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STREAM & REVIEW: Harry Styles, el disco debut que quizá sorprenda a todos

Como no hay plazo que no se cumpla, el día de hoy tenemos el estreno de uno de los discos más esperados de este año, Harry Styles. Lo primero que quiero aclarar es que yo al inicio de año ya tenía en el radar los estrenos que esperaba para este 2017, en ningún momento estuvo el material de Harry Styles hasta que escuché los primeros sencillos: “Sign of the Times”, “Ever Since New York” y “Sweet Creature”. Cada tema hizo que comenzara a esperar algo: un disco bien hecho. Consistente. Que si bien no sería la revelación del año fuera algo que pudiera disfrutar. Pero sobre todo, algo que muestre las ganas y capacidad de Styles por crear algo distinto a sus compañeros de One Direction.

Los rumores desde el anuncio no pararon de correr. Personas se encargaron de levantar expectativas alrededor de este material: Si sonaría a David Bowie, si era un disco inspirado en los 70, el completo cambio de sonido, lo maduro que el músico se había vuelto. Pero Harry se mantuvo silencioso, al menos hasta que la revista Rolling Stone lo hizo portada de su revista y otorgó una entrevista en la que descubrimos muchas cosas, como que si bien los 70 son su década favorita, el disco no estaba totalmente bajo ese sonido y que quería encontrar el punto perfecto entre eso y su música.

Al final agradecemos que no haya tomado la ruta obvia en donde se hubiera convertido en un Robbie Williams del siglo XXI y que, junto con sus colaboradores, Styles haya hecho una búsqueda en piezas clásicas del rock de la década de los 70 y 80 para hacer algo propio, algo que sonara sólo a él. Tampoco hay que olvidar que este joven apenas cuenta con 23 años, y como toda persona en esta edad nació con internet y una gran capacidad para descubrir distintos sonidos, por lo que en este material podremos encontrar referencias desde el folk, funk e incluso algunos pequeños coqueteos con el punk rock.

El disco abre con “Meet Me in the Hallway”, una de las mejores piezas del material en donde, contrario a lo esperado, se trata de una balada suave con la guitarra acústica como instrumento clave que arropa a la voz de este gran interprete. Styles comentó previamente que durante su infancia fue expuesto por su padre al espectacular Dark Side Of the Moon de Pink Floyd, por lo que no resulta extraño escuchar que esas guitarras tengan una ligera similitud a “San Tropez” del Meddle (Pink Floyd). Con esto, Harry nos comienza a adentrar a su mundo y nos da paso al primer sencillo que promocionó: “Sign of the Times”, la balada a piano que recuerda a las piezas de Elton John o bien “All The Young Dudes”de David Bowie mezclado con “Just Looking” de The Stereophonics. Cerca de 6 minutos que nos demuestran que este estilo es un gran acierto para la voz de Harry Stylesque es muy bien acompañada por coros que realzan los puntos clave del tema.

Y ya que hablamos de las voces de apoyo, estas pueden ser encontradas a lo largo del material, pues fueron muy bien planeadas para resaltar la voz de Styles y apoyar en estos clímax que todas sus piezas tiene, como “Carolina”, la cual tiene una clara influencia de temas como“Midnite Vultures” de Beck. Como dato extra, en este tema encontramos una primera clara referencia al lugar donde Styles grabó: Jamaica. Con ritmos relajados, una guitarra que nos lleva por todo este tema en un sentido muy divertido, ritmos parecidos a “Stuck In The Middle With You” y que cambia el sentido del material, Harry presenta una canción funky.

Parecido a este tema, descubrimos “Woman”, donde Styles abre con la pregunta “Should we just search romantic comedies on Neftlix and then see what we find?”, que da paso a un sonido funk del cual es imposible no imaginar a Prince, o incluso pensar que Elton Johnseguramente estará orgulloso, pues al igual que en su momento Frank Ocean lo hizo, el inglés parece haber tomado como gran referencia “Benny And The Jets”, mientras que en letra podemos darnos cuenta que Electric Light Orchestra ya había hecho algo similar en “Evil Woman”.

Ya que hablamos de las piezas más “fuertes” del disco, qué decir de “Kiwi”, que cuenta con uno de los títulos más curiosos del disco y que de acuerdo con el músico no hay una razón en especial, sólo que es muy fan de este fruto. Un tema más rápido que también nos trae a la memoria los temas de Aerosmith, y con una letra más ruda: “her nose is always backed up”. Sin duda una canción más cargada al rock como “Only Angel”, que con soul claps y el “woo-hoo” que aparecen a lo largo del tema lo deja navegar en un sonido similar a los RollingStones que lo deja demostrar su sex appeal natural, así como Mick Jagger lo ha hecho a lo largo de toda su carrera. Un tema que nos deja claro que este disco viene cargado de sorpresas, una mezcla de distintos sonidos en los que vemos a Styles recorrer dos décadas completas.

Sin duda uno de los temas más interesantes para los fans es “Two Ghosts” pues siempre existirá esta duda sobre si la canción refiere o no a Taylor Swift. “We’re not who we used to be / We’re just two ghosts standing in the place for you and me”, una de las líneas que podemos escuchar de este tema que junto el sonido country folk desborda el sentimiento total de HarryStyles. Y si de emociones hablamos, hay que mencionar el que fuera el segundo sencillo oficial del inglés: “Sweet Creature”, que encuentra algunas similitudes con “Never Going Back Again” de Fleetwood Mac, una de las bandas que la mamá de Harry escuchaba mucho en su infancia y que lo hizo ser gran fan. Este tema fue planeado completamente por Styles en colaboración con Kid Harpoon y bajo unas guitarras cálidas muestra una gran seriedad y honestidad, la misma que deja ver sobre el escenario en sus recientes presentaciones.

Ahora, fue justo en una de estas presentaciones que el inglés presentó “Ever Since New York”, segundo tema que escuchamos pero no estrenado de manera oficial. En cuanto pudimos escuchar este tema nos llegó una canción rock/pop que recuerda a un joven Ryan Adams(que curiosamente realizó una reintepretación de 1989 de Taylor Swift, quien parece ser la protagonista de este tema) acompañado de su guitarra como estrella de la canción y líneas como “Tell me something I don’t already know”, que cuestionan la pérdida de un ser querido.

Harry Styles cierra, luego de 9 piezas que hacen un recorrido por varios géneros, con “From The Dinning Table”, un tema tan íntimo que podría formar parte de cualquier material de Sufjan Stevens o el primer material de Bon Iver: For Emma, Forever Ago. Funciona como una gran pieza de cierre que nos regresa a estas pistas tranquilas que un guitarrista experimentado podría hacer de manera acústica y que sufre por esta persona que no está más con él: “Fell back to sleep I got drunk by noon / I haven’t felt this cool… Even my phone misses your call by the way…”.

Styles se logró abrir lo más que pudo para contar su historia, logró unir un equipo sólido para el disco que lo ayudaron a crear canciones muy bien producidas, con estructura, pero que sobretodo no tratan de probar nada en especial a nadie.

Todo esto hace que Harry Styles sea un material que no suene al 2017 sino todo lo contrario: un material que toma lo mejor de años pasados y son transformados a la interpretación de Harry, una versión más rosa de estas décadas. Dependiendo de tus expectativas, el material debut de Styles será este disco que no veías venir y te sorprende gratamente o sólo te parecerá un disco que toma una gran variedad de sonidos que han funcionado en décadas pasadas y que van muy bien con la voz de este joven cantautor, pero con el fin de encontrar el mejor estilo para él, el que logre definir la carrera de Harry Styles.

#harry styles

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Esto es todo lo que sabemos sobre el próximo álbum de Harry Styles

Es innegable que el primer disco de Harry Styles (aún integrante de One Direction) será un verdadero éxito comercial en el 2017. Su primer sencillo, “Sign of the Times” ha desbancado del número 1 de los charts en Reino Unido a “Shape of You” de Ed Sheeran, y se ha colocado en el Top 5 de Estados Unidos. Ahora, entre que si el disco suena a David Bowie en los inicios de los 70, que si es un artista fabricado para vender y muchos otros puntos que se dicen de él y el material, podemos estar seguros que Styles ya está marcando su camino y de una manera muy diferente a la de sus antiguos compañeros, quienes prefirieron irse por un camino más seguro al seguir haciendo letras sobre amores juveniles y mezclándolas con R&B o EDM.

Harry Styles ha madurado. Así lo ha demostrado con su presentación en vivo y con lo que hemos podido escuchar de este disco. Las letras hablan sobre temas más importantes, temas que importan en la actualidad, pero además ha logrado crear piezas, que si bien no son cosas nuevas, sí son bien hechas. Con estructura. Temas que poco a poco te van subiendo la intensidad y en un punto explotan. Un gran cambio para el músico que ahora quiere quitarse la etiqueta de “chico de boyband” para demostrar su evolución personal y artística.

Ahora, antes de que el cantante libere su disco Harry Styles, aquí te presentamos toda la información que hasta ahora se conoce sobre este.

El disco llegará muy pronto

Harry Styles llegará el próximo 12 de mayo a través del propio sello del inglés, ErskineRecords. El material contará con diez canciones, en donde destacan los temas: “Carolina”, “Ever Since New York”, “Kiwi” y “Meet Me in the Hallway”. La primera pues se dice que está escrita a su antigua pareja Carolina Flack, la segunda por la temporada que vivió en dicha ciudad junto a Taylor Swift, la tercera canción por el curioso nombre que tiene y además que recientemente pudimos enterarnos que se trata de una canción completamente rock, y la última mencionada que se trata de un tema pop psicodélico.

1. Meet Me in the Hallway 2. Sign of the Times 3. Carolina 4. Two Ghosts 5. Sweet Creature 6. Only Angel 7. Kiwi 8. Ever Since New York 9. Woman 10. From the Dining Table

Harry Styles no era el título original para el disco

El músico de 23 años sabía que quería ir en la dirección de la música y actitud del rock, así que originalmente había nombrado su material como Pink. Quizá a algunos esto les resulte raro, pero cuando se le cuestionó sobre esto citó a Paul Simonon de The Clash con su frase “Pink is the only true rock & roll colour”. Otro nombre que pasó por la cabeza de Styles fue Sign of the Times, que es el título de su primer sencillo. “No sé. Es decir, ya se ha usado”, le dijo Bhasker a Styles en el estudio, esto refiriéndose al icónico material de Prince.

La portada, curiosamente, no muestra su rostro

A pesar de contar con uno de los rostros más reconocidos en el mundo del pop o simplemente en el mundo, para la portada Harry prefirió ocultar su rostro y mostrar su espalda mientras está sumergido en una alberca rosa. Ahora, existen un gran número de teorías sobre el porqué de Styles dando la espalda: si es por el cambio de sonido y dar la espalda al pasado con un nuevo inicio o que si se trata de él mostrándose tal cual es en el disco, pero una de los textos que más detalle tiene sobre esta portada lo pueden leer aquí.

Dos sencillos

El primer corte que pudimos escuchar del material homónimo fue “Sign of The Times”, el cual fue estrenado a través de la BBC Radio el 7 de abril; esto sucedió luego de un teaser que el cantante estrenó el 25 de marzo. La balada a piano que nos recuerda la música de EltonJohn y que también toma muchos efectos que en su momento Pink Floyd usó, habla sobre el proceso de nacimiento de una persona, contrario a lo que se pensaba anteriormente cuando se decía que era un tema político.

“Every Since New York” es el segundo tema que Styles ha estrenado. Si bien no se cuenta todavía con la pista oficial, tuvimos la oportunidad de escuchar la canción durante su participación el fin de semana pasado en Saturday Night Live. Para esta versión que pudimos escuchar, el tema tiene un gran parecido con la música de Ryan Adams, una pieza pop rock en donde la guitarra es el instrumento principal que hace lucir la voz de Harry.

Styles eliminó una canción que había hecho con Ed Sheeran

En una entrevista que Ed Sheeran ofreció el mes pasado al medio inglés Mirror, comentó que había escrito una canción para el proyecto solista de Styles, pero que esta no pasó la última selección: “Él vino conmigo hace como dos años y creamos una canción… Creo que ahora va en una dirección completamente distinta ahora”.

Por primera vez escribe su propia historia

A pesar de que conforme One Direction crecía y Harry Styles tenía mayores oportunidades de escribir para la agrupación, por el cambio de música nunca tuvo la oportunidad de crecer o explorar su vida y mente. “Creo que es muy complicado realmente crecer como letrista cuando sólo mojas el dedo de vez en cuando, por decirlo de alguna manera”. Con todo un año para la creación de su disco, él tuvo la oportunidad de escribir y grabar el disco para hacer que lo representara de la mejor manera posible: “No quiero hacer historias. Quiero plasmar mis historias, cosas que me pasan a mí. Lo principal era que quería ser honesto. Nunca antes lo había hecho”.

Colaboró con Johnny McDaid de Snow Patrol

El año pasado, McDaid le contó a la BBC que había estado asistiendo con Styles para crear la música de su disco, esto en mayo específicamente. El músico describió sus sesiones como algo muy casual: “Nunca estuve en el estudio con Harry, solíamos ir a su casa o la mía, o nos reuníamos en otro lado y nos instalábamos”.

Una relación reciente es el tema central del álbum

Durante la entrevista con Cameron Crowe para Rolling Stone, Styles dio detalles sobre las letras de este material, donde señala que una relación sentimental reciente afectó su manera de escribir, lo que hizo que la gente comenzara a especular sobre esta chica, que dicen podría ser Kendall Jenner, pero que él ha preferido ocultar. “Ella es gran parte del álbum”, dijo. “A veces sólo quieres inclinar el sombrero, y a veces quieres darle la gorra completa… espero que sepa que sólo es por eso que lo hago”. Las letras del disco también están llenas de detalles y referencias, algo como un código de amigos en donde existen declaraciones de amor y demás temas que seguro harán que los fans se llenen de intrigas.

Producido por Jeff Bhasker

El productor, escritor y multi-instrumentalista, también conocido como  U.G.L.Y. o Billy Kraven, es un veterano de la música pop; ha trabajado con Kanye West para 808s & Heartbreakers y My Beautiful Dark Twisted Fantasy, así como con Bruno Mars, Taylor Swift, Drake, Jay Z y The Rolling Stones. Con todo este portafolio respaldando a Bhasker, se suma otro seguro éxito, esta vez en compañía de Styles, donde también trabajaron Alex Salibian y Tyler Johnson, frecuentes colaboradores de Jeff.

El disco se grabó en Inglaterra, California y Jamaica

Las primeras dos locaciones no nos resultan nada extrañas, pues son lugares comunes para los músicos que quieren grabar su música, aquí lo que llama la atención es el tercer lugar que Styles, Bhasker y la banda grabaran en un estudio cerca de Port Antonio, lugar que Rihanna y Drake ya habían usado para lo mismo. Los involucrados en el proyecto ocuparon dos villas cerca de dos meses luego de que Harry terminara de grabar su participación en la cinta Dunkirk, de Christopher Nolan. Durante su estancia, también aprovecharon para volverse expertos en las comedias románticas que Netflix ofrece, esto último de acuerdo a lo que Styles comenta.

El disco está influenciado principalmente por música de décadas pasadas e incluso los fans se sentirán extrañados con el resultado

Una de las cosas que mejor se sabían desde un inicio es que Styles trataría de alejarse lo más posible de su sonido con One Direction, por lo que el británico le comentó a Crowe para la Rolling Stone que principalmente él se encontraba escuchando música “vieja”. Por esto, el producto final sorprenderá incluso a los mayores fans de Styles de acuerdo a Bhasker. “Es distinto a lo que esperan. Me hizo darme cuenta que el Harry de 1D era otro. Como un personaje. No creo que la gente conozca mucho el lado de él que está plasmado en este disco. Pones el disco y la gente es como, ‘Ese es Harry Styles?’”, apuntó el productor. Pero esto no quiere decir que el chico de 23 años que tiene ansiosa a una gran parte del mundo por su disco quiera recrear esa música “sólo quiero hacer algo que suena como yo”.

*Este texto fue hecho con información de Spin y Rolling Stone.

#harry styles

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INTERVIEW: De comida, festivales en México y Rio Salvaje con Little Jesus rumbo al #CoronaAnagrama17

A sólo unos días de su presentación en el Corona Anagrama, tuvimos la oportunidad de platicar con Santiago, líder y vocalista de la banda Little Jesus. En esta ocasión platicamos sobre sus lugares favoritos para comer en Guadalajara, los festivales en México, el sonido tan característico del Río Salvaje y algunas cosas más.

Te dejamos a continuación esta entrevista que sirve para ir calentando motor previo a su presentación este 25 de marzo en el Corona Anagrama.

Santiago, tú iniciaste en la música como solista y de ahí mudaste a Little Jesus, ¿cómo ha sido la adaptación a esto?

Fue muy rápido, la verdad. Empecé haciendo canciones yo sólo que tocaba con amigos de Boston, porque estudiaba allá. Aunque en ese entonces era mi proyecto con backing band siempre he tenido presente la convivencia como banda. Cuando regresé a México me junté con mis amigos y, como la vibra era muy buena, decidimos hacer banda. Fue muy natural.

En procesos de composición sigo siendo principalmente yo, pero ahora con Little Jesus hay otras cabezas que aportan mucho. Es muy nuevo eso porque antes yo hacía casi todo solo y ahora hay arreglos de la banda. Está chido porque yo hago la estructura general de la canción y la letra, pero hay muchas cosas que aportan Chimo, Truco, Poni y Charles, porque ellos hacen mejores cosas que yo, como los teclados que Chimo hace.

A diferencia de otras bandas, Little Jesus ha tenido un proceso de no parar de tocar aun sin un disco en su momento, ¿cómo ha sido esto, ha ayudado?

Contrario a lo que podría parecer, no ha sido desgastante. Es muy divertido. Somos muy buenos amigos, entonces las giras son como vacaciones… vacaciones de chavos (risas). Hay veces que es pesado pero la pasamos bien. El estar tocando y tocando nos sirvió para que la gente nos conociera, abrirnos puertas y que se encariñaran con nosotros porque había gente que sabía canciones antes de que nosotros grabáramos.

En otra entrevista mencionaste que una de las presentaciones más importantes para ustedes ha sido en la que abrieron para los Rolling Stones, ¿esto a qué se debe?  

Llevábamos mucho sin tocar, nos estábamos dando un break en lo que preparábamos el segundo disco y nos agarró de sorpresa. No habíamos ensayado en mucho tiempo, pero el momento siempre es ideal si te hablan los Rolling Stones para abrir su concierto (risas).

Aparte de ser una experiencia inolvidable por tocar con las leyendas vivas más grandes, quedamos sorprendidos con los temas de infraestructura, impresionante. Fue un espectáculo que sólo habíamos visto en películas, pero además de eso hubo mucho impacto mediático del anuncio, hasta gente que no tenía idea de la existencia de nosotros nos conocieron. Nos gustó recibir tanta atención.

Norte y Río Salvaje son discos distintos en sonido, ¿lo ven como una evolución o justo como materiales diferentes?

Justo. Son dos materiales que no tienen relación. De manera diferente, los dos tienen su calidad. No creo que el hecho de que Río Salvaje sea diferente quiere decir que sea mejor o peor que Norte. Desde el principio queríamos que este disco tuviera su sonido único, no nos preocupó otra cosa. No queremos ser de las bandas que hacen el mismo disco muchas veces o que todo el disco parece una canción, y no digo que está mal porque hay bandas que hacen eso. Mucha gente esperaba el sonido tropical en este disco, pues ahí éramos referentes, justo ahora no sé de qué seamos referentes (risas). Pero está chido porque no nos limitamos y dejamos que la creatividad fluya.

Hay fans que son muy celosos del género con el que se dan a conocer, ¿al presentar sonidos distintos temen perder a ciertos seguidores?

No, no nos preocupa tanto. O sea, nos preocupa la gente que le gusta y nos escucha siempre, pero no creemos que debe influir el qué va a pensar la gente en nuestros procesos. Al contrario, va a sonar medio acá, pero los músicos somos como “maestros”/“guías”. Por ejemplo, yo no hubiera conocido de un sonido lo-fi psicodélico si no hubiera escuchado el año pasado a Unknown Mortal Orchestra, o no sabría de la música si no fuera porque los Beatles me la enseñaron. Nosotros estamos enseñando a la gente nuestro sonido, ¿sabes? No se trata de que ellos nos guíen sino que nosotros hacemos y esperamos les guste.

Todo Río Salvaje tiene una fuerte referencia a los 90, ¿esto a qué se debe?

Yo nací en el 89, entonces en los 90 era un niño, que pienso es cuando aprendes casi todo. Ahora que estoy más grande me dan mucha risa y nostalgia algunas de esas cosas. Por ejemplo, la portada es 100 % un tributo a una portada noventera de disco de banda mexicana que te encontrabas en la carretera.

En cuanto al sonido, creo que tiene diferentes etapas, y sí, le tiramos a los 90 porque es cuando todos crecimos siendo niños, pero tiene guiños a muchas épocas diría yo.  Realmente no hicimos el disco pensando en nostalgia. Empezamos a hacer las canciones y cuando llegó el punto de grabarla tomábamos una referencia a una época, pero no está pensando como tributo ni nada.

Cada día es mayor la oferta de festivales en México, uno de estos nuevos es el Corona Anagrama, ¿cómo ves el hecho de que haya más espacios y que estos tengan cada vez mayor relevancia en el exterior del país?

Se me hace muy chido que la oferta cada vez sea más grande y diversa. Hay mucha gente en este país y muchos que les gusta la música, ya hay para todo. Por ejemplo, este Anagrama está más pop y casi el 100% del cartel es de habla inglesa, por lo que le habla a otro público.

Sobre la relevancia, es justo bueno, tengo amigos en Estados Unidos que vienen a festivales en México porque les sale más barato y pueden tener mejor line-up que el de su ciudad. Creo que nuestro país se está haciendo de un buen nombre en esto.

Como bien señalas, el cartel del Anagrama es un tanto más cargado al pop y electrónica, ¿ven algún reto ustedes para conseguir la atención de este público?

Yo creo que nuestra música tiene algo chido: que podemos hablar con toda la gente. Muchas personas se identifican por las letras, nos ven como rock en español, pero también existen otros que nos ven como el equivalente de las bandas gringas en México. Podemos hablar con cualquiera porque, como te decía, no nos queremos encasillar, así que hacemos un sonido que llegue a todos.

¿Qué diferencia encuentras entre un set de presentación individual a uno de festival donde tienes menos tiempo?

En un show individual puedes hacer un balance entre lo que te gusta tocar (no que lo otro no nos guste) y las que le gustan a la gente. En un festival te enfocas en que el público cante y se emocione. Tenemos canciones que nos gustan pero son largas y eso significaría quitar una o dos de las canciones que la gente quiere escuchar entonces mejor tocamos dos de esas a esta otra. Creo que en un festival debemos tocar los hits.

¿Qué esperan del Corona Anagrama y a quiénes les gustaría ver en esta edición?

Estamos emocionados. ¡Siempre nos va bien en Guadalajara! Comemos rico y la pasamos muy bien. Este tipo de festivales nos gusta porque están bien organizados, hay comodidades y posibilidad de hacer amigos nuevos.

Tendremos un show muy energético con “todos los éxitos de ayer y hoy” (risas). Temas del Nortey Río Salvaje. Será un show completo.

Yo quiero ver a Mac Miller, que está muy chido. También a NOIA, que, fun fact, ella era la novia de mi roomie en Boston. Nos conocemos y me emociona mucho verla en nuestro país porque nunca me lo imaginé. Por último, a Wet Baes, eso va a estar muy bueno.

Por último, comentas que siempre comen muy bien por Guadalajara. A la gente que va al festival y los que viven allá, ¿qué lugares podrías recomendarles para comer?

Primero: La Panga del Impostor, tienen un taco de chicharrón con pulpo… ¡Uuuuy!

Segundo: Los famosos Mariscos El Negro.

Tercero: Hay unos taquitos que se llaman Los Tarascos que están muy buenos, te comes como 15.

A continuación te dejamos Río Salvaje, la más reciente placa de Little Jesus para que comiences a preparar tu playlist en lo que llega el Festival Corona Anagrama.

#little jesus #entrevista #interview #music #musica

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Titán habla para Hellow

Cada cierto tiempo, México tiene bandas que destacan del promedio. Algunas sólo viven un corto periodo. Otras logran consolidarse en el gusto del público por su sonido, diferente a lo que suena en las listas de esos años.

En esta última descripción entra TITÁN. Originarios de la Ciudad de México, Jay de la Cueva, Julián Lede y Emilio Acevedo empezaron en la música hace 24 años, en 1992.  Durante mucho tiempo estuvieron inactivos, y fue con la llegada del Festival Ceremonia 2016 que volvieron al estudio de grabación y los escenarios. Poco después compartieron un teaser y todos empezamos a emocionarnos: TITÁN tendría nuevo material.

Con motivo de DAMA, su nuevo álbum que salió el pasado 28 de octubre, Hellow tuvo la oportunidad de hablar con Emilio Acevedo, quien también forma parte del Sonido Lasser con María Daniela, Sonido Lasser Drakar y Lasser Moderna.

¿Dónde estuvieron Jay, Julián y Emilio todo este tiempo, por qué esperar más de 11 años para publicar un nuevo material?  

EA: Un poco para sacudirnos lo que ya habíamos hecho y darle prioridad a nuestros otros proyectos. También para hacer un disco más relajado y con menos depresión, pues ya no trabajamos con disqueras grandes y no hay presiones. Desde el último show del disco de la calavera (el homónimo del 2005) teníamos ganas de tomar un descanso. Además no teníamos una dirección, justo ese disco se parece mucho a lo que hacíamos antes y algo que siempre hemos querido con cualquier material de TITÁN es sorprender. Todo era bien hecho pero no sorprendía, así que lo tomamos con más calma y hace tres años que nos juntamos empezamos a encontrar la dirección del disco. El primer año de trabajar en estudio fue haciendo loops, cortes, cosas muy básicas. Tomarnos el tiempo no fue premeditado, sólo lo hicimos con mucha calma para entregar lo mejor posible.

¿Sienten alguna presión en este regreso al ser consideradas una banda de culto?

Nunca nos sentimos así porque sabíamos que teníamos grandes canciones y se integró gente de la que somos fans, por ese lado estábamos cubiertos. Por otro lado, a la hora de tocar en vivo sí llegó la presión, porque nadie nos había escuchado en mucho tiempo, la gente está acostumbrada a las canciones viejas y tuvimos que hacer un buen diseño de show. Ahora, el primero de diciembre (su fecha en el Plaza Condesa) vamos con toda la artillería, algo más claro que en Ceremonia y que podrán ver mejor. Iremos a Europa después de esta fecha y haremos lo que alguna vez TITÁN ya había hecho, salir por el mundo.

¿Cuál fue el mayor obstáculo al que se enfrentaron al volver?  

Todos tenemos una agenda apretada, pero ha sido fácil. No es problema para TITÁN. Supongo que en un futuro habrá alguna dificultad, pero sólo es cosa de que haya disposición de sacar adelante este monstruo de tres cabezas.

Nick Launay está detrás de este nuevo material que tiene por nombre DAMA, ¿cómo fue el acercamiento?

Nosotros teníamos muchas ganas de que por primera vez un productor nos ayudara a terminar los temas. No habíamos tenido ningún problema hasta el punto en el que teníamos como 18/20 canciones que se habían salvado pero sin letra. Se pusieron algunos nombres en la mesa, pero Nick se nos hizo el más atractivo por la gente con la que ha trabajado (Arcade Fire, Yeah Yeah Yeahs, Nick Cave and The Bad Seeds). En lo personal, gusta mucho que hizo cosas con INXS. No tenía idea de que nos había escuchado antes y eso fue lo que facilitó todo. Él incluso dijo que fue un match astrológico, que se habían alineado algunos planetas porque fue sencillo de hacer. Obvio el tener a un productor de tal nivel es caro, pero la negociación fue rápida y permitió que una banda independiente como TITÁN pudiera trabajar con él.

Uno de los sencillos del material es con Gary Numan, ¿en qué momento decidieron que fuera él y cómo fue trabajar con alguien tan importante?

Nosotros desde un inicio queríamos que él cantara esa canción. Nick no conocía a Gary pero sabía cómo contactarlo. Se lo encontró en una fiesta en Los Angeles, le contó, le dio como tres opciones de canciones y, curiosamente, Numan escogió la versión que a nosotros nos había gustado. De ahí sólo fue esperar y mordernos las uñas para ver si podía por los tiempos. Al final lo más sencillo para él fue grabar en su estudio, pero Nick tuvo que ir al castillo de Gary Numan, porque claramente él no podría vivir en otro lado (risas).

¿Cómo definirías su nuevo material? Muchos medios lo califican de oscuro y Julián en entrevista comentó que era más ‘popero’.

La estructura de una canción pop es tiene un elemento que te guía, que por lo general es voz, y tiene que tener ciertos parámetros de estructura como versos y coros, lo que tiene este disco.  Queríamos hacer canciones así, pero dudo que tengo algún rasgo del pop que se tiene en la actualidad, pero el lenguaje sí es muy fácil y es lo que creo que podría tener con el pop, un lenguaje claro y divertido en el sentido de que te entretiene fácilmente, aunque el disco sí es bastante oscuro y original. Por ejemplo, “Hell .A.” sí tiene ese sonido, al igual que la de Numan podría ser pop, pero el pop de grupos que pegan en países oscuros donde nunca sale el sol. La de Columpio Asesino (“Dama Negra”) también pinta para hacerse canción de radio. Pero, en definitiva, DAMA es un disco oscuro.

¿Cómo ven la escena de la música electrónica en México en estos momentos?

En realidad Julián y Jay no están muy atentos a esta, pero a mí hay cosas que me están gustando que suenan en N.A.A.F.I, tienen buena selección y me gusta lo que hacen. Ahorita no me viene algún nombre en especial, pero sí está más madura la electrónica en México, para nada está estancada. Hay mucho movimiento y de buena calidad.

Si quieres estar al pendiente de lo que TITÁN tiene preparado para todos, no olvides seguirlos e su Facebook, Twitter o Instagram. Si lo que quieres es ver fechas de la gira o sus videos, puedes entrar a su sitio web.

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Enrique Blanc nos da acceso al backstage de Café Tacvba

Bien dicen que escribir de música es muy complicado. Afortunadamente, hay veces que se logran increíbles resultados, tal es el caso del que hoy nos provocó crear esta entrada.

Se trata de “Café Tacvba: Bailando por nuestra cuenta”, un libro que recopila 25 años de carrera de la banda de rock más importante de nuestro país.

El autor de este libro es Enrique Blanc, conductor, guionista, productor y periodista cultural que se ha especializado en los últimos años en la música, pues como señala, “siente la compulsión por compartirla”. Fue gracias a esto y a algunas casualidades que hoy tenemos esta increíble pieza de colección y material obligado de lectura para todos los que son fans de la música.

Hellow, tuvo la oportunidad de charlar con Blanc sobre este libro, su opinión sobre Café Tacvba y algunas experiencias que ha vivido con la banda.

¿Por qué hacer un libro sobre Café Tacvba? ¿qué dificultades encontraste al empezar con él?

En principio porque soy periodista y me gusta escribir sobre música. Siempre estoy buscando temas, novedades y cosas para investigar. Particularmente para esto tuve contacto con una revista que se llama “Zona de Obras” (España) con la idea de cubrir el rock iberoamericano. Ellos armaron una colección de libros que se llama “Conversaciones Con…”, en la que a mí me pidieron títulos de artistas mexicanos que tuvieran impacto en España; primero hice “Puro Power Méxicano: Conversaciones con Molotov”, luego “De mis Pasos: Conversaciones con Julieta Venegas” y después querían que hiciera un libro sobre Café Tacvba, pero en ese momento a la banda no le interesaba participar en un material de este tipo. Cuando ellos deciden celebrar sus primeras dos décadas de trayectoria me contactan y me dicen “ahora sí nos interesa, vamos a trabajarlo”.

Entonces son dos razones, en primera porque es una banda con mucha trayectoria, una banda relevante en el horizonte de la música a nivel Iberoaméricano y dos por esta seria de casualidades.

¿Cuánto tiempo te tomó en hacer este libro, cómo fueron sus sesiones de trabajo?

En realidad el libro se pensaba para que saliera a la par del documental “Seguir Siendo” (2010). Se buscaron prospectos para publicarlo, en concreto con dos editoriales (una de ellas ya extinta) pero fueron intentos fallidos. Afortunadamente se entró en contacto con Editorial Planeta cuando el libro ya estaba terminado (obvio yo hacía actualizaciones para tenerlo el día) y fue que se interesaron. Se puede decir que son 25 años recopilados en “Café Tacvba: Bailando por Nuestra Cuenta”, pues la banda no estaba tan activa en este tiempo. Este tema fue el que demoró su salida.

¿Por qué tomar el formato de pregunta-respuesta en el libro y no hacer un acomodo de las declaraciones como en otros libros?

En principio porque era el formato que me había sugerido Zona de Obra. Si bien el primero que hice (el de Molotov) no es así, con Julieta sí fue pregunta-respuesta. Además porque me interesa mucho la manera en la que ellos hablan. Creo mucho en la entrevista; como periodista musical me gustan ciertos formatos para ciertas historias, en este caso además de contarte la historia uno pasa a borrarse de ella, uno sólo hace el trabajo previo de investigación, cuestionarios, agradecimientos, colaboraciones y demás. Este formato permite escucharlos de primera mano.

¿Cambió tu manera de ver a Café Tacvba luego de verlos tanto tiempo?

Sí, claro. Si bien lo que yo conocía era lo que casi todos los seguidores o público promedio sabían, con esto cambió mi manera de ser con ellos. Empiezas a conocer sus mundos (que son muy distintos) y también ves la química que entre los cuatro tienen. Te das cuenta de lo ávidos que son, que les gusta el cine, la literatura, cuestiones sociales y demás temas. Vas penetrando capaz y descubres a las personas. Al final si bien siempre hay una relación periodista-músico entablas una gran amistad.

¿Cuál crees que es el punto de quiebre más importante en la carrera de Café Tacvba luego de hablar con ellos sobre casi todo?

Siento que son dos momentos. El primero especial es la salida de Re, un disco que primero fue un poco incomprendido en México pero que tuvo gran impacto en otros países como Chile. Nos damos cuenta que es una banda que puede crecer a nivel continental, que no tenía que estar cerrada a lo local. Avalancha de Éxitos es el segundo, ellos pensaban hacer un EP que diera continuidad a un nuevo material, pero resultó que todo fue un hit, lo que nos deja entender que hay un potencial muy grande en ellos. Entonces, uno es un disco que parece adelantado a su época y otro que fue un gran éxito en el país.

¿Cuál crees que sea la mejor anécdota que sucedió durante este proceso de creación de ‘Café Tacvba: Bailando por nuestra Cuenta’?

Es curioso porque yo coincidí con ellos previamente con un tour. Me tocó montarme para hacer una crónica en el 2000 y pasé medio país con ellos en los conciertos, comiendo y conviviendo en todo momento. De hecho yo viajaba con Aterciopelados, pero fue ahí cuando empecé a hacer las entrevistas. Las conversaciones eran muy profesionales, pues mientras el libro no salía ellos seguían fieles al pacto de actualizar el libro. Contactaba al manager y me daban los permisos. Las últimas que hice fue en el Auditorio Blackberry con Meme, Joselo y Rubén. A Quique lo vi antes del lanzamiento de El Objeto Llamado Disco en la FIL de Guadalajara.  Me tocó estar en casa de todos y pude ver más su vida particular. Vivimos muchas experiencias.

¿Qué van a encontrar los lectores de valor agregado en ‘Café Tacvba: Bailando por Nuestra Cuenta’ que no haya en otros títulos sobre la banda?

Me han dicho que hay mucha profundización en sus procesos creativos, trabajos con productores y demás temas. Lo mejor es que se toca mucho el trabajo de ellos como grupo y en sus vidas personales. Por ejemplo, la relación de Joselo y Quique como hermanos, la llegada de Meme, o la complicidad de Meme y Joselo. El libro te permite ver más allá de las canciones. Te abre muchas puertas a la intimidad de estos cuatro personajes.

¿Hay alguna banda parecida a como se maneja Café Tacvba?

Pensaría en algunas bandas que incluso han compartido aprendizajes con ellos. Una banda es como una pareja, una serie de relaciones humanas en las que todo debe estar afinado para que logre cuajar. Un caso similar sería Babasónicos, una banda que ha logrado evolucionar y que comparten un par de hermanos, así que es una estructura parecida. Pero estos cuatro han creado algo único, evolucionan con los sonidos y no se anclan en hacer las cosas de una manera. Lo que me parece que los mantiene vivos es reinventarse, buscar nuevas maneras para trabajar (grabar en vivo, buscar nuevos productores). Hay mucho que hace único a Café Tacvba.

¿Cómo describirías a cada integrante de esta banda y cuál crees que sea el secreto para que sigan juntos?

Todos me parecieron muy elocuentes. De hecho, los cuatro tienen muy buena memoria (risas). Todos tienen sus matices: Meme es más concentrado, enfocado en lo que es la producción, tecnologías nuevas, una especie de genio; Joselo comparte mucho conmigo porque es un gran lector y tenemos pasiones similares, algo que hacemos mucho por la parte periodística y literaria; Quique es alguien muy sabroso para platicar, una persona fácil de tratar, muy abierto; Rubén tiene una visión muy particular de la cultura, algo enriquecedor. Son cuatro personas apasionadas que a partir de esto generan una gran química para hacer las canciones que a tantos nos gustan y que los tiene en donde están.

Para ti, cuáles son las 5 canciones clave para entender a Café Tacvba.

Tendrían que ser canciones que abarquen casi toda la carrera de la agrupación, así que… “María”, la canción del primer material de la banda que salió publicado en 1992.

“El Fin de la Infancia”, una canción del RE, el que es considerado una joya en su carrera.

“El Puñal y el Corazón”, otra canción del RE que demuestra la facilidad de Tacvba para manejar distintos estilos.

“Chilanga Banda”, tema de Avalancha de Éxitos publicado en 1996 y que hace un anclaje a otra pieza importante de otro grande de México, Jaime López.

“Eres”, pieza de Meme con la que queda demostrada la diversidad creativa que tiene esta banda.

Estas son cinco cosas que aprendimos al leer “Café Tacvba: Bailando por Nuestra Cuenta”:

1.- El primer concierto de Café Tacvba en Nueva York fue en 1991 y no fue nada de lo que esperaban.

2.- En sus inicios, Café Tacvba era tachado por “no hacer música como se debía, por hacer algo raro”. Los únicos que apoyaron a la banda fueron Rogelio Villarreal, Mongo y Naief Yehya, los escritores de La Pus Moderna (publicación bimestral dedicada a la contracultura del rock, crítica y humo que circuló de 1989 a 1996).

3.- Al ser del norte de la ciudad, Café Tacvba se sentía alejado del movimiento que se formaba en ese entonces. Todo sucedía en el sur con bandas como Fobia, Caifanes y Santa Sabina,además de festivales como Rockotitlán.

4.- Antes de ser Café Tacvba, intentaron una banda de nombre Alicia Ya No Vive Aquí, esto en honor a la cinta de Martin Scorsese, pero esta no pasó de unos cuantos ensayos.

5.- Comrock fue el experimento más fuerte que hubo para generar un movimiento en el rock nacional al juntar diferentes bandas, grabarlas y producir clips de calidad. Distribuido por Warner, este compilado integraba dos canciones por banda y de donde salieron grandes exponentes como Los Clips, Kenny, Ritmo Peligroso o el Three Souls In My Mind,ahora llamado El Tri.

“Café Tacvba: Bailando por Nuestra Cuenta” (Editorial Planeta, 2016) se encuentra disponible en formato físico y digital.

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¿Quién tiene el vocabulario más extenso en la música?

En uno de mis textos pasados ya les había hablado sobre lo útiles que resultan los géneros “extremos” para calmar la rabia y, como soy muy fan de todos los estudios que tengan relación a la música, quiero aprovechar para contarles de este que me encontré, en el que hacen un análisis de quién tiene el vocabulario más extenso en la industria de la música.

Inspirados por el estudio “The largest vocabulary in hip hop”, el sitio musixmatch decidió hacer un estudio parecido, pero ahora incluyendo a músicos de muchos más géneros, el cual lleva por nombre “The Largest Vocabulary in Music”. Fueron 99 artistas de 25 distintos géneros y algunos de los artistas que aparecen son: Michael Jackson, Lionel Richie, The Beatles,Queen, Carlos Santana, Led Zeppelin, Beyoncé, Taylor Swift, Jay Z, Eminem,Prince y Nirvana.

Los resultados del estudio fueron sorprendentes, resulta que Eminem es quien tiene el vocabulario más extenso con 8,118 palabras únicas, el segundo lugar pertenece a Jay Z y no está ni cerca del primero, ya que tiene casi dos mil palabras únicas menos. En cuanto al tercer puesto, le pertenece al fallecido Tupac, quien tiene 6,596 palabras únicas.

Al ver los tres primeros lugares del conteo podemos encontrar una clara tendencia: el hip-hop domina en palabras únicas, ya que tiene en el conteo cinco artistas de los primeros seis del estudio. A los ya mencionados se les unen Kanye West con 5,069 y The Black Eyed Peacecon 4,539, como representantes del género.

El único artista del top 6 que no pertenece al hip-hop es Bob Dylan, quien ocupa el quinto puesto con 4,883 palabras únicas. La lista de los diez primeros la complementan los bilingües Julio Iglesias, Andrea Bocelli, Bz y Céline Dion.

En el estudio también destacan artistas como Prince (N. 11), Beyoncé (N. 15), Pink Floyd (N. 18), Madonna (N. 24), Taylor Swift (N. 40), Bruno Mars (N. 92) y The Beatles (N. 70). Es justo con artistas como los últimos mencionados que podemos ver que la popularidad y la complejidad de las letras no van de la mano.

Resulta que el promedio de palabras únicas para los artistas es de 2,677, y es que son cerca de 40 músicos los que se encuentran en esta franja. Lo curioso es que la gran mayoría de los artistas que lideran las listas se encuentran aquí, así que si quieres tener éxito tras éxito este número es el mágico.

Para concluir, musixmatch escribe que el análisis no debe ser interpretado como que un artista es mejor que otro, es solo un vistazo más al trabajo de estos grandes artistas.

Este tipo de estudios nos permite entrar a la mente de los diferentes autores y darnos cuenta de que derramar lágrimas resulta sencillo con solo unas pocas palabras, mientras que otros deciden pintar un panorama mucho más complejo con un mayor número de palabras.

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Top: Libros para los clavados de la música

“Es imposible escribir de música”, comenta Jarvis Cocker en una de sus entradas para The Guardian. Partiendo de ese punto, existen infinidad de títulos que tratan de describir de la mejor manera lo que entienden por música o lo que sucede en algún momento exacto de la historia. Incluso hay algunos que resultan tocar temas que uno pensaría no tienen relación alguna.

Colgándome un poco de la muerte (no tan reciente) de Oliver Sacks, reconocido neurólogo y audi��filo, aprovecharé para hablar sobre algunos títulos que suelen ser indispensables en la biblioteca de toda persona que se declare fan de la música, además de que creo que mucha gente no se acerca a los libros de este tema pues les resultan complicados de aterrizar. Pero ya sea para poder tener tema de conversación, volvernos especialistas o simplemente tener de qué hablar con alguien, leer libros de este tipo siempre nos va a beneficiar.

Así que sin más, acá la lista:

This is Your Brain on Music: The Science of a Human Obsession – Daniel J. Levitin

This is Your Brain on Music se trata de un análisis profundo que ayuda a comprender la relación entre la música y el cerebro, ya que esta forma parte de nosotros por naturaleza. Además de darnos solución a preguntas como ¿por qué la música despierta diferentes estados de ánimo? ¿El placer musical es diferente a otros placeres? ¿Nuestras preferencias musicales se definen desde el útero?  Todo esto Levitin lo responde a través de la neurociencia y poniendo como ejemplo piezas de Mozart hasta Van Halen.

Un título que quizá le quita la magia a la música, pero que nos permite entender de mejor manera todo lo que hay detrás de lo que nos hace sentir unas cuantas notas.

Lost in Music: Una odisea Pop – Giles Smith

En este libro Giles Smith relata con un humor bastante atinado su relación con la música: como oyente, como músico frustrado y como periodista. Smith era un joven obsesionado con la música pop en los 70, fan de comprar discos y ediciones especiales y que disfrutaba de asistir a cualquier concierto que pudiera, como Sting, Madonna o Phil Collins. Lost In Music es un completo análisis de cómo la música actúa sobre quienes vivimos al borde y pendientes de ella haciéndonos ver que sin ella estaríamos perdido.

Please Kill Me – Legs McNeil

Legs McNeil es una leyenda, es el fundador de la gran revista PUNK, la cual dio nombre al género y retrató todo lo que sucedía en el CBGB de Nueva York. Cada capítulo toca una temática diferente y es reconstruido a partir de citas de todos los involucrados (fuentes primarias). Se trata de una gran reconstrucción de la época, de un movimiento y de un lugar que ya no está con grandes testimonios como Stooges, Ramones, MC5 y el fotógrafo BobGruen, por mencionar algunos.

Generation Ecstasy, into the world of techno and rave culture – Simon Reynolds

Se trata de un recorrido por la música electrónica en Inglaterra, Alemania, Holanda, Detroit y Chicago a finales de los ochenta, cuando el éxtasis había llegado a los clubes ingleses.Reynolds relata la historia de la cultura rave y la música techno, el cual es el fenómeno cultura más grande la historia, sólo detrás del punk rock. Todo esto lo hace a través de la perspectiva sociológica y el uso de drogas que se vivía en Estados Unidos y el Reino Unido.

Black Music: Free Jazz y conciencia negra – Amiri Baraka

Amiri Baraka no es solo uno de los más destacados intelectuales de la comunidad afroamericana, sino que también era un excelente crítico de jazz. Este libro es la recopilación de una serie de ensayos, entrevistas y críticas de discos en las que retrata la creciente escena freejazz, un movimiento que llegó a sacudir los cimientos del panorama jazzísitico en el pasado y que se convirtió en todo un parteaguas para la música.

Musicofília – Oliver Sacks

Resulta un poco complicado hablar del por qué eran tan famoso Oliver Sacks si no han leído sus libros o no están al tanto de su trabajo en la ciencia. Musicofilia es sin duda uno de sus textos más famosos por el tema que toca: la música como aflicción y tratamiento para problemas neurológicos. El libro se compone de diversos capítulos en los que desarrolla casos clínicos que son descritos con una gran delicadeza para hacer que el lector pueda digerirlos de manera más sencilla y pueda entender que la música es un factor clave para crear una identidad como humanos. Un título que resulta fascinante pues descubrimos que la música siempre ha formado parte de nosotros de manera directa o indirecta.

How Music Works – David Byrne

A lo largo de este título (el cual tiene nombre de manual), Byrne no sólo escribe sobre cómo la arquitectura, la tecnología y los negocios han alterado nuestro modo de escuchar y crear música. Por si fuera poco, en esta obra nos habla sobre la libertad y autenticidad de su propia persona, la cual han intentado descifrar otras personas sin éxito, así que nadie mejor que el propio Byrne para demostrar que sabe cómo funciona la música y él.

Estos son solo algunos de los títulos que podemos encontrar en un mar de autores. Existen un sinfín de títulos valiosos que dan para muchas entradas más, pero considero que estos son una gran manera de continuar adentrándose en el tema de la música. Además, a diferencia de laprimera entrega de títulos que hice hace tiempo, estos son textos un poco más “elevados” y que te permitirán tener un mejor dominio del tema porque no son sólo biografías, sino análisis más profundos a los que vale la pena darles una leída.

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Slaves: El dúo que refresca el sonido del punk

El año pasado vimos como Royal Blood y Sleaford Mods nos demostraron que de un dúo puede salir muchísima potencia. Ahora, siguiendo esa línea llega Slaves – no confundirla con la banda de rock de California del mismo nombre –, una banda de punk que está integrada porIssac Holmes y Laurie Vincent.

Llenos de tatuajes, un look de alguien que salió de un barrio complicado en Inglaterra, poco más de 20 años y una actitud desenfadada, así es como presentan un sonido punk con riffs deblues y un toque de garage. Contrario a lo que la mayoría piensa, ellos creen que su música no necesariamente debe tener un mensaje específico, creen que el mensaje es justo eso: la música.

La banda tiene grandes influencias de Crass, Refused, Joy Division y Elliot Smith, por mencionar algunos. También dicen estar influenciados por la frustración de la escena en Inglaterra, en donde le dicen a la gente cómo debe verse y cómo debe moverse, ellos solo quieren que la gente disfrute su música y se divierta.

Para crear sus letras toman inspiración de todos lados, desde sus acciones de todos los días, relaciones, películas, amigos, libros, gobierno, filosofía y demás. Al ser cuestionados sobre lo que consideran que es el punk, lo definieron de dos modos:

1. Una moda donde la gente usa mohawks y chamarras de cuero, y que se han vuelto víctimas de la idea del mundo.

2. La actitud y estado mental que la gente tiene cuando quiere hacer algo diferente. Cambiar algo en ellos y no conformarse con ninguna regla que les impongan. Una licencia de hacer lo que quieras de la manera que quieras.

En 2012 lanzaron su primer EP, “Sugar Coated Truth” con el cual el sello Virgin EMI se fijó en ellos y decidió agregarlos a su catálogo. A inicio de año lanzaron su álbum debut “Are You Satisfied?”, el cual entró en su primera semana al top 10 de álbumes del Reino Unido y con el que marcan un sólido comienzo en su carrera.

Recientemente la banda fue duramente criticada por su nombre, ya que para muchos era considerado racista, al respecto ellos contestaron que todos somos esclavos en esta época, ya sea por trabajo o nuestra dependencia a las redes sociales, también mencionaron que el nombre lo usan metafóricamente por no controlar lo que sucede en sus vidas en el día a día.

Slaves es una banda que viene a refrescar el género, logran que gente más joven los voltee a ver y recordarles que todos somos o fuimos rebeldes en algún momento y que es necesario que todos pasemos por esa etapa. Incluso Slaves demuestra que contrario a lo que se cree, el punk no ha muerto y nunca lo hará.

Les dejamos uno de los materiales de Slaves para que se enamoren de ellos tanto como nosotros:

Si quieren estar al tanto de lo que hace esta banda pueden entrar a su sitio y seguirlo en todas sus redes.

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El claroscuro del streaming

La industria musical comienza a recuperar el aliento tras sufrir una época en la que las ventas de música disminuían a paso veloz. El salvador se llama streaming (reproducción de música a través de Internet sin tener que descargarla). Y es que por primera vez en la historia, de acuerdo con la Recording Industry Association of America, las ganancias generadas por los servicios de música en streaming en Estados Unidos superaron las ventas de CDs.

Otro dato que hace sentir a las disqueras más tranquilas, es el que reportó la Federación Internacional de la Industria Discográfica (IFPI, por sus siglas en inglés), pues revelan que estamos dejando de consumir música de manera ilegal.

El análisis muestra que el 61% de los usuarios de Internet ya utilizan servicios de música en streaming, como Spotify, Deezer, Rdio, Tidal – ¿alguien se acuerda de Tidal? –, GooglePlay Music, Apple Music o demás empresas que van naciendo por el potencial que encuentran en este mercado.

En México, cada vez es mayor el número de usuarios de estos servicios de música y de compradores de música digital. De acuerdo con la empresa sueca Spotify, en dos años en el mercado, los usuarios en México han escuchado un total de 2,725 millones de streams. Para esta empresa nuestro país se encuentra en el cuarto lugar de importancia, y para la empresa francesa Deezer, México es el segundo más importante.

Con la llegada de los diferentes servicios de música en streaming a nuestro país, la piratería disminuyó un 10%. La razón más importantes es que plataformas que ofrecen este servicio ofrecen un catálogo de millones de canciones que pueden ser escuchadas de manera gratuita en diferentes dispositivos o bien pagar una mensualidad para obtener mayores beneficios.

La compra de música digital incremento un 22% respecto al 2012, lo que representa un total de 808 millones de pesos; esto se traduce en 47.9% de las ventas totales, según datos de laAsociación Mexicana de Productores de Fonogramas y Videogramas(AMPROFON).

La clave del éxito de estas plataformas de streaming es el poder tener un gran catálogo de música disponible a la hora que uno quiera y en cualquier dispositivo con el que contemos de manera gratuita y, además, legal.

Hasta ahora todo suena bien para las personas que consumen la música de esta manera, pero aquí es cuando entra la batalla de los músicos con estas compañías, ya que alegan que los ingresos que ellos perciben son escasos, casi nulos.

Tal es el caso de O Tortuga, banda mexicana que intenta abrirse paso por el mundo de la música, y es que en entrevista, Fernando (vocalista y guitarrista) dice ver de dos maneras estas plataformas: la primera, como apasionado de la música menciona que son una gran opción para poder escuchar lo que uno quiere y sin necesidad de esperar. Pero por el otro lado, como músico, sabe que no es la mejor manera de ganar dinero, ya que lo que reciben es realmente poco y eso es un tanto triste, (pero afortunadamente no están en la música por querer hacer dinero) apuntó.

Pero, en realidad, aquí no solo es culpa de estas plataformas – que deberían buscar mejores tratos para los músicos –, sino también de las disqueras, y es que del 100%, Spotify se queda el 30%, el otro 70 se les entrega a las disqueras y son ellas quienes dan la pequeña cantidad del 10% al artista. Cabe señalar que las regalías se calculan con base en los números de streamings por canción.

Por ejemplo, si quisieras que tu artista tuviera el salario mínimo gringo que es de 1,160 dólares al mes, deberías escuchar 1, 117,021 veces el disco o canción que más te guste. No por nada artistas como Thom Yorke, The Black Keys o Taylor Swift más recientemente, se han pronunciado en contra del modelo que Spotify maneja. Pero por si no me creen, te recomiendo que entres a este liga para ver la gráfica que hizo Information is Beautiful.

No todos los servicios tratan de la peor manera al artista, en realidad si con lo que han leído creen que es Spotify la reencarnación del diablo, se equivocan. YouTube es la empresa que PEOR trata a los artistas – una de las cosas que no entiendo es por qué la gente sigue usandoYouTube para escuchar música, pero eso es otro tema –, si el número de Spotify te había sorprendido déjame decirte que para que la empresa que pertenece a Google pueda pagar el salario mínimo, tu artista debe alcanzar 4,200,000 reproducciones.

De esta situación es de donde Tidal se había agarrado para poder llegar al mercado a intentar dar un golpe de autoridad, ya que era un servicio hecho por músicos que alejaba a los grandes corporativos para así poder hacer que el dinero corriera mejor y sin intermediarios. Desafortunadamente la ejecución no fue la correcta y ahora pocos son los que recuerdan aTidal.

Incluso ya hemos podido ver el primer gran cambio, sucedió después de que Taylor Swift se revelara contra Apple Music por no querer pagar a los artistas el tiempo de prueba de los usuarios – 3 meses -, lo que hizo fue amenazar con quitar su música si no cambiaba ese punto. Poco tuvimos que esperar para ver que Apple Music decidió hacer caso a Swift y pagar a los músicos los tres meses gratis de los usuarios.

Por otro lado, existen otros músicos que piensan diferente, como Ricardo y Jacinto, músicos de la banda Furland, quienes consideran que estos servicios de música benefician tanto a las bandas pequeñas como a las famosas, ya que lo que las bandas quieren es que su música llegue a más gente y a la mayor cantidad de lugares posibles.

Así pues, mientras entre músicos aún existen diversas opiniones, la realidad es que estos servicios de música se están convirtiendo en una opción para todo el público, ya que nos permiten escuchar a cualquier artista desde la comodidad de nuestros lugares y sin necesidad de invertir tanto dinero.

Creo que lo primero que deben arreglar estos servicios de música en streaming es el hecho de tener mejores derechos para los músicos, si empezamos por ahí este tipo de empresas dejarán de ser vistas con malos ojos por el medio y así comenzar a ganar un mayor terreno.

Este tipo de lecturas son obligadas para cualquiera que escuche música, ya sea de manera constante o esporádica, pues es importante saber hacia dónde se mueve el mercado y qué sigue. Al final somos nosotros los que decidimos cómo se escucha la música en el mundo, con nuestro dinero y voto podríamos cambiar el rumbo del mercado.

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Stream & Review: ‘Key Markets’, el nuevo álbum de Sleaford Mods

Resulta bastante curioso ver como la mayoría de la música más fuerte y apasionante que se hace y que suena en este año, está hecha por artistas que tienen 40 años o más. Una de esas bandas es Sleaford Mods, un dúo que está compuesto por Jason Williamson y AndrewFearn, quienes pasan dicha edad y llevan años haciendo música contestataria.

Desde el 2012, el dueto de lleva haciendo ruido en el Reino Unido, pero no fue hasta el año pasado con su álbum, Divide And Exit, que han logrado que todos volteen a ver su peculiar sonido que combina el punk con el hip hop con letras llenas de críticas, música que en épocas pasada era usada por jóvenes a manera de rebelión. “Quizá ya no sea sólo suya (la música). Quizá las bandas más grandes puedan influenciar a las más jóvenes, porque durante los últimos 15 o 20 años todo ha sido basura en Reino Unido”, dice Jason Williamson.

Este año la banda no dejó que el éxito de su disco pasado quedara por mucho tiempo y han lanzado Key Markets, un álbum en donde podemos escuchar la increíble química que tienen estos dos, además de demostrar que conocen lo que hacen. Esta vez Sleaford Mods lleva su música a un nuevo nivel, en el que el álbum tiene el sonido base y característico de la dupla, pero que es plasmado de manera más controlada -un ruido controlado-, por lo que resulta más digerible para la gente que recién se acerca a su propuesta.

Sin duda uno de los puntos más fuertes del álbum de Sleaford Mods son las letras, las cuales suelen ser bastante específicas y directas. Y no se trata solo de a quién o quiénes critican, sino con sus referencias a lugares y figuras muchos se suelen perder. Por ejemplo, en “Face to Face” no estaría de más saber quién es Nick Clegg. Por otro lado, también existen letras en las que no es necesario ser tan concreto y cualquiera puede identificarse con la situación en su país.

Con Sleaford Mods no todo se trata de hacer letras que ataquen a una persona, la banda también sabe escribir sobre crítica social, como con “In Quiet Streets”, en donde hablan de la clase trabajadora que sufre los mismos problemas todos los días.

En cuanto al sonido, podemos decir que el tempo resulta por momentos muy fuerte e intenso, con un toque mínimo de electrónica que recuerda el punk rock. Otras canciones, como “No One’s Bothered”, es un sonido único y constante, y por otro lado vemos la electrónica más marcada con “Rupert Trousers”.

La segunda parte de Key Markets no se vuelve tediosa, pero resulta más complicado encontrar esas canciones claves para el álbum. “Arabia” se convierte en la pieza que marca un retroceso en él, con falta de esos tonos punk, Sleaford Mods se concentra en hacerla una pieza un poco más del medio oriente que no encaja del todo con la intensidad con la que hablaWilliamson.

Williamson y Fearn se encargan de mostrar su hartazgo por un mundo lleno de violencia ymierda en las doce canciones de Key Markets, disco que es el ejemplo más cercano al punk incómodo de los años 70, ese que movió la mente de la gente y los llamó a reaccionar con temas como la política moderna, un sinfín de bandas basura y algunas historias personales. Sin duda seguiremos escuchando de este dúo, porque mientras existan injusticias y políticos corruptos, ellos seguirán haciendo música.

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INTERVIEW: The Flaming Lips rumbo al Hellow Festival 2016

Si bien todos los artistas que  se presentarán este fin de semana en el Hellow Festival, hay uno que sobre sale de todos por la larga carrera que tienen, se trata de The Flaming Lips, una de las bandas más importantes del género psicodélico. 16 discos, un sinfín de colaboraciones y grandes números de ventas respaldan a dicha banda que podremos ver el próximo sábado 20 de agosto.

Previo a su reciente visita, platicamos con Wayne Coyne, vocalista de la banda e íntimo amigo de Miley Cyrus. Algunos de los temas tocados en la entrevista son sus colaboraciones, los 30 años de Hear It Is, su parte visual y aprendizajes que han tenido en tantos años de carrera.

¿Cuál es tu sentir del disco Hear It Is 30 años después?

En ese entonces era alguien diferente con lo que pensaba y con lo que era. La realidad es que pareciera que esa música está hecha por alguien más. Generalmente no escucho nuestros discos, en especial este. Muchas veces cuando lo llego a escuchar por otra persona pienso:“¿Quién son? Es una locura”, a lo que la gente me responde “Eres tú, es tu banda, ¿no lo recuerdas?” Y la verdad es que no. Hemos hecho muchos discos y muchas de las canciones no los recordamos. Amo todo lo que hemos hecho con The Flaming Lips en anterioridad, y no porque sea algo mío sino porque es tan distinto que pareciera hecho por alguna otra persona.

¿Tienen algún plan de celebrar el aniversario?

De momento no, pero seguramente sí lo haremos. La realidad es que sería muy entretenido para la gente que no nos conoce tanto y quiera saber de nosotros, incluso para nosotros lo sería. Creo que ahora que lo dices deberíamos pensarlo mejor (risas).

A lo largo de su carrera han colaborado con muchísimos músicos, ¿cuál creen que ha sido el mejor?

La mayoría de las colaboraciones han sido en personas, pero otras han sido sin vernos, cosas de compartir archivos, música, unos correos y hasta ahí. Pero si tengo que nombrar a una persona sin duda es Miley Cyrus, ella tuvo el mayor impacto en nuestras vidas e incluso seguimos haciendo cosas… seguramente seguiremos haciéndolo más adelante. Somos como una gran familia con ella. Otra que fue increíble fue con Kevin (Parker) de Tame Impala. Lo conocimos un poco antes de hacer música y fue muy divertido, lo disfrutamos mucho. Keshatambién, es un poco más aventada que nosotros, pero cuando hace música es maravillosa. A pesar de esos otros dos nombres, sin duda Miley es la mejor.

With a Little Help from My Fwends es el último material de la banda, ¿hay planes para un nuevo disco?

Estamos trabajando en un nuevo material que quizá esté listo para enero próximo. Creo que la mayoría de los últimos materiales sucedieron un poco por accidente, en el momento. En un inicio con With a Little Help… sólo era un plan de una canción con Miley, pero con toda la gente involucrada se volvió mejor y decidimos que haríamos el disco, fue algo que se dio solo. De momento lo que puedo decir es que no haremos un disco de este tipo en un rato, algo como un material raro.

Para The Flaming Lips los visuales son muy importantes en su show, ¿por qué?

Creo que es una extensión de nuestra personalidad. Incluso cuando The Flaming Lips nació (en el 83), nuestros primeros shows tenían luces de estrobos y máquinas de humo. Pienso que es porque de alguna manera nos sentimos un poco inseguro sobre la audiencia viéndonos tocar. Claro, si fuéramos Miley o Iggy Pop nuestro show sería diferente, pero no lo somos. Nunca hemos sido gente que dé un gran performance y lo complementamos con esta parte. Nos ayuda a sentirnos más seguros que si solo tocamos los instrumentos. Siempre que vas con una audiencia más grande quieres impactar de la misma manera a todos, quieres que tomen la misma vibra y sin duda esto ayuda.

Después de más de 30 años de carrera, ¿cuál es el mayor aprendizaje que han tenido?

Ha cambiado un poco (la industria musical) de cómo la persona creían que era en un inicio. Para nosotros sería que en ese entonces las compañías se adueñaban de tu imagen y nosotros nunca quisimos esos. Cuando firmamos en el 99 fue único, algo increíble, pero siempre hemos querido ser nosotros y seguir creyendo en nosotros. Muchos han cambiado por conseguir más dinero. Sin duda ahora la industria es mejor, las disqueras cambiaron para bien y le dan mayor libertad a los músicos.

¿Cómo es que una banda se mantiene unida tanto tiempo, cuál es la clave o el gran secreto?

Somos afortunados de ser como una familia, una que ama su música. Afortunadamente hay gente que disfruta nuestra música y cada vez somos más. Tenemos una gran vida. Nuestras personalidades y lo que queremos funciona para nosotros. Sin duda el amor ha sido una clave de seguir juntos y hacer música. Un amor de familia que nos hace crecer y seguir juntos creciendo.

Preguntas rápidas.

– Banda favorita: The Beatles.

– Banda subestimada: Blond Reedheads, hacen música increíble.

– Banda guilty pleasure: Si le preguntaras a la gente te dirían que el mío es Miley Cyrus,pero la realidad es que pienso que nadie debería sentir pena por algo que le guste.

– Banda con mejor letra: Tame Impala o Nick Cave, sin duda. Ambos hacen letras tan complejas que en ocasiones es difícil entenderlas. Para que uno ame a una banda deben gustarle las composiciones.

– Banda que se separó y extrañas: Sonich Youth, una banda tan diferente que cambió la música. Regresen, sean Sonic Youth, toquen su música, por favor. No estoy muy seguro pero siento que volverán al mundo y harán lo suyo.

– Banda favorita en vivo: La que más me han impactado fueron The Who en 1977 y Björken 1995. Ambos fueron espectaculares, pero ver a una mujer tan bella como Björk haciendo lo que ella hace a la perfección fue increíble.

Ahora que sabes más sobre Wayne Coyne, la pasión que tiene The Flaming Lips por la música y sus secretos para seguir activos después de tantos años y la importancia de presentar visuales en su show, estás listo para poder disfrutar y entender el increíble show que darán en elHellow Festival este 20 de agosto en el Parque Fundidora. Boletos disponibles.

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A 10 años de ‘Memo Rex Commander y El Corazón Atómico de La Vía Láctea’

La semana pasada se cumplió exactamente una década del lanzamiento de uno de los discos de estudio más importantes del rock nacional, el Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea. Una pieza perteneciente a la que para muchos es una de las mejores y más famosa bandas que ha dado el país, Zoé (habrá quienes estén de acuerdo y otros que no).

La banda originaria de Cuernavaca, liderada por León Larregui, llegó a la escena musical mexicana para ser un parteaguas en la manera de hacer y escribir rock. Se ha hablado mucho de las influencias tan variadas que tiene esta banda y que, gracias a ellas, han logrado consolidarse, pues sus sonido era algo que para ese momento no habíamos escuchado tanto, menos en nuestro país. Todo esto se ve reflejado en esta tercera placa, la cual los transportó del tocar en el Chopo a presentaciones en elAuditorio Nacional y a festivales como el Vive Latino. Un disco que los llevó a la cima del éxito abarrotando las fechas en las que se presentaban.

Memo Rex Commander… fue producido por Phil Vinall, inglés que ha trabajado con un gran número de bandas como Placebo, Elastica, Gene y Mauricio Garza, en los estudios Sonic Ranch, ubicados a una hora de El Paso, Texas. Luego de un mes completo de grabación, la banda regresó a la Ciudad de México para la realización de la postproducción. Así pues, el material sale a la venta el 12 de julio de 2006 bajo los sellos Noislab Records y EMI Music. El disco debutó en el primer puesto de ventas de México y se mantuvo por un mes en la cima para después ser acreditado con disco de oro por sus más de 50,000 unidades vendidas.

La producción logró que la crítica especializada lo definiera como el trabajo clave y uno de los mejores de la banda, tanto así que ha sido nombrado como el boleto de oro que les dio la entrada nacional e internacional, llegando a países como España, Japón y Rusia. En Latinoamérica también recibieron una gran oportunidad, pues fue la banda encargada de acompañar al difunto Gustavo Cerati durante su gira de esos años.

El disco tiene un carácter psicodélico que está centrado en la nostalgia, la tristeza y la depresión; los temas de las letras son muchísimo más densos a sus discos anteriores y varias con carácter sexual; además, cuenta con muchas metáforas que se mezclan a la perfección con la musicalización atmosférica que tiene.

El disco da inicio con “Memo Rex”, canción que nos habla sobre el personaje creado para el arte del disco y que es quien, a través de todas estas canciones, nos cuenta una historia (dicha imagen fue creada por el diseñador Iván Krassoievitch). A esta le sigue el sencillo que se estrenó el 16 de junio de 2006, “Vía Láctea”, el cual se popularizó de manera inmediata en la radio mexicana y que nos muestra una gran influencia de la banda inglesa The Cure. Después llega “Vinyl”, una canción que a su modo (con muchísimas metáforas) es de contenido sexual, una canción que explica el placer de haber tenido intimidad y la obsesión en la que se ha convertido: “hoy desperté / deslizándome en un rayo de luna/ embriagado de ti, del calor de tu flor.”

Después de la fuerza de la apertura llega un momento de reflexión y de relaciones un tanto enfermizas con “No Me Destruyas”, el segundo sencillo oficial de la banda. De aquí sigue una de las canciones clásicas de esta banda y que no faltó en ninguna presentación durante mucho tiempo: “Corazón Atómico”, una canción que está en delgada línea de ser cursi, pero que con las letras honestas que hasta ese momento León hacía la vuelve la pieza perfecta para expresar el sentimiento de no tener a esa persona; además, la canción cuenta con la colaboración de Tim Burgees, a quien conocemos por ser el vocalista de la banda británica The Charlatans.

Para la segunda parte del disco la velocidad en las canciones ya no es tanto y se tratan de piezas más melódicas, pero las letras siguen siendo de penas. “The Room” es la prueba perfecta, le sigue“Paula”, quizá la canción más famosa del disco, y que de acuerdo con muchas personas, está dedicada a un antiguo amor de León, Paula Arriola, incluso durante su presentación en el Vive Latino 2007, Larregui menciona “lástima que la persona a la que se la hice no vino… Yo creo que todos en algún momento han estado en una situación parecida.”

“Human Space Volt” y “Triste Sister” son las piezas más electrónicas del disco y son las que rompen con esta cierta “tranquilidad” en la que nos sumergía el lado B del material. Le sigue “Side Effects”, un corte que ha sido catalogado como neo-floydiano -sí eso existe- pues es muy clara la influencia que Pink Floyd tuvo sobre ellos para la creación de ésta, tanto así que a partir del minuto 2:30 podemos escuchar el mayor rastro de psicodelia que nos han presentado en toda su carrera. El disco cierra con “Paz”, una especie de clausura a todos los temas tratados en el disco y donde el protagonista encuentra descanso: “Paz y se detiene el tiempo/ Paz cuando uno está contento / Paz cuando uno está contento.”

Así pues, en Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea notamos el esplendor que vivía la banda. El punto donde León Larregui logró consolidarse como un verdadero escritor, y a pesar de usar más metáforas, no parecía un abuso y podíamos encontrar verdaderas piezas completas. Además pudimos escuchar a Jesús Báez como un verdadero creador de sonidos electrónicos con los que las piezas se complementaban bastante bien, algo que sólo habían logrado antes con “Deja Te Conecto.” Por su parte Sergio Acosta entrega un incremento en sonido y con su guitarra logra el sonido característico de Zoé. Ángel Mosqueda se vuelve ese elemento oculto que muchos no ubican pero que se vuelve esencial en piezas como “No Me Destruyas” o “The Room.” Y qué decir de Rodrigo Guardiola, quien se integró a la banda en esa época y demostró estar a la altura de lo que requerían en ese entonces e incluso ahora al dirigir vídeos de la banda y documentales.

Posterior a este disco la escena mexicana también crece y así como Zoé en algún momento tuvo sus influencias locales, ellos se empiezan a hacer referentes para las bandas nuevas y seguir un poco su estilo musical. Hoy en día tienen tiene otro sonido, los integrantes son personas diferentes con proyectos alternos y a los que también dedican gran tiempo. De jóvenes mexicanos que tenían toda el hambre del mundo para conquistar el mercado local que –casi– siempre ha estado dominado por artistas estadounidenses o latinos han pasado a ser una de las bandas más estables de México, pero dejando grandes cosas de lado. Por ejemplo, cada vez León abusa más y más de las metáforas; se tomó demasiado enserio el querer “elevar” su escritura y ahora, lo que llegó a ser un recurso más que interesante, ahora parecería ser una parodia de lo que fue.

A pesar de no encontrarse en el mejor punto con sus antiguos fans, la carrera de Zoé sigue creciendo como espuma, lo cual es lógico gracias a su, cada vez mayor, gama de sonidos e instrumentos que usan para crear su música que siguen siendo vigentes. No por nada cuentan con el álbum de rock en español más vendido en la historia de nuestro país, Prográmatron.

Gran parte de todos nosotros crecimos con esta banda, los vimos (nos vieron) crecer. Quizá ya no son esenciales en nuestra vida –como muchas cosas–, pero sí hay algo evidente y es que ese álbum nos marcó por lo que eternamente tendrá un lugar especial en nuestra biblioteca musical. Un disco que fue un soundtrack para muchos de nosotros, por ejemplo, ¿quién dedicó “Vía Láctea”, a quién le dedicaron “Corazón Atómico”? ¿Acaso no todos tienen una “Paula”? ¿Si lo empiezan a escuchar ahora no viajan en el tiempo y recuerdan esos años?… Al final no sólo es un festejo de Zoé, sino nuestro también: 10 años de historias, de escucharlos cuando descubríamos el mundo y sus temas tan interesantes como el amor y la soledad. ¡Felicidades, Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea!

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¿Cómo podría afectar el Brexit a la industria de la música?

El jueves pasado por la noche, las redes sociales y las publicaciones en línea sólo tenían un tema: la decisión del Reino Unido sobre si debía salir o no de la Unión Europea. Si estuviste al pendiente de ello, sabrás que, con una participación del 72% (ya quisiera México tener ese porcentaje en las elecciones), el voto contra la permanencia logró el 52%, frente al 48% que obtuvo el bremain.

Una vez anunciado el resultado, el Primer Ministro, David Cameron, dijo que mantendrían esa postura, y fue así que la libra alcanzó su nivel más bajo en los últimos treinta años, además, y por si fuera poco, los mercados de todo el mundo sufrieron una impresionante caída.

Pero bueno, quizá después de leer estos dos párrafo sólo te preguntas, “¿a mí qué con eso, ni pensaba viajar y no tengo dinero invertido por allá?… en realidad no estaría mal que le dieras una pensada más a fondo porque no sólo se trata de eso, el Brexit nos afectará en todos los sentidos, como el desacelere de la recuperación del Peso Mexicano, pero sin duda, uno que nos llama especial atención es la música.

Si sigues muy de cerca la cultura musical británica con todos los movimientos como el rock, pop y punk desde el último medio siglo, no queda más remedio que darle la seriedad necesaria a este asunto. Por ejemplo, las preguntas más sencillas que aparecen son: ¿Se incrementarán las trabas para que los músicos del Reino Unido puedan seguir dando actuaciones en el resto del continente? ¿Serán más caros los discos en países como México? ¿Disminuirá el poder del continente europeo para exportar talento? ¿Será más caro el traer artistas de Reino Unido?

A continuación enlistaré una serie de cosas que podrían suceder con la industria cuando el Reino Unido deje de formar parte de la Unión Europea:

Sin duda la clase más afectada será la del músico de clase media, el músico que aún no logra vivir completamente de esto. Como Unión Europea, todos tenían el derecho al libre tránsito, lo único que necesitaban era una visa de trabajo. Pero ahora que el RU está fuera, es posible que los músicos de allá requieran del permiso para trabajar en cada país. Y lo más seguro es que también sea a la inversa, los músicos que quieren entrar al territorio de Reino Unido deberán conseguir una visa específica. Todo esto se traduce en gastos e impuestos, dos cosas que sin duda la mayoría de las bandas pequeñas no podrán pagar y por lo que veremos menor cantidades de actos saltando de un lado a otro en el continente.

Como consecuencia del primer punto, los fans pagarían más por ver a sus ídolos. Los promotores, mediante unas variables determinadas, definen cuál es el precio; así que será muy probable que organizar una gira o un concierto sea más caro, lo que para infortunio de todos se vería reflejado en el costo de las entradas.

Los equipos de música también se verían afectados. Para su importación y exportación se necesita un carné del que los músicos de Reino Unido no requieren en la actualidad, pero que tras el Brexit necesitarían.

Los músicos sufrirían un gran golpe, pues la industria musical británica perdería el respaldo legal que aporta la Unión Europea mediante una ley que regula, entre otras cosas, los derechos de autor.

Obviamente existiría un menos apoyo pues las industrias creativas de la Unión Europea tienen un fondo de casi mil 259 millones de euros, cantidad con la que el Reino Unido dejará de contar.

Existe la posibilidad de un incremento en los costos de vuelos entre UE y RU. El incremento afectaría a cualquier británico que quisiera viajar a la Unión o a cualquier ciudadano de la UE que quisiera viajar a Reino Unido, sí, eso también incluye a los fans, no sólo las bandas.

Los discos y el merchandising británico están exentos de pagar el IVA y derechos de aduana sobre importaciones y exportaciones de la UE, así que su precio podría aumentar considerablemente tanto para las personas que compran productos desde todo el mundo (en especial Europa) como para los propios consumidores.

La comercialización de descargas digitales se verá afectada. Actualmente en el RU todo es más sencillo gracias al mecanismo del IVA Mino One Stop Shop (IVA MOSS), de manera que los artistas que venden descargas no deben registrarse para pagar IVA. Los artistas británicos podrían perder este atajo fiscal.

Un gran número de productoras, tanto de CD como vinyl, se encuentran en Europa. Las nuevas tarifas e impuestos podrían incrementar el costo de hacer materiales físicos.

Todo esto es sólo poco de lo que podría pasar tras la decisión de Reino Unido sobre dejar de formar parte de la Unión Europea, pero lo peor de todo es: aún no sabemos qué pasará a ciencia cierta. Tardará hasta dos años antes de que RU abandone de forma oficial el grupo, y hasta ese entonces, no tienen permitido hacer nuevos arreglos. Una vez que suceda todo esto, tomará todavía más tiempo en que todo se asiente.

Sin lugar a dudas será bastante interesante ver qué sucede con la sociedad inglesa, un referente en la industria del entretenimiento y con la que todo el mundo querrá negociar. De momento sólo nos queda estar a la expectativa de cuál será el impacto en el futuro cercano.

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El Porqué de que Tus Padres o Abuelos Odian La Música que Escuchas

¿Cuántos de ustedes han escuchado este tipo de frases: “¡quita esa música del demonio!” o “¡eso no es música!”? Para muchos son quejas que escuchan constantemente y la gran mayoría de las veces nos preguntamos “¿por qué no les gustará a mis padres mi música? Seguro es la edad”. Pues ahora gracias a esos benditos estudios que realizan relacionado a la música sabemos por qué los papás odian tanto lo que uno escucha.

El estudio tiene por nombre “Perder la música: La edad afecta la percepción y la representación neural subcortical de la armonía musical.” Sí, suena súper rebuscado, pero básicamente el estudio se trata de cómo la edad afecta el sistema auditivo. Oliver Bones y Christopher Plack son los investigadores especialistas en el campo de la neurociencia de la Universidad de Manchester y de la Universidad China de Hong Kong, respectivamente. Ambos científicos descubrieron que la capacidad del cerebro para distinguir entre ciertos sonidos disminuye a medida que la persona envejece, lo que explica por qué las personas mayores no les gusta tanto la música.

“Perder la música” se basa en la diferencia entre los acordes constantes y disonantes (términos que describen conceptos opuestos). El acorde constante incluye dos o más tonos que quedan bien en conjunto y producen un sonido agradable. Mientras que el disonante produce un sonido caótico y desagradable. Por ejemplo, el pop se apoya en la consonancia y la experimental usa acordes disonantes.

El estudio dividió a los participantes en dos grupos: los menos de 40 años y los mayores de 40. Después se tocaron una serie de notas en escala y se le pidió a cada grupo que calificara qué tan agradable les resultaba. Durante el estudio, se registró la “respuesta de seguimiento de frecuencia”, medida con la cual se ve qué tanto responden las neuronas de los participantes a sonidos diferentes.

En entrevista con VICE, Christopher Plack, jefe de investigación, confirmó: “En el experimento descubrimos que los acordes disonantes resultan más agradables que los consonantes para el grupo de edad avanzada”, declaración que termina siendo bastante curiosa porque existe una serie de razonamientos matemáticos que comprueban que los acordes disonantes son menos armoniosos.

Otra de las cosas que reveló el estudio es que a medida que envejecemos, también se deteriora la codificación temporal. La ya mencionada codificación temporal regula el momento en que el cerebro dispara neuronas e influye directamente en la capacidad para distinguir entre los sonidos consonantes y los sonidos disonantes. “A medida que envejecemos, las neuronas en el cerebro pierden la capacidad de representar las fluctuaciones rápidas de los sonidos”, explicó Plack. “Esto explica por qué nos estancamos en la música que nos gusta y no nos interesan las nuevas ideas”, apuntó.

Entonces, todo esto para decir que tus abuelitos o papás no disfrutan la música que tú por el hecho de que ya no distinguen todos los sonidos que tú  y no se sienten atraídos por esos “nuevos sonidos.” Así que sí, es por la edad, y seguramente tú y yo haremos lo mismo con nuestros hijos o nietos cuando nos llegue el momento de que apenas y podamos pararnos.

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Cinco proyectos mexicanos que vale la pena escuchar

Muchas veces estamos en la calle, en una fiesta, un concierto y escuchamos frases como “es que en México sólo es Zoé, Molotov y Café Tacvba; no hay nada más”. Bueno, pues la realidad es que existe un gran puñado de bandas que no tienen un sonido nada parecido al de las últimas tres mencionadas, y no porque esté mal, sino porque la realidad es que nuestro país está evolucionando en la música y cada vez son más y más diversas las raíces de inspiración de las bandas, falta darse una vuelta nada más por el Festival Marvin, el Nrmal e incluso algunos escenarios pequeños del Vive Latino para poder encontrar joyas que sin duda te harán sentirte orgulloso de la escena que se está haciendo en el país.

Pero para no hacer el cuento largo, acá les dejo una lista con algunos proyectos que destacan de entre tantos y que vale la pena que escuches.

The Guadaloops

En la primera etapa de la banda, The Guadaloops era un dúo conformado por Ferdinand González yFermín Héctor Sánchez que se encargaba de hacer música sin letra, pero en algún punto del 2013 conocieron a Franco Genel -mejor conocido como Tino El Pingüino– y decidieron empezar a trabajar juntos.

Con nueva alineación, este trío comenzó a compartir rimas que daban mayor valor al sonido y de las cuales tomaron 10 para lanzar su primer material de larga duración que tiene por nombre De Locos Y Monstruos.

Pumcayó

Se trata de un quinteto de Guadalajara que, en sus palabras, hace “folk rock artesanal” lo que bien podría ser traducido en una reinvención de la música tradicional mexicana y un gran uso del idioma para presentar letras profundas, tal como ahora hay un gran número de bandas en el país que lo intentan hacer.

Pumcayó ganó la categoría a Mejor Artista Mexicano en los Premios de la Música Independiente que se realiza en España, esto gracias a un EP y un LP a los que nombraron como la banda.

The Mud Howlers

Cuatro jóvenes, Nathan (guitarra/voz), Charles (batería), Norberto (bajo) y Felipe(guitarra/sintetizadores), han buscado a lo largo de su carrera las mejores oportunidades para presentar su sonido, el cual denominan como “rock cochino” y que podemos apreciar en las guitarras rasposas y una explosiva base rítmica.

Rápidamente la banda consiguió gran número de fans, pues comenzaron a abrir los conciertos deMolotov e incluso participar en el SXSW. Actualmente cuentan con un EP, RRR, el cual tiene dos canciones de estudio y tres en vivo. Uno de los tracks está producido por Tito Fuentes de Molotov.

Clubz

Orlando y Coco forman Clubz, un dúo originario de Mty. que renueva los sonidos electro pop de los 80 y 90, lo cual queda más que claro con sus dos EP, Texturas y Épocas, los cuales han sido muy bien recibidos por la crítica especializada y por todos los fans que quieren seguir bailando. Es por eso que todos estamos a la espera del lanzamiento de su primer LP.

Gracias a su sonido, la banda ha aparecido en festivales como el Vive Latino e incluso ha salido de gira a España, en donde trabajan con Canada Editorial, donde también están músicos como Astro, El Último Vecino y El Guincho.

Jean Loup

Originarios del Edo. de México, Jean Loup es una banda con tintes de math rock que ha luchado por conseguir su propio sonido y crear un sello muy característico. Sin duda alguna, Jean Loup es una de las agrupaciones que más ruido está haciendo desde el año pasado en la escena local, todo por la presentación de su EP, Valerio y la última vuelta al Palejonú, uno de los mejores materiales del año pasado.

Su EP fue producido por Chavo de Austin TV y tiene canciones como “Valerio Benustelli” que con la base característica del math rock y un coro sumamente pegajoso augura el éxito en las tocadas de la banda, tocadas con las que cada vez se van afianzan|do como una banda referente del género en México.

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Las Joyas de la Corona: No somos headliners, pero nos quieres ver

Ya pudimos ver en la primera entrada de esta pequeña serie los actos electrónicos que no se pueden perder durante los dos días del Corona Capital y para que puedan seguir llenando huecos de su itinerario y puedan desquitar el costo del boleto, les dejamos unas cuantas bandas más que valdría mucho la pena que las vieran ya que andarán por allá.

Todo esto porque siempre podemos encontrar grandes joyas en los nombres pequeños de los carteles y que muchas veces son ignorados porque la gente no se da el tiempo de conocerlas o porque no las conocieron a tiempo, pero para que esa no sea su situación, vamos con el conteo:

DIIV

Del conteo, quizá la más conocida. Una mezcla de rock con dream pop es lo que DIIV (pronunciado DIVE), banda originaria de Brooklyn. Se trata de la segunda ocasión en la que la banda llega a territorio mexicano pues en 2013 la banda se presentó en el Festival Nrmal, en Mty. Ahora, por primera vez, la banda llega a la ciudad de México.

Desde el 2011 la banda integrada por Zachary Cole Smith, Andrew Bailey, Devin Ruben Perez, Colin Caulfield y Ben Newma está dando de qué hablar con sencillos como “Sometime” y “Human”.En 2012 lanzan su primera producción, Oshin, la cual consigue un gran número de críticas positivas; ahora para el próximo año lanzarán Is The Is Are, pero antes visitarán el Festival Corona Capital para presentar su tan peculiar sonido y que requiere de muy poca voz pues se convierte en un complemento más y no tanto en portadora de mensaje.

ALVVAYS

Canadá cada día es más un semillero de artista y México se está convirtiendo en parada obligatoria para estas, lo cual es un verdadero alivio pues son bastante talentosas, tal y como lo es Alvvays(pronunciado como Always), una banda formada por Molly Rankin, Kerry MacLellan, Alec O’Hanley, Brian Murphy y Phil Maclsaac y que a menudo es comparada con Cámara Obscura.

El sonido de la banda combina el dream pop y rock, aunque de acuerdo con Rankin, la banda hace un énfasis en mostrar los sonidos que le gustan y no tanto en un género en específico. “Si gente grande pregunta, digo que nuestro sonido es como The Cranberries. Si gente joven pregunta, lo llamo jangle pop. Si un punk pregunta, digo que es pop”, apunta Rankin. Con esta combinación de sonidos, la banda  ha conquistado a todo el público de donde se presentan, y el Corona Capital no será la excepción.

TITLE FIGHT

Una banda conformada por Jamie Rhoden, Ned Russin, Shane Moran y Ben Russin y que, quienes los conozcan, siempre van a recomendar. Title Fight es una banda de punk rock que nace en 2003 en Kingston, Pensilvania. Se le considera una de las bandas más importantes de la escena de la década del 2000 pues tienen una gran influencia del punk de los años 70 en Inglaterra.

La banda tiene tres álbumes de estudio: Shed (2011), Floral Green (2012) y Hyperview (2015), los cuales han sido muy bien recibidos por la crítica pues logran capturar la esencia de los 70 y la presentan de gran manera y con un sonido actual. Title Fight son energía pura sobre el escenario y así lo han demostrado en cada presentación que han tenido a lo largo de Estados Unidos y Europa, y que seguramente será mejor en su visita a uno de los festivales más importantes de México.

SHAMIR

Las Vegas, además de ser el lugar soñado para vivir un fin de semana de locura, nos ha dado varias bandas y cantantes que valen la pena o que han brillado por momentos. Uno de los proyectos más interesantes esShamir, un músico que en junio del año pasado estrenó su primer EP y este año lanzó su primer disco.

La propuesta de este joven pasa por el dance, el pop e incluso el hip hop con tendencias electrónicas, todo esto con una voz tan aguda que bien podría ser una mujer quien cante estas canciones, se podría resumir como música que podrías escuchar en un club en los noventa. La música de Shamir está hecha para bailar, no cabe duda que sus ritmos y estilo hacen que hasta el más arrítmico se ponga a bailar.

CIRCA WAVES

Con sólo dos años de carrera, Circa Waves se está convirtiendo en una de las promesas más sólidas en cuanto al rock se refiere. La banda nace en 2013 cuando todos los integrantes se conocieron en elLiverpool Sound City. Después de esto, Keiran Shuddall decide entrar de lleno al mundo de la música y dejar de ser una banda de garage, lo cual sin duda logró.

La banda cuenta con un EP y un LP, los cuales han colocado varios sencillos en el gusto del público y logrando una gran aceptación. A lo largo del año pasado (2014), la banda ha estado en constantes giras presentándose en grandes festivales como el Hurricane y Southside Festivales, T-in the Park, Glastonbury, Reading and Leeds Festival y Arenal Sound, sólo por mencionar algunos.

MILO GREENE

Una banda de Los Ángeles, California, que se describe como cinematic pop, que cuenta con cuatro vocalistas principales (Robbie Arnett, Graham Fink, Andrew Heringer y Marlana Sheetz) y que para darle nombre a la banda inventó un personaje con ese nombre que es un agente es lo que presentaMilo Greene para conquistar al público.

De acuerdo con Lauren Moraski, la banda inició en un inicio porque querían crear música que fuera usada para películas y la televisión. Es por eso que su música es de ese estilo, por lo que ellos se denominan cinematic pop. La realidad es que sí es un pop, pero cargado de folk y en ocasiones con mucha percusión. Así que con sólo dos discos, la banda poco a poco escala posiciones para poder ir entrando en el gusto de la gente. Sin duda una propuesta muy interesante y que vale la pena ver.

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Gepe, Fakuta y Coiffeur en el Festival Neutral

¡Chile está de fiesta! Apenas el fin de semana consiguió por primera vez el campeonato de la Copa América y así como conquistó en el fútbol, lo hizo en México con el Festival Neutral, que por primera vez se presentó en nuestro país gracias al sello Quemasucabeza.

En la tercera y última fecha ya nos esperaba Coiffeur, Fakuta y Gepe para cerrar de la mejor manera esta primera edición del festival y demostrar que la escena chilena está mejor que nunca, lo cual pudimos constatar al ver el lleno en SALA, lugar que albergó dos días del festival.

El primero en salir es Coiffeur, un músico argentino que se encargó de volver el foro en una pista de baile con su pop electrónico en el que nos mostró su capacidad para presentar un sonido fino y agradable con el cual el público conectó de inmediato. Durante el transcurso de su presentación, los asistentes en SALA cada vez eran más y a pesar de muchos no conocer al músico, terminaron enamorados de su sonido.

Su presentación se dividió en dos, electrónico en su mayoría donde con con guitarra, sintetizador y computadora, interpretó “Pieles”, “Mientras Tanto”, “Damero” y “Ovo”, canciones que pusieron al público a buscar pareja y bailar. Posterior llegó una ola de música acústica en donde tocó “¡Qué Mala Suerte!” y “Vuelvas a Casa”, para así demostrar lo camaleónico que puede ser este músico.

Así termina el show de Coiffeur, un chico que se dijo sorprendido por la respuesta de la gente en el show, ya que lo que vivió había superado por completo sus expectativas.

Solo unos minutos después aparece Fakuta en el escenario. Enfundada en pantalón rojo, blusón gris y gafas oscuras inicia su presentación con “Guerra con las Cosas”, seguida de“Estrella” y más éxitos de su álbum “Al Vuelo”. Toma una pausa para saludar al público que grita por ella y se muestra feliz por las muestras de cariño que recibe. Llega el primer invitado de Fakuta: Coiffeur, quien recién había terminado su presentación, subió al escenario para interpretar “Domesticar” en donde ambos nos mostraron sus mejores pasos de baile. Poco después apareció Mon Laferte, segunda invitada con la que cantó“Invisible”.

Termina su presentación con canciones como “Aeropuerto”, “Tormenta Solar” y“Despacio”, en donde Fakuta comenzó a bailar con su grupo para cerrar una gran presentación. Su música resulta la mezcla perfecta de sonidos bailables y otros más tranquilos para calmar un poco el ambiente e ir dando paso a la siguiente presentación.

Los músicos de Gepe salen a escena y la gente empieza a grita: “¡Gepe, Gepe!”, empieza a sonar “En la Naturaleza”, salen sus bailarinas quienes están vestidas con trajes típicos y Gepe sale dando un gran brinco, a los pocos segundos Pedropiedra aparece en escena, y sacando toda la energía que tanto músico como público había guardado, SALA explota.

Gepe brindó un show parecido al que ha manejado en últimas fechas, pero con la nueva de contar con diferente vestuario para sus bailarinas, en donde una de ella es de origen mexicano, por lo que siempre tiene a nuestro país presente. Además de eso, Gepe le hizo un pequeño espació a una celebración muy importante, los primeros diez años de su primer disco “Gepinto”, del cual interpretó “Guinea”, “La enfermedad de los ojos” y “Namas”.

El momento romántico llegó con canciones como “Un día Ayer”, “Fruta y Té” y “Salón Nacional de Tecnología”, en las cuales muchas parejas aprovecharon para bailar calmado y dedicarse las letras de Gepe que compone con tanto cariño.

Pedropiedra aparece nuevamente para acompañar en “Por La Ventana”, la recta final se acerca y suena “Platina” y “Piedra contra Bala” -la cual fue hecha por Gepe a petición de un taxista-. Posterior agradece a todo el equipo de Quemasucabeza por hacer posible la realización de la primera edición del Festival Neutral, además de señalar lo bien que se siente en México, y decir lo mucho que quiere al país que ya siente como casa.

Un encore es lo que parecía necesario para demostrarle al chileno lo mucho que es querido en el país, a su regreso suena “Un Gran Vacío” y “Bomba Chaya”, en donde todo el recinto se vuelve una fiesta en la que músicos y público despiden esta primera edición del Festival Neutral.