andresitofilms

[andresitofilms]

102. Fight Club - David Fincher

El capitalismo, estructuralmente, destruye al hombre. La enajenación por sí sola controla a proletarios y a burgueses, en un bucle sin fin para que el Capital se alimente a sí mismo. Edward Norto representa a un oficinista, evaluador de seguros, que se da cuenta del bucle deprimente y consumista en el que vive, y se intenta liberar de él con la ayuda de Tyler Durden, un vendedor de jabón totalmente valemadrista, y con quien inicia un club de peleas clandestinas, que se convertirá en algo más.

David Fincher sabe bien qué películas dirigir, y esos guiones con plot-twists sorprendentes y totalmente shockeantes, a su par que mezcla los visuales "clandestinos" y sucios para dar una ambientación algo tétrica. Tiene recursos visuales muy creativos y muy bien integrados.

Ahora, las capas del guión son muy profundas. Lo principal que yo le veo es, obvio, una fuerte crítica a la enajenación capitalista. Hombres reunidos por dos cosas en común: 1) son miembros de la clase proletaria y 2) el capitalismo les ha fallado. Todos ellos recurren a la violencia como mecanismo de salvación y como mecanismo de lucha ante el sistema. Sin embargo, detrás de Tyler Durden, no se encuentra una lucha marxista, sino que usa ese traje de conciencia de clase para mover a la gente. Eso, porque el Proyecto Mayhem no toma en cuenta el aspecto humano de los miembros de la "revolución", sino que solo los usa como peones, quitándoles la libertad que falsamente habían creído se les había regresado. Es más cercano, por eso, a los postulados del Unabomber, que a una lucha realmente liberadora. Empero, el comentario sobre los peligros de no combatir la enajenación de manera adecuada ahí está.

Es una gran película, y es fantástica analizarla así.

[andresitofilms]

101. Paprika (パプリカ) - Satoshi Kon

En su último film, Satoshi Kon nos entrega una historia de acción y misterio, en la cual Atsuko Chiba, la principal desarrolladora del DC Mini, un dispositivo para ver los sueños de los demás tiene que investigar el robo de este aparato, poniendo a todo el mundo a merced del ladrón. A su vez, utiliza a su alter ego, Paprika, para dar psicoterapias con el DC Mini.

Satoshi Kon es, a mi gusto, uno de los mejores animadores y directores de animación que existió en esta Tierra. No sólo comprende el medio del film, sino también las casi ilimitadas posibilidades que le da la animación, y lo sabe usar a su favor. Sus películas generalmente usan muchos match-cuts en la edición, y su diseño de personajes tiene una crudeza muy curiosa. Paprika es el pináculo de esa imaginatividad visual, pues en varios momentos literalmente rompe la misma película, y ayuda que su premisa florezca.

La historia tiene 2 tramas principales: 1) la búsqueda por el ladrón del DC Mini, 2) y la terapia del oficial Konakawa. El mayor enfoque se da en la primera, aunque la segunda es muy importante para la resolución de la película. La primera escena con Paprika describe (mediante secuencia) cómo funciona el DC Mini y nos siembra la curiosidad de qué va a pasar, y luego nos va introduciendo poco a poco a la dialéctica que va a existir con Atsuko, ese juego entre razón y acción me gustó mucho. Sin embargo, aunque me encante mucho, en esta revisita siento que su guión no está tan "comprimido", osea, que deja muchos cabos sueltos o no desarrolla cosas con el potencial que tenían.

Satoshi Kon es un grande, y tener una filmografía tan excelente es prueba de ello. ¡Por favor, que sus demás películas estén disponibles en streaming!

[andresitofilms]

100. Oppenheimer - Christopher Nolan

Se hizo. Se logró. Barbieheimer. Un finde después, pero se hizo.

Entré a esta película realmente sin haberle puesto atención a ninguno de los tráilers. Yo sabía que Nolan iba a sacar película e iba a ir. Luego, surgió el chiste de Barbieheimer y realmente no tenías que seguir vendiéndomela.

Por todo ello, lo que vi ayer me sorprendió. Seguimos a J. Robert Oppenheimer, un físico que se especializaba en física cuántica, atravesar un procedimiento que le fuerza a recordar y relatar desde su juventud hasta después de los ataques a Hiroshima y Nagazaki. El film, en vez de centrarse exclusivamente en el Proyecto Manhattan, realmente se enfoca en un “juicio” contra sus pasados nexos comunistas.

La dirección es impecable, es visualmente impresionante y Nolan jugó esta vez con el audio para dar una gran atmósfera. La vi en 35mm y no sé si realmente haga una diferencia, pero se vio genial. La edición era algo frenética, pero la escena de la explosión de la bomba fue cautivante. Las actuaciones en todo nivel son fascinantes: Cillian Murphy, Robert Downey Jr., Matt Damon, Emily Blunt, y todo el cast hace un trabajazo.

En cuanto a guión, es realmente uno de los mejores de Nolan. Como es costumbre, tiene un pequeño plot-twist (o más bien, información oculta) que resignifica bastante la película. Se divide principalmente en dos partes: una, que es el proceso de Oppenheimer y la selección de Strauss (en la actualidad); y el relato de toda su historia, desde su inicio en la academia, por sus primeros nexos comunistas, por el desarrollo del Proyecto Manhattan, hasta sus intentos por desnuclearizar el mundo. Una división general es las tomas en blanco y negro (según Nolan, las cosas que objetivamente pasaron) y las tomas a color (la perspectiva de Oppenheimer). Desde mi perspectiva, hace lo posible por presentar a Oppenheimer como una persona con defectos, pero que se vió atormentado por su participación en la bomba atómica e hizo lo posible por contener sus estragos, y se puede interpretar también como una crítica, tanto al uso político de la ciencia, como al llamado red scare, el miedo enfermizo al comunismo por parte del gobierno estadounidense. La gran crítica es que Nolan sigue sin saber escribir mujeres, aunque en ciertos puntos, Jean (Florence Pugh) representa un desafío intelectual para Oppenheimer más allá de lo superficial, y su esposa Kitty (Emily Blunt) tiene suficientes elementos fuertes.

Siento que es de las mejores de Nolan, y se entiende porqué su nombre es una garantía en taquilla.

P.D. Vi en Twitter que alguien comentó que “Nolan hizo el mismo name drop con Kennedy que en The Dark Knight Rises con Robin”, y es verdad xDDD

[andresitofilms]

99. La última función de cine (છેલ્લો શો) - Pan Nalin

No me gusta usar esta frase mucho, pero es que es literalmente una carta de amor al cine. Al cine indio, al cine como lugar físico y al cine como medio artístico.

Samay es un niño de Chalala, un pequeño pueblo dentro de una familia que vive de vender té en la parada del ferrocarril. Él, sin embargo, quiere hacer películas, algo que le es prohibido tajantemente por su padre. Un día que entró al cine sin pagar y le prohibieron el paso, conoce a Fazal, el proyectista y hacen un trato para que vea películas. Es aquí donde Samay aprende cómo funciona el cinematógrafo y se enamora de él.

No estoy muy familiarizado con el cine indio, pero conozco lo suficiente para ver lo formativo que fue en la vida del director, para entregar un film que le agradece por hacerlo lo que es. No tengo comparativos, pero visualmente es muy bella. Tiene planos curiosos y juega recurrentemente con la luz.

El guión es lo más brillante del film, y eso es mucho que decir. Tiene demasiadas capas para interpretar y analizar, tanto para artistas en camino como cuestiones personales con los papás, como críticas a la industrialización (y capitalización) del cine y en general a la globalización también.

Si bien desde lejos se parece algo a Cinema Paradiso, a lo mucho solo agarra la premisa y de ahí se suelta solita.

La escena final es fantástica: utiliza un recurso que usó anteriormente como algo trágico para resignificarlo y darle una carta de agradecimiento al cine que lo formó.

Fantástico film.

Comentario: en algún lado había leído que Wes Anderson se había influenciado fuertemente en el cine indio para desarrollar su estilo, y sí se nota en esta. Bastantes tomas que diría “no mames eso haría Wes Anderson”, y me pareció interesante señalarlo.

[andresitofilms]

98. Barbie - Greta Gerwig

La primera vez que la vi, no la registré. La vi doblada al español y no pude captar todos sus elementos como debería ser. Su guión es muy anglo, y ciertas cosas no se traducen muy bien. Sin embargo, es una película con bastantes temas que discutir y reflexionar.

La tercera(ish) obra de Greta Gerwig como directora, nos presenta el mundo de Barbieland, donde viven todas las Barbies en una sociedad donde las mujeres controlan todo, y los Kens... ahí están. Cuando la vida de la Barbie estereotípica deja de ser perfecta, tiene que venir al mundo real para arreglarse, y vive por propia cuenta cómo es ser mujer.

La primera vez que la vi, me frustró no ver la brillantez de Greta detrás de la cámara, pero en la revisita ya caché que no sólo sí tiene tomas con su vibra “indie” y personal (aunque disonante con lo rosa del atuendo de Barbie), sino que otras escenas son creativas y on point. Aparte, es una megaproducción impresionante, el diseño de producción es asombroso, los atuendos son buenísimos.

El doblaje es bueno. Pepe Toño Macías (fue el único que reconocí) como Ken hace buenísimo trabajo, aunque creo que no transmite la misma vibra que el trabajo de Ryan Gosling. Sí hay cosas que se pierden, pero eso es cosa de la traducción y no del doblaje por sí. Margot Robbie y Ryan son fantásticos, la primera por dar una actuación tan vívida y emocional, el segundo por ser un genio cómico y, en sus momentos, ser emocional. Y MICHAEL CERA también se lució como Allan, en un personaje se resumió el estilo de la película. El resto del elenco también es bueno, ngl.

El mayor discurso sobre el film ha sido su guión, y su mensaje. Como tal, creo que el guión por sí solo es suficientemente sólido, sí tiene pequeños problemas (en particular en la última parte) donde se apresura mucho la resolución, o que muchas de las Barbies no están desarrolladas, pero el resto es fuerte. Hay momentos cómicos que parece ser se alargan demasiado, no son tan graciosos o son dudosos, pero son los menos.

El mensaje, sin embargo, es la piedra angular del film: sí, puede que sólo sea un curso introductorio del feminismo, pero considerar que una película pueda decir un mensaje tan político y ser tan exitosa por conectar en la base con tantas mujeres es algo importante (y el enojo que causó a bastantes hombres). Al principio comenté que es un film  que da para reflexionar bastante, y lo voy a desarrollar: ver los contrastes entre los “sexos” marginados en uno y otro liderazgo es sorprendente cuando analizas las dinámicas de violencia entre ellos (en el Kendom), los efectos (a veces contradictorios) que da una idea en diferentes personas, las experiencias cuasiuniversales que han tenido mujeres con hombres para que tantas resulten identificadas con su representación, el patriarcado como arma de doble filo contra los hombres, entre otras. El cine feminista independiente ya ha llegado más lejos, pero es importante que un blockbuster hable de ello.

Empero, hay derecho a criticar, y a mí me pareció que no tocó ciertos temas, como que no todos los hombres ejercen el patriarcado por desconocerlo, sino por beneficio propio, y no ahondó en las relaciones del capital con el patriarcado, pero eso es personal.

Criticando otra vez a la película, la narradora no me encantó. Creo que por un momento funciona, pero se alarga su presencia y luego sólo se usa para momentos cómicos (no está mal, pero no me encantó).

Me parece la película más débil de Greta Gerwig, sin embargo, sigue siendo una muy sólida filmografía.

Edit: Creo que no hacía mucho sentido que hablaran de interseccionalidad porque en el mundo de Barbieland, realmente todos eran Ken y todas eran Barbie. Sin embargo, sí se perdió potencial con los ejecutivos.

[andresitofilms]

97. Asteroid City - Wes Anderson

Una vez más, Wes Anderson nos vuelve a deleitar con una obra. En este caso literalmente, ya que la película se desenvuelve en un contexto teatral, en el cual dos historias se cuentan casi simultáneamente: la obra de teatro “Asteroid City” y la historia de cómo se escribió, dirigió, actuó y vivió.

Sus (de Wes) últimos films en live action se han caracterizado por jugar con el elemento narrativo dentro del lenguaje cinematográfico, y aquí se explaya en eso. A su vez, rompe la cuarta pared no sólo hablándole al público, sino entre sus historias y de repente se mezclan elementos de ambas.

Definitivamente es la película más Wes Anderson que ha hecho, porque el uso de sus conocidos recursos de cámara, la paleta de colores más apastelada (y saturada), y la simetría, además de esa bella extrañeza en sus personajes y su guión, le dan mucho.

Creo, sin embargo, que en la complejidad de su guión, a veces se pierde, y en conjunto no tiene tanta fuerza como otros de sus films. De todos modos, es Wes y es una experiencia fantástica. Scarlett Johansson y Jason Schwartzman hacen muy buenos protagónicos, y el resto del cast es muy colorido.

[andresitofilms]

96. Milk - Gus Van Sant

La historia de Harvey Milk, un activista por los derechos de las personas gays, que luchó fuertemente por agarrar un puesto en la política, hacer un cambio desde adentro y organizar a la población.

La dirección está bastante bien. Como la vi pirata en un DVD de no excelente calidad, no se pudieron apreciar de manera precisa las imágenes, pero lo que sí vi sí es destacable. Al director sólo lo conozco por haber hecho Good Will Hunting, y este film está bien ejecutado.

Siendo una biopic, el punto más fuerte es su guión. Éste nos guía por los altibajos de la carrera política de Harvey Milk, quien perdió en 3 ocasiones un puesto, hasta por fin ganar, y empezar a trabajar por su comunidad. Nos muestra cómo tuvo que luchar contra el odio de la sociedad, encabezado por Anita Bryant y la iglesia católica, y la demostración de resistencia fue maravillosa. Pero fuera de lo político, también vemos dentro de su vida personal sus relaciones, que lo pintan mucho más humano.

Lo que me parece algo triste es que el film vuelve a ser relevante. Si en su momento el ataque fue hacia las personas homosexuales, ahora el frente está contra las personas trans (con las mismitas retóricas que utilizan los antagonistas de este film), y es una terrible regresión que debemos combatir.

Me hubiera gustado disfrutarla más, pero el gran problema fue que la vi en pirata xd. Pero bueno, es un film muy destacable.

[andresitofilms]

95. Django: Unchained - Quentin Tarantino

Brindando un homenaje a las películas de western, Tarantino nos presenta esta obra, sobre un esclavo recién liberado que acompaña a un cazarrecompensas y emprende la búsqueda de su esposa, que fue vendida después de que intentaran escapar.

La dirección me parece muy bien realizada, logra captar esos paisajes del western de maneras muy bellas, las escenas de disparos y de acción están muy bien dirigidas y todo se ve muy bien.  Algo a notar es que esta es la primera película de Tarantino que Sally Menke no editó (por razones naturales), y es una lástima, porque su participación sí le da fuerza a las anteriores películas del director. Nada más que respeto para ella.

Quentin es conocido por su estilo muy único: la violencia gráfica, el uso (casi) indiscriminado de lenguaje soez y “ofensivo”, pero especialmente su narrativa poco convencional/no lineal, y eso es algo que faltó en esta. Eso afecta principalmente la primera mitad del film, porque su ritmo se siente algo apresurado y lo mejor de la peli pasa como después de la primera hora.

La historia es bastante sólida, tiene un subtexto de historia romántica y de rescate, con obstáculos fuertes, todo debajo de una historia de cazarrecompensas antiesclavitud. Leo DiCaprio, Jamie Foxx, Christoph Waltz y Samuel L. Jackson dan actuaciones estelares, y las demás estuvieron bastante bien.

En fin, aunque no me encanta mucho su estilo, Quentin Tarantino es un director digno de apreciar, y la forma en la que lleva este film me parece precisa.

[andresitofilms]

94. Get Out - Jordan Peele

Una curiosa propuesta del terror moderno, en la que Chris (un hombre negro) va de viaje a casa de sus suegros (blancos), sin imaginarse la terrible práctica que llevan con su gente.

Teniendo en mente su presupuesto, resulta un excelente aprovechamiento del mismo. Jordan Peele tiene una buena visión para planos y tomas efectivos, y Daniel Kaluuya hace un papel excelente. Es relativamente sencilla, pero sigue siendo precisa.

El guión es lo más destacable, pues presenta un discurso cultural sobre el racismo de la forma más terrorífica posible, y aprovecha por ello la misma esencia del terror, la crítica a la sociedad. Me gustan los elementos de manipulación que se expresa por medio de diálogos y del mismo lenguaje fílmico en sí.

[andresitofilms]

93. Kiki: Entregas a Domicilio (魔女の宅急便) - Hayao Miyazaki

Una de las primeras películas de Studio Ghibli, nos presenta a Kiki, una pequeña bruja que emprende un viaje de independencia y aprendizaje a los 13 años, en el cual hace amistades muy lindas y emprende un negocio de paquetería.

No tengo mucho que decir, es una película bien animada, bien dirigida, con una historia muy simple que se ejecuta de una forma muy bonita. Las amistades de Kiki y sus propios altibajos son muy tiernos, y Miyazaki sabe bien lo que hace.

Ghibli (casi) siempre es sinónimo de calidad, así que no hay problema por eso.

[andresitofilms]

92 - Sueño en otro idioma - Ernesto Contreras

Un joven lingüista intenta hacer un proyecto de preservación de lenguas en peligro de extinción, y para ello llega a un pueblo donde los únicos hablantes están peleados por años. Por ello, busca reconciliarlos y salvar la lengua.

La dirección no me encantó. Digo, se ve bien, pero está demasiado estándar para mi gusto. Comprendo que tiene un presupuesto limitado, pero realmente tener decisiones creativas no se limita tanto por eso. Creo que Martín y Lluvia no actuaron muy bien q digamos y sus diálogos a veces están escritos de formas raras.

Pero la historia que cuenta es excelente. Un misterioso problema (que se nos va revelando) entre estos dos hombres, la desesperación por salvar el idioma y la relación que surge entre Martín y Lluvia son muy sólidos, si bien tiene pequeñitos problemas en su ejecución.

Muy lindo film.

[andresitofilms]

91. The Bookshop - Isabel Coixet

En un pequeño pueblo costero de Inglaterra, Florence Green tiene la meta de abrir una librería. Sin embargo, no se esperaría que su plan fuera tan fuertemente resistido por Violet Gamart, una señora aristócrata que planeaba poner un centro de artes en el mismo edificio. Después de ello, vemos la resistencia de Florence ante estos embates y hace nuevas amistades.

La dirección está bien, a secas. Es decente, competente. Nada malo, pero tampoco algo muy sorprendente. Está basada en un libro, y a veces se siente una transcripción demasiado literal de una novela a película, algo que vulnera y malaprovecha mucho el propio lenguaje cinematográfico.

La historia es triste, pero linda. El principal mensaje es el valor que debe tener una persona a resistir las desgracias, pero al menos por un tiempo vemos que ella estuvo feliz, y conoció a amigos muy valiosos. El final sí me pareció muy volado, y probablemente había una mejor ejecución para todo el film. De todos modos, linda experiencia.

[andresitofilms]

90. Ladrones de bicicletas (Ladri di biciclette) - Vittorio de Sica

En este film italiano de la posguerra, vemos a Antonio, un hombre sumido en el desempleo, que por fin consigue un trabajo para el que requiere una bicicleta, y después de varios sacrificios que debe hacer, empieza a trabajar. Sin embargo, durante su chamba, un chico le roba su medio de trabajo y debe buscarla.

Por la época, no es necesario pedirle complejidad técnica a la película, y aún así hace lo posible para verse bastante bien y tener tomas muy buenas. Es un film que recae mucho más en la historia, que retrata a una Italia postfascista y con crisis de desempleo gigante, que en varias ocasiones pone en posiciones antagónicas entre sí a los miembros de la clase trabajadora, lo que señala la fuerza de las crisis. También retrata el camino a la desesperación de Antonio, puesto que ya tenía todo arreglado para sobrevivir.

El único fallo que siento q tiene es que a veces pierde su momentum emocional de golpe, pero es nada más eso. Realmente es buenísima.

[andresitofilms]

89. Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull - Steven Spielberg

Es que de verdad Spielberg tu patrón, qué te puedo decir.

En lo que en su momento era el regreso de Indiana Jones a la pantalla grande, el arqueólogo se enfrenta a los soviéticos en la búsqueda por la ciudad de Akator, es decir, El Dorado. En ello, conoce a Mutt, un joven hijo de uno de sus varios amoríos que le pide ayuda para rescatar a su mamá y a Harold Oxley, uno de sus viejos amigos.

Cuando digo que Spielberg tu patrón es porque verdaderamente Spielberg es uno de los mejores directores (al menos estadounidense) de la historia. A excepción de detalles puntuales (que ya mencionaré), esta película se ve magnífica. No sólo tiene decisiones muy inspiradas, sino tomas y secuencias preciosas. Las escenas de acción se sienten vívidas, su juego con las sombras tan característicos siguen emocionando a cualquiera, la acción está muy bien coreografiada, y todo muy bien. El único problema en el apartado visual sí es que a veces el CGI se ve mal, como: 1) las marmotas en la escena inicial se ven muy falsas, 2) los efectos especiales para la explosión de la bomba atómica del inicio no se ven bien, 3) la escena de las lianas, entre otras.

Y aunque Steven se merece todos los elogios del mundo, lo mismo no puede decirse del equipo de guión. En primer lugar, creo que era difícil (por la época en la que se contextualiza) evitar que los soviéticos sean los enemigos, pero queda raro considerando que en entregas pasadas los villanos eran nazis y chamanes.

La primera y segunda mitad del film son TOTALMENTE diferentes. La primera da una continuación (aunque con sus debidas fallas) de las aventuras de Indy, con una dialéctica curiosa entre él (un académico formado) y Mutt (un joven rebelde, dropout y algo irrespetuoso), un conflicto interesante con el FBI y con su propia universidad, una aventura arqueológica similar a la de las primeras 3, y la presentación de personajes “nuevos”, como Oxley y la mamá de Mutt (bueno, al principio no sabemos de quién se trata).

De hecho, después de que se nos revela eso es cuando el equipo de guión le deja de echar ganas y todo se va al caño; la madre de Mutt [spoiler alert para toda la saga, es Marion] e Indy se reconcilian demasiado rápido, Jones perdona a Mac casi de la nada, cuando el mensaje de TODAS las películas (particularmente las nones) es, en cierto modo, que no puedes confiar en cualquiera; la escena de Mutt colgándose de las lianas es ridícula, y esa chingadera de que [spoiler alert] Mac termina siendo no un doble agente [fin de spoiler alert] es ridículo, ilógico y falto de creatividad para conectar la llegada de los soviéticos a Akator. Un problema que permea en esta mitad (y en parte la premisa de toda la película) es eso de que fueron seres ajenos a la humanidad quienes “civilizaron” a las poblaciones precolombinas, refleja una perspectiva bastante eurocéntrica y había mucho más potencial en la mitología precolombina, pero qué se le puede hacer, como historia ajena al contexto sociohistórico, también tiene pedos xd. No todo es malo, el personaje de Oxley se desarrolla súper bien, y el final (como en todas las de Indiana Jones) está bien logrado y bien hecho.

Cate Blanchett, con todos los defectos de su personaje, lo entrega de una manera fascinante, y las demás actuaciones son muy buenas tmb (Shia LaBeouf especialmente se luce en la escena dentro de la celda de Ox).

En resumen: Spielberg hizo que una película con un guión bastante cuestionable se viera super decente y x eso yo lo quiero mucho. Era una historia con mucho potencial que no se supo aterrizar.

Dato curioso: en el doblaje al español, Indiana Jones (con la voz de Pepe Lavat) dice que Pancho Villa hablaba quechua [ en su momento eso generó polémica en Perú] y en inglés sólo dice que algunos de sus hombres lo hablaban, por lo que ojo con lo que se pierde en traducción.

[andresitofilms]

88. Fallen Angels (墮落天使) - Wong Kar-wai

Una historia sobre los bajos mundos en las noches de Hong Kong, en la que veremos a tres personajes (principalmente) en diferentes situaciones donde el amor es el principal enfoque. Ming, un asesino a sueldo que busca retirarse, su socia y Mo, un joven mudo que busca trabajo (de forma poco convencional).

Wong Kar-wai tiene un estilo característico. Aquí se siente una grabación medio casera, con sus típicas secuencias de step printing, que le da un toque original y bastante interesante. Las noches de Hong Kong se capturan de manera fructuosa, y transmite las emociones deseadas .

El guión es interesante, porque nos lleva por dos líneas principales (de ambos chavos), y en cada uno puedes ver el peso emocional que pueden llegar a sufrir. Sin embargo, tiene un problema similar con Chungking Express, donde simplemente una de las dos historias está mejor pulida que la otra. Eso no le quita que son buenísimas, y que Wong Kar-wai mostraba mucho talento desde un inicio con presupuestos limitados.

[andresitofilms]

87. The French Dispatch - Wes Anderson

Wes Anderson regresa al live action con este film, que se nos presenta como la última edición de “The French Dispatch of the Liberty, Kansas Evening Sun” un periódico franco-estadounidense cuyo fundador y director acaba de morir. Se nos presentan como al menos 5 historias ubicadas en la ciudad ficticia de Ennui, y conectadas por las plumas y máquinas de escribir de los periodistas.

Wes evolucionó mucho en el apartado visual (al menos) desde The Grand Budapest Hotel, donde agarró y consolidó el estilo por el que se le es conocido, un estilo de “diorama”, donde usa maquetas y maneja paletas de colores más saturados, producciones magníficas y una simetría en punto. Es muy curioso ver su evolución como director, y ver cómo elevó su estilo cada vez más.

Después de trabajar en dos películas animadas (e incluso desde la primera), Wes le agarró mucho cariño a la animación. Y en este film lo retrata, haciendo dos pequeñas secuencias animadas en el estilo de una tira de cómic. Esto elevó la creatividad de esta obra, y me pareció fantástica.

Las historias son entrañables e interesantes. Si la mayoría de sus guiones se centran en un personaje excéntrico sobre el cual el resto de la historia gira alrededor, aquí nos entrega tres, cada uno con su nivel de desarrollo y tremendo carisma, a mi parecer. La forma en la que es presentada le ayuda mucho, pues usa recursos de la literatura periodística adaptada al film (parecido a The Royal Tenenbaums) y adapta sus imágenes para ello.

Es curioso ver cómo muchos grandes actores buscan participar con él solamente por ser un tipo super genial y divertido. Me parece fantástico.

Por toda la creatividad que le echó, esta me parece su mejor película y mi película favorita de él.

[andresitofilms]

86. The Silence of the Lambs – Jonathan Demme

En este clásico de la década de los 90s, Jodie Foster y Anthony Hopkins participan en este film de suspenso, en el que una joven estudiante para policía se “alía” con el Dr. Hannibal Lecter, un caníbal internado en una institución psiquiátrica, para ocupar su expertise en la búsqueda de un nuevo asesino serial.

Ya llevaba bastante que no la veía, y no recordaba lo bien dirigida que está. En cierto momento, Scorsese comentó que le ofrecieron este guión y que por x o y lo rechazó, pero que fue una decisión correcta porque a él le gusta ser más gráfico, y Jonathan Demme logró hacer un thriller de una forma discreta, y concuerdo con ello, pues logra generar suspenso con tomas muy “sencillas”, y de formas muy bien logradas.

El arco de Clarice Starling (are the lambs still screaming?), el misterio detrás de “Buffalo Bill”y cómo se va resolviendo, la relación entre Hannibal y Clarice y toda la tensión que se genera... Está maravillosamente bien escrita, y si bien hay cosas muy puntuales que no hacen mucho mucho sentido, cierra bastante fuerte.

Es un clásico ya por una buena razón.