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BITACORA: ARTE MODERNO Y CONTEMPORANEO
De: Lenin De La Cruz
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INTRODUCCIÓN
Dentro de esta bitácora se desarrollará sobre que es el arte moderno y contemporáneo clase dirigida por el profesor y el seguimiento sobre los temas asignados en el proceso de aprendizaje del tema.
El concepto de arte contemporáneo surge en el siglo XX, en Francia en la década de los años 40 y en Estados Unidos a mediados de la década de los 70. Las obras de arte contemporáneo se caracterizan a través de metáforas y símbolos que trabajan con lenguajes de temas imaginarios.
Se considera como precursor del arte contemporáneo, a Marcel Duchamp, quien a través de su obra Fuente (1917), cuestionó a la institución del arte e incorporó como material artístico, los objetos cotidianos. Pero es en la década de los 60 cuando toma fuerza con los artistas neodadaístas como Robert Rauchenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, que comenzaron a mezclar materiales y medios ajenos al arte, con el fin de abarcar la realidad cotidiana y elogiar la cultura popular.
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EL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO
En el mundo del arte, las formas modernas y contemporáneas son en gran medida variables. Debido a que, las personas a menudo usan el término “moderno”, para describir una forma de arte de los últimos tiempos, cuando en realidad, esta forma de arte se considera contemporánea. El arte moderno y contemporáneo, nace en 2 períodos diferentes. El arte moderno, inició en la década de 1880 y se prolongó hasta la década de 1960. Por su parte, el arte contemporáneo, se desarrolló después de la década de 1960 y es el que se mantiene hasta el presente.
Arte moderno
El arte moderno, se caracteriza por poseer un estilo único, ya que es el reflejo tanto del mundo exterior e interior del ser humano. El cual se centró en el surrealismo, en lugar de la vida representada según la percepción de la iglesia o de la sociedad. El arte moderno tiene como precursores a los artistas Van Gogh y Manet, en la década de 1880, pues dieron un nuevo giro a la forma de expresión artística, que se realizaba hasta ese entonces e hicieron hincapié en la representación subjetiva de los sujetos en lugar de centrarse en el realismo que prevalecía antes de la década.
Algunas de sus manifestaciones, es el cubismo analítico (1908 a 1914), el cual se centralizó en la composición de imágenes basadas en el estudio del espacio, la perspectiva y la transposición de los volúmenes a la bidimensionalidad de la tela lo que desplazó la expresión personal del artista, por el concepto, aspecto que Apollinaire, profundizó: “lo que diferencia al cubismo de la pintura antigua, es que no es un arte de imitación, sino un arte de concepción que tiende a elevarse hasta la creación”. Los grandes representantes son Picasso y Braque.
En el arte moderno, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista e ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas abstractas. La experimentación, dio paso a la consolidación del arte contemporáneo.
Arte contemporáneo
El concepto de arte contemporáneo, surge en el siglo XX, en Francia en la década de los años 40 y en Estados Unidos a mediados de la década de los 70. Las obras de arte contemporáneo, se caracterizan a través de metáforas y símbolos que trabajan con lenguajes de temas imaginarios.
Se considera como precursor del arte contemporáneo, a Marcel Duchamp, quien a través de su obra Fuente (1917), cuestionó a la institución del arte e incorporó como material artístico, los objetos cotidianos. Pero es en la década de los 60 cuando toma fuerza con los artistas neodadaístas como Robert Rauchenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, que comenzaron a mezclar materiales y medios ajenos al arte, con el fin de abarcar la realidad cotidiana y elogiar la cultura popular.
A diferencia del arte moderno, el contemporáneo, tiene más impacto social; tiende más a la búsqueda de reacción por parte del público, aunque esta reacción no siempre sea positiva. Por otra parte, los artistas contemporáneos tienen más libertad para experimentar con todos los estilos y los artistas modernos, tenían como ideal el arte puro, mientras que los artistas contemporáneos, son muy liberales en sus actitudes y no se afectan demasiado por la pureza en el arte.
Los museos, especialmente los de arte contemporáneo, históricamente han motivado al espectador, mediante exhibiciones temáticas a una toma de posición, al juicio y a desarrollar la capacidad crítica. Sin embargo, la multiplicidad de visiones e interpretaciones del mundo que expresa el arte, también se puede encontrar en espacios externos a los museos.
El Impresionismo y el Postimpresionismo, constituyen un punto de partida para las corrientes del siglo XX, en el arte contemporáneo. Dentro de las vanguardias históricas, las más destacadas son el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, y el futurismo, entre otras. Todas estas tienen una serie de elementos comunes en su ideología, pero no en lo estilístico.
Por lo que se entiende por el fauvismo, que sustituyó a la paleta de tonos naturalistas, empleadas por los impresionistas por un fuerte colorido y un dibujo de trazos muy marcados para crear un mayor énfasis expresivo. Algunos de sus representantes son: George Braque y Henri Matisse.
Los expresionistas, en cambio apreciaron los contenidos y las actitudes emocionales, la expresión del propio yo, es por ello que la composición se hace desgarrada y el color más violento, con contenidos simbólicos.
El cubismo, por su parte enfatiza la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone una forma de perspectiva basada en la multiplicidad de los puntos de vista e influyó en la aparición del arte no figurativo o abstracto. El suizo Paul Klee produjo algunas acuarelas abstractas.
Sin embargo los artistas del futurismo italiano, especialmente Gini Severini, Humberto Boccini, Carlo Cará y Giacomo Balla, trabajaron en un estilo que se ha denominado cubismo dinámico, porque se interesaron por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e imágenes.
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¿ COMO SE DESARROLLO EL ARTE EN EL SIGLO 18 Y 19?
En el siglo XVIII la evolución del barroco lleva al rococó: la decoración se hace más densa y su estilo más movido. Aparecen los frontones curvos y partidos, las columnas salomónicas etc. A finales del siglo XVIII se va a desarrollar el Neoclásico como reacción contra el Barroco y el Rococó. Se caracteriza como su nombre indica por su inspiración en las formas del arte clásico grecorromano.
La revolución francesa de 1789 termina con el Antiguo Régimen y el poder de la aristocracia. La burguesía que ya tenía en sus manos el poder económico suma así el poder político. Se convierte en la nueva clase dominante y el arte, se adaptará a sus gustos.
características generales del neoclásico.
Abarca desde mediados del siglo XVIII hasta bien entrado el siglo XIX y supone un gran cambio artístico respecto al Rococó. El Neoclásico se inspirará en el mundo grecolatino, sobre todo en Grecia. La Ilustración, movimiento intelectual burgués, basa sus ideas en la defensa de la razón.
Los ilustrados defienden un arte más racional y técnico tanto en arquitectura como en escultura y pintura. Se produce una identificación entre el Neoclasicismo y las ideas de la burguesía.
En arquitectura se investigará los modelos clásicos para aprender de ellos. El Neoclásico se difunde por Europa a través de una serie de arquitectos que comparten una serie de valores. Para ellos, la arquitectura es un vehículo para transformar la sociedad. Así, parten de un gusto por los volúmenes puros, funcionales: orden, proporción y medida son elementos esenciales en su arquitectura.
En escultura se siguen los modelos de la Antigüedad Clásica especialmente de Roma y en pintura no se disponen de modelos como en la arquitectura o escultura. Se inspira en una estética grecolatina para satisfacer a la nueva sociedad revolucionaria. La Antigüedad clásica se convierte en el tema ideal para transmitir los principios revolucionarios.
pintura neoclásica francesa.
Francia país protagonista de la revolución es donde la pintura neoclásica se desarrolló con más fuerza. A falta de restos pinturas clásicas, si exceptuamos a las pinturas pompeyanas, se inspiraron en los relieves. Entre los pintores destacan:
• Jacques Louis David que partiendo del rococó se aproximará al neoclasicismo. Realiza una pintura severa y equilibrada. De una temática trivial evolucionará a una comprometida con los valores revolucionarios de libertad, actitud cívica y heroísmo. Se trata de un pintor comprometido con los ideales de la Revolución Francesa y con el régimen napoleónico. Entre sus obras destaca: “El Juramento de los Horacios” y “Marat asesinado”
• Antoine-Jean Gros fue el pintor militar de Napoleón al que siguió en numerosas batallas plasmando algunas de ellas. Destaca entre sus obras: “Napoleón visitando a los apestados de Jaffa”.
• Jean Auguste Ingres: el dibujo es primordial en su obra mientras que el color desempeña un papel secundario. Pintó temas mitológicos, retratos y temas orientales como “El baño turco”.
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¿COMO FUE EL ROMANTICISMO?
El romanticismo fue un movimiento cultural, artístico y literario que tuvo lugar en Europa durante el paso del siglo XVIII al siglo XIX. Precedido por el movimiento alemán Sturm und Drang (tormenta e ímpetu), su impacto fue de tal orden que modificó el concepto y el papel del arte en la modernidad. Esto fue posible gracias a las características particularmente innovadoras del movimiento.
5 ejemplos de este movimiento
1- Rechazo al neoclasicismo y a la Ilustración
El romanticismo surgió inicialmente en Inglaterra, Francia y Alemania en contraposición al movimiento intelectual de la Ilustración y su expresión artística neoclasicista, donde se valorizaba la lógica, la razón y la objetividad, lo que rápidamente se tradujo en la estandarización de formas y contenidos.
2- Exaltación de los sentimientos y la subjetividad
El tema central del romanticismo giró en torno a la exaltación de los sentimientos y la subjetividad, lo que permitió la liberación de los artistas y del arte.
3- Rebeldía ante las reglas del arte y la literatura
Los artistas del romanticismo se opusieron a la rigidez del academicismo y liberaron al arte de las reglas, lo que favoreció la creatividad artística.
4- Culto del yo y del individualismo
Si antes el artista debía crear en función del encargo y limitarse a las intenciones del mecenas, con la libertad adquirida el artista podía centrarse en la individualidad.
5- Valoración de la originalidad
Durante el romanticismo la originalidad se vuelve un criterio de valoración artística, por lo que queda atrás la idea de que el arte debe responder a la tradición, continuarla o perfeccionarla.
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¿CUALES FUERON LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL ARTE MODERNO?
Cuando hablamos de movimientos artísticos nos estamos refiriendo a estas tendencias en el arte y cultura en general que se caracterizan por tener una filosofía o estilo en común. Los artistas de estas épocas crean sus obras de acuerdo con estas pautas y tendencias. Además de marcar un estilo en el ámbito cultural, estos movimientos también han sido capaces de influir en la realidad social y provocar grandes cambios en el área científica.
Principales movimientos artísticos de la historia del arte
Estos movimientos son el fiel reflejo de una expresión artística común que se extiende alrededor del mundo. Las principales corrientes que han marcado la historia del arte y la cultura a nivel general son:
Renacimiento (1400-1550)
Esta época se caracteriza por la vuelta a la esencia de la Grecia y la Roma más clásicas. Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci son dos de las figuras más representativas de este movimiento donde la perfección humana, la mitología y la armonía juegan un papel fundamental.
Barroco (1600-1750)
La sensualidad y la espiritualidad cogen el relevo a todo lo que se había vivido durante el Renacimiento. Un cambio de enfoque que marcó a los diferentes artistas a lo largo de más de un siglo. Rembrandt, Caravaggio y nuestro Velázquez son los principales protagonistas de esta época.
Realismo (1848-1900)
Este movimiento surge en Francia tras finalizar la Revolución. Aquí el arte se centra mucho más en representar con todo tipo de detalles a los protagonistas, abandonando así la imaginación y el idealismo.
Décadas marcadas por los retratos a trabajadores y campesinos. Sin duda, uno de los mayores movimientos artísticos del siglo XIX.
Impresionismo (1865-1885)
Este movimiento artístico también se originó en Francia y se impuso no solo en el ámbito de la pintura, también en la música. El color y la luz son dos de los recursos presentes en cada una de las representaciones que se realizaron a lo largo de esta época. Seguro que te suenan nombres tan importantes como Monet, Degas, Sorolla y Pissarro.
Sus pinceladas transmitían todo tipo de tem��ticas y ambientes muy fotográficos.
Cubismo (1905-1920)
Aunque desde 1885 hasta 1905 aparecieron otros movimientos, no fueron tan relevantes hasta la llegada del cubismo y el descubrimiento de uno de los grandes artistas de la pintura: Picasso.
Surrealismo (1917 – 1950)
Nace como respuesta a lo ocurrido durante la Primera Guerra Mundial.
Pop Art (1960)
Todavía este movimiento está presente en la actualidad.
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¿qué dice la teoría en el uso del color y el contraste Michel Eugéne Chevreul?
Durante el siglo XIX, escritores como Michel Eugéne Chevreul y Charles Blanc escribieron tratados sobre color, contraste, efectos ópticos y percepción. Adaptaron la investigación científica de Hermann von Helmholtz e Isaac Newton a una forma accesible para el común de la gente. Estos tratados sobre la teoría del color se dice que influyeron en la base de la técnica de los pintores post-impresionistas y neoimpresionistas.
MICHEL-EUGENE CHEVREUL Su gran contribución fue producir una rueda de colores de matices primarios e intermedios. Chevreul fue un químico francés y director de los trabajos de tintura en Gobelins, la fábrica real de tapices. Su interés en la teoría del color comenzó con una queja de los tejedores de la fábrica. Estos afirmaron que las muestras de hilo negro tenían un tono diferente o al menos se veían diferentes cuando se veían junto con otros colores en un tapiz.
Chevreul investigó y descubrió que la causa no era el color en sí mismo, sino la percepción del mismo cuando se veía junto con otros colores. Basado en esto, produjo las primeras reglas generales de los efectos psicológicos del uso del color.
Las teorías del color de Chevreul
la ley de contraste simultáneo
Chevreul describió su teoría del contraste simultáneo en Los Principios de Armonía y Contraste de Colores y su Aplicación a las Artes publicada en 1839.
El contraste simultáneo de dos tonos.
Señaló que el cerebro exagera las diferencias para percibirlas mejor. Si por ejemplo, dos muestras del mismo tono, una más clara y otra más oscura, se colocan una al lado de la otra, la muestra más clara aparecerá aún más clara y la muestra oscura aún más oscura que si se vieran por separado.
Contraste simultáneo de color.
Esta observación se aplicó tanto a la claridad de las muestras como a los tonos y para explicar esto Chevreul utilizó el concepto de colores complementarios. Chevreul produjo una rueda de colores que muestra los colores y sus complementarios. A continuación se muestra la rueda de colores publicado en su libro.
El contraste simultáneo de colores complementarios
Se puede percibir un efecto similar con colores complementarios. Por ejemplo, si el rojo y el verde se yuxtaponen, el rojo aparecerá más rojo ya que está siendo influenciado por la percepción del color complementario del verde, que es el rojo.
El contraste simultáneo de colores similares
Con dos colores similares se aplica la misma regla: el complementario de cada uno afectará al otro. Sin embargo, el efecto es diferente. Por lo tanto, si el rojo se coloca junto al naranja, se verá como un rojo más violeta debido al tinte azul que induce el naranja. Si se coloca el mismo rojo junto al violeta, se verá más naranja debido al tinte amarillo del violeta.
El contraste sucesivo
El contraste sucesivo es similar al contraste simultáneo, excepto que esto último ocurre inmediatamente mientras que el contraste sucesivo está relacionado con las imágenes posteriores. Por ejemplo, un observador mira fijamente un color y luego mira hacia otro lado, se puede ver una imagen posterior del color complementario.
Imagen de tiras amarillas y azules. Todos los rojos son del mismo rojo, y todos los verdes son del mismo verde, su percepción cambia según los colores adyacentes.
El contraste mixto
La ley del contraste mixto se aplica si, por ejemplo, observa un área de color rojo anaranjado e inmediatamente después observa un área de color amarillo. El amarillo aparecerá en verde ya que se habrá mezclado con la imagen posterior azul del rojo. Por lo tanto, este concepto se aplica mucho a obras de arte a gran escala o murales que se ven "sucesivamente" y que, en general, tienen áreas más grandes de colores fuertes.
La influencia de Chevreul y Charles Blanc en el arte neo y post impresionista.
Es difícil medir cuántos artistas habrían leído las teorías de Chevreul de primera mano. En muchos casos, parece que descubrieron sus teorías de fuentes secundarias, como el Grammaire de arts du dessin de Charles Blanc. Se sabe que Seurat, Signac, Gaughin y Van Gogh leyeron el texto de Blanc y, a través de esto, llegaron saber sobre las teorías del color de Chevreul. Asimismo, existen testimonios de que Delacroix compró notas que alguien había hecho en una de las conferencias de Chevreul.
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PINTOR CANDIDO PORTINARI
(Brodosqui, 1903 - Río de Janeiro, 1962) Pintor brasileño. Procedente de una familia humilde de inmigrantes italianos, desde muy pequeño manifestó sus condiciones artísticas. A los quince años, para mejorar su formación, se trasladó a Río de Janeiro, donde viviría el resto de su vida. No pudo superar el examen de acceso en la Escuela Nacional de Bellas Artes y decidió matricularse en el Liceo de Artes y Oficios; finalmente, pasó a Bellas Artes, donde completó sus estudios. Fue alumno de Joao Bautista da Costa, Lucilio Albuquerque y Rodolfo Chambeland, que siguió con interés los retratos del artista. En los comienzos de su carrera recibió una fuerte influencia del pintor, escultor y grabador sueco Anders Zorn y del pintor español Ignacio Zuloaga. Dejó patente la influencia de éste último en su retrato del poeta Olegario Mariano, con el que ganó un viaje al extranjero en el Salón Nacional de Bellas Artes en 1928. En algunos de sus retratos
Portinari conoció muy bien la pintura de Pablo Picasso, siendo el Guernica la obra que más le marcó; coincidió con artista español en sus pinturas de grandes dimensiones, con una tendencia expresionista, así como en la fuerza dramática de sus murales y la importancia del hombre en toda su obra. Aunque fue un pintor muy colorista, alternó la vivacidad con los colores fríos y monocromos.
Con el premio ganado en 1928, Portinari viajó a Europa, fijó su residencia en París y visitó varias ciudades europeas. Fue una época de poca producción pero de mucha observación en museos y galerías, donde pudo estudiar a los grandes pintores, conocer las nuevas corrientes pictóricas y, sobre todo, descubrir la pintura al fresco.
En 1930 regresó a Brasil con un fuerte deseo de pintar la realidad de su pueblo con un nuevo lenguaje pictórico. Muchos de los murales que realizó en esta etapa fueron encargados por el dictador Getulio Vargas, lo que no le impidió retratar de manera dramática la realidad social y humana del país.
Portinari mostró siempre en su pintura la tragedia de los pueblos y las gentes menos favorecidas; es constante la presencia del obrero, del campesino, del niño, de la mujer, así como la preocupación religiosa. Trabajó en una línea abstracta sólo como experiencia de estudio y, aunque recibió influencia de la pintura abstracta, la figuración fue siempre más fuerte en él.
Afiliado al Partido Comunista Brasileño, del que nunca se desligó, Cândido Portinari se presentó como candidato por este partido a diputado federal en 1934 y a senador en 1946. No tuvo éxito en política y fue derrotado en ambos casos. También fue en esta etapa profesor en la escuela de Bellas Artes y en la Universidad del Distrito Federal en Río de Janeiro.
A lo largo de su vida, Portinari pintó innumerables murales no sólo en Brasil, sino en otros países. En 1935 recibió su primer reconocimiento en el exterior: fue mención honorífica en la exposición internacional del Instituto Carnegie de Pittsburgh, Nueva York, con su pintura Café.
Entre sus obras más importantes destacan los paneles Guerra y Paz en el edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, El descubrimiento de Brasil para la Biblioteca del Congreso en Washington, los tres grandes paneles para el pabellón brasileño de la Exposición Internacional de Nueva York en 1939 y una serie de murales para el edificio del Ministerio de Educación sobre los ciclos económicos del Brasil.
manifestó la influencia de Amedeo Modigliani.
OBRA COLHEDORES DE CAFÉ
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PINTOR DR. ATL GERARDO MURILLO
(Seudónimo de Gerardo Murillo; Guadalajara, 1875 - ciudad de México, 1964) Pintor y escritor mexicano.Más tarde se trasladó a la ciudad de México para estudiar la preparatoria y Bellas Artes; estuvo becado por Porfirio Díaz como estudiante de pintura. Después viajó a Roma, donde realizó estudios universitarios de filosofía y derecho. Poco después, Leopoldo Lugones lo bautizaría con el apodo de Doctor Atl, tomando la palabra "Atl" de la lengua nahuatl, en la que significa "agua".Al regresar a México en 1903, trajo consigo un gran entusiasmo por la pintura renacentista, el neoimpresionismo y el fauvismo. Comenzó a impartir clases en la Academia de San Carlos de la ciudad de México, donde tuvo como alumnos a Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. En 1910 organizó una exposición que celebraba el centenario de la independencia.
Viajó luego a París, y con una gran facilidad también para las letras, fundó el periódico Action d'Art, en el que difundía el sentido social que entrañaban los acontecimientos mexicanos. En 1911 se desplazó a Italia, donde estudió vulcanología, y fue la curiosidad intelectual por este tipo de elementos naturales lo que lo llevaría más tarde, en 1942, al nacimiento del volcán Paricutín. Para registrar el fenómeno elaboró apuntes y pinturas que expuso posteriormente en Bellas Artes; en 1950 publicaría el libro Cómo nace y crece un volcán: el Paricutín, considerado hoy una joya bibliográfica.
Caminante infatigable, fue un gran paisajista. Escaló frecuentemente el Popocatepetl y el Iztaccíhuatl, y, además de los volcanes, fueron los árboles y las montañas los modelos de sus pinturas (siguiendo una línea fauvista-impresionista), con un manejo monumental del espacio, lleno de fuerza y vigor, y horizontes curvados en busca de amplitud y movimiento. Inició entonces lo que llamamos aeropaisaje, es decir, conjuntos geográficos tomados desde las alturas. Creó la técnica que se llamaría "Atl-Color": tintes secos o a la resina que imprimía sobre papel, tela o roca; con esta técnica pintó un friso de ninfas con guirnaldas floridas y unos cuadros de grandes dimensiones que representan volcanes para un filántropo de Puebla y para decorar una cafetería de la calle 16 de Septiembre de la ciudad de México. Se dedicó también a la literatura: sus Cuentos de todos colores, con temas de la Revolución, lo consagraron como uno de los mejores narradores de esa etapa histórica, en parte por el atinado uso del habla popular. En sus relatos es recurrente el tema de la justicia. Donó casi toda su obra plástica al Instituto Nacional de Bellas Artes.
OBRA ERUPCIÓN DEL PARICUTÍN
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RESUMEN SOBRE EL DOCUMENTAL DE LA UNIVERSIDAD DEL BAUHAUS
Sólo hicieron falta unos años (de 1919 a 1933) para que la Bauhaus (nombre derivado de la unión de las palabras en alemán “Bau”: construcción y “Haus”: casa) superara la función de cualquier centro de enseñanza y se convirtiera no sólo en la primera escuela de diseño del S.XX sino en todo un movimiento artístico que se convirtió en todo un referente internacional de la arquitectura, el arte y el diseño. Fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura surgida de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de Artes y Oficios por medio del arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) y conocida oficialmente como la Staatliches Bauhaus («Casa de la Construcción Estatal»).
Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, los procesos políticos y sociales tuvieron gran influencia. Con el final de la primera guerra Mundial comenzaron a surgir movimientos revolucionarios que aspiraban provocar una renovación radical de la cultura y la sociedad que con la necesidad de encontrar nuevos caminos en cuanto a diseño y composición. El objetivo de la escuela, encabezado por Gropius, era reformar la enseñanza de las artes para lograr una transformación de la sociedad burguesa. Su contenido crítico y compromiso de izquierda causarían su cierre en 1933.
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BIOGRAFIA RESUMIDA DE PAUL DELVAUX (1897/09/23 - 1994/07/20)
Nació el 23 de septiembre de 1897 en Antheit, Lieja, (Bélgica).
Desde 1904, asiste al colegio St. Gilles de Bruselas, donde le fascinan los esqueletos del laboratorio de biología. Esto y la lectura de las célebres novelas de Julio Verne se convertirán en el centro de su pintura: dos personajes, un geólogo y un astrónomo, aparecerán con frecuencia en sus obras.
Cursa estudios de griego y latín. En 1916 entra en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y da clases de arquitectura que dejará un año después.
Conoce a Frans Courtens que convence a sus padres del talento artístico del joven pintor y desde 1919 se dedica a la pintura. En 1920, conoce a Anne-Marie de Martelaere, llamada Tam, quien será el gran amor de su vida.
Pinta paisajes en la tradición realista de sus amigos del grupo Le Sillon y participa en varias exposiciones junto con Magritte, Baugniet y Flouquet. Desde 1925 pinta obras de gran formato, marcadas por el expresionismo, "El banco", de 1927, y en ese año, expone en la Galería Manteau de Bruselas. En el año 1930 entra en contacto con el surrealismo y hacia 1929-1930, se encuentra con una Venus, la del "Gran Museo Anatómico Etnológico del Dr. P. Spitzner", en una barraca de curiosidades en la Feria del Midi, en Bruselas, que mostraba al público ejemplos de malformaciones congénitas.
En 1932 pinta su primera "Venus dormida", que acabará por destruir. En 1933 el Palacio de Bellas Artes de Bruselas le organiza una exposición individual. En junio de ese año pinta "Mujeres y piedras". En 1936 realiza una exposición junto a René Magritte en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas. En 1937, contrae matrimonio con Suzanne Purnal.
Participa en la Exposición Internacional del Surrealismo organizada por André Breton y Paul Éluard en la Galerie des Beaux-Arts, de París. Recibe el premio de la Academia Picard y viaja por primera vez a Italia. Pinta Ninfas bañándose. En 1939 viaja por segunda vez a Italia, donde visita Pompeya y Herculano. En 1940-42 participa en la Exposición Internacional del Surrealismo, de México. En 1944-45 el Palacio de Bellas Artes de Bruselas le organiza una retrospectiva. En 1947 realiza los decorados para el ballet Adame Miroir, de Jean Genêt. De 1949 a 1957 realiza una serie de crucifixiones y enterramientos en los que el tema de los esqueletos se hace obsesivo.
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BIOGRAFIA RESUMIDA DE RENE MAGRITTE (1898/11/21 - 1967/08/15)
René Magritte nació el 21 de noviembre de 1898 en Lessines, Bélgica. Hijo de Léopold Magritte y Regina Bertinchamps.
En 1910 su familia se trasladó a Chatlet, donde asistió a un curso de pintura. Cuando contaba catorce años, su madre se suicidó, arrojándose al Sambre.
Cursó estudios en la Académie Royale des Beaux-Arts, Bruselas. En 1922 contrajo matrimonio con Georgette Berger, una amiga de su juventud, quien le sirve de modelo.
Expuso individualmente por primera vez en 1927, en Bruselas. Para entonces había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una gran yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico.
Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos (1936, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física. Además exhibía un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de obras famosas, como en su lienzo Madame Récamier de David (1949, colección privada), en la que el famoso retrato de Jacques-Louis David es parodiado, al substituir a la mujer por un elaborado ataúd.
René Magritte falleció en Bruselas el 15 de agosto de 1967.
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BIOGRAFIA DE RESUMIDA
LUCIEN FREUD (1922/12/08 - 2011/07/20)
PINTOR INGLÉS DE ORIGEN ALEMÁN
Nació el 8 de diciembre de 1922 en Berlín. Nieto de Sigmund Freud.
Cuando contaba 11 años emigró a Inglaterra junto a su familia huyendo de la inmediata barbarie nacional socialista. En 1939 adquiere la nacionalidad británica.
De 1938 a 1943 cursó estudios de arte en Londres y en Dedham.
De 1949 a 1954 es profesor visitante en la Slade School of Fine Art en Londres. Su primera exposición colectiva se produjo en 1944, pero la maduración de su estilo y el comienzo de su proyección pública no se produjo hasta una década después, a partir de 1951. En su primera etapa experimentó dentro del surrealismo aunque encontró su estilo en obras de realismo muy detallado como en el cuadro Interior en Paddington (1951, Galería de Arte Walker, Liverpool). Sus últimos trabajos, se caracterizan por un mayor contraste de color. En los años 50 del siglo XX cambió su forma de trabajar -sustituyó sus finos pinceles por otros más gruesos y empezó a pintar de pie frente al caballete, en lugar de hacerlo sentado-, y en 1966 hizo su primer desnudo, Mujer desnuda, una disección casi forense del cuerpo humano.
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REALIZACIÓN DE PROPUESTA DEL BOCETO PARA LA ALEGORÍA
El cubismo fue una vanguardia artística europea que surgió en el siglo XX en Francia se materializa principalmente en las artes y la literatura. Se caracteriza por el marcado uso de formas geométricas, rompe con los modelos estéticos que sólo valoraban la perfección de las formas.
NOMBRE DE BOCETO: FOGATA TRIDIMENSIONAL
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CONCLUSIÓN
Esta bitácora presentada al profesor cuenta con el material dado en el semestre de la clase arte moderno y contemporáneo todos los puntos importantes que el profesor nos compartió sobre el tema como fue el desarrollo de este gran movimiento en la época dada.
Aparte cuenta con material de investigaciones puesta por el profesor, cual nos dejo mucho aprendizaje del curso hablado a pesar de las circunstancias dadas por las clases suspendidas.
En conclusión, el arte moderno y contemporáneo abarca finales del siglo XIX e inicios del siglo XX, considerando su fin los años sesenta. Además, pone su enfoco en un tiempo que ya pasó. Por su parte, el arte contemporáneo pone a la sociedad en un papel principal. Enfocándose en el presente y futuro.
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