolución de octubre, fue dirigida por Vladimir Lenin, quien dirigió a los soviéticos en el derrocamiento del gobierno provisional e impuso un gobierno comunista. La Revolución de octubre fue significativa porque de allí Moscú fue elegida como la capital de la nación y la nación se convirtió en un estado comunista.

Como te has dado cuenta las revoluciones en la historia han dejado muchs cambios y un sin fin de daños e imnumerables cambios en la vida de las personas.

La entrada Las 10 Revoluciones en la Historia Mas Importantes aparece primero en Musica Barroca.

from Musica Barroca http://bit.ly/2Cd4JYi

0 notes

musica-barroca · 5 years

Text

Contexto Historico y Cultural del Barroco

Para conocer el contexto historico del barroco debemos saber primero que este se llevo a cabo en los siglos XVI y XVII, fue una epoca con grandes cambios para todo lo que tenia que ver con el arte mostrando un peculiar estilo.

La decadencia política y militar

El siglo XVII fue un período de graves crisis militares, políticas, económicas y sociales para España, que convirtieron al Imperio Español en una potencia de segunda clase en Europa. Los mineros austriacos Felipe III, Felipe IV y Carlos II dejaron el gobierno en manos de ministros de confianza, entre ellos el duque de Lermann y el duque de Oliva. En política exterior, el duque de Lermann siguió una política pacifista en nombre de Felipe III y consiguió poner fin a todos los conflictos derivados del reinado de Felipe II. Por el contrario, el Conde Duque de Olivaria, en nombre de Felipe VI, implicó plenamente a España en la Guerra de los Treinta Años, durante la cual España sufrió graves derrotas militares.

En la segunda mitad del siglo, Francia aprovechó la debilidad militar de España y, bajo el reinado de Carlos II, ejerció una presión expansionista constante sobre los territorios europeos. Como resultado de esta presión, la corona española perdió la mayor parte de sus propiedades en Europa, por lo que a principios del siglo XVIII, el Imperio Español quedó completamente eliminado en Europa.

En la política interna, la crisis no es menos importante. El duque de Lermann comenzó con la expulsión de los moriscos (1609), que destruyeron las tierras de regadío de la costa de Levante y la corrupción administrativa generalizada. La política centralizada del duque de Olivaria dio lugar posteriormente a numerosas revueltas en Cataluña, Portugal, Andalucía, Nápoles y Sicilia. El levantamiento catalán fue reprimido en 1652 y el levantamiento portugués condujo a la independencia del país (1668).

Crisis socioeconómica

En el siglo XVII, España experimentó una grave crisis demográfica provocada por la expulsión de casi 300.000 moriscos y la pérdida de vidas humanas debido a guerras, hambrunas y plagas prolongadas. La sociedad española del siglo XVII estaba dividida: la nobleza y el clero conservaban la tierra y los privilegios, y los campesinos sufrían en toda su crueldad por la crisis económica. El sufrimiento en el campo atrajo a muchos agricultores a las ciudades donde esperaban mejorar su calidad de vida, pero en las ciudades estaban involucrados en la mendicidad, no directamente en actividades criminales.

El contexto cultural del barroco

Por otro lado, la jerarquía y el conservadurismo social han dificultado las transiciones de clase de una clase a otra, y sólo unas pocas burguesías han logrado acceder a la nobleza. La única manera de que el estado simple preserve las ventajas de la sociedad de clases para las tierras privilegiadas era unirse al clero. Este hecho, así como el clima de celo religioso, duplicó el número de sacerdotes en España en el siglo XVII.

Biografias Cortas de Personajes historicos

Para la educación, el desarrollo personal y conocer el contexto historico del barroco es importante recordar a las personas que vivieron antes que nosotros en este planeta durante la epoca barroca, así como los logros, aportaciones y descubrimientos que hicieron y que nos han dejado como patrimonio material e inmaterial en nuestro mundo que van mas haya de sus obras. En este sentido, es importante referirse al contenido académico y a la formación de la biografía y de la vida excepcional en diferentes momentos y por diferentes motivos: escritores, músicos, artistas, escultores, arquitectos, biografias de personajes históricos….”. Hay muchas categorías muy diferentes que cubren la biografía de una persona excepcional, pero sin duda pueden enriquecernos a todos cultural y formalmente.

Del mismo modo, si se definen los contenidos en forma de biografías infantiles, es probable que sea posible acercar la cultura a los bebés. Si además lo hacemos de forma divertida y entretenida, tendremos más oportunidades de conseguir un acercamiento real y efectivo del niño a este tipo de contenidos, que normalmente se desarrollan para él de forma pesada y muy compleja.

Biografías interesantes para leer

Para todo esto en esta web hemos trabajado diligentemente para encontrar los recursos y materiales que necesitamos para desarrollar biografías interesantes para leer. Es la implementación de contenidos biográficos diseñados específicamente para los alumnos de primaria o, lo que es lo mismo, una forma interesante de acercar la historia de la epoca barroca a los niños para que se interesen y la estudien con facilidad y alegría.

La entrada Contexto Historico y Cultural del Barroco aparece primero en Musica Barroca.

from Musica Barroca http://bit.ly/2QWz8Er

0 notes

musica-barroca · 5 years

Video

youtube

La mejor musica barroca para estudiar y concentrarse escucha la mejor musica y clasica para relajarte Tambien puedes encontrar mas videos interesantes sobre musica barroca clasica musica relajante para estudiar y concentrarse musica barroca para aprender mejor musica clasica para relajarse musica barroca instrumental musica para estudiar y concentrase musica barroca para superaprendizaje musica clasica barroca para concentrarse musica para el superaprendizaje musica para estudiar y concentrarse y memorizar rapido Quieres ver mas videos con musica barroca y relajante date una vuelta por mi canal youtube.com/c/Musicabarrocagratis Visita mi sitio web https://ift.tt/2F69vGW Sigueme en https://twitter.com/miryfloresmusic Atribuciones Consort for Brass - Classical Rousing de Kevin MacLeod está sujeta a una licencia de Creative Commons Attribution (https://ift.tt/1bFo3O7) Fuente: https://ift.tt/1IqluQl Artista: http://incompetech.com/

0 notes

musica-barroca · 5 years

Text

El Piano Historia, Que es, Quien lo invento, Tipos y Otras Cosas Mas

Antes de empezar con la historia del Piano también debemos saber que pianoforte es el nombre oficial del piano generalmente hablada y significa “suave voz alta.” Se le llamó de esta manera una vez que el mecanismo en el primer piano se fundamenta. Su objetivo era generar un tono suave y un tono alto. El piano es un instrumento de teclado de cuerdas. Antes que existiesen los instrumentos de clave existían instrumentos del renacimiento musical, de cuerda (harpa, salterio). Por último, un teclado se fijó a las cuerdas y el piano fue inventado en la manera que conocemos hoy día.

Historia del piano y evolucion

La historia del piano comienza con los primeros instrumentos de cuerda con teclado, los antepasados de los de piano, fueron el clavicordio y el clavecín. El clavicordio fue inventado a principios del siglo XIV y fue empleado hasta el siglo XVIII. Se semeja a un pequeño piano cuadrangular en el que las cuerdas son golpeadas por pequeños pedazos de metal. Su mecanismo es el más próximo de los primeros teclados al de piano, mas la diferencia radica en que clavicordio tiene un sonido considerablemente más suave. De ahí que que era sobre un instrumento interno, en tanto que no se podía emplear en los conciertos.

El clavecin uno de los antecesores del piano

El clave inventado después, es otro instrumento de teclado de cuerdas se piensa que fue inventado en el siglo XV y fue el preferido de instrumentos de teclado interno desde el siglo XVI hasta el final del siglo XVI. En el periodo barroco se emplea para acompañar a otros instrumentos o bien vocalistas. Es tan grande como un piano de cola. Su mecanismo es muy, muy diferente a la de la clavicordio. En el clavicordio las cuerdas no son golpeados mas en cambio son arrancadas por una pluma de ave o bien un pedazo de cuero duro generando un sonido apacible. Desgraciadamente, el volumen del sonido no deja ninguna modificación en el tono de la fuerza, no importa cuánto se ejerza presión sobre las teclas. Tanto el clavicordio y el clavecín fueron alejados gradualmente mas tarde por el piano en el siglo XVIII.

El origen del piano se generó debido a la necesidad de conjuntar los beneficios de la clavicordio y el clavecín en un instrumento. El clavicordio dejó expresión en la ejecución de la música debido a la capacidad de la acentuación y el estilo de canto, no obstante, su tono era enclenque. Por otra parte, el clave ofreció un tono fuerte y refulgente, mas sin ningún género de cambios en la activa. Lo que haría que el nuevo instrumento de teclado singular fue el tono expresivo, la resonancia y la enorme pluralidad en el tono de la fuerza. El Piano llegó a conjuntar las peculiaridades de estos 2 instrumentos de clave en torno a 1709.

El fabricante de claves italiano, Bartolomeo Cristofori de Francesco de Padua, es la persona a ser acreditado con la invención del piano tal y como la conocemos en nuestros días. Lo que realmente hizo Cristofori fue una mejora en el mecanismo del clavicordio. Reemplazó las púas del clavecín con martillos y amortiguadores asimismo añadido. Llamó a este instrumento “gravicembalo col de piano y también forte” lo que significa una “clavecín con suave y fuerte.” En el nuevo instrumento, en contraste a la clave y el clavicordio, pulsando una tecla con un dedo el martillo afectaría la cadena y después dejar que vibre. La vibración habría llegado a su fin tan pronto como el clave fue puesto en libertad debido al mecanismo de amortiguadores. De esta forma, con el piano un músico podría tocar suave o bien realmente fuerte, veloz o bien gradual, y asimismo expresar emociones por la activa. 2 ejemplares de los pianos de Cristofori que subsistieron hasta el día de hoy se pueden hallar en Leipzig y en el Museo Metropolitano de la ciudad de Nueva York.

En exactamente el mismo periodo Otros instrumentos experimentales habían sido fabricados en Francia y Alemania tratando de lograr la meta de los músicos procuraban. Mas ninguno de estos teclados eran tan buenos como invención de Cristofori con lo que no tuvo éxito. Tras la invención de Cristofori se estableció el principio del mecanismo de piano y desde diferentes países europeos han contribuido al desarrollo del instrumento.

¿Qué es el piano?

¿Sabías que el piano es un instrumento musical de cuerdas? No lo parece, ¡¿verdad?! Pero así es y su principio de funcionamiento aunque te suene increíble es la percusión en este instrumento su ejecutante para producir sonido debe pulsar unas teclas que a su veces accionan unos martillos que golpean las cuerdas y de esta forma se produce el sonido que será armónico en función de la habilidad, destreza y conocimiento del músico o ejecutante.

Bartolomeo Cristofori inventor del piano

Características

Una de sus características fundamentales es su gran tamaño y peso adicionalmente a esta se presenta que de manera genérica no se relaciona como un instrumento de cuerdas pero su principio de funcionamiento lo clasifica en esta familia de instrumento musicales. Este instrumento contiene en su interior cuerdas; sin embargo, el músico no las toca directamente, sino que se encuentran conectadas a unos martillos que van golpeándolas produciendo diferentes sonidos, y son los que están unidos a las teclas

Todo piano consta de una caja de resonancia la cual genera el sonido por medio de un teclado que es accionado por percusión de cada tecla de manera individual conectadas a unas cuerdas de acero ubicadas en su interior,la vibración requerida es realizada a través del golpe de martillos forrados en fieltro, pero sin producir golpes certeros sino rasgando las cuerdas de forma similar a como se realiza en el arpa. La caja de resonancia tiene como función transmitir las vibraciones provocadas por los martillos a través de un puente a la tabla armónica, que tiene la responsabilidad de amplificar el sonido

¿Quién inventó el piano?

El piano fue creado por el italiano Bartolomeo Cristofori, en la ciudad de Padua, Italia, en el año 1700. El inventor era fabricante de clavicordios que es un instrumento de teclado similar al piano con grandes debilidades a nivel musical, que provocaban muchas fustrcaiones en los músicos para el desarrollo de los clásicos de la opera muy populares en aquellos tiempos. Los aportes de Bartolomeo Cristofori, resolvieron ciertas dificultades técnicas propias de estos instrumentos entre ellas el no poder cambiar el volumen de las notas producidas.

EL piano como instrumento musical desde su invención en 1700 sufrió varias transformaciones, de acuerdo con las necesidades y exigencias de los músicos. Bartolomeo Cristofori fabricó 20 pianos antes de su muerte, y el primer recital de piano abierto al público en la historia ocurrió en 1768, interpretado por Johann Christian Bach, hijo de Johan Sebastian Bach.

Personajes claves en la invencion del Piano

Ciertos fabricantes esenciales que se desarrolló el piano son:

El organero alemán Gottfried Silbermann; su pupilo Johannes Zumpe que se hizo conocido en toda Inglaterra y Francia, y en 1770 hizo un piano cuadrado-más largo que ancho.

En Viena, los fabricantes de Stein y Streicher fabrican pianos con un toque más ligero y menos tono sonoro.

El clavicordio uno de los instrumentos principales en el origen del piano

En Francia en 1777 Sebastián Edward contribuyo mucho a el piano del día de hoy a través de la creación de un mecanismo para la simple y veloz reiteración de la música.

En 1770 Broadwood hizo el primer piano con 5 octavas y en 1794 uno con 6 octavas.

En 1800 los ajustes precisos en el mecanismo se hicieron por Isaac Hawkins de la ciudad de Filadelfia y el Inglés Robert Wornum de la ciudad de Londres y un piano vertical se hizo.

Muchas de las mejoras prosiguieron entre 1825 y 1851.

Una contribución notable fue debido a una invención americana que usa el hierro para la fabricación del marco. En 1837 Jonas Chickering usó un marco de hierro lleno, mas el desarrollo de recursos vino por Steinway en 1855 y desde ese momento se transformó en uno de los jalones en la historia del arte de la fabricación de pianos. Otro avance fue inventado por Steinways el procedimiento llamado más de encordado. Las cuerdas se cruzaron en diagonal angosta en el centro de la tapa armónica. Esto crea una mejor distribución de la tensión en el marco y un mejor sonido.

El origen del piano y la música escrita particularmente para este instrumento empezó en 1732 y después el piano empezó a ser considerado un instrumento para conciertos y conjuntos, aparte de ser mirado como un simple instrumento de la casa.

¿De qué está hecho el piano?

El piano está construido con diferentes clases de madera. Para la estructura sobre la cual se asientan las cuerdas se utiliza madera de roble, abeto haya o nogal. Para el mecanismo de percusión, la madera que se utiliza generalmente es peral, carpino o arce. El teclado se fabrica con madera de tilo y para el chapado exterior del instrumento se emplean maderas exóticas, tales como la teca, el ébano y la caoba.

El marco que constituye la estructura exterior del piano se fabrica con acero fundido de una sola pieza y los bordes con hierro forjado o acero. Las cuerdas están construidas con alambre de acero entorchado o envuelto en un alambre de cobre enroscado para los bordones. Además se emplea ébano para recubrir las teclas negras y marfil para las blancas y piel de búfalo y paño para el mecanismo. Los martillos están forrados con fieltro.

Tipos de piano

En el mundo de la música podemos encontrar tres tipos diferentes de pianos:

El de cola.

El vertical o de pared.

El electrónico.

Piano de cola

El piano de cola es el más grande y voluminoso de los tres. En el interior de su elegante diseño guarda la caja de resonancia y las cuerdas de forma horizontal. En función de su tamaño se pueden encontrar el piano de cola mignon (es el más pequeño de los pianos horizontales), un cuarto de cola, media cola, tres cuartos de cola y el de gran cola.

Piano vertical

El piano vertical o de pared, tal y como su nombre lo indica, tiene su caja de resonancia junto con las cuerdas de manera vertical. Entre los músicos aficionados es el más común puesto que ocupa menos espacio. Aún así, se divide en cuatro grupos diferentes.

Puedes encontrar:

El piano vertical espineta.

Vertical consola.

Vertical de estudio.

Vertical antiguo.

Cada uno de ellos cuenta con unas medidas distintas y variaciones en su mecanismo.

Piano electrónico

Por último, el piano más moderno es el electrónico, referente al siglo XX, donde los sonidos que se van generando son por síntesis electrónica. Al ser los más modernos, pueden simular ritmos de otros instrumentos.

Partes del piano

Son 5 las principales partes del piano a continuacion te explico un poco de que va cada una.

Mecanismo de Percusión: Conjunto de palancas y piezas que llevan el martillo a las teclas, lo que hace que éstas vibren y que se produzca el sonido

Caja de Resonancia: Tiene como finalidad amplificar el sonido producido por las cuerdas del piano, la cual consta de

Tabla armónica: Transmite y amplifica las ondas producidas que llegan a través de los puentes tonales. Formada por láminas de madera situadas debajo de las cuerdas que deben estar paralelas. No es plana, lo que favorece la resonancia.

Tabla superior: Cierra la caja de resonancia y ayuda a proyectar el sonido hacia el público. Puede tener diferentes alturas dejando pasar más o menos sonido. Cuando está abierta del todo no hay ningún tipo de contención y el sonido sale libremente

Bastidor: Pieza de acero que soporta el conjunto de cuerdas por uno de sus extremos. La tensión con la que están ancladas las cuerdas ha de ser constante para que no se desafine

Los Pianistas mas famosos

Descubre los diferentes tipos de piano

Es difícil distinguir los mejores pianistas en la actualidad pues el mundo cuenta con muchísimos músicos de reconocido talento, pero para simplificar esta tarea te presentamos un resumen de los 10 pianistas más famosos, según los estudios de expertos, a nivel mundial y a lo largo de los tiempos . Hemos querido hacer énfasis y especial honor a cada uno de ellos, ya que representan figuras magnas de talento y determinación, que siguieron sus sueños y disfrutaron de su pasión, nos brindaron un poco de su tan maravilloso talento y colocaron en nuestro espíritu una luz de alegría con cada melodía. Es importante destacar que el orden de aparición no refleja ningún tipo de jerarquía sobre estos talentosos musicos.

Nombres de pianistas famosos

SERGEI RACHMANINOV: Caracterizado por sus composiciones extraordinarias. Es el más famoso a nivel mundial de los pianistas y compositores destacados. Es de origen ruso. Dentro de la popularidad de sus obras destaca “la honestidad”.

VLADIMIR HOROWITZ: de origen ruso, con residencia occidental para 1928. Llamado para muchos “el tornado desatado de las estepas”, gran y virtuoso pianista apreciado en el mundo de la música clásica por sus éxitos y en especial por el piano

SVIATOSLAV RICHTER: Músico multifacético, popular y con un rasgo diferentes al resto, sin lugar a duda. Proveniente de la unión soviética. Solía decir que estaba casado con la música, que era su vida y su norte, su pasión. Dicen que al tocar el piano lucía como un pez en el agua y podía realizar melodías con dimensiones impresionantes.

ARTHUR RUBINSTEIN: De origen Polaco, y residencia norteamericana calificado como el feliz de la música. Fue un pianista famoso en su carrera, con destacadas interpretaciones como “nocturnos”. En el mundo de la música se refieren a él como el hombre que se disfrutaba cada segundo en el piano.

EMIL GILESL: Pianista destacado de la unión soviética, pionero dentro del arte de la música, nacido en Odessa y residenciado en Moscú en el año 1945. Conocido principalmente por su obra “sonido dorado”

ALFRED CORTOT: Reconocido músico y pianista francés, conocido como el “poeta del piano”. Icono de compromiso y destaque en la música, inspirado por ella en sobrepasar lo que a simple vista se podía ver. Nacido en el año 1977.

GLENN GOULD: Destacado músico, con un estilo propio de la creación musical y el juego de melodías excéntricas y diferentes en la época. Reconocido por “Variaciones goldberg”.

ALFRED BRENDEL: Famoso músico austriaco, residenciado en Londres, con un carisma particular y una manera de desenvolverse en sus interpretaciones bastante únicas, pianista famoso y concertista.

WILHELM KEMPFF: Especializado en repertorios, fue un gran músico y pianista procedente de Alemania, famoso en los años 80’s. Residió en París por muchos años, lo describen como un músico abierto, espontáneo y elegante.

ARTUR SCHNABEL: Fue pionero en la grabación de las sonatas de Beethoven, destacado por su técnica y profunda comisura a la hora de leer y tocar partituras. Músico pianista residenciado en Viena en los años 1915.

Afinación de Pianos

Es importante destacar que la mayoría de los músicos tienen la responsabilidad de realizar las labores de Mantenimiento rutinario y afinación de su instrumento, sin embargo los pianistas requieren de la colaboración de especialistas para llevar acabo las tareas de afinación del instrumento que ejecutan. Estos especialistas comúnmente son denominados “Afinadores de Piano”, sin embargo esta denominación resulta ser muy restringida ya que la labor de este profesional no se limita a afinar pianos exclusivamente, si no que sus competencias son mucho más amplias y abarcan tareas tan importantes como son la reparación, la regulación y la entonación de estos instrumentos. Probablemente si consultamos a los usuarios-clientes de estos especialistas opinarían que el término más apropiado podría ser “técnico de pianos” aunque en este mundo también existen excelentes técnicos reparadores y restauradores que no saben afinar pianos.

La figura del afinador de pianos y su actividad siempre ha estado rodeada por un circulo de desinformación y me atrevería a decir que hasta de misterio. Para muchos el afinador de pianos es un ser dotado de un don especial, una rara habilidad natural que le permite realizar una actividad que la inmensa mayoría de personas incluyendo a los pianistas no pueden realizar. Este ser “excepcional” tocado por la magia de la diosa de la musicalidad, en realidad no tiene ningún don especial ni tiene “oído absoluto” y su capacidad auditiva y habilidad para diferenciar tonos musicales no es ni tiene porque ser diferente al resto de la mayoría de los seres humanos. Comúnmente se piensa que quien sepa tocar el piano, por añadidura, también sabría afinarlo, ya que en comparación con saber tocar el piano, el afinarlo se considera algo así como una habilidad manual menor. En realidad, ni saber tocar el piano lo convierte a uno en afinador, ni el afinador tiene porqué saber tocar el piano. De manera que los mejores afinadores, aparte de tocar algunos intervalos y escalas (lo exclusivamente necesario para afinar) no tienen la habilidad ni el conocimiento de un ejecutante de piano.

El clavicordio uno de los instrumentos principales en el origen del piano

Un buen afinador de piano podría definir la afinación de pianos como el arte de “desafinarlo sutilmente” o sea, modificar sus frecuencias fundamentales teóricas en su justa y exacta medida. Entonces qué es lo que hace el afinador que le permite realizar una tarea tan delicada como es afinar un piano? la respuesta es habilidad para oír batidas, muy bien, pero que son batidas?.

Sin entrar en profundidad, ya que tendríamos para largo y este no es ni el momento ni el lugar hay que entender que básicamente lo que hace el afinador es oír batidas, o sea dos frecuencias lo suficientemente cercanas entre sí que se contraponen una a la otra produciendo oscilaciones o batidas de una frecuencia audible e identificable (varías oscilaciones por segundo que se pueden contar).

En resumen, el afinador lo que hace es interpretar, procesar y ajustar esas oscilaciones. Esta técnica es superior y mucho más precisa que afinar por notas musicales, y la que necesariamente debe ser utilizada para obtener una afinación de calidad.

En general las personas que llega a esta profesión poseen un bagaje musical más o menos extenso, y han sido introducidos en ella a través de algún familiar o amigo cercano (tradicionalmente la profesión de afinador pasaba de padres a hijos) son músicos, tocan algún instrumento o simplemente son aficionados a la música, pero no necesariamente músicos profesionales y mucho menos pianistas virtuosos.

Conclusion

Gracias a la invención de este gran instrumento podemos escuchar grandes obras de la musica clasica de uno de los grandes como el compositor Beethoven.

La historia del Piano cambió la cultura musical occidental dramáticamente y sus influencias en la música tradicional puede ser visto hasta la fecha. Fue considerado el mejor instrumento del mundo. Actualmente, hay alrededor de 15 fabricantes de pianos en los U.S.A., mas sin embargo Japon es el mayor productor de pianos en el mundo. Otro personaje sin duda de la musica clasica que compuso varias obras gracias a la invención del piano es el genio compositor Wolfgang Amadeus Mozart, sin duda una leyenda que nunca debemos olvidar.

La entrada El Piano Historia, Que es, Quien lo invento, Tipos y Otras Cosas Mas aparece primero en Musica Barroca.

from Musica Barroca https://ift.tt/2Rwg3Fm

0 notes

musica-barroca · 6 years

Text

Frases Famosas de Autores y Músicos Barrocos Célebres

En este articulo vamos a hablar sobre las frases del barroco y de los grandes compositores de la musica clasica clasica, como los son Vivaldi, Bach, Chopin Mozart, Beethoven y un sin numero de personajes que han hecho poesía a través de la musica.

Si estas interesado y te gusta compartir las frases célebres y famosas, te recomiendo el sitio Frases.Top ya que es muy interesante y me ha encantado, pero te cuento mi experiencia como comence a apasionarme en este bello arte. Cuando me siento con un preludio de Bach o una sonata Scarlatti, debo admitir que la organización de frases parece muy ambigua. La duración de las frases parece ser desigual, y algunas simplemente continuarán hacia nuevas figuraciones y progresiones sin que las anteriores concluyan correctamente.

Me parece bastante cómodo analizar a Bach, Vivaldi,Mozart, Beethoven, Chopin … incluso algunos mas Pero la música barroca, al menos en este aspecto, realmente se me pasa por la cabeza, ahora si vamos a hablar de las frases en el barroco mas bellas.

Las mejores frases de barroco

Frases de Mozart mas importantes

Compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart, ampliamente reconocido como uno de los mejores compositores en la historia de la música occidental. Con Haydn y Beethoven llevó a su apogeo el logro de la escuela clásica vienesa. A diferencia de cualquier otro compositor en la historia musical, escribió en todos los géneros musicales de su época y se destacó en todos. Su gusto, su dominio de la forma y su rango de expresión lo ha hecho parecer el más universal de todos los compositores. Estas son las frases de Mozart mas celebres:

Ni un alto grado de inteligencia, ni imaginación, ni ambos juntos van a la fabricación del genio. Amor, amor, amor, ese es el alma del genio.

No puedo escribir en verso, porque no soy un poeta. No puedo organizar las partes del discurso con un arte que produzca efectos de luz y sombra, porque no soy pintor. Incluso con señales y gestos no puedo expresar mis pensamientos y sentimientos, porque no soy bailarín. Pero puedo hacerlo por medio de sonidos, porque soy un músico.

Todo lo que insisto, y nada más, es que deberías mostrarle a todo el mundo que no tienes miedo. Estate en silencio, si eliges; pero cuando sea necesario, hable y hable de tal manera que la gente lo recuerde.

La música no está en las notas, sino en el silencio entre ellas.

Si solo el mundo entero pudiera sentir el poder de la armonía.

No le presto atención a los elogios ni a las culpas de nadie. Simplemente sigo mis propios sentimientos.

La música es mi vida y mi vida es música. Cualquiera que no entienda esto no es digno de Dios.

Frases de Antonio Vivaldi

Las frases de Vivaldi mas famosas

Antonio Vivaldi fue un compositor y violinista italiano que dejó una marca decisiva en la forma del el concierto y el estilo de la música instrumental barroca tardía. Tiene algunas frases que Vivaldi hizo popular en aquella epoca y a dia de hoy todavia son recordadas.

La primavera está sobre nosotros. Los pájaros celebran su regreso con una canción festiva, y las brisas acarician suavemente los murmullos. Las tempestades de truenos, esos heraldos de la primavera, rugen, arrojando su oscuro manto sobre el cielo, luego mueren en el silencio, y los pájaros retoman sus canciones encantadoras una vez más.

Los sentimientos humanos son difíciles de predecir.

Soy un cobarde. Sucumbí a los celos y ahora se come mi corazón.

Si no te gusta esto, dejaré de escribir música.

No hay palabras, solo hay música.

Sentimos que los fríos vientos del norte son toscos a través de la casa a pesar de las puertas cerradas y atornilladas … esto es invierno, que sin embargo trae sus propios placeres.

El campesino celebra con el canto y la danza la cosecha reunida con seguridad. La copa de Baco fluye libremente, y muchos encuentran su alivio en un profundo sueño.

Frases de celebres de Bach

Johann Sebastian Bach fue un compositor de la época barroca , el miembro más célebre de una gran familia de músicos del norte de Alemania. Aunque fue admirado por sus contemporáneos principalmente como un excelente clavecinista, organista y experto en la construcción de órganos, ahora Bach es considerado uno de los compositores más importantes de todos los tiempos.

He trabajado duro. Cualquiera que trabaje tan duro como yo pude lograr los mismos resultados. El objetivo final y la razón de toda la música no es otra cosa que la glorificación de Dios y el refrigerio del espíritu.

Es fácil tocar cualquier instrumento musical: todo lo que tiene que hacer es tocar la tecla derecha en el momento adecuado y el instrumento se reproducirá solo.

Toco las notas tal como están escritas, pero es Dios quien hace la música.

La música es una armonía agradable para el honor de Dios y las delicias permisibles del alma.

Siempre he tenido un objetivo a la vista, a saber … conducir una música de iglesia bien regulada para el honor de Dios.

Lo que logré por la industria y la práctica, cualquier otra persona con un don natural tolerable y capacidad también puede lograr.

Me hicieron trabajar. Si eres igualmente trabajador, serás igualmente exitoso.

Frases de Beethoven

Compositor alemán Ludwig Van Beethoven, la figura musical predominante en el período de transición entre las épocas clásica y romántica.

Frases celebres de Beethoven

Considerado ampliamente como el mejor compositor que haya existido, Beethoven domina un período de la historia musical como nadie antes ni después, te comparto unas frases celebres de Beethoven.

La vida sería plana sin música. Es el trasfondo de todo lo que hago. Habla al corazón de una manera especial como ninguna otra cosa.

Te deseo música para que te ayude con las cargas de la vida y para ayudarte a liberar tu felicidad a los demás.

No solo practique su arte, sino que forcé su camino hacia sus secretos; el arte lo merece, porque el conocimiento puede elevar al hombre hacia lo Divino.

La música es una revelación más elevada que toda sabiduría y filosofía. La música es el suelo eléctrico en el que el espíritu vive, piensa e inventa.

Oculta tu secreto incluso del amigo más cercano; aprende a estar en silencio.

La música debería prender fuego del corazón del hombre y provocar lágrimas en los ojos de la mujer.

Lo que eres, eres por accidente de nacimiento; lo que soy, estoy solo. Hay y habrá mil príncipes; solo hay un Beethoven.

Frases de Chopin sobre musica

Compositor y pianista francés polaco del período romántico Frédéric Chopin, mejor conocido por sus piezas solistas para piano y su concierto de piano. A pesar de que escribió poco, pero obras de piano, muchas de ellas breves, Chopin se ubica como uno de los poetas de tono más grandes de la música en razón de su imaginación superfina y artesanía exigente, a continuacion te comparto frases de Chopin mas populares.

Desearía poder deshacerme de los pensamientos que envenenan mi felicidad y, sin embargo, disfruto complaciéndolos.

Oh, qué miserable es no tener a nadie con quien compartir tus penas y alegrías, y, cuando tu corazón está pesado, no tener alma a la que puedas derramar tus problemas.

La simplicidad es la meta más alta, alcanzable cuando has superado todas las dificultades. Bach es como un astrónomo que, con la ayuda de cifras, encuentra las estrellas más maravillosas. . . Beethoven abrazó el universo con el poder de su espíritu. . . No monto tan alto. Hace mucho tiempo, decidí que mi universo sería el alma y el corazón del hombre.

¡Pon toda tu alma en ella, juega como te sientes!.

Nada es más odioso que la música sin significado oculto.

Lo último es simplicidad. Después de haber pasado por todas las dificultades, después de haber jugado un sinfín de notas, es la simplicidad lo que importa, con todo su encanto. Es el sello final en el arte. Cualquiera que se esfuerce por esto para empezar se decepcionará. No puedes comenzar al final.

La simplicidad es el logro final. Después de haber tocado una gran cantidad de notas y más notas, es la simplicidad la que emerge como la recompensa más importante del arte.

Conclusion

Estos grandes compositores no solo aportaron musica en su epoca si no tambien gracias a su experiencia y dedicacion pudieron hacer imnumerables frases del barroco que a dia de hoy son de gran ayuda motivacional para muchas personas.

La entrada Frases Famosas de Autores y Músicos Barrocos Célebres aparece primero en Musica Barroca.

from Musica Barroca https://ift.tt/2lHoLT3

0 notes

musica-barroca · 6 years

Text

El Violín Historia, Que es, Quien lo invento, Tipos y Otras Cosas Mas

El violín es uno de los instrumentos más populares y practicados de todo el mundo. No es para menos, ya que este hermoso y melodioso instrumento es capaz de ejecutar un sonido hechizante e hipnótico para cualquiera que lo escuche.

En manos capaces, el violín es capaz de reproducir algunas de las melodías más hermosas y refinadas del mundo. Pese a ser tan pequeño, (el más pequeño de la familia de instrumentos de cuerda frotada, conformada en conjunto con la Viola, el Violonchelo y el Contrabajo), es también el más agudo de todos ellos, capaz de crear sonidos a los que pocos instrumentos pueden llegar. De hecho, las grandes orquestas del mundo se valen de su sección de violines para ejecutar las notas más agudas de las piezas más antiguas y conocidas de la historia, provenientes de las manos de músicos tan célebres y brillantes como lo son Beethoven, Mozart, o Antonio Lucio Vivaldi.

La fama de este hermoso instrumento se extiende por cada región de cada continente del mundo, tanto por su sonido como por su versatilidad. Es un instrumento protagonista en las orquestas y grupos de cámara que se especializan en música clásica, pero también puede ser usado para tocar desde música country hasta rock sin problema. Con tales cualidades, el violín puede considerarse un instrumento estrella en el mundo de la música.

Historia del violín

La historia del violín se remonta hace mucho tiempo atrás, se inicia con el frotamiento de las cuerdas del laúd y el rebab, instrumentos populares en la Europa mediterránea durante la expansión de la cultura árabe en la época medieval.

El violin instrumento musical

En Italia, a partir del rebab, surgen los antecedentes más evidentes tanto del violín como para otros instrumentos de cuerda de la epoca del renacimiento como la llamada viola da gamba (instrumento perteneciente a los cordófonos de arco; es decir, instrumentos musicales que producen sonidos por medio de las vibraciones de una o más cuerdas, amplificadas por una caja de resonancia). También es en esta época que es creado el término “viola de arco”, nombre que se utilizaba para todo instrumento de cuerda frotada con arco.

No es sino hasta el siglo XVII que aparece el violín propiamente dicho, aunque con algunas diferencias respecto a los violines que se han fabricado desde el siglo XIX hasta la actualidad. La tapa superior y las tablas laterales se hacen de madera blanda, mientras que la tapa inferior se hace de madera dura. La ciudad de Cremona se hallaba entre un bosque de abetos (madera blanda) y uno de arces (madera dura), por lo que estas maderas eran las usadas por los grandes maestros del instrumento.

El arco es uno de los elementos que más ha sufrido modificaciones a través de la historia, el modelo actual data del siglo XIX, cuando François Tourte le dio una curvatura desigual, que en los modelos más primitivos era prominente, como la del arco de cacería.

Pese a que el violín se encontraba bastante difundido en Italia a partir del siglo XVII, éste carecía de todo prestigio, siendo el laúd, la viola da gamba, la guitarra y la mandolina mucho más considerados. Sin embargo, Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (Claudio Monteverdi) es uno de los que descubren el potencial de los atributos sonoros del violín, y es por ello que, en el año 1607, lo usa para complementar las voces corales en su ópera “Orfeo”. Es en este momento que el prestigio del violín comienza a crecer para los años futuros.

Hacia esa época comienzan a hacerse conocidos ciertos fabricantes de violines, llamados en ese tiempo luteros, lauderos, o luthiers; ya que inicialmente se dedicaron a la fabricación de laúdes. Así se hacen conocidos Gasparo Bertolotti de Saló, o Giovanni Maggini de Brescia; sin embargo, una ciudad se hizo famosísima por sus lauderos especializados en la fabricación de violines: la mismísima Cremona.

De hecho, fue de Cremona que salieron los famosos fabricantes de violines Andrea Amati, Giuseppe Guarneri y Antonio Stradivari (más conocidos por sus apellidos en su forma latinizada: Amatius, Guarnerius, Stradivarius).

Desde ese momento el violín se ha difundido por todo el mundo, encontrándose incluso como un “instrumento tradicional” en muchos países no europeos, desde América hasta Asia, ganándose el corazón de miles de oyentes pero, más importante, de los propios músicos.

Qué es el violín

Las caracteristicas del Violin

El violín, del italiano “violino”, es un instrumento de cuerda frotada que posee cuatro cuerdas. Es el más pequeño de la familia de los instrumentos de cuerda frotada, conformada por él mismo, la viola, el violonchelo y el contrabajo; los cuales, salvo el contrabajo, son derivados todos de las violas medievales, en especial de la fídula, un instrumento antiguo similar al violín, pero con el cuerpo más largo y profundo, además de poseer de tres a cinco cuerdas en lugar de las específicas 4 del violín.

Características

Una de las características del violín mas se trata de sus cuerdas, las cuales están hechas de metal o de tripa enroscada con aluminio, plata o acero, siendo este último el más popular ya que, en la mayoría de los violines, su cuerda “Mi” es directamente un hilo de acero, motivo por el cual produce el sonido más agudo de todas.

Las cuerdas se afinan por intervalos de quintas.

La cuerda de sonido más grave es la de “sol”, y luego le siguen, en orden creciente, el re, la y mi. En el violín la primera cuerda en ser afinada es la de “la”; esta se afina comúnmente a una frecuencia de 440 Hz (unidad de frecuencia), utilizando como referencia un diapasón clásico de metal ahorquillado. El diapasón ha tendido a subir en los últimos años y se sitúa más comúnmente en los 442 Hz en la actualidad, e incluso más arriba en las orquestas norteamericanas.

Las demás características del instrumento, se centran en su forma. El cuerpo del violín posee una forma abombada, con silueta determinada por una curvatura superior e inferior con una apretura a la cintura en forma de C. Las tapas del violín se modelan con suaves curvas que proporcionan la característica de abovedado. Los aros, que van alrededor del violín dando la silueta, son de poca altura, el mástil posee cierto ángulo de inclinación hacia atrás respecto al eje vertical, longitudinal y se remata por un caracol llamado colocho o voluta. La estructura interna del violín la constituyen dos elementos fundamentales en la producción sonora del instrumento dados por la barra armónica y el alma. La barra armónica corre a lo largo de la tapa justo debajo de las cuerdas graves y el alma está ubicada justo debajo del pie derecho del puente donde se ubican las cuerdas agudas.

El violín ha sido incorporado a una gran cantidad de estilos musicales, esta versatilidad le permite ser considerado uno de los instrumentos más valorados en la actualidad, ya que posee las características armónicas requeridas para un gran número de estilos musicales, como lo son la música clásica y el country.

El arco del violín es una vara estrecha, de curva suave y construida idóneamente en la dura madera del palo brasil o “de Pernambuco”, de unos 77 cm de largo, con una cinta de 70 cm hecha por entre 100 y 120 crines de cola de caballo, siendo las de mejor calidad las llamadas “Mongolia”, por su pelo más fino y resistente. Tal cinta va desde una punta a la otra del arco. Para que las cuerdas vibren y suenen de un modo eficaz, la cinta de cola de caballo del arco debe ser frotada regularmente con una resina llamada “perrubia”, de “pez-rubia”.

Anteriotmente se romoreaba que Leonardo da Vinci, fue quien invento el violin

Al momento de tocar el instrumento, además del efecto logrado por el arco, se pueden conseguir otros tipos de sonido como lo son:

El “pizzicato”: Pellizcando las cuerdas como si se tratase de una guitarra, pero no con la misma posición

El “trémolo”: Moviendo el arco arriba y abajo muy rápido.

El “vibrato”: Haciendo vibrar los dedos sobre las cuerdas.

El “glissando”: Moviendo la mano izquierda arriba y abajo sobre las cuerdas.

El “col legno”: Tocando con la parte de madera del arco.

El “sul ponticello”: Tocando prácticamente sobre el puente.

El “sul tasto”: Tocando sobre el diapasón.

Las partituras de música para violín usan siempre la Clave de Sol, llamada en tiempos pasados “clave de violín”.

Quien inventó el violín

Aunque anteriormente se rumoreaba que el violín fue inventado por Leonardo da Vinci, lo cierto es que no fue inventado por una persona en específico, sino que se desarrolló en Europa con el pasar del tiempo.

De qué está hecho el violín

El violín es un instrumento hecho en su totalidad de madera, pero ésta proviene de distintas fuentes de acuerdo a cada parte del instrumento:

Cuerpo: La parte superior del instrumento es generalmente cortada de pícea, mientras que la espalda y las costillas son de arce, para darle ese patrón de “rayas” a la madera.

Mástil y diapasón: La voluta y el clavijero están tallados en la misma pieza de arce que el cuello, mientras que las clavijas se cortan de ébano, palo de rosa o boj.

Puente y cordal: El puente está hecho de arce, mientras que el cordal, donde las cuerdas se unen en la parte inferior del instrumento, se hace generalmente de la misma madera que las clavijas, ya sea de ébano u otras maderas ligeras.

Las cuerdas del violín por otro lado, están hechas generalmente de metal o de tripa de oveja enroscada con aluminio, plata, acero, o algún otro material sintético. En ocasiones, la cuerda “Mi” puede estar hecha de oro, para darle el sonido tan agudo que requiere.

Tipos de violín

Los violines mayormente se clasifican por tamaño, siendo los más conocidos 4/4 (cuatro cuartos), 3/4 (tres cuartos), 2/4 (dos cuartos) y 1/4 (un cuarto). Para escoger uno, se deben tomar en cuenta las medidas del instrumento con respecto al tamaño del músico y, sobre todo, a la longitud de su mano.

Los diferentes tipos de violines

El violín 4/4 posee una longitud de aproximadamente 35,5 cm, un ancho máximo de 20 cm, y un alto de 4,5 cm, lo que lo hace el más grande y es el utilizado por los adultos. Los violines de tamaño menor están destinados a jóvenes y niños.

Los violines también pueden clasificarse de acuerdo a su fabricación, catalogándose como violines de élite, pre-fabricados o de fábrica.

Los violines de élite son aquellos que son elaborados a mano, por lo general son fabricados en países europeos como Italia y Alemania. Tienden a ser muy costosos debido a su alto nivel de calidad y trabajo manual. Los pre-fabricados los cuales son los elaborados por máquinas donde el fabricante se encarga de ensamblar las piezas. Finalmente, los violines de fábrica son aquellos elaborados completamente por una máquina. No son los de mejor calidad, pero sí tienden a ser los más económicos.

Partes del violín

El cuerpo del violín es similar al de la mayoría de los instrumentos de cuerda: un diapasón sin trastes, generalmente de ébano; un clavijero, una caja de resonancia y un puente.

La caja de resonancia del violín tiene un diseño elegante y hermoso, de sección oval con dos angosturas cerca del centro. La misma está constituida por dos partes: la tabla armónica y la tabla del fondo, tradicionalmente hecha con madera de arce; las cubiertas laterales o “aros” y la tabla superior o “tapa armónica”, tradicionalmente de madera de abeto blanco o rojo. La tapa se encuentra perforada simétricamente y casi en el centro del instrumento por dos aberturas de resonancia llamadas “oídos” o “eses”, ya que en el tiempo de su diseño se usaba aún en la escritura la S larga, semejante a una “f” cursiva pero sin la barra horizontal, motivo por el cual actualmente se tiende a llamarles “efes”.

Por fuera, la caja de resonancia se continúa por el mango o mástil; el cual concluye en un clavijero, un agujero rectangular en la que se insertan las cuerdas anudadas y tensionadas mediante las clavijas correspondientes para cada cuerda. Luego del clavijero, un remate llamado, por su forma, “voluta”, aunque en ciertos casos ésta se encuentra sustituida por otras formas, por ejemplo una cara humana.

Las diferentes partes del violin

Sobre el mango se ubica el diapasón del violín o “tastiera”, sobre la tapa de la caja se encuentra el “puente” el cual mantiene elevadas las cuatro cuerdas, y en la parte posterior de la caja de resonancia, se encuentra otra pieza de forma triangular llamada el “cordal”, como su nombre lo indica, el “cordal” sirve para retener las cuatro cuerdas, estas se apoyan en los siguientes puntos: los orificios del “cordal”, el “puente”, la “cejilla” ubicada sobre el mástil y las clavijas.

Violinistas famosos

A lo largo de la historia se han encontrado muchísimos violinistas famosos, entre los que se destacan:

Nicolo Paganini

Pablo Sarasate

Jascha Heifetz

Yehudi Menuhin

Eugène Ysaÿe

Samvel Yervinyan

André Rieu

Itzhak Perlman

Sayaka Katsuki

Conclusión

El violín es un instrumento absolutamente hermoso, tanto en apariencia como en sonido, sinónimo de elegancia y clase, que posee una versatilidad increíble para tocar casi cualquier tipo de música que se le ponga enfrente. Es por todo esto y muchas razones más, que se ha convertido en uno de los instrumentos favoritos de los músicos y oyentes del mundo. ¿Qué dices tú? ¿Es tu favorito también?

La entrada El Violín Historia, Que es, Quien lo invento, Tipos y Otras Cosas Mas aparece primero en Musica Barroca.

from Musica Barroca http://ift.tt/2DA7VAS

0 notes