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enterfilm · 4 days

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LES CHAMBRES ROUGES (Pascal Plante, 2023)

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enterfilm · 12 days

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MUSIK (Angela Schanelec, 2023)

"The joys of love but a moment strong. The pain of love endures. A whole life long"

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enterfilm · 2 months

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THE ZONE OF INTEREST (Jonathan Glazer, 2023)

Recuerdo que cuando vi esta película por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Gijón, inmediatamente se me vinieron a la cabeza obras como 2001: A Space Odyssey o There Will Be Blood. ¿Qué motivos impulsaron a Jonathan Glazer a tomar decisiones formales tan arriesgadas? ¿Por qué ese arranque? ¿Por qué esa obertura? Quizá, de una forma paradójica y alegórica, se pretende enfatizar la idea de que las imágenes que otorgan entidad a la película intentan rebelarse contra sí mismas para no ser mostradas. Resulta entonces imposible ignorar la figura de Claude Lanzmann y su memorable digresión en torno a la ética, la moral y la exposición de la infamia.

Dado que la película se filma desde el punto de vista de lo inconcebible, adopta un carácter observacional, flemático y ascético que, en ocasiones, podría disociarnos de la atrocidad y acercarnos a un escenario costumbrista y rutinario. Ahora bien, si el medio es el mensaje —tal y como afirmaba Marshall McLuhan— o, si se prefiere, la forma crea el contenido —deducción archiconocida de Chabrol en referencia al cine de Hitchcock—, entonces lo verdaderamente revelante y relevante para entender esta película se localizaría en el formato utilizado, así como en su óptica y sonoridad. Elementos que aluden de forma constante al contraplano que jamás se muestra y que, por ello, trasciende aún con mayor contundencia y hondura. Al otro lado de esos muros de contención quizá podríamos descubrir al miembro de los Sonderkommandos Saul Ausländer de la película de László Nemes pero, en The Zone of Interest, la materialización fílmica de esa evocación se nos muestra en formato negativo, habitando un terreno aparentemente ilusorio cuya transmutación en realidad tan solo se consuma cuando la narración retorna a los quehaceres domésticos y mundanales que viabilizan la preservación del punto de vista heterodiegético.

Aquellos que hayan leído la novela en que se basa se habrán percatado de que Jonathan Glazer tan solo la utiliza como punto de partida, si bien es cierto que para con algunas de sus escenas funciona perfectamente como subtexto de acompañamiento. Martin Amis ficciona una trama y la sitúa en un momento histórico determinado. La película, sin embargo, se aleja de este enfoque, lo que permite que incida con mayor profundidad en su condición empírica y cáustica.

Los momentos en que la pantalla se satura por completo de colores elementales, incorporan fugaces instantes de reflexión ante unas imágenes que supeditan sus formas de arte y representación a la realidad misma que las fundamenta. Esta explicitación articula la parte emocional. La inverosímil y admirable composición musical de Mica Levi converge con el material filmado para convulsionar el relato y el ideario subyacente. Es aquí donde volvemos a la intersección de una disonancia inarmónica que se superpone a ciertos sonidos y situaciones sumidas en la más absoluta cotidianidad. Por otro lado, la ceremonia litúrgica que abre y cierra la película entre tinieblas, el blanco cegador despojado de su pureza o el rojo sangre como encarnación de lo abominable, serían ejemplos paradigmáticos de este aparataje sensitivo.

En su parte final, Rudolf Höss nos devuelve la mirada y desdibuja la línea temporal que se había mantenido hasta ese momento. Jonathan Glazer se transforma entonces en un pseudodocumentalista para mostrarnos imágenes recientes del Museo de Auschwitz y la película nos recuerda que ninguna situación pasada, presente ni futura debería permitirnos tomar distancia ante determinados sucesos que fueron, son y serán.

En el año 2019 Jonathan Glazer filmó un cortometraje basándose en la obra El sueño de la razón produce monstruos de Goya y, en él, anticipa buena parte de este planteamiento. Los personajes de esta pieza de cámara ocultan sus rostros y cuerpos bajo disfraces, de lo cual se puede inferir que cualquiera de nosotros podría ser uno de ellos. Llegados a este punto, quizá no resulte tan sencillo obviar la ignominia que nos rodea.

Se trata tan solo de una mera coincidencia, pero tras asistir a la proyección de la película en Gijón estuve leyendo la novela Stella Maris de Cormac McCarthy. De su pluma y de la mente esquizofrénica del personaje de Alicia Western surgió de repente un pasaje que rápidamente identifiqué como una derivación de lo que había visto en pantalla. Es este:

"Coges una serie de imágenes fijas y las pasas en tándem a una determinada velocidad ¿y qué es eso que parece la vida misma? Nada más que una ilusión. ¡Anda! ¿Y qué es eso? Bah, qué importa si así haces que vuelvan los muertos. Lógicamente ellos no tienen gran cosa que decir. ¿Qué quieres? Llame antes de excavar. Habrá quien piense que el truco está en encontrar la pista de alguna realidad colateral. Por si no pillas la falacia implícita. La pertinente malicia. Puedes aportar vectores nuevos, aunque eso no es señal de que vayan a funcionar. ¿Te parece una buena idea? ¿Y si la gente quiere volver? La gente no puede volver. Así me gusta. La gracia está en que nunca vas a tener una pantalla en blanco. Y por supuesto lo que cuenta no es lo que se ve sino quién lo puso allí. Si en un momento dado miras y no hay nada en la pantalla ya lo pondrás tú misma, por qué no"

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enterfilm · 2 months

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The Magnificent Ambersons es la película más íntima y personal de Orson Welles, también su preferida junto a Falstaff – Chimes at Midnight.

Welles no tuvo control sobre el montaje final por no contar con la aprobación del público tras proyectarse en Pomona y la película pierde algo más de 43 minutos. Los 88 restantes resultan tan discontinuos, desconcertantes, enigmáticos y brillantes, que reconvierten la experiencia en un paseo por las ruinas de lo que había o habría sido (David O. Selznick no consiguió que delegasen una copia íntegra al Museo de Arte Moderno de Nueva York). Se nos ha negado, por tanto, su compleción. Esta mutilación deviene en una misteriosa narrativa que evoca The Searchers, The Wings of Eagles, El Sur o casi cualquier película de Mizoguchi (entre tantos otros ejemplos).

El año en que se estrena, Stefan Zweig se suicida con su esposa en Brasil, desesperados ante la posible propagación mundial del nacionalsocialismo. Casualmente, tanto Letter from an Unknown Woman (novela corta del autor llevada al cine por Max Ophüls) como la película de Welles atesoran algunas de las mejores secuencias que se hayan filmado jamás sobre personajes que transitan escaleras (como podréis comprobar en el vídeo que acompaña esta publicación). A colación de lo anterior, conviene recordar a Tourneur, que también rodaría ese año otra portentosa película en el mismo decorado por el que deambulan los Amberson.

Algunos planos picados de la película recuerdan aquello a lo que tan admirablemente aludía Clarín en La Regenta. De ese mundo contemplado desde las alturas en clave alegórica, nos vamos a otro distinto en los falsos contrapicados, al de Tierra, de Aleksandr Dovzhenko.

Shakespeare, Proust y Chéjov casi siempre están presentes en las películas de Welles, como también el ideario que subyace tras aquella célebre aserción elegíaca de Cocteau: filmer la mort au travail, cuya aplicación y extensión más representativa podría encontrarse en el personaje de Jedediah Leland en Ciudadano Kane.

Se han mencionado grandes autores con los que Welles establece diafonías y correlaciones, pero me resulta inevitable citar el hilo invisible que une esta película con buena parte del cine de Paul Thomas Anderson, ya que su adyacencia a nuestra contemporaneidad quizá no resulte tan evidente. El contrapunto podría localizarse en la primera aproximación a la novela de Tarkington en la que se basa The Magnificent Ambersons y que lleva por título Pampered Youth (adaptación en la que su director, David Smith, estuvo trabajando aproximadamente durante los años 1924 y 1925).

En la escena que figura a continuación, Orson Welles enclaustra dos corolarios fundamentales: la falta de autoridad en el seno de los Amberson y el sometimiento fantasmagórico y opresivo con el que George pretende dominar a su madre, alentado por su convencimiento de que Eugene —tal y como describe Shakespeare en Hamlet— se había precipitado con premura al tálamo incestuoso. En previsión de dicha catástrofe, decide acechar con vigía y desde una atalaya sombría mientras conspira para perpetuar la materialización de sus convicciones aristocráticas. Bernard Herrmann ilustra y enfatiza la insidia del personaje con su particular Ostinato.

Dado que el paso del tiempo y el tiempo perdido podrían considerarse dos de las obsesiones preponderantes y recurrentes en la filmografía de Welles, sirva de homenaje al esplendor y posterior decadencia de los Amberson esta joya poética de Manuel Alcántara:

"Yo no sé qué voy a hacer cuando se me vaya el tiempo y no pueda irme con él. Tengo los días contados, y él ha perdido la cuenta del futuro y del pasado. El tiempo siempre es presente y pasa mientras se queda, por eso nunca se entiende. Jamás es pronto o después, por más que pasen los años no pasa el tiempo por él. Ni lo pierdas ni lo ganes, el tiempo sabe que tiene todo el tiempo por delante. No sé qué va a ser de mí el día que yo me vaya, y él no se quiera venir"

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enterfilm · 3 months

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AQUERONTE (Manuel Muñoz Rivas, 2023)

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enterfilm · 3 months

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Serenata de otoño: KUOLLEET LEHDET (Aki Kaurismäki, 2023)

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enterfilm · 3 months

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UNRUEH (Cyril Schäublin, 2022)

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enterfilm · 6 months

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PASSAGES (Ira Sachs, 2023)

Película quintaesencial del cineasta en cuanto a su estructura narrativa. Cada una de las escenas que la componen requiere de cierta compleción por encontrarse articuladas en medio de otras que nunca se llegarán a presenciar. La singularidad reside en una brillante utilización catafórica de los elementos, que posibilita transitar de las partes al todo.

En el centro se sitúa la tragedia ante la incapacidad de discernir experiencias previas conforme a la razón y tras tomar conocimiento de las consecuencias que devienen de los actos cometidos.

Pasajes de atracción por el abismo y demonios de la perversidad. ¡Mañana estaré libre! Pero, ¿dónde?

#passages #ira sachs #franz rogowski #ben whishaw #adele exarchopoulos #erwan kepoa fale #caroline chaniolleau #olivier rabourdin #film #cine

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enterfilm · 8 months

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IL SOL DELL'AVVENIRE (Nanni Moretti, 2023)

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enterfilm · 8 months

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WALK UP (Hong Sang-soo, 2022)

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enterfilm · 9 months

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ROTER HIMMEL (Christian Petzold, 2023)

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enterfilm · 9 months

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Conquista de lo inútil: FITZCARRALDO (Werner Herzog, 1982)

“He leído la traducción del libreto de Piave para el Ernani, editada en Zurich en 1952, y en el prólogo he encontrado un comentario de una estupidez tremenda: se han suprimido las inverosimilitudes más flagrantes, cuando lo increíble es precisamente lo más bonito de la historia, o mejor, del género operístico en general, justamente porque aquello que no es concebible ni por el más exótico cálculo de probabilidades, aparece en la ópera como lo más natural, en una poderosa transformación en música de un mundo en su totalidad. También los Grandes Sentimientos de la ópera, que suelen despreciarse por exagerados, a mí al contrario me parecen condensados, reducidos a arquetipos, a una esencia que ya no es posible concentrar más. Son axiomas de sentimientos. Eso es lo que la ópera y la selva tienen en común” (Werner Herzog)

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enterfilm · 10 months

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