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El reto de editar tanto material
Ahora que tienes todo grabado, es momento de enfrentarse a la edición. El problema es por dónde comenzar, qué hacer con tantas imágenes para tratar de generar una narrativa coherente y atractiva.
El primer paso es generar secuencias con temáticas claras. No te preocupes por los detalles en este momento; lo importante es crear secuencias escuetas y funcionales que capturen la esencia de lo que has grabado.
Una vez que tengas varias secuencias generadas, es hora de encontrar conexiones y relaciones entre ellas. Busca temas comunes, patrones o elementos visuales y sonoros que puedan unir tus secuencias de manera coherente.
En esta etapa inicial, no te preocupes demasiado por el ritmo o la fluidez de tu edición. Lo importante es establecer una estructura sólida que sirva como base para tu narrativa.
Conforme avances en tu edición, comenzarás a organizar tus secuencias en bloques narrativos. Estos bloques pueden funcionar como episodios individuales dentro de la peli, cada uno con su propia historia y progresión.
Al tener los bloques bien armaditos, es hora de pulir las conexiones entre ellos. Ahora si te puedes clavar en detallitos para que no solo sea contable sino disfrutable.
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Las cosas se terminan
Es común una profunda conexión con un proyecto, tanto que la idea de concluirlos puede resultar un taboo. Aprender a terminar lo inacabado es una habilidad esencial en el mundo creativo.
La obsesión por la perfección puede convertirse en un obstáculo paralizante en el proceso creativo. La búsqueda de la perfección desde el inicio hasta el final de tu carrera es una ilusión, ya que todos los artistas han enfrentado y abrazado la imperfección en algún momento de sus vidas. La clave es reconocer que la perfección es subjetiva y asignada por otros, y que tu obra tiene valor incluso en su estado incompleto.
Una de las decisiones más difíciles es determinar cuándo es el momento adecuado para concluir un proyecto. La obsesión por la perfección puede llevarnos a continuar grabando o trabajando en una obra indefinidamente. La clave está en ITERAR, en crear con la conciencia de que tu proyecto está incompleto pero que cada iteración te llevará más cerca de la excelencia.
Trey Parker, el wey de South Park, explicó en una entrevista que si cada episodio de South Park se produjera en un lapso de 4 meses en lugar de 5 días, el resultado final podría ser un 5% más gracioso. Al trabajar en un ritmo acelerado, pueden crear ocho episodios en ese mismo tiempo. Es mejor avanzar y terminar, para seguir disfrutando de futuros proyectos.
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Pequeñas observaciones de una entrevista
Las entrevistas son una parte fundamental en un docu. En muchas ocasiones, la continuidad sonora es más crucial que la visual. El B roll, o imágenes de apoyo, puede añadir profundidad y contexto a tu entrevista, proporcionando una narrativa visual que complementa las respuestas de tus entrevistados de manera efectiva.
Antes de comenzar la entrevista, es esencial tener un conocimiento profundo de la historia que estás tratando de capturar. Esto te permitirá formular preguntas de manera estratégica, obteniendo respuestas que te guíen hacia la narrativa que buscas transmitir.
¡Escucha! ¡Escucha! Escucha a tus entrevistados. Genera preguntas a partir de sus respuestas, permitiendo que la conversación fluya de manera orgánica y auténtica. Este enfoque te llevará por el camino real hacia la historia que buscas registrar.
Además de las preguntas, considera el uso de elementos visuales, sonoros y sensoriales para estimular respuestas más profundas y emotivas. Fotos, música, ropa para detonar recuerdos o transportarlos a ese momento.
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¿Qué quiero contar?
Antes de comenzar a grabar un documental, es crucial tener una idea clara de lo que quieres contar. Filmar no es apuntar y disparar. No se trata solo de informar eventos de manera cronológica, sino de contar una historia completa con todos sus elementos esenciales, incluidos personajes, espacio, conflicto, antagonista y tiempo.
Para lograr elegir un tema hay que identificar el conflicto central. Este conflicto es lo que impulsará la historia y mantendrá a tu audiencia comprometida. Busca un ángulo único desde el cual abordar tu tema, uno que refleje tu propia perspectiva como artista. Por ejemplo, si estás haciendo un documental sobre tacos, en lugar de cubrir todos los aspectos de los tacos, concéntrate en un aspecto específico que te llame la atención, como el impacto de los tacos en la economía nacional o las taquerías frecuentadas por un sector particular de la sociedad.
Una vez que hayas cerrado tu enfoque, es hora de identificar el conflicto dentro de tu tema elegido. Busca elementos que añadan problemas y retos a tu historia. Puede ser el desafío de preparar un en especial o la dificultad de encontrar ciertos ingredientes. Estos conflictos acumulados a lo largo de tu documental crearán un arco narrativo que mantendrá a tu audiencia por un rato.
Asegúrate de considerar si es algo que tú mismo disfrutarías ver como espectador. Ponerte en los zapatos de tu audiencia te ayudará a garantizar que tu documental sea interesante.
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Sobre Rotoscopia
La rotoscopia, una técnica que sigue los principios de la animación tradicional, puede generar imágenes interesantes si se pone atención a cierto factores.
Aunque pueda parecer tentador trazar en secuencia, comenzar desde los key frames proporciona una base sólida para el proceso. Estos key frames serán que interactúen con el entorno, con otros personajes, las líneas de mirada o cualquier cambio de plano en la escena.
¿Por qué enfocarse en estas poses? Porque representan los momentos más complicados de capturar. No son acciones aisladas, sino interacciones con el entorno o elementos adicionales. Al identificar estas poses, se puede obtener una idea clara de lo que exigirá el resto de la animación.
No es necesario trazar la misma cantidad de cuadros por segundo que el video de referencia. Diferentes velocidades de cuadros pueden producir resultados distintos para una misma acción. Menos cuadros en una acción rápida pueden atraer la atención de manera diferente en comparación con una cantidad reducida de cuadros en la misma acción. La cosa es apretarle.
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¿Cómo cerrar una historia?
Este corto tiene muchos errores, pero tiene algo que me gusta mucho, el final. Me gusta por muchas cosas: es visual, tiene ritmo, genera curiosidad, es memorable (es toma me ha conseguido más chambas que un demo reel).
Los finales que más recuerdo no son racionales, son emocionales, nos hacen sentir por si mismos, son una pequeña pieza dentro de la obra. La secuencia final de Mindgame (2004), A day in the Life de los Beatles, cuanquier historia de Raymond Carver.
Todos tienen algo en común, no buscan explicar, buscan transmitir. Yo disfruto mucho salir de una peli de la que no entendí nada pero sentí mucho. El final de una historia puede ser ese pequeño momento. Creo que debe ser así pues cerrar historias con información no es viable pues si te enfocas en eso solo generas nueva información en el espectador.
La noche de la toma final, ya teníamos a los actores para armar la escena como la teníamos en el guion. Pero no se sentía bien, no era lo correcto. Eso es común cuando te encuentras en l etapa de rodaje pues la experiencia de plasmar lo planeado genera nuevas ideas, nuevos conceptos. Al final el arte no es decoración, es exploración. Exploración de ideas en el momento de crearlas y en ese viaje me di cuenta que el final que tenía escrito no era el correcto.
Tome un momento de pausa a pesar de tener a todo esperando para comenzar la escena. Me pregunté lo que sentía después de vivir al lado de Braulio, sentía el cuerpo pesado, era el peso de una sombra. No trate de entender eso, solo lo sentí. Esto cambió la escena final y me forzó a encontrar una manera de comunicar esto en pleno rodaje.
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Manual del mal diálogo
A pesar de los diálogos horribles que plagan el corto, una vaga adaptación de Hamlet, curiosamente no me molesta volver a verlo. La chafés de los diálogos me sirve como un recordatorio de ciertos factores a considerar al escribir conversaciones, monólogos o disputas en un guion.
∙ Un primer error fue elegir el nombre "Braulio" para el personaje principal. Considerando que se menciona repetidamente a lo largo del corto y se convierte en un tema narrativo central. La fonética del nombre no fluye naturalmente entre las letras, lo que dificulta su pronunciación para los actores y, cada quien lo dice como quiere, acentuando distintas partes de la palabra.
∙ Todos los diálogos son meramente descriptivos, explicando quién es quién, qué hicieron y cómo lo hicieron. Este enfoque va en contra del principio fundamental de "mostrar, no contar". La exposición debería lograrse a través de la acción y el desarrollo de los personajes, no a través de diálogos expositivos.
∙ Los personajes, todos, suenan igual. Los diálogos en un guion son solo una base para organizar el rodaje; es durante la colaboración con los actores cuando se les da vida. Es esencial trabajar con los actores para que adopten y hagan suyos los diálogos, otorgándoles autenticidad y singularidad.
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Cuadritos más, cuadritos menos
Unos cuadros más, unos cuadros menos pueden marcar la diferencia entre una secuencia dinámica y una que simplemente pasa desapercibida.
Jackie Chan perfeccionó esta técnica, supo cómo manipular la velocidad quitando cuadros entre el recorrido de un golpe, logrando así una sensación de acción más rápida y dinámica sin la necesidad de filmar tomas adicionales. Este mismo concepto puede aplicarse a una variedad de situaciones en el cine, nosotros la aplicamos al intentar mejorar el efecto de "jale" en una escena donde un tigre arrastra a un invitado entre las plantas.
Aunque la toma era estática, la sensación de arrastre se percibía como lenta y poco convincente. No era suficienta la fuerza con la que se había cargado al sobre hacia las plantas.
Fue entonces cuando nos dimos cuenta de que simplemente quitando unos cuadros en el montaje, pudimos transformar por completo la intensidad y el impacto de la secuencia.
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La realidad de trabajar con Niños y Animales
En el mundo del cine, hay una regla de oro que advierte: "Nunca trabajes con animales ni con niños". Pero ¿quién puede resistirse a un buen desafío? Yo ciertamente no. Olvidé esa regla de oro y decidí meterme de lleno con niños y, para complicar aún más las cosas, ¡un pinche gato! Se supone que el gato había sido entrenado durante un mes para saltar por sí solo de entre unas plantas en el jardín. Pero claro, eso no sucedió. Intentamos de todo: empujarlo, asustarlo, incluso el entrenador estaba desesperado tratando de que el gato hiciera algo. Al final, lo tuvimos que lanzar como pudimos.
Y luego están los niños. No es que no sigan instrucciones, el problema es mantenerlos motivados el tiempo suficiente. Son los protagonistas y siempre teníamos uno u otro chamaco distrayéndose en cada toma. No importa cuántos incentivos les des, cuando no quieren trabajar, no hay manera de sacarlos del vestidor.
El verdadero desafío fue juntar a ambos en una misma toma. Los niños se emocionaban al ver al gato, y el pinche gato se quedaba como petrificado. Tuvimos que dividir la toma en dos partes: por un lado, Carlitos tenía que tomar una pala, mirarla con asco y tirarla, para luego reaccionar al rugido de un tigre imaginario en el jardín. Fácil.
Luego venía el turno del gato. El desafío era que no cruzara una línea imaginaria que dividía la escena y que nos impediría unir las dos tomas. Nadie podía moverse, excepto el gato. El entrenador estaba a tres metros de distancia, en silencio absoluto. Solo necesitábamos que el gato levantara la cabeza. Después de varios intentos, el gato finalmente levantó la cabeza lo suficiente para que volteara en el momento justo hacia el jardín, como si también estuviera reaccionando al rugido.
No volveré a trabajar con gatos. ¿Con niños? Bueno, tal vez.
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Lecciones del Scouting
En la búsqueda de la locación ideal, hay más cosas a considerar de lo que parece a simple vista. Estas son algunas lecciones clave que aprendí durante el proceso de scouting:
Atención a los Detalles: No te dejes llevar solo por la apariencia o el precio de una locación. Factores como la proximidad de aviones, avenidas concurridas o iglesias cercanas pueden ser distracciones no deseadas durante el rodaje.
Espacio para Todos: Asegúrate de que la locación ofrezca suficiente espacio para el equipo y áreas separadas para comer y descansar, evitando interferencias con el trabajo.
Espacios de Pausa: Los espacios designados para "pausas" como camarinos y comedores son esenciales para mantener el ánimo y la productividad del crew.
Exploración Nocturna: Realizar el scouting durante la noche puede proporcionar una visión más completa del entorno y revelar aspectos importantes que podrían afectar la producción.
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Del Arte al Plano Final
En una entrevista con Ridley Scott, mencionó que solo el 50% o 60% de su trabajo en diseño de producción llega a verse en pantalla. Esto fue algo que aprendí a la mala durante el rodaje.
Es curioso con puede variar tanto la visión inicial de un plano y el resultado final en la pantalla. Grandes escenas que habíamos planeado, junto con el vestuario y arte, a menudo se reducían a una fracción de lo que habíamos creado. Un ejemplo fue la creación de una almohada de dos metros de largo para la escena con los gremlins. Nuestra idea era utilizarla para generar una ilusión de perspectiva forzada, haciendo que los gremlins parecieran diminutos al morderla.
Sin embargo, al llegar al set, nos enfrentamos a la cruda realidad. No había suficiente espacio para ejecutar la ilusión como habíamos imaginado, y los lentes seleccionados no eran los adecuados para lograr el efecto. Nos dimos cuenta de que nos faltaban varios metros de espacio en la habitación para hacer funcionar el truco.
La toma se salvó gracias al maquillaje, lograron dar vida a los pequeños gremlins. Los niños quedaron asombrados al verse transformados en monstruos frente al espejo antes de entrar en cuadro. Y mientras que la almohada de dos metros había sido una parte central de nuestro plan, terminó ocupando apenas un pequeño rincón del encuadre final.
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Vendiendo la historia con una carpeta
La triste realidad es que nadie lee guiones. Es por eso que la venta de una historia se asemeja más a una conversación entre cuates sobre la última peli que vieron que a la presentación formal de un guion.
Para destacar necesitas una Carpeta de Producción, o como la llaman los gringos, un Package. Esta carpeta es prácticamente un trailer encapsulado en un folleto, diseñado para capturar la atención de artistas, socios, inversionistas y actores antes de que lean el guion.
Una buena carpeta debe tener un título que intrigue, una idea clara del género y tono de la historia. Además de un resumen conciso del personaje principal y el desafío que enfrenta, junto con un "pero" que impide que logre su objetivo. Es esencial presentar la historia de manera emocionante y convincente, evitando caer en justificaciones tediosas o explicaciones mamonas.
La carpeta de producción es como la maqueta de un edificio: una representación visual y atractiva de lo que podría ser, diseñada para atraer interés y financiamiento antes mostrar un aburrido plano.
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Jehú Sánchez Navarro
Mexicano, nacido en Coyoacán, el mejor lugar del mundo. Cineasta sin dinero, pero con mucha capacidad, creo que las limitantes son la mejor manera de detonar la creatividad. Tardé cinco años en terminar la prepa, estudié cine, luego comunicación pero vivo del diseño grafico. En mi cine trato de mezclar estas cosas: la solución de problemas de un diseñador, la vagancia de la ciudad, comunicar a través de imágenes y la pretensión artística del mundo fílmico.
He trabajado como docente dando clases de animación, diseño de personajes, creatividad. También he trabajado en distintas agencias de diseño y marketing, desde edición multimedia hasta diseño para campañas.
Arte 7 - Carrera de cine (2010 - 2012)
UVM - Ciencias de la comunicación (2012 - 2016)
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