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#victorin era
catty-kitkat · 1 year
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An illustration of my OC’s Finnegan and Margaret O’Neill, they are the parents of Ciarán. I wanted to make a drawing that looked like it could be an old family photo of them. Ciarán has his mother’s colors and his father’s nose and hair texture. I loosely based Finnegan’s hair, eye, and skin tone off myself, as an Irish person.  
Finnegan and Margaret were farmers working on a farm that Finnegan’s family had owned for decades dubbed the O’Neill’s Golden Orchard. Unfortunately, since The Great Famine hit Ireland the couple’s farm was destroyed and they were harassed by the members of their community. Soon after the O’Neill family immigrated to England. Once they moved Finnegan begin working at a coal mine, with Margaret joining him after Ciarán was old enough to be left home alone. Unfortunately, this job would also lead to their sudden passing. Despite their turbulent lives both Finnegan and Margaret always tried to remind positive for their son.
I used a texture by Pikisuperstar on Freepik as an overlay on the B&W ver.
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inbloodwerise · 3 years
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THEY MEET!!! :''D
FINALLY.
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darkclassicademia · 3 years
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While I thought that I was learning how to live, I have been learning how to die - Leonardo da Vinci
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odenadominulosti · 4 years
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aulel-process · 3 years
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“She was unlike any naked lady who'd ever gone before. She wasn't Eve in the Garden or Venus on a foamy bed of waves. She wasn't a goddess or an angel or a shy bather caught off guard. She was a contemporary woman -- unabashed, unclad, unmistakably unallegorical. Her name was Victorine Meurent, but Édouard Manet called her Olympia. And she changed everything.
On first inspection, one might wonder what all the fuss was about. Manet considered himself a painter of still life, and perhaps that's why Olympia has such a quiet mystery about her. She lounges serenely, starkly unclad but strategically adorned -- a black ribbon around her throat, a single slipper on her left foot (the right one has dropped carelessly off), a voluptuous pink flower at her ear. Her hand is firmly clamped over her sex. The outer corners of her mouth are raised just a fraction, a moment away from a smile or a sneer. Her eyes are drowsily heavy-lidded but her posture is unmistakably alert. Compare her to any overheated, dishabille nymph of the baroque or rococo eras and she seems positively demure.
But there's something different about this female. For one thing, she's pointedly not doing anything. She ignores the bouquet that her black maid offers, and the kitten, tail at a highly suggestive full attention, that peers from the foot of her bed. She isn't bathing or dreaming or dressing. As we take her in, we realize that she's a woman naked and in bed for exactly the first reason a woman might be naked in a bed. She's there for sex, and she regards the viewer with a look that's part invitation, part dare. She's a mistress, or more likely a prostitute, but she sure as hell isn't a sprite named Springtime.
Manet was perhaps the world's first shock artist. Every modern provocateur who slices up a cow or assembles a Lego death camp owes him a debt of hype-making gratitude, but his influence exceeds his infamy. Well-bred, elegant and gentlemanly, Manet was as horrified by the response to "Olympia" as his critics were by the work itself.
He was a painter trained in the staid academic tradition but too exuberant to be constrained by it. Inspired by the audacious realism of Gustave Courbet and the otherworldly darkness of Spanish masters like Velázquez and Goya, the young Manet was inevitably drawn to less conventional themes than the gentle, drawing-room-ready tableaux of the Salon artists. But just because his style didn't run toward chubby cherubs didn't mean that Manet fancied himself an outsider. He maintained that he simply painted what he saw, and he showed his work because he sought acceptance. What he got was more vitriol, more fame and more lasting power than he'd ever dreamed.
When "Olympia" was exhibited at the Paris Salon of 1865, it ignited a scandal over art and decency that has rarely been paralleled. Think Rudy Giuliani invented outrage? Critics eviscerated the work, and the crowds almost did the same. Antonin Proust later recalled that "If the canvas of the Olympia was not destroyed, it is only because of the precautions that were taken by the administration."
Victorianism wasn't strictly for the British, and no serious artist dared to paint a woman of such obvious ill repute without at least draping her in the exotic garb of harem girl. Yet here was a courtesan glorified in an homage to Titian's "Venus of Urbino" that was so obvious spectators called it parody. But it wasn't -- Manet didn't merely expose the prostitute to the eyes of the world, he had the audacity to worship her. It was blasphemy. How unfortunate for Manet's detractors that it was also exquisite.
It starts with the woman herself, and the fascinating face of Victorine Meurent. Meurent was Manet's longtime model, muse and companion, the subject of numerous canvases. Over the course of more than a decade, Manet invented her again and again as a boyish bullfighter, a street musician, a gracious lady in pink robes. In 1863, the same year he wed his wife Suzanne, Manet did two nudes of Victorine. The first, "Le Déjeuner sur l'herbe," he exhibited at the Salon des refusés after being rejected by the official Salon.
But the sight of Meurent's naked presence at an otherwise buttoned-up picnic party proved too alternative even for the alternative crowd, and the work was thumped as "bizarre" and "risqué." Perhaps chilled by the reaction to "Le Déjeuner," Manet waited two years to show the other nude. But "Olympia," to whom not even an innocent skinny-dipping motivation might be ascribed, caused an even greater furor. In no other canvas did the collaboration between Manet and Meurent unleash such fervent response, and in none were they as hauntingly dazzling.
What upset everybody so much? It may be that she seems so unaffected herself. She stares placidly at the viewer, putting us in the uneasy role of client to an alluring, if bored-looking, whore. Manet inhabited a world in which it was generally assumed that a woman existed to nurture, comfort, inspire or arouse, all in relation to her place in society and family. But Olympia, for all her blatant accessibility, is tantalizingly self-sufficient. There's nothing supplicating or humble about her. To the wealthy collectors of art and women, who regarded both as possessions, Olympia stripped them of their illusions. Her body is ripe for the taking, but everything else, including the meaning behind that enigmatic almost-smile, she's keeping for herself.
For all the great paintings in the history of art, few show a woman whose gaze is so startlingly direct and defiantly unaccommodating. Mona Lisa shyly glances to her left. So does Vermeer's "Girl with a Pearl Earring." Botticelli's Venus looks out dreamily into the middle distance, lost in her own thoughts, while Sargent's Madame X turns her head away completely. And scores of Virgin Marys glance rapturously up at the angels or tenderly down at their babes.
When a woman does face front in a painting, it's likely to be a portrait of a queen, not a canvas of a concubine. Olympia meets us eye to eye. It's an ingenious and unsettling device, a bit of artist's revenge. The image in the frame is the one doing the sizing up, and it is we who are left feeling appraised -- and potentially rejected. The critics, unaccustomed to having the tables so turned on them, were quick to serve up rejections of their own. They hated the subject matter. They hated the flat, primitive style. They hated everything about it.
"What's this yellow-bellied Odalisque, this vile model picked up who knows where, and who represents Olympia?" demanded one writer. "Inconceivable vulgarity," declared another, while yet another proclaimed that "art sunk so low does not even deserve reproach."
Manet was devastated. "The insults rain down on me like hail," he complained to his friend, the poet Baudelaire. Yet while many looked upon Olympia as a symbol of depravity or a slattern, others recognized her as a triumph. The writer Émile Zola called it Manet's "masterpiece," declaring, "It will endure as the characteristic expression of his talent, as the highest mark of his power ... When other artists correct nature by painting Venus they lie. Manet asked himself why he should lie. Why not tell the truth?" But the truth came at a cost.
Though he continued to paint and exhibit for the rest of his life, Manet remained a frequent target of public disdain, forever misunderstood and tainted by the scandals of his youth. He hadn't sought to offend; he simply painted the best way he knew how, in bold strokes and unexpected contrasts. And he wasn't alone -- his innovative techniques and unconventionally ordinary choices of subject matter eventually ignited a new generation of artists. Though he refused to label himself as such, his successors hailed him as the father of impressionism. He was among the vanguard to glorify not the figures of myth, but the radiance of absinthe drinkers, suicides and prostitutes.
In the artist's lifetime Olympia never received her due, but she aged remarkably well. Years after Manet's death, Claude Monet offered the work to the French government, and it's been a Parisian museum fixture ever since. Manet would have been pleased. He knew that to appreciate her, we just needed to look a little longer. "Time itself imperceptibly works on paintings," he said, "and softens the original harshness." The shock she provides now is one not of outrage but of awe.
One need only bask in the heady loveliness of Olympia, the shadows between her fingers, the curve of her belly, the contrasts of light and dark, to understand the depth of Manet's talent. But when we look deeper -- at the complexities and contradictions and beauty and brutality of his work -- his true genius emerges. Art to Manet wasn't a story about gods or saints or kings. It was about real life, as ordinary as commerce, as easy as sex.
To worship a goddess is easy, but to love a human -- especially one who offers no hint of reciprocation -- is far more work, and infinitely more thrilling. Manet brought the hidden world of the everyday into the light and made it remarkable. For all that's reserved about Olympia's demeanor, the passion of her creator is there in every stroke and every line. She may withhold her heart, but we, helpless, are under her spell forever. ( 1 )
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For having the audacity to depict a woman with the agency to deny men access to her body, Manet was vilified during his time. It’s also why he’s one of the greatest artists of all time.
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Also ~mew~ say hallo to my personal mascot. Kitty~
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ℋ𝒶𝒸𝒾𝒶 𝑒𝓁 𝒾𝓂𝓅𝓇𝑒𝓈𝒾𝑜𝓃𝒾𝓈𝓂𝑜
Dos hombres burgueses vestidos tomando un picnic con una mujer completamente desnuda y la otra en paños menores; esta última parece desproporcionada en tamaño, en comparación con las figuras del primer plano. La profundidad, según la academia, era inexistente, la iluminación, terrible.
Todo en este cuadro era un desastre, pero Manet era consiente de esto.
Su respeto hacia la tradición y las normas académicas no podrá encontrarse por ningún lado.
Gracias a su abominación, Manet no fue aceptado en el Salón en 1863, año en el que más de 3,000 obras serían rechazadas. Esto causaría una enorme inconformidad por parte de los artistas parisinos, a lo que Napoleón III respondió creando el Salón de los rechazados (Salón des Refusés).
Cézanne, Whistler y Pisarro son sólo algunos de los nombres de los que conformarían esta exposición. Por su puesto, la infame obra de Manet también estaría allí.
Aunque para la nueva generación de pintores franceses, este cuadro no representaba la decadencia de los valores artísticos, sino el rasguño inicial de lo que luego se convertiría en la completa ruptura del plano pictórico tradicional.
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Édouard Manet ; Almuerzo en la hierba, 1863 Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 208 x 264.5 cm Museo de Orsay, París, Francia ; https://es.wikipedia.org/wiki/Le_D%C3%A9jeuner_sur_l%27Herbe#/media/Archivo:Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg
Nuevamente, Manet causó escándalo en 1865 al presentar este desnudo en el Salón de los rechazados. La protagonista del cuadro tomó inspiración de la modelo —y también pintora— Victorine Meurent (quien de igual manera sirvió como referencia para la pintura anterior).
La discusión que rodea la obra es sobre si el personaje central era o no una prostituta, pues existen varios simbolismos que así lo indican: la orquídea adornando su cabello, que hace referencia al sexo pues a esta flor se le asocia con poderes afrodisiacos; el gato negro a la derecha (que hace alusión a la ambigüedad, lujuria, promiscuidad y erotismo) con su "cola erecta"; Olympia recibiendo, por parte de la criada, un ramo de flores (quizá de un cliente satisfecho); podrá aparecer sin ropa, pero aun conserva una gargantilla, un tacón y un brazalete, agregando énfasis en su desnudez.
No es un desnudo. Aquí Olympia está desnudada.
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Édouard Manet (1832 - 1883) ; Olympia, 1863 Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 90 x 130.5 cm Museo de Orsay, París, Francia ; https://es.wikipedia.org/wiki/Olympia_(Manet)#/media/Archivo:Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_3.jpg
Y es que estas dos obras causaron exaltación y reproche por parte del público, aunque también fueron detonantes para un movimiento que ya se venía modelando.
"[Tras el nacimiento de la fotografía] la pintura se vio forzada a buscar nuevas funciones o exaltar algunas funciones viejas que no fueran las miméticas. De hecho, al perder importancia la figura, la ganó el color. En suma, las artes tradicionales fueron conminadas a hacer visible lo no fotografiable, es decir, se dirigieron hacia el realismo conceptual con el fin de revelar los procesos escondidos de la realidad, incluida la subjetividad humana.
Reiteremos: el plano semántico perdió vigencia, vale decir, perdieron vigencia las relaciones de la obra de arte con la realidad visible y la superficie pictórica ganó independencia [...]. La figura continuó poblando la superficie pictórica, pero con nuevas funciones." (Acha, 1988)
Esta importancia y nuevo enfoque hacia el color culminaría en el impresionismo, movimiento bautizado por Monet en 1872 con el siguiente cuadro:
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Claude Monet (1840 - 1926) ; Impresión, sol naciente, 1872 Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 48 x 63 cm Museo Marmottan-Monet, París, Francia ; https://es.wikipedia.org/wiki/Impresi%C3%B3n,_sol_naciente#/media/Archivo:Monet_-_Impression,_Sunrise.jpg
La exaltación del color es clara, las pinceladas se muestran evidentes y las figuras difusas. Podemos notar la clara inspiración de Monet —y otros pintores impresionistas— en J. M. W. Turner, quien destacó por su estilo avanzado y vaporoso.
"El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo." (Leroy, 1874)
Siguiendo con el recorrido, tenemos a Degas, el pintor de las bailarinas. El artista francés tuvo un acercamiento a la estampa japonesa o Ukiyo-e (浮世絵), género que causó mucho interés durante la década de 1870 entre los primeros pintores impresionistas.
Ukiyo quiere decir literalmente mundo flotante pero hace referencia a una idea de felicidad derivada de la realización de que el mundo es "efímero, fugaz o transitorio".
Misma filosofía que Degas parecía querer reflejar en sus pinturas: la fugacidad y el dinamismo dentro del ballet, como un instante congelado en el tiempo.
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Edgar Degas (1834 - 1917) ; La clase de danza, 1871 - 1874 Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 85 x 75 cm Museo de Orsay, París, Francia ; https://es.wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas#/media/Archivo:Edgar_Degas_-_The_Ballet_Class_-_Google_Art_Project.jpg
Edgar Degas ; Músicos en la orquesta, 1872 Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 69 x 49 cm Museo Städel, Frankfurt, Alemania ; https://es.wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas#/media/Archivo:Edgar_Degas_-_Orchestra_Musicians_-_Google_Art_Project.jpg
E incluso la fugacidad del momento puede ser captada dentro del lienzo sin mostrar figuras concretas, casi rayando en la abstracción.
Proclama así Whistler con tonos oscuros y manchas doradas, quien fue duramente criticado por John Ruskin, el cual —al ser sometido a juicio por parte del artista a causa difamación— preguntó: "¿Y pide usted 200 guineas por el trabajo de dos días...?", para lo que Whistler contestó: "No, las pido por los conocimientos adquiridos durante toda una vida de trabajo".
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James Abbot McNeill Whistler (1834 - 1903) ; Nocturno en negro y dorado - El cohete cayendo, c. 1877 Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 60.3 x 46.6 cm Instituto de Artes de Detroit, Michigan, EE.UU. ; https://en.wikipedia.org/wiki/Nocturne_in_Black_and_Gold_%E2%80%93_The_Falling_Rocket#/media/File:Whistler-Nocturne_in_black_and_gold.jpg
La importancia de esta corriente artística radica en transmitir la esencia del momento, realzando las luces y el color, provocando una impresión.
Referencias:
Colaboradores de Wikipedia. (2021d, septiembre 21). Impresión, sol naciente. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Impresi%C3%B3n,_sol_naciente
Calvo, M. (2017, 16 abril). Almuerzo en la hierba - Edouard Manet. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/almuerzo-en-la-hierba
Calvo, M. (2016, 7 marzo). Olympia - Edouard Manet. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/olympia-de-manet
Bolaño, E. (2018, 16 agosto). La clase de danza - Edgar Degas. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/la-clase-de-danza
Lampkin, F. (2017, 5 junio). Nocturno en negro y dorado: Cohete cayendo - James Whistler. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/nocturno-en-negro-y-dorado
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A Tragedy's Bones excerpt
I'm bored again, apparently.
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A/N: sorry if there happen to be any historical inaccuracies (this is set sometime in the Victorian era); I haven't really done any research yet (I will get to it soon ofc).
Warnings: animal death, body horror, death mention, minimal violence, unhealthy sibling dynamic, general The POV Character Is An Arrogant Bitch™
General taglist: @talesofsorrowandofruin @baguettethebooklover @alexwritesfiction @regan-wickworre @theidioticbadass @cool-but-confused @kishons @wildswrites
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T r u t h C r o w n
If the truth was a skeleton she had only seen the carcass. But oh she would wait, she would wait until it fell away, taken by the ants, covered with Spring's fresh moss, rained upon and shined upon. And she would watch the whole time, then create a crown of bones, to wear, to intimidate, to reveal; and they would all fear her! And she would know – that was the most important part – too little or too much perhaps, but she would know so proudly that no one would dare doubt her.
"Hes!"
She was suddenly wrenched back, to the creaky chair and the mouldy cottage, to her brother shaking her shoulders.
Hes? He hadn't called her that in so long. Her mind wandered back to the meadow as it had been two years before, when they'd sat making flower wreaths from harebells and columbines and read together, with Liza indulging in her studies nearby, smiling; back to the meadow when it meant care.
"Hes, listen to me!" She looked into Phel's face, and didn't expect his expression to be gentle and concerned. "Hes..."
He touched her brow, biting his lip, and she tried to recoil but was stopped by immense exhaustion she did not know she felt.
Phel tsked. "You've got a temperature; no wonder you drowsed off." Hes looked away, and he sighed. "Go rest. I'll tell Mother to make you some tea."
He stroked her cheek, then walked to the door.
"Wait!", snapped Hes, as fiercely as she could with a headache and a sore throat. "I know Liza was murdered, and I know you know too! And... and that Tarquin Smith – he has something to do with it, doesn't he?" He had started caring about her again, hadn't he? So he would want to help her.
Or would he?
Phel's face became bone-white. He breathed heavily and fiddled with the doorknob until he gripped it, stretched knucklebone muscles pulling his skin yellow.
"How— how do you know?", he gasped.
Because people mistake arsenic poisoning for yellow fever. Because Liza was acting strangely for weeks before she died but we paid no mind. Because Smith asked about her death when you first met him – that's what you said in you diary, and there are parts of it written in code and I could decipher "Tarquin" and "Liza" but you burned it because you had deciphered me. Because you don't want them to know about Liza's murder and because you started to hate me after she passed away because you thought I would find out too.
Victorine gasped: he had stood before her, digging nails into her uper arms. "Victorine, how do you know?", he hissed as she vainly struggled. "Tell me."
"I will not!", she growled. "And you're hurting me!" Victorine couldn't help but cry, and he stared at her for only a moment, wide-eyed, and pulled her into his embrace.
"Sorry, I— I didn't mean to hurt you", he whispered. "I'm so sorry."
She did not forgive him, but she clung to him all the same.
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“Le Déjeuner sur l'Herbe” (Édouard Manet) 1868
Museo de Orsay
Óleo sobre lienzo
Dimensiones 208cm X 265,5cm
Es uno de los cuadros más escandalosos y al mismo tiempo apreciados. En esta obra se plasmó la lucha por la liberación del arte.
Manet buscaba violentar al público; en la obra aparecen dos hombres en un día de campo con una mujer que se encuentra completamente desnuda y que mira directamente al espectador, al fondo el podemos ver a una mujer medió vestida en el río. La mujer pelirroja era Victorine Meurent, la modelo favorita de Manet, que también fue pintora. Los dos personajes masculinos son el escultor Rodolphe Leenhoff y el hermano de Manet, Gustave.
https://es.m.wikipedia.org/wiki/Le_Déjeuner_sur_l%27Herbe
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Leila Victorin remembers when she was very young finding a song book that her mother had illustrated. She was mesmerized and began copying pictures she saw in that book.
“I was also homeschooled and my mom took a very creative approach to that process,” said Victorin, now 29. “Between her and the other homeschooled kids in the area, we took advantage of our boredom and did everything from painting to making stamps to earthworks, even if we didn’t really know what we were doing.”
Born in Loma Linda and raised in upstate New York, Victorin received a Bachelor of Fine Arts with an emphasis in visual art as well as a Bachelor of Arts in French from Andrews University in Michigan. She went on to receive a Master of Science in speech language pathology at the same university.
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Riverside’s Leila Victorin at work on her piece “Jill Scott on Green Plaid.” (Courtesy of Leila Victorin)
In 2018, Victorin moved to Riverside after getting a job as a speech pathologist.
“I had some family here and needed the sun after living in Michigan for eight years,” she said.
Victorin continues her full-time work as a pediatric speech pathologist, however she has also followed her path as a visual artist.
“I primarily paint portraits of Black folks,” she said. “My portrait styles fluctuate between strong gestural, painterly figures and portraits made using cleaner bold-colored shapes and unconventional skin tones mimicking both classical and pop art styles.”
The first mural she completed after arriving in California was her interpretation of Nicey, the first Black resident of Riverside, brought here by Eliza Tibbets.
“There are no known pictures of her, but I painted my own version of her with a unicorn, balloons and candy in her hat,” she said. “I think oftentimes Black children don’t get to see themselves in a fantasy world and so I wanted to present her in a way that was likely different than her actual reality.”
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Leila Victorin’s “Phylicia Rashad on Tufted Green Beret.” (Courtesy of Leila Victorin)
Most recently Victorin collaborated with other artists in creating the John Lewis memorial mural in downtown Riverside.
“It is meant to highlight the life of Representative John Lewis and the civil rights era,” she said. “That was really a cool collaboration where we all had a chance to put our own voice and perspective in the piece. It felt like it was something much bigger than me that I got to be a part of.”
Victorin looks back fondly upon past accomplishments, as well, including an art camp for young girls she and another artist developed while in graduate school. The camp taught participants how to make work in the style of notable female artists.
“It was just so cool to see these 8- to 10-year-olds innovate and put on an art show for their families,” she said.
Victorin is also proud of a mural that she helped organize for the cafeteria of the Arts and Communication Academy in Benton Harbor, Michigan.
“That was a project where I barely put any paint on the wall but got a chance to see people who wouldn’t describe themselves as artists come together to do something really cool for the community,” she said. “We then watched the kids and community members see all these incredible Black heroes on the walls and feel a sense of empowerment.”
Victorin believes that art has a way of building up morale and pride in a city and living space.
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“I think it’s also important for children, especially in that there’s a lot of creativity that children inherently possess that gradually becomes stifled,” she said. “It’s important for children to both see and be affirmed by art and artists and if that can be done on a large scale, even better.”
Information: www.leilaacreates.com.
Patrick Brien is executive director of the Riverside Arts Council.
-on December 24, 2020 at 12:00AM by Patrick Brien
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catty-kitkat · 3 months
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A fake travel poster I did for Demon of Brambleberry Lane.
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lasasombrosasfl · 3 years
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Rosas criadas en Canadá: los exploradores y los parques
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Las rosas Explorer fueron desarrolladas por las estaciones de investigación de Agriculture Canada en Ottawa, Ontario y L'Assomption, Quebec. Por desgracia, el programa de cría ha llegado a su fin, pero afortunadamente lanzaron una serie de rosas excelentes durante la vida del programa. Las rosas Explorer varían en tamaño desde menos de 3 pies hasta arbustos grandes de más de 6 pies y escaladores de hasta 9 pies. La mayoría de estos híbridos tienen flores semi-dobles y comúnmente están en tonos de rosa o rojo. Algunos, especialmente los que utilizan Rosa rugosa en su cría, ramos de rosas son muy fragantes. Sin embargo, otros no tienen fragancia. La mayoría son florecientes repetidos y exhiben buena resistencia a las enfermedades.
Entre los híbridos de menor crecimiento se encuentran 'Henry Hudson', 'Champlain', 'Frontenac', 'George Vancouver', 'John Franklin', 'Lambert Close', 'Nicolas', 'Royal Albert', 'Charles Albanel' y ' Simon Fraser '. Para aquellos con espacio adecuado, pruebe los más grandes 'Alexander MacKenzie', 'David Thompson', 'De Montarville', 'Jens Munk', 'JPConnell ',' Marie-Victorin 'o' Martin Frobisher '. Entre los exploradores escaladores se encuentran el 'Capitán Samuel Holland', 'Henry Kelsey', 'John Cabot,' John Davis ',' Louise Jolliet ',' William Baffin 'y' William Booth '. Si la fragancia es su deseo, entonces quédese con 'David Thompson', 'Henry Kelsey', 'Jens Munk', 'John Cabot', 'John Davis', 'Louise Jolliet' y 'Martin Frobisher'.
Ejemplos de exploradores de bajo crecimiento incluyen 'Champlain', 'Henry Hudson' y 'Charles Albanel' (última imagen cortesía de Bootandall)
Entre los exploradores de escalada se encuentran 'John Davis', 'William Baffin' (cortesía de Northgrass) y 'Henry Kelsey' (cortesía de Kniphofia)
Para un tamaño grande y un color delicado, pruebe 'Martin Frobisher' (cortesía de Bootandall) o 'JP Connell' (cortesía de Calif_Sue)
Las Parkland Roses se desarrollaron en la Estación de Investigación Morden en Manitoba. Su objetivo era desarrollar rosas que pudieran sobrevivir al frío profundo de las provincias y estados de la pradera donde los tés floribunda, grandiflora e híbridos estándar se cultivan esencialmente como anuales. Las rosas de Parkland son generalmente de menor estatura que las Explorers, están disponibles en una gama más amplia de colores y son quizás un poco más refinadas en lo que respecta a la forma de la flor. Muchos son resistentes a la mancha negra y al mildiú polvoriento. Sin embargo, no hay escaladores dentro de esta serie y ninguno es fuertemente fragante.
Entre los híbridos de menos de 3 pies de altura se encuentran 'Hope for Humanity', 'Morden Amorette', 'Morden Belle', 'Morden Blush', 'Morden Cardinette', 'Morden Fireglow' y 'Winnipeg Parks'. Los productores más altos (pero en su mayoría por debajo de los 4.5 pies) son 'Adelaide Hoodless', 'Cuthbert Grant', 'Morden Centennial', 'Morden Ruby', 'Morden Snowbeauty', 'Morden Sunrise', 'Prairie Dawn,' Prairie Joy y 'Rheinaupark'. Aquellos que exhiben una fragancia ligera son 'Morden Cardinette', 'Morden Fireglow', 'Morden Centennial', 'Morden Snowbeauty', 'Winnipeg Parks' y el más fragante de todos estos híbridos es 'Cuthbert Grant'.
Ejemplos de rosas de Parkland incluyen 'Morden Centennial', 'Morden Fireglow' y 'Morden Sunrise' (fotos cortesía de JoanJ), junto con la foto del titular de 'Winnipeg Parks'
El último grupo de rosas criadas en Canadá que debe mencionarse es la serie de rosas 'Canadian Artist'. Ahora que las estaciones de investigación en Ottawa y L'Assomption están cerradas y la estación Morden ha sido seriamente recortada, se ha dejado a los criadores de rosas independientes en Canadá llevar la antorcha. Un grupo de criadores ha puesto en marcha las rosas Canadian Artist, nombradas en honor a famosos artistas canadienses. Hasta el momento solo se han liberado dos; 'Emily Carr' y 'Felix Leclerc'. Entonces, si eres un aficionado a las rosas en una zona fría, ¿por qué no pruebas las rosas canadienses?
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levysoft · 4 years
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Olympia di Édouard Manet è un celebre dipinto dallo stile rivoluzionario che suscitò un grande dibattito in occasione della sua esposizione al Salon di Parigi del 1865.
Édouard Manet, Olympia, 1863, olio su tela, 130,5×190 cm. Parigi, museo d’Orsay
Descrizione di Olympia di Édouard Manet
Una giovane donna priva di abiti è distesa su un letto rivolta verso il fronte del dipinto. Il suo viso non rivela alcuna emozione e lo sguardo acuto è puntato in avanti. La protagonista indossa solamente alcuni gioielli, orecchini di perla e un bracciale. Intorno al collo poi è annodato un laccetto nero e sottile. Ai piedi porta un paio di zoccolette gialle mentre tra i capelli spunta un’orchidea rossa. Il braccio sinistro è piegato e sostiene il busto, invece la mano destra copre il pube della ragazza.
A destra del dipinto, una donna di colore guarda la protagonista porgendo un mazzo di fiori avvolto in una carta bianca. Accanto a lei poi un gatto nero alza la coda e guarda con sospetto in avanti.
Il materasso è coperto da lenzuolo bianco sgualcito mentre grandi cuscini sostengono il busto della giovane. Sotto di lei inoltre spunta un telo giallo decorato con motivi a fiori. L’ambiente è minimamente descritto e molto sobrio. A sinistra, si individuano un paravento marrone e una tenda verde scostata in alto.
Interpretazioni e simbologia di Olympia di Édouard Manet
Manet nel dipinto Olympia propose una nuova interpretazione del nudo femminile, un genere appartenente alla tradizione della pittura occidentale. L’artista infatti ricorse ad una rappresentazione diretta e priva di compromessi con la morale borghese dell’epoca. La prostituta è quindi rappresentata in modo prosaico senza veli, anche fisicamente, e con un linguaggio crudo. Al posto del nudo idealizzato, Manet propose una immagine fredda e realista di una giovane cortigiana. La sua figura infine non è rivisitata con filtri mitologici, allegorici o simbolici ma rappresenta solo una prostituta nuda. Anzi, la posa che la tradizione classica assegna a Venere viene qui destinata alla rappresentazione del meretricio.
Olympia infatti era un soprannome molto comune riservato alle cortigiane nell’Ottocento. Il gatto nero poi era un simbolo erotico legato alla sessualità femminile. Inoltre la serva che porge un mazzo di fiori espone l’offerta di un cliente.
Alcuni dettagli chiariscono inoltre il contesto del dipinto. Le lenzuola sono sgualcite e indicano che la ragazza passa molto tempo adagiata. L’orchidea rossa fra i capelli è un segno di sensualità. Anche i gioielli indossati senza troppa raffinatezza segnalano la vita pubblica della giovane.
I riferimenti alla tradizione
Manet fece riferimenti diretti però a opere del passato quali  la Venere di Urbino di Tiziano, la Maja desnuda di Goya e Vélasquez. Inoltre riprese i personaggi dell’odalisca e della schiava nera da autori come Ingres. Nel territorio veneto poi tale iconografia era tipica della tradizione del Cinquecento.
La Venere dipinta da Tiziano dallo sguardo ammaliante, simbolo di femminilità e fedeltà domestica, diventa nell’opera di Manet una prostituta che guarda sfrontatamente verso l’osservatore. Tale immagine ricordava anche le prime fotografie di giovani donne che lavoravano nelle case di tolleranza dell’epoca.
Il dipinto quindi offrì molti aspetti provocatori nei confronti di coloro che sostenevano la tradizione accademica e la morale borghese. Intanto le forme prive di modellato e circondate dai toni neri sono esplicitamente esposte. Poi la giovane donna offre uno sguardo deciso e diretto, privo di pudore per la sua nudità cosi esposta. Nonostante questo Manet non era interessato a provocare i tradizionalisti, quanto a rappresentare il vero senza filtri morali.
I committenti, le collezioni, la storia espositiva e la collocazione
Manet espose l’Olympia in occasione del Salon di Parigi del 1865.
Claude Monet, il maestro impressionista, nel 1890, organizzò una sottoscrizione pubblica per offrire il dipinto allo Stato francese. L’opera dal 1890 al 1907 si trovò così al Musée du Luxembourg di Parigi. Nel 1907 l’amministrazione dei musei lo attribuì poi al Museo del Louvre di Parigi dove rimase dal 1907 al 1947. Dal 1947 al 1986 fu sempre di proprietà del Museo del Louvre ma esposto alla Galleria Jeu de Paume. Infine nel 1986 il comune di Parigi lo destinò al Musée d’Orsay.
L’artista e la società. La storia dell’opera Olympia di Édouard Manet
Manet progettò con attenzione l’opera e l’idea di realizzare un nudo di tale impatto era già nelle sue intenzioni durante il viaggio in Italia dal settembre del 1853. In tale occasione infatti realizzò un disegno della Venere di Urbino di Tiziano. L’artista disegnò anche una copia del dipinto di Goya, la Maja, conosciuto grazie a stampe calcografiche. Di questa attenta preparazione rimangono molti disegni e vari bozzetti.
Victorine Meurent nel 1863 posò per offrire la sua immagine alla figura di Olympia. La giovane era infatti la modella preferita di Manet negli anni Sessanta dell’Ottocento.
La giuria del Salon parigino del 1865 accettò l’opera temendo l’organizzazione di un nuovo “Salon des refusés”, come era avvenuto già nel 1863. Il soggetto rappresentato nel dipinto suscitò però diverse critiche. Lo stile diretto e privo del filtro neoclassico o mitologico determinò infatti la condanna dell’opera. Anche il pittore realista Gustave Courbet non apprezzò le novità del dipinto. I detrattori criticarono la scelta di rappresentare un corpo nudo femminile con un realismo che giudicarono offensivo. Infatti la posa, le forme non idealizzate e i colori suscitarono la loro indignazione. Sull’onda emotiva alcuni visitatori della mostra cercarono di distruggerla e gli organizzatori del Salon misero due poliziotti a protezione del dipinto.
Alcuni intellettuali però si schierano in difesa dell’opera come Charles Baudelaire. Lo scrittore Èmile Zola considerò l’immagine una convincente rappresentazione della realtà vicina anche alle descrizione di alcuni suoi personaggi come quello di Nana.
Lo stile di Olympia di Édouard Manet
Manet dipinse l’Olympia con lo stesso stile di rottura che utilizzò anche ne La colazione sull’erba. Le figure non sono modellate con le mezze tinte del chiaroscuro. Inoltre le campiture che costruiscono le forme non sono sfumate ma piatte. Infatti Manet per ritagliare le figure e i dettagli dello spazio ricorse a contrasti di luminosità, di temperatura cromatica e tra colori complementari.
La tecnica
Olympia di Edgar Manet è un olio ad impasto su tela di 130,5 x 190 cm.
Il colore e l’illuminazione
Il dipinto di Manet, coloristicamente, è risolto grazie a diversi contrasti. Infatti le figure in primo piano si staccano dallo sfondo scurissimo perché sono molto chiare. Inoltre la veste della domestica è rosa, dipinta contro lo sfondo verdastro e freddo. Il panneggio del lenzuolo è reso con toni azzurrini che contrastano per complementarietà con il marrone arancio del pavimento e del paravento.
La scena è illuminata da una luce diretta e cruda che proviene dal fronte del quadro. Virtualmente giunge così dallo spazio nel quale si trova l’osservatore. È quindi una illuminazione che svela senza alcuna discrezione il corpo della giovane. Infatti la luce non crea alcuna atmosfera ma sembra illuminare un set espositivo che valorizza un prodotto piuttosto che svelare un corpo femminile.
Lo spazio
La scena ritrae un ambiente chiuso che si intravede sullo sfondo scuro. Come ne la Colazione sull’erba, la prospettiva geometrica è azzerata e i dettagli ambientali suggeriscono la presenza di una stanza annullando la profondità.
La composizione e l’inquadratura
Il dipinto è di forma rettangolare e formato orizzontale. L’inquadratura poi è piuttosto semplice e permette la rappresentazione del letto di profilo che traversa l’intera superficie in larghezza.
La struttura compositiva infine è ordinata su semplici linee ortogonali che creano una griglia sulla quale si inserisce il busto leggermente obliquo della protagonista.
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jocetip-blog · 4 years
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entheosedizioni · 4 years
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Quel geniaccio di Balzac
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Non ho nessuna intenzione di scrivere la solita recensione, ossia di conformarmi ai canoni di chi riassume brevemente la trama del libro appena letto, ne analizza il contenuto, pretende di psicanalizzare i personaggi principali e si arroga il diritto di forgiare delle "chiavi di lettura" con le quali apre al lettore le porte del romanzo, finendo per influenzarne il giudizio, l'interpretazione e la ricezione dell'opera. Voi fidatevi di chi, come me, ne ha lette tante e limitatevi a leggere le recensioni sempre e solo dopo aver completato la lettura del testo. Sarà così più proficuo confrontare il vostro neonato punto di vista sull'opera con quello di chi l'ha recensita. Nascerà un dialogo ideale tra lettore e recensore e beneficerete del processo maieutico così come vi ha insegnato il buon vecchio Socrate. Un altro valido motivo per il quale non è conveniente leggere le recensioni prima di affrontare il testo originale è che esse contengono inevitabilmente delle anticipazioni sull'opera, o se preferite, contengono spoiler, visto che vi piace tanto anglicizzare una lingua – la nostra – che avrebbe invece molto da dare e poco da assorbire. “La cugina Bette” Che state aspettando dunque? Andate a comprarvi "La cugina Bette" di Honoré De Bazac e vi garantisco che non ve ne pentirete. Adesso però la recensione ve la faccio a modo mio, cioè raccontandovi la mia esperienza di lettura. In una domenica afosa venni letteralmente trascinato in una gita fuori porta con la quale ci si prefiggeva di sconfiggere un mostro abominevole: la noia. Secondo i miei calcoli, per poter parcheggiare un'automobile di medie dimensioni è necessario reperire uno spazio libero di circa 14 metri cubi con la condizione imprescindibile che esso sia formato da una base quadrangolare di lunghezza pari ad almeno 4,80 metri. Non è un'impresa da poco ottenere tutto questo, in piena estate, in una cittadina lacustre bendisposta ad offrire ristoro e refrigerio per i turisti accaldati. Però ci riuscimmo in un tempo ragionevole. Solo che, appena scesi dalla macchina, i miei compagni di viaggio furono immediatamente attirati da un mercatino della domenica e dunque si dispersero subito in mezzo a bancarelle adorne di futilità, oggettistica improbabile e abbigliamento improponibile. Che potevo fare io? Vagavo disperato e disinteressato finché non mi imbattei nella bancarella dei libri usati. Ora, io ho letto diverse opere di Balzac, quelle più conosciute e apprezzate, ma nessuno mi aveva mai suggerito "La cugina Bette", dunque quando mi trovai in mano quella vecchia copia in edizione economica non ero particolarmente entusiasta dell'acquisto. Pensavo si trattasse di un'opera minore, un romanzo giovanile e magari non tanto riuscito, un pò come succede oggi quando si acquista il CD di un grande artista contemporaneo, nel quale sono contenute tre o quattro tracce apprezzabili e una serie di deludenti canzonette riempitive: miserie della mediocrità dei nostri tempi. Nemmeno la copertina mi veniva in soccorso per attenuare la mia diffidenza e scardinare i miei pregiudizi poiché era tutta scolorita ed era illustrata da un dipinto di Joseph Tissot (chi sarà mai costui, mi chiedevo, non avendo mai sentito parlare di questo pittore col nome da orologiaio!) nel quale era raffigurata una donna adulta seduta in camera che mi rivolgeva uno sguardo malinconico e abbastanza deprimente. Se a tutto questo aggiungiamo un sottile strato di polvere, un odore di carta stantia, un titolo non certo allettante e un prezzo bassissimo, possiamo forse giusificare il fatto che io stessi quasi per rinunciare all'acquisto. Del resto, leggere significa investire il proprio tempo e io voglio sempre farlo nel modo più proficuo. È possibile oggi comprare un autentico capolavoro per soli due euro? È possibile nutrirsi l'anima per un'intera settimana leggendo ciò che costa meno di quello che serve a nutrire il corpo per un solo pasto? Sì, è possibile, vi dico io, ma per farlo vi serve un classico.
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Portrait of Mademoiselle LL James Jacques Joseph Tissot 1864 – olio su tela Musèe d’Orsay Mi sedetti in riva al lago e iniziai subito a leggere, quasi svogliatamente, tanto per ingannare il tempo nell'attesa che il resto della mia comitiva tornasse a reclamare la mia compagnia. E quando ciò avvenne ne fui quasi infastidito, talmente piacevole mi era risultata la lettura dei primi capitoli che aprono la storia presentandoci una situazione scabrosa e appassionante. Non volevo staccarmene e lo feci con ritrosia anche nei giorni seguenti, ogni volta che i miei impegni mi impedivano di restare in compagnia di Balzac. La trama La lettura de "La cugina Bette" fu fin da subito una sorpresa perché l'autore mi catturò immediatamente seducendo il mio interesse con una scena tanto inattesa quanto audace per un libro scritto più di 150 anni fa: un tentativo fallimentare di comprare l'inalienabile bene dell'amore. L'ex profumiere Crevel, diventato in seguito un danaroso speculatore, cerca di convincere Adeline, baronessa decaduta (per il momento solo finanziariamente parlando), cugina della protagonista, a concedersi a lui in cambio di una cospicua somma. Questo intento di porre in essere una inhonesta mercimonia deriva in parte da una sincera passione nutrita per l'ancora bellissima cinquantenne baronessa e in parte da un desiderio di vendetta da parte di Crevel nei confronti del suo amico e rivale di libertinaggio: il barone Hector Hulot d'Ervy, marito di Adeline. Quest'ultimo è colpevole di aver sottratto a Crevel la sua giovane amante Josepha, cantante molto in voga e donna particolarmente avvenente. Inutile dire che tale ratto sentimentale si è compiuto per mezzo di lusinghe in denaro e di regalie spropositate; piuttosto è importante spiegare che tali spese sono state compiute da Hulot per mezzo di cambiali, prestiti a usura e sotterfugi vari. Crevel sa che l'amico barone è quasi sul lastrico, che trascura la famiglia e gli interessi dei suoi due figli: Victorin, il primogenito, è sposato con Celestine, figlia unica proprio del malaccorto Crevel, mentre Hortense, la secondogenita, necessiterebbe di una dote per maritarsi. Però tutti i soldi di Hulot vanno a finire tra le grinfie delle cortigiane e dissanguano la famiglia. Proprio la consapevolezza di questa situazione rende Crevel talmente spavaldo da giocare a carte scoperte e da parlare apertamente alla baronessa Adeline, che tuttavia rifiuta scandalizzata le proposte indecenti del consuocero. È questo un romanzo nel quale amore e denaro viaggiano di pari passo, si incontrano, si scontrano, si sposano, si lasciano, si ricattano l'un l'altro e non trovano mai pace. Proprio come i personaggi che vi sono rappresentati: tutti soffrono o soffriranno, tutti sono affetti da una smania insaziabile che li fa cadere vittime dei loro vizi o delle loro virtù, delle loro ossessioni e delle loro ambizioni. Vizi e virtù rendono i personaggi schiavi e ostinati, terribilmente ostinati. Si affannano a perseguire il loro fine, sia esso moralmente disdicevole oppure encomiabile, sino al punto dell'autodistruzione. È ovvio che si tratta di caricature: Balzac esaspera i caratteri e i temperamenti dei protagonisti per raccontarci il vizio, per aprirci gli occhi sulle conseguenze sociali della liberalizzazione dei costumi che caratterizzava i suoi tempi (il romanzo uscì nel 1846). Ciò non vuol dire che l'autore sia un moralista o un retrogrado, quanto piuttosto un nostalgico. Egli rimpiange i tempi dell'ancien régime, ma non lo fa con il proposito di sollecitare una restaurazione, bensì con l'atteggiamento malinconico di chi ricorda i tempi andati mentre fotografa con occhio analitico la nuova società, più evoluta e più libera, della quale egli stesso fa parte, dal momento che nella sua vita privata non mancò mai né gaudenza né libertinaggio. Qualcuno potrebbe chiedersi dunque che senso abbia leggere oggi, in un contesto sociale molto più evoluto e progressista di quello che è oggetto della narrazione, tale romanzo. La risposta sta nella perizia con la quale Balzac manovra il suo scandaglio nell'animo umano e ci dà notizia di quelli che sono turbamenti, contraddizioni, debolezze, meschinerie e infamie messe in atto allora come oggi. È inolte interessante riflettere su quanto sia vischioso il processo di evoluzione degli usi e dei costumi e su quanto siano ripetitive e prevedibili le rimostranze dei cosiddetti conservatori. E poi ci sono le magistrali doti narrative di chi come lui è capace di tenerti incollato per ore a seguire la trama del suo racconto, riuscendo di volta in volta a sorprenderti con colpi di scena e risvolti inattesi. Anche se il romanzo è suddiviso in capitoli di lunghezza ridotta, la narrazione dà sempre l'impressione di non voler concedere pause al lettore e di procedere formando un unico blocco, dal quale risulta davvero spiacevole separarsi. Leggere questo libro mi ha fatto sorgere numerosi interrogativi e mi ha regalato tanti spunti di riflessione. È possibile che degli uomini maturi, scaltri, smaliziati, tanto adusi alla doppiezza inveterata del mondo degli affari, tanto tenaci nella contrattazione economica, tanto arditi e spregiudicati nell'arena finanziaria e sfrontatamente egoisti nel loro contesto familiare, vengano puntualmente beffati dalle moine di una bella donna? È possibile che degli uomini che hanno dato incontrovertibili prove di coraggio in battaglia, che hanno sfidato la morte, che hanno piegato il destino ai loro piedi, non siano poi capaci di negare un capriccio irragionevole al cuore volubile di una giovinetta dissennata? È possibile che siffatti uomini mettano a rischio, per il subitaneo impeto della passione, tutto ciò che la vita gli ha donato, patrimonio, rendite, carriera, onore, famiglia, reputazione e perfino la libertà personale, il tutto per non saper rinunciare alle grazie ammaliatrici di un'avida arrivista in gonnella? È possibile, ci dice Balzac. "Gli inganni dell'amore venale sono più seducenti della realtà. L'amore vero comporta dei battibecchi in cui ci si può ferire al cuore; ma il litigio fatto per finta è, al contario, una carezza fatta all'amor proprio dell'ingenuo."
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E invero le cronache ufficiali e ufficiose del tempo danno numerose testimonianze di uomini del bel mondo completamente rovinati dal perseguire i loro istinti lubrici. "Libertini" li chiama l'autore e il libertinaggio viene trattato alla pari di uno dei tanti inguaribili vizi nei quali l'uomo degenera. Del resto, lo stesso Balzac non era uno stinco di santo. Spesso, durante la lettura, mi sono soffermato a guardare la riproduzione in bianco e nero di un disegno di Cassal, riproposta tra le prime pagine del libro, e raffigurante l'autore in una mise elegante. I grandi occhi da malinconico di Balzac avevano un guizzo di dissolutezza, il tipico riflesso sornione del viveur, e non ho potuto fare a meno di pensare che egli abbia certamente avuto un'esperienza diretta, almeno parziale, di quegli stessi vizi che racconta così bene. La narrazione delle scellerate vicende dei libertini non è una novità in Balzac, avendone egli già dato mirabile prova nel suo romanzo "Splendori e miserie delle cortigiane", a sua volta prosieguo de "Le illusioni perdute" e certamente più famoso e blasonato de "La cugina Bette". In quest'ultimo però, le consuete tematiche del vizio, della lussuria, dell'arrivismo e dell'avidità vanno a costituire un sostrato narrativo al di sotto del quale viene a presentarsi il rancore. L'odio striscia furtivamente nel romanzo per tutta la durata della narrazione (che si esplica in 5 anni) e tale dannoso sentimento nasce, cresce e viene covato nel cuore della protagonista. Esso è tanto forte e radicato in lei, poiché atavico, ancestrale, dunque inestricabile e tale da aggirare il tipico problema del parossismo: non si manifesta in eccessi di rabbia, in irragionevoli scoppi d'ira, bensì in freddo e calcolato desiderio di rivalsa. "I godimenti dell'odio soddisfatto sono per il cuore i più forti e i più ardenti. L'amore è in un certo qual modo l'oro, e l'odio è il ferro di quella miniera di sentimenti che si trova dentro di noi poiché si odia sempre di più, come si ama ogni giorno di più, quando si ama. L'amore e l'odio sono sentimenti che si alimentano da sé; ma, dei due, l'odio ha vita più lunga. L'amore ha per confini delle forze limitate, riceve i suoi poteri dalla vita e dalla prodigalità; l'odio somiglia alla morte, all'avarizia, è in qualche modo un'astrazione attiva, al di sopra degli esseri e delle cose." Bette è il diminuitivo con il quale in famiglia chiamano Lisbeth Fischer, che è francese ma ha un nome tedesco poiché proviene dalla Lorena. Non ditemi che le vostre reminiscenze scolastiche non si ridestano immediatamente per darvi notizia di quante volte nel corso dei secoli la Francia e la Germania si sono contese Alsazia e Lorena e di come quei due tormentati territori siano finiti per dar luogo a una ibridazione non solo linguistica, ma anche culturale negli usi e costumi degli abitanti.
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La lorenese di cui Balzac vuole parlarci ha nel 1838 (data in cui ha inizio la narrazione) l'età di 43 anni ed è suo malgrado devota allo zitellaggio. Ha rifiutato ben cinque mariti che nel corso del tempo la sua famiglia aveva cercato di proporle. Ma l'aspetto cruciale del personaggio è l'invidia che la tormenta segretamente sin da quando era bambina. La sua invidia si origina dalla disparità di trattamento che la famiglia ha messo in opera tra lei, nata priva di grazie e per indole sempre caratterizzata da una certa rozzezza, e la cugina Adeline Fischer, di cinque anni più grande di lei, ma dotata di grande bellezza e raffinatezza. Bette è stata sacrificata alla cugina e ha dovuto rinunciare all'istruzione per sgobbare assiduamente come una qualsiasi popolana, dapprima facendo la contadina e successivamente impiegandosi come operaia. Tanti sacrifici furono imposti alla povera Bette quante attenzioni, delicatezze e vezzeggiamenti vennero invece rivolti ad Adeline, la quale aveva il solo merito di esser nata bella. C'è da dire però che l'adulazione sempre manifestatale dai familiari non ha insuperbito il carattere della bella Adeline né l'ha resa sdegnosa o viziosa. Il suo fascino, accompagnato da un carattere dolce e mansueto, le consentì da giovane di sposare colui che sembrava essere un ottimo partito: il summenzionato barone Hulot d'Ervy, allora benestante, aitante e avvenente nonostante avesse molti anni in più della moglie, e impiegato presso il Ministero della Guerra (oggi nessun governo chiamerebbe in questo modo la sua branca dedita all'amministrazione militare, preferendo invece la denominazione di Ministero della Difesa. Ciò non è certo dovuto al fatto che non si facciano più guerre, si fanno lo stesso, ma non  bisogna mostrarsene entusiasti o perlomeno bisogna spacciarle per necessarie). In tal modo Adeline poté abbandonare la provincia e trasferirsi a Parigi, cosa che a quei tempi rappresentava la prima soglia dell'ambizione sociale. Ma Adeline è l'anima candida del romanzo e non nutre nessuna ambizione al di fuori di quella di voler mantenere unita la famiglia e di dare continua prova di devozione al coniuge, seppure egli non la meriti affatto. Adeline è buona ma infelice (per colpa dei tradimenti di Hulot), è virtuosa ma assediata (dalle brame di lussuria e vendetta di Crevel), è affettuosa e onesta ma invidiata (da Bette). Ha deciso di invitare a Parigi la cugina per tenerla il più vicino possibile a sé e Bette è finita per diventare una balia per i suoi figli, una confidente per tutta la famiglia, una dama di compagnia per la cugina, una spalla su cui piangere e per ultimo anche un'agenzia di credito al consumo, visto che tutti le chiedono in prestito i suoi magri risparmi per poter tirare avanti nelle ristrettezze in cui il barone li ha lasciati. Tutti in famiglia vogliono bene a Bette, ma non la trattano come una loro pari poiché la considerano eccentrica, sgraziata e troppo grezza nei modi. Non smettono di canzonarla per il suo vestiario antiquato e strambo, per il suo aspetto dimesso, per la sua poca avvenenza e per la sua condizione di zitella. Nessuno ha idea del malanimo che la cugina cova dentro poiché ella non lo ha mai manifestato ed anzi ha sempre mantenuto un contegno mite e affettuoso con tutti i parenti. Però poi all'improvviso deflagra un ordigno potentissimo: Bette la zitellona confida alla giovane cugina Hortense di avere uno spasimante. Ciò è tanto insolito da far nascere una curiosità morbosa nella giovane, che oltretutto avrebbe una certa fretta di coniugarsi e rendersi indipendente, specie adesso che il suo progettato matrimonio è andato a monte per la perdita di quella che sarebbe dovuta essere la sua dote e che si è liquefatta tra le mani dissolute del padre Hulot. Hortense smania di voler conoscere e vedere colui che starebbe corteggiando la cugina Bette perché le sembra inverosimile che qualcuno si senta sinceramente attratto da quella donna. E in verità non si tratta di un vero corteggiatore, quanto piuttosto di un giovane che ha un debito di riconoscenza verso Bette. Il conte polacco Wenceslas Steinbock, di ben 15 anni più giovane di Bette, vive in una catapecchia al piano di sopra dell'appartamento della protagonista. Egli è un rifugiato politico clandestino che ha lasciato la sua patria dopo aver partecipato a un'insurrezione. Si trova in una miseria tale da ricorrere al suicidio per mezzo del braciere e del monossido di carbonio da esso esalato. Ma Bette lo salva giusto in tempo, si prende cura di lui, vi si affeziona e investe i suoi risparmi per aiutarlo a formarsi professionalmente come scultore e incisore. Il debito i riconoscenza porta Wenceslas a obbedire ciecamente a Bette e a diventarne quasi una vittima: lei gli impone ritmi di lavoro opprimenti né gli lascia spazio per alcuno svago perché cerca al più presto di mettere a frutto il suo talento e di fargli guadagnare del denaro. Bette sviluppa una notevole possessività nei confronti del suo protetto ma tra loro non nascerà mai una vera relazione d'amore prima di tutto perché Bette sconosce il piacere sensuale e rimarrà per sempre avvolta nel suo bozzolo virginale, in secondo luogo perché la differenza d'età tra i due è notevole, e infine perché Bette "rassomigliava a quelle scimmie vestite da donna che i piccoli savoiardi si portano in giro" e in più aveva qualche verruca sulla faccia. Sappiate voi che le verruche sul volto di una donna sono delle vere e proprie mine antiuomo, nel senso che terrebbero lontano qualunque corteggiatore dotato di un minimo senso dell'estetica. Ma, per farla breve, vi dico che un giorno Hortense incontra e conosce il bellissimo Wenceslas e se lo accalappia subito. Finisce per sposarlo e dunque lo sottrae al dominio di Bette. Costei, intimamente e segretamente furiosa per l'affronto subito, cerca perfino di farlo incarcerare ricorrendo a un sotterfugio, ma il suo intento fallirà. Bette inizia dunque a fare il doppio gioco, mantenendo da un lato la sua facciata di cugina devota con la famiglia Hulot, ma alleandosi segretamente con Valery Marneffe, la nuova fiamma del barone Hulot, allo scopo di rovinarli tutti. Hulot perde la testa per la Signora Marneffe, la vera femme fatale della storia, e pur di farne la sua amante finisce per sottrarre in modo fraudolento dei fondi allo Stato. La cosa strana è che la moglie Adeline e i figli gli perdonano sempre le sue sciagurate azioni poichè il barone Hulot è una persona seducente che riesce facilmente ad accattivarsi la benevolenza degli altri. Di certo i viziosi risultano più simpatici dei bigotti: "Il moralista non potrebbe negare che , in genere, le persone bene educate e molto viziose sono assai più amabili delle persone virtuose; avendo delle colpe da farsi perdonare esse sollecitano in anticipo l'ndulgenza, mostrandosi tolleranti verso i difetti dei loro giudici, e passano per essere eccellenti. Benché fra la gente virtuosa vi siano delle persone affascinanti, la virtù si crede già abbastanza bella per se stessa e non si dà da fare per abbellirsi: poi le persone realmente virtuose, poiché bisogna escludere gli ipocriti, hanno quasi tutte dei lievi dubbi sulla propria situazione; si credono ingannate nel grande mercato della vita, e hanno parole un pò agre alla maniera di coloro che si pensano misconosciuti.” Ma perché Hulot si comporta in tal modo? Per quale motivo non rende la moglie oggetto delle sue smodate passioni dal momento che ella è più che bella e desiderabile e invece ne disdegna le attenzioni per andare a ricercare soddisfazione altrove fino al punto della perdizione? Per il semplice motivo che Adeline, come la cugina Bette, non ha alcuna dimestichezza con l'ars amatoria. È una donna di puro sentimento, incapace di veicolare erotismo o di metterlo a frutto. Perfino quando la miseria la porterà a decidere di degradarsi sullo stesso piano della sua acerrima rivale (Valery Marneffe) e a tentare di prostituirsi per ricavare le somme che salverebbero l'intera famiglia dal disonore, il suo abbozzato tentativo di seduzione fallirà miseramente e susciterà solo pietà. Inoltre, tale sua pericolosa risoluzione, sebbene poi non messa in atto, le scombussolerà comunque il sistema nervoso al punto da minarne la salute.
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"Molte donne sposate, attaccate ai loro doveri e ai loro mariti, potranno domandarsi a questo punto perché quegli uomini così forti e così buoni, così facili alla pietà per delle signore Marneffe, non prendono le mogli, soprattutto quando somigliano alla baronessa Adeline Hulot, per oggetto del loro capriccio e delle loro passioni. Ciò ha a che fare coi più profondi misteri della natura umana. L'amore, questa immensa dissolutezza della ragione, questo virile e severo piacere delle grandi anime, e il piacere, questa volgarità messa in vendita sulla piazza, sono due facce differenti dello stesso fenomeno. La donna che soddisfi questi due enormi appetiti, è, in tutto il sesso femminile, tanto rara quanto il grande generale, il grande scrittore, il grande artista, il grande inventore lo sono in una nazione. L'uomo superiore come l'imbecille, un Hulot come un Crevel, sentono ugualmente il bisogno dell'ideale e quello del piacere; tutti vanno alla ricerca di questo misterioso androgino, di questa rarità che, nella maggior parte dei casi, risulta essere un'opera in due volumi! Questa ricerca è una depravazione dovuta alla società. Certo, il matrimonio deve essere accettato come un dovere, è la vita con i suoi tormenti e i suoi duri sacrifici, sostenuti in parte uguale da entrambi. I libertini, questi cercatori di tesori, sono altrettanto colpevoli quanto altri malfattori più severamente puniti di loro. Questa riflessione non è un'aggiunta posticcia di morale: essa ci fa capire molte infelicità incomprese". Balzac allude in tal modo alla contraddizione insita in ciascun uomo che vorrebbe poter riunire nella donna amata ora un angelo ora una puttana, che pretenderebbe di avere a fianco una compagna dolce e affettuosa, tuttavia pronta a trasformarsi in una voluttuosa concubina in camera da letto. Povero Honoré, se le femministe avessero letto questa sua pretenziosa asserzione lo avrebbero sbranato. Fortuna sua che ai suoi tempi il femminismo non era ancora in voga, così come non era ancora stato inventato il moderno e troppo spesso artefatto contegno del "politically correct", altrimenti non avrebbe potuto inserire impunemente nel suo libro tutta una serie di considerazioni azzardate e generalizzanti sulla presunta avidità degli ebrei e sulla loro predisposizione a praticare l'usura, tutta una serie di riflessioni a carattere classista circa la tendenza all'imbroglio e al furto da parte dei proletari: "In tutte le famiglie la piaga del personale di servizio è oggi la più dolorosa di tutte le piaghe finanziarie. Salvo rarissime eccezioni un cuoco e una cuoca sono dei ladri domestici, dei ladri salariati, sfrontati, di cui il governo si è compiacentemente fatto il favoreggiatore, incoraggiando così la tendenza al furto quasi autorizzata fra le cuoche dal vecchio e arguto modo di dire: "fare la cresta sulla spesa". A chi tenta di controllarli, i domestici rispondono con parole insolenti, o con le costose malefatte di una finta sbadataggine. Il male, giunto davvero al colmo potrà scomparire solo grazie a una legge che assoggetti i domestici salariati al libretto dell'operaio. il male cesserebbe allora come per incanto. Se ogni domestico fosse tenuto a esibire il suo libretto, e i padroni avessero l'obbligo di annotarvi le cause del licenziamento, la corruzione troverebbe senza dubbio un potente freno.  Non esistono statistiche sull'enorme numero di operai ventenni che sposano delle cuoche di quaranta e di cinquant'anni arricchitesi mediante il furto. C'è di che fremere al pensiero delle conseguenze di simili unioni dal triplice punto di vista della criminalità, dell'imbastardimento della razza, della vita familiare di queste coppie.") e, ancora, sulla natura selvatica, quasi ferina, degli slavi: “C'é negli slavi un lato puerile, come presso tutti i popoli primitivamente selvaggi, i quali, anziché civilizzarsi, hanno fatto irruzione nelle nazioni civilizzate. Questa razza è dilagata come un'inondazione e ha coperto un'immensa estensione del globo. Essa vi abita lande desolate dove gli spazi sono così vasti, che vi si trova a suo agio; non ci si sta gomito a gomito, come in Europa, e la civiltà è impossibile senza il continuo attrito di idee e interessi. L'Ucraina, la Russia, le pianure del Danubio, il popolo slavo insomma, è un trait d'union fra l'Europa e l'Asia, fra la civiltà e la barbarie. Perciò i polacchi, il gruppo più importante del popolo slavo, hanno nel carattere la puerilità e l'incostanza delle nazioni imberbi. Possiedono il coraggio, l'intelligenza, la forza; ma, privi di tenacia, questo coraggio e questa forza, questa intelligenza mancano di metodo e di direzione, poiché il polacco presenta una mobilità simile a quella del vento che regna su quell'immensa pianura inframezzata da acquitrini: se ha l'impetuosità degli spazzaneve, che dirompono le case e le trascinano via, come quelle terribili valanghe che precipitano dall'alto, egli però va a perdersi nel primo stagno che trova, e si dissolve in acqua. L'uomo prende sempre qualcosa dagli ambienti nei quali vive." Queste ultime parole non sono poi così lontane dalle tesi slavofobe che quasi ottant'anni dopo avrebbero infiammato il Mein Kampf. Le dittature del Novecento sono diventate l'emblema del razzismo e dell'antisemitismo, ma in realtà l'odio sul quale esse fecero leva era già conclamato nel contesto sociale europeo da diverso tempo (il caso Dreyfus esplose in Francia nel 1894) e anche in quei paesi che non furono soggetti al regime dittatoriale. Inoltre queste sono parole che fanno specie poiché provenienti dalla penna di colui che mentre le scriveva intratteneva una focosa relazione con una donna polacca (Madame Hanska). Naturalmente non è mia intenzione fare la morale a Balzac o peggio ancora additarlo come un reazionario illiberale, quanto piuttosto far notare come ogni uomo sia figlio del suo tempo, come cambino i costumi e il pensiero da un'epoca all'altra e come abbia poco senso giudicare e valutare con la mentalità odierna le convinzioni e le idee dei grandi del passato. Tuttavia anche queste considerazioni censurabili fanno parte delle sorprese che il romanzo ci riserva, al pari di alcune battute allusive e lascive, decisamente inconsuete per un'opera ottocentesca, e di un lessico che in determinate situazioni degrada dal livello aulico fino al punto più infimo della bestemmia quando la narrazione viene traslata nei bassifondi di Parigi. Non sprecate il vostro tempo per cercare una chiave di lettura perché non la troverete: la storia narrata è chiara, limpida, lampante e sviscerata in tutti i dettagli. È questa del resto un'opera che si inserisce nel contesto letterario del realismo, cioé ha lo scopo di fotografare la realtà così come essa è, e vi riesce appieno. Avrebbe senso ricercare la morale in un romanzo simile? Eppure quel geniaccio di Balzac lascia comunque trapelare un messaggio tra le sue splendide pagine: il vizio ha una forza corrompente potentissima e quasi inarrestabile. Finisce per travolgere tutto e trova un eccellente alleato nella miseria. Adeline, l'emblema della virtù, perderà la sua battaglia e morirà per il colpo fatale che l'immoralità del marito le infliggerà. Ella è, al pari di tutti gli altri, un personaggio statico, poichè come certamente avretepotuto intuire, i protagonisti del libro sono una manica di pazzi che perseverano ostinatamente nei loro errori: - Adeline rimarrà per sempre devota al marito fedifrago e scialacquatore e io ho perso il conto di quante volte ella sviene nel romanzo per colpa dei dolori che la condotta di lui le infligge. - Hulot rimarrà per sempre un seduttore e un sedotto, fino a rovinarsi completamente, fino a sfiorare la galera e il disonore (solo il fratello e il figlio potranno salvarlo a carissimo prezzo) e ogni suo tentativo di redenzione risulterà parimenti patetico e fallimentare. - Wenceslas rimarrà per sempre una promessa del mondo dell'arte non concretizzata e uno scansafatiche (in lui l'ozio vince perfino sulla lussuria che non riesce a corromperlo del tutto). - Bette rimarrà per sempre zitella e non riuscirà a vedere esaudito appieno il suo desiderio di vendetta nel gettare sul lastrico tutta la famiglia, nonostante si sia spinta fino al punto di fare da mezzana a una cortigiana. - Crevel rimarrà per sempre un povero illuso, credendo di essere il più furbo fra i viziosi edi potersi comprare l'amore con i suoi denari. - La signora Marneffe rimarrà per sempre un’intrigante arrivista ma non riuscirà a portare a termine i suoi propositi di arricchimento perché la sua nemesi arriverà anzitempo: il misterioso veleno di un amante geloso la porterà a morire ancora giovane, ma non prima di essere orribilmente deturpata nella sua bellezza con pustole, piaghe e bubboni. Un pò come sarebbe accaduto alla sua collega Nanà, figlia della penna di Emile Zola. - L'unico personaggio che sperimenterà un cambiamento è Victorin, figlio di Hulot e Adeline, uomo di legge integerrimo, dai principi saldi, che tuttavia finirà per sollecitare le morti del suocero Crevel e della sua promessa sposa Valery Marneffe, ex amante del padre Hulot, per salvare la propria eredità e quella della moglie, perdendo di fatto la sua integrità morale. Il vizio del padre scalfirà di riflesso la probità del figlio.
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Finale Adesso però non posso certo raccontarvi tutta la storia, altrimenti vi toglierei il piacere di scoprirla a poco a poco leggendo il libro, ma posso anticiparvi che il sodalizio Valery Marneffe - Lisbeth Fischer, cementato dall'odio e dall'ambizione, farà penare molto i familiari di Hulot e di Crevel e che entrambi i libertini saranno beffati come gonzi da colei (la Marneffe) che da rispettabile moglie diverrà presto la più abile delle cortigiane per ribellarsi alla sua iniziale condizione di miseria, che Balzac definisce "il più grande dissolvente sociale", attribuendole dunque la causa di molti mali. Adeline morirà e il vizio le sopravviverà poiché il barone vedovo continuerà a perseverare nel male e convolerà a nozze con una semplice cuoca molto più giovane di lui. A proposito, quasi dimenticavo, un colpo al cerchio e uno alla botte: "È un'immensa prova di inferiorità in un uomo non saper fare delle moglie la propria amante." Datevi da fare dunque, ma non dimenticate di leggere perché vi fa bene. Rosso Groviglio  Read the full article
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🔎🧐 for wip ask !!
Thank you!! Yet again, answering for Tragedy's Bones~
🔎 What is something you learned when doing research for your WIP?
People in the Victorian era would often make hair jewelry! They used either their own hair when it was just for fashion or the hair of a loved one who had passed away when it was to be used as a memento. And they look gorgeous af.
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🧐 Write an analysis of one of your characters, from a reader’s perspective.
“Victorine is really really trusting but at the same time not trusting at all, and I think that's pretty interesting. She isn't really strong tho. I mean. It's supposed to be a book about a badass female character, and she's like,, falling in love and being a melodramatic naïve idiot and having abandonment issues, like what's that about 🙄”
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Manet e la sua modella🎨
Manet e la sua modella🎨
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Édouard Manet, morto a Parigi il 30 aprile 1883, è stato il maggiore interprete della pittura pre-impressionista.
Nella sua passione per il nudo femminile si cela anche la sua storia d’amore con la modella Victorine Meurent, la musa dai capelli rossi, che appare nel provocatorio Déjeuner sur l’herbe (1863)
A destare scalpore in questo quadro fu la presenza di quella donna senza veli , che non era…
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