#rock de los noventa

[zerounotvadri]

Reseña de Rat Wars de Health

por Loma Vista Recordings

El disco ya está disponible en esta liga: https://i.hlth.band/ratwars

Rat Wars, el nuevo álbum de Health, banda de rock industrial de Los Ángeles, es el más violento pero vulnerable de su carrera. De alguna manera es apropiado que una colección de canciones tan brutal sea al mismo tiempo su declaración artística más completa.

Los detalles de producción meticulosamente agresivos chocan con confesiones dolorosamente personales y una extraña gracia salvaje se combina con un humor gélido y negro... sorprendentemente, aún con todo eso es increíblemente divertido.

Con Rat Wars, Health se une al linaje de bandas heavy innovadoras como Nine Inch Nails y Ministry, que volvieron a trazar las fronteras entre el metal, la electrónica y la música pop. También habla directamente de la joven y ferviente subcultura en línea de la banda.

Podría ser el “The downward spiral” para personas con al menos dos monitores y deficiencia de vitamina D.

Escrito durante el período más difícil a nivel emocional de la vida de la banda, el álbum se basa en sus caóticos pero revitalizantes años de pandemia. En ese tiempo, Health grabó docenas de temas con héroes y herederos como Nine Inch Nails, Lamb of God, 100 Gecs, Poppy y Pertubator en DISCO4.

Rat Wars captura toda la furia y ambición a la que hasta ahora han aspirado sus LP. Es su declaración más audaz sobre la locura y la insipidez de la vida contemporánea. La grandeza del arena-rock de “Demigods” da paso al nervioso techno de “Hateful” (coescrito con el artista español de EBSM Sierra) y al despiadado gabber-thrash de “Crack Metal”. “Children of Sorrow” (con la guitarra de Willie Adler de Lamb of God) y “Sicko” (que usa un sampleo de “Like Rats” de Godflesh) se deslizan con la

amenaza gótica de los noventa. “Ashamed” es un R&B corrompido con Pop, mientras que “DSM-V” es el momento cumbre del Blood Rave. Nacidos en la embriagadora suciedad de la ruidosa escena del centro de Los Ángeles, el cantante y guitarrista Jake Duzsik, el bajista y productor John Famiglietti y el baterista BJ Miller se propusieron generar división mientras creaban canciones filtradas a través de pedales de guitarra. Pero ya desde Get Color de 2009, todos sabían que esta banda era algo diferente. Tocaron en importantes festivales globales como Coachella y Primavera Sound, y después de un breve descanso para componer el innovador título de Rockstar Games, Max Payne 3, regresaron en 2015 con el esperado Death Magic. Ese LP aprovechó al máximo las herramientas de producción digital, injertadas en su ruido estridente y paisajes sonoros de vanguardia. El álbum se convirtió en un punto de entrada para una nueva generación de fans, encontrando audiencia tan fácilmente en clubes góticos como en estudios de producción de dormitorio. Vol. 4: Slaves of Fear de 2019 se ganó a los fanáticos de la música heavy con sus riffs de thrash que se disuelven en melancolía ambiental y ritmos de hip hop, mientras que en la era del encierro, Disco4 exploró completamente la composición colaborativa con amigos de los mundos del metal, rap, electrónica, y rock independiente. Este arco profesional largo y deliberadamente poco convencional se ha fusionado en Rat Wars. Son, por fin, una banda que se siente cómoda con su propia incomodidad.

Agradeciendo Información a

Bajo Tierra Prensa Luis Jasso

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[crestametalica]

#EnLaCrestaDeLaOla | 💀👊🏻 | • @humbertosam En 1996 un nombre empezó a ser común en la radio: Mulato (@mulatomusic). Canciones como "El ritmo en tres colores", "Jah Jah Go" y "Echa pa'lla" acompañaron a muchos en esa época; temas de un álbum homónimo que hicieron popular a un cantante con cada vez mayor presencia en medios y festivales. Sin embargo, la obra no fue bien recibida por algunos amantes del reggae, cuestionaron la popularidad del artista. Pero más allá de los gustos, son temas que llevaron el género a otras audiencias, y que se siguen escuchando. Por eso le dedicaremos la próxima edición de Disco Club a Mulato, álbum clave de los noventa en Venezuela. Como panelistas estarán los locutores Arlene Flores (@arlenenew) e Iván Pérez Salaya (@perezsalaya), así como Genis Miranda (@genisrmiranda), integrante de la banda Onice (@onicereggae), referencia del reggae en Venezuela. La cita será el jueves 2 de marzo de 2023, a las 6:00 pm, en el Bar Restaurant La Guacamaya (@laguacamayabar), en la calle Sucre de Chacao. Entrada libre. Es una producción de elmiope.com con apoyo de @circuitoonda, @crestametalica, @mayer_perdomo y @laguacamayabar Para leer más pueden visitar la sección "Noticias Cresta" en "Cresta Cultural" de nuestra revista web, enlace en la bio. . . . . #DiscoClub #Mulato #Reggae #Rock #Dancehall #Álbum #Album #HumbertoSánchezAmaya #NoticiasCresta #CrestaCultural #CrestaNoticias #CrestaMetalica #CrestaMetalicaProducciones #LaCrestaEnLaOla #EnLaCrestaDeLaOla #Cultura #Culture #Musica #Music #Música #LaGuacamaya #LaGuacamayaBar #HumbertoSanchezAmaya #Caracas #Venezuela #PublicidadCresta (en Cresta Metalica) https://www.instagram.com/p/CpRHJ3rttBk/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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[infacundia]

Bajo un póster de Supermerka2

De la vieja cumbia villera a la cumbia rkt hay, es cierto, un rescate parcial: al menos en la lírica, de la merca se pasó al fasito, acaso menos autodestructivo. Una zona liminal la encontramos, por ejemplo, en Los Maleantes de La Piedra Urbana, álbum producido en 2012, si bien desde Flor de Piedra la cumbia le canta al cáñamo. Pero también hubo unos cuantos retrocesos. Me quiero ocupar hoy del, para mí, más angustiante de ellos: el triste pasaje de expresar la vida popular con cierta conciencia de clase, que aun con sus miserias ya había perdido el respeto a la propiedad privada (¿se acuerdan de Pibes Chorros, de Sos botón?), a expresar cierta aspiracionalidad lumpen-gángsteril con modales aptos a la clase media. Esa influencia ~también narcótica y autodestructiva, en más de un nivel~ viene en parte de la expansión del reguetón, esa mercancía "latina" de la industria cultural gringa (Costa Rica, capital reguetonera, es jurídicamente colonia yanqui), y en parte del hip hop, otro género-mercancía del norte burgués.

Pero el reguetón y el hip hop que las inversiones de grandes capitales pegaron en las listas de reproducción no son los únicos factores de influencia en el rkt o el trap. La música, las líricas que más escuchamos como clase desposeída y precarizada, no pasan por debajo de los cursos de la historia. Al cabo que el capital absorbe, redirige y potencia en el mercado cultural lo que nosotrxs producimos creativa y genuinamente.

El neoliberalismo no es algo que se pueda sortear dentro del capitalismo, mucho menos dentro de una región periférica. Como proceso global de restauración del poder de clase empresarial, implicó ~todavía implica~ una victoria pírrica para el capital frente al trabajo en tanto en lo económico no resuelve la tasa decreciente de ganancia o, lo que es lo mismo, la larga crisis de valorizaricación que empezó en los 70s. De ahí que se concentre y militarice mientras el resto empobrecemos.

Reparo en estas abstracciones económicas porque, a pesar de los momentos de repolitización de la masa trabajadora urbana argentina desde fines de los noventa hasta principios de los 2010s (línea biográfica idéntica al nacimiento y la muerte de la cumbia villera argentina) que favoreció cierto extractivismo desarrollista, la construcción de subjetividades sociales bajo la corriente fría que proviene del estrato más profundo de la sociedad tardoburguesa ~osea, de la abstracción del intercambio mercantil~, no dejó de conducir lenta pero directamente a esa transformación de la cumbia villera en cumbia rkt. La filosofía académica llamaría a este un proceso epifonoménico.

Es decir, pensemos en los sujetos económicos que producen los trabajos 'desempleados'. En un momento en que las grandes empresas transnacionales son capaces de producir sus bienes y servicios con un porcentaje de robotización mayor al del trabajo humano y el ejército laboral de reserva engrosa sus filas, el patrón empieza a ser más indirecto, más abstracto: el patrón es el mercado. Los trabajos en servicios de reparto y apps de transporte, los empleos a comisión (por ejemplo en telemarketing), el monotributismo sin capital de nuestros pequeños emprendimientos comerciales dentro del marketing digital y las campañas en redes sociales, etc., son fenómenos que entran en serie con las tendencias musicales que ya no apuestan al trabajo colectivo de la banda (de cumbia, de rock) sino al talento individual de un artista que "lo único que necesita para triunfar es un teléfono".

El velo ideológico está detrás de que los medios productivos para que seamos nuestra propia empresa están atomizados, son celulares. De esa premisa engañosa se deducen las voluntades aspiracionales, la salida individual frente a algunas de las miserias existenciales a las que nos somete el capital, en la lucha empoderada del todos contra todos. Eso, desde una crítica objetiva, que por otro lado deja para otro día cómo esa atomización del trabajo social implica una regresión a lo precario.

Desde una crítica subjetiva, podemos también decir que sin politización económico-política, tales trabajos explotados por esa gran abstracción cuasi religiosa que es el mercado ~y que tiene sus más fanáticos sacerdotes en los seguidores del pontífice Milei~... Esos trabajos en los que nosotrxs nos ocupamos de la mayor parte del proceso de realización de la mercancía, generan un sujeto social propicio no solo a la recepción sino también a la producción de poéticas de la aspiracionalidad, del "soy mi propio jefe", expresadas en el fogoneo de una dinámica de consumo que para las grandes mayorías se hace ficcional. Se empieza a narrar un estilo de vida que lxs pobres fantasean que tienen esos ricos que no conocen porque viven lejísimos de ellxs. Cadenas de oro, mansiones, camionetas de lujo, putas, una empresa y otros delirios del evangelismo sueñoamericanista.

Apenas hay vida afectiva en el yo anti-poético del trap y de la cumbia rkt: todo es consumo efímero e intercambio de mercancías, bienes y servicios. Esa es la sensibilidad económica e instrumental tan propia del capital, que nos ha secuestrado un género que parió ritmos líricos tan sublimes como Me enamoré de Agrupación Marilyn, Paisaje de Gilda, Una calle nos separa de Néstor En Bloque, por nombrar aleatoriamente un elocuente puñado de amores y desamores cumbieros. Ni hablar de la interpelación popular que la parte melódica de la cumbia villera lograba: ¿cuántos temas del género se volvieron canciones de cancha o arengas militantes? ¿cuántos temas rkt, en cambio, con sus ritmos acelerados, tienen una proyección más allá del propio productor individual? Quizá el que más lejos llegó fue el Noba, en paz descanse, acaso por ser el que más levantó de la tradición villera de la cumbia argentina.

Pero, más allá del materialismo, evitaría olvidar que hay una agencia política detrás de estos productos y transformaciones culturales. Como decía al principio, dentro de la industria cultural operan grandes capitales también concentrados (solo Universal, Sony y Warner dominan el 65% de las patentes discográficas) con un amplio margen de despotismo sobre los algoritmos ~no solo digitales~ del mercado musical. Sería ingenuo pensar que, a la hora de tomar decisiones propias de una estrategia de mercado, no tienen en cuenta las subjetividades sociales que producen sus inversiones. Al cabo que el repertorio de la creatividad popular es vasto, y a cualquier dueño de una parcela de humanidad le conviene más estimular aquellos géneros que adoran a su dios (el valor, el dinero, el estilo de vida que ofrece el capital) que aquellos con otros intereses, menos rentables o incluso a veces contrarios a los del amo.

#cumbia y materialismo dialéctico

[relaxvideobar]

Sabías que, el 13 de julio cumple 56 años el guitarrista y cantante rock chileno Claudio Narea, nacido en Ñuñoa, Santiago de Chile. Fue uno de los fundadores en 1982 junto con Jorge González y Miguel Tapìa del grupo Los Prisioneros, una de las bandas más influyentes de Chile y Latinoamérica en la década de los ochenta con álbumes como 'Corazones' y 'Pateando Piedras'. Cuando a comienzos de los años noventa Narea dejó la formación, fundó un grupo llamado Profetas y Frenéticos con los que publicó dos álbumes antes de disolverse en 1992. Los siguientes años Narea participó en un proyecto llamado Escuelas del Rock, en el que enseñaba a tocar la guitarra a nuevas generaciones de músicos entusiastas además de conducir un programa de radio llamado 'Se remata el siglo'. El año 2000 volvió a la música publicando su álbum debut en solitario, que incluia el tema 'Amar es complicado' fue un éxito en Chile. Su segundo álbum, 'El largo camino del éxito' apareció en 2006 cuyo hit principal fue 'Rico el país' una crítica a la situación social y política de Chile en aquellos años. El año 2009 se reencontró con Miguel Tapia y juntos realizaron varios conciertos por el país interpretando canciones de la época de Los Prisioneros. Actualmente Claudio Narea realiza charlas, participa como jurado en diferentes festivales y actúa con su banda Los Indicados, con Miguel Tapia como Narea y Tapia y junto a sus colegas de Profetas y Frenéticos. En mayo de 2015 apareció el sencillo ‘Doctorado en Harvard’, como adelanto de su último disco solista ‘La vida es circular’, publicado el 28 de octubre del mismo año. En 2016 Narea reactivó al grupo Profetas y Frenéticos con un nuevo disco, ‘Conga!’. @relaxvideobar www.relaxvideobar.com (at RELAX VIDEO BAR) https://www.instagram.com/p/CgAc9Avu1Np/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[elrocknotienelaculpa]

Mira el trailer del documental de Static-X - “Evil Disco”.

La década de los noventa trajo una variedad de propuestas musicales de todo tipo, una de estas fue la de Static X una Banda que fusionara el Metal y Rock Industrial, en esa época surgieron varias bandas como Kittie, Coal Chamber, Taproot, Mudvayne, Orgy entre muchos otros, sin embargo Static X era un fenómeno que no solo sonaban bien sino que se veían bien y en vivo eran brutales. El look de…

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#Devil Disco #el rock no tiene la culpa #mikel hernandez #Static X #the project regeneration #Tony Campos #Wayne Static

[laopiniononline]

Yaneth Sandoval es la cantautora que representará a México en la competencia folclórica de #Viña2024.

Nueva publicación en https://ct2.cl/dC

Yaneth Sandoval es la cantautora que representará a México en la competencia folclórica de #Viña2024.

La tepicense representará al país azteca con su canción ‘Flor de campo’ inspirada en la identidad mexicana. Con diez años de carrera independiente Yaneth Sandoval pertenece a una poderosa generación de voces sensibles que protegen la música tradicional de su país.

“Es una canción que nació en una sesión en Zoom junto a mi amigo Carlos Luna durante la pandemia. Para mí es una oda a México, mi país lindo y querido” dice Yaneth Sandoval, artista originaria de Tepic, en el Estado de Nayarit, antes de su primer viaje a Chile para participar en la LXIII edición del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, uno de los eventos musicales más longevos y reconocidos de América Latina.

Yaneth se formó en la Escuela Estatal de Bellas Artes en su ciudad natal y continuó su formación artística en el Instituto Cultural Cabañas y la Academia de Música Fermatta de Guadalajara. Luego tuvo un paso por La Voz México (en su cuarta temporada) dando principio a una carrera independiente con la que ha publicado dos EP de composiciones propias ‘Capricho’ (2016) y ‘Apto 704’ (2019), trabajos de cantautoría acústica con raíces del folclore y toques de jazz y swing. También en su oficio de músico ha sido corista de Margarita La Diosa de la Cumbia y el popular Pancho Barraza.

Entre sus influencias también reconoce el sonido ranchero, baladas y del rock mexicano de los noventa, y entre sus referentes aparecen artistas como Julieta Venegas, Natalia Lafourcade, Carla Morrison y la chilena Mon Laferte, de quien hizo una versión de su tema ‘Antes de ti’ para Youtube. “Es una tremenda artista que ha hecho una carrera a puro talento, con una voz y canciones que no dejan indiferentes. Es una de las grandes y me encanta saber que voy a estar en Viña del Mar donde ella inició su carrera siendo una niña” cuenta Yaneth mientras prepara su viaje a Chile.

Yaneth Sandoval participará en la competencia folclórica del certamen viñamarino representando a México, país que la edición pasada obtuvo el galardón a Mejor Intérprete por el tijuanense Frank Di.

#competencia folclórica #México #Viña 2024 #Yaneth Sandoval #Música #Televisión y Espectáculos

[delaoscuridadbajoelneon]

Historias de Galerías #3

Judy

La Judy subió al escenario, lentamente, y se afirmó del caño. Las ideas en su cabeza y la realidad a su alrededor desaparecieron súbitamente. Solo quedaron flotando en la densa oscuridad del Salieri's las miradas llena de lujuria de aquellos hombres apoyados en la barra y las brasas rojas de los cigarrillos encendidos.

Dio un giro y comenzó a bailar.

El bajo de la canción hace retumbar el local. El espejo del escenario vibra rítmicamente. Marcado el compas de una canción electrónica de los noventas ya olvidada.

Ese era el tipo de canciones que le gustaba bailar a la Judy. Cosas movidas. Siempre ha odiado las melodias tropicales o de tintes caribeñas que ocupaban las otras chicas en sus bailes. Las encontraba sosas. Obvias. Demasiado fáciles.

Con ese tipo de canciones le era fácil jugar. Acercarse a los clientes, moverse frente a ellos. Y cuando sus manos estaban cerca de ella; huía. No se dejaba tocar tan fácil. Le gustaba crear un poco de expectación.

Dejarlos que casi la tocaran era como masturbarlos.

Había que dejar eso para la segunda canción. Cuando las expectativas ya habían sido creadas.

La Judy solo Bailaba. Y a veces sonreía.

Recordó los días pasados ahí. Trabajando en locales ubicados en el fondo de galerías, donde el sol no llega nunca. Donde la gente se sumerge para dejar que su Yo verdadero aparezca, su Yo hambriento, lujurioso, depravado; su Yo real que casi nadie conoce, su Yo real que los avergüenza frente a sus familias. Donde un centenar de hombres sin rostros pasan a diario. Buscando la cuota de fantasía diaria que los ayude a sobrevivir.

La canción rápida termina y la lenta comenzó inmediatamente.

Para desnudarse, le gustaban los lentos rockeros, las power Ballads de los grupos de Glam Rock de los 80´s, las canciones lentas de grupos metaleros, o algunas melodías de Trip Hop, de grupos como Portishead.

Hoy día eligió “Return To Serenity” de Testament

Canciones que hablaban de amores olvidados, corazones rotos, soledad, alienación y tragedias shakesperianas.

Como la vida real.

O casi.

De su bota salió un cuchillo. La gente pensó que era parte del show. Como el show del platano de la Scarlett o el del Cigarro de la Sheena. El cuchillo resplandeció levemente bajo la luz negra. Corto el delgado hilo de lycra amarilla que sujetaba el sostén a su cuerpo, y este cayó al piso sin que nadie se fijara nunca más en él.

Miro el reflejo de sus pechos en el espejo. Nunca le gustaron sus pezones. Demasiado grandes. Demasiado oscuros para su tez blanca. Le habría encantado que hubieran sido más rosados, como los de la Luzmilla, que siempre se burlaba de ellos, mientras se bañaban en las duchas de los camarines después de las clases de educación física.

Los llamaba Botones de Flipper.

Lo que en fondo, no dejaba de ser irónico.

La Luzmilla. Siempre le cayó mal. La envidia por sus pechos grandes y su actitud de mosca muerta hicieron que la odiara a muerte por esos largos cuatro años de educación media. Normalmente la gente ve el odio como algo malo. Una pesada mochila que cargar. Pero no es así. El odio es algo bueno.

Una excelente motivación.

Por eso decidió meterse con su novio, en la fiesta que los cuartos medios hacían para juntar dinero para el viaje de estudios, y disfruto cada segundo de la rabia que emanaba de su pechugona figura al sorprenderla a ella, de rodillas ante el hombre que quizás amaba, con su lengua recorriendo su verga.

La Luzmilla, ese día supo, que para los hombres no era más que un par de tetas. Un par de grandes tetas para que los hombres jugaran un rato. Y se lo dejo bien claro, cuando después de levantarse y limpiarse los labios, la siguió hasta el baño de mujeres, dónde lloraba encerrada. Los hombres son unos idiotas. Y ella era un idiota aun mayor por seguirles su juego y darles lo que buscaban.

Ahora está contenta con el tamaño de sus pechos. Lo único que cambiaría son sus pezones.

El cuchillo aun flota por el aire, acompañando los movimientos de cada paso que da en el escenario. Se afirma del caño. Gira. Observa las manos que se estiran hacia ella, tratando de tocarla a cada paso que da.

El calzón es atravesado por el cuchillo y se desgarra lentamente. Trozos de tela caen, que algunos toman con sus manos como alguna clase de enfermizo recuerdo.

Un tipo, viejo, huele un pedazo de género.

Desnuda, cae de rodillas, se va de espaldas para mostrar su vagina. Un tipo trata de tocarla. Se levanta y sigue bailando.

La Scarlett se introduce plátanos enfundados en un condón. La Sheena puede hacer que su culo fume. La Melody hace cuadros plásticos con la Vaitiare. Ella, solo muestra lo que tiene, abriéndolo con los dedos.

Se sienta en el piso, apoyándose de en el espejo gigante del escenario y se abre de piernas. Esta es la parte que le gusta. Siente su clítoris duro cuando lo estimula con el dedo índice, que mueve en pequeños círculos.

Siente el deseo de esos hombres vibrar en oleadas hacia ella.

Las miradas aburridas se tornan lujuriosas en un instante.

El mundo se detiene por un segundo en torno a su vagina.

Este es el momento en el que siente la mujer más poderosa del mundo. Donde ella es el centro de todo, donde cada mirada, cada respiración, cada gota de saliva que cae de las bocas de esos hombres hipnotizados, está en perfecta sintonía con el movimiento de sus dedos y el vaivén de sus caderas.

El ritmo de su respiración aumenta.

Se muerde el labio inferior, mientras siente como la humedad se expande en su entrepierna.

Un dedo se desliza fácilmente en el interior.

El placer es real. Quizás lo único real que hay en esta tarde en este local. Donde todos los hombres buscan perderse y ser encontrados, transando ilusiones pornográficas que han visto en sus casa o escondidos en sus oficinas. La ilusión de que aún son hombres, de que aún están vivos.

Algo para no sentirse tan perdidos.

Un lugar donde todas las mujeres venden la ilusión de ser conquistadas, de ser únicas, de ser fieles, de ser la perra que entrega todo sin necesidad de que se lo pidan, la perra que satisface todo lo que nadie más puede satisfacer, de ser la perra con la cual se masturban a diario.

Las protagonistas de sus fantasías.

Algo para sobrevivir.

La Judy tiene un orgasmo. Tan suave y ligero que apenas lo siente. Pero está ahí, naciendo de su entrepierna y recorriendo cada nervio de su cuerpo.

Es su orgasmo. Su placer. Algo suyo. Algo real en este lugar lleno de mentiras y falsedad.

La canción termina.

La gente aplaude. Algunos golpean la barra.

Ella aun en el piso alcanza el cuchillo que está a su izquierda. Nadie dice nada cuando corta sus venas. Algunos gritan cosas. Otros huyen. Pero nadie atraviesa la barra para ayudarla.

Se ríe.

Escucha la voz del Maikol, que salta la barra hacia ella, pidiendo una ambulancia

De pronto, todo es tan aburrido.

#cuento #cuento corto #prosa #narrativa #literatura #realismo sucio #nouvelle #realidad

[yellowsnow77]

Sleater-Kinney - Little Rope

Hace ya unos cuantos años que todo lo relacionado con el indie-rock de los noventa, y su influencia, me da mucha pereza. Quizá, porque fue la música que viví intensamente en mi adolescencia y me he convertido en esa especie de abuelo cebolleta que piensa que para qué escuchar una copia teniendo el original a mano. Pero sí hay algunos grupos de aquella época que creo que siguen haciendo cosas…

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#Indie-Rock #Sleater-Kinney

[mujerpazcana]

Rojo Amelia presenta el videoclip de Tokio: Un viaje a los años 90s

Boletín de Prensa No. 693 – 14 de noviembre de 2023Redacción Revista Pazcana El video le apuesta a la composición fotográfica, a imágenes coloridas y a una puesta escenográfica llena de detalles para hacer un homenaje a los noventas, la amistad  y la adolescencia. La agrupación colombiana de rock-pop-electrónico Rojo Amelia presenta su primer video musical “Tokio”. La canción forma parte del…

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#Artistas Colombianos #artistas musicales #musicaenvivo #revista pazcana

[zigzagderogeliogarza]

Por: ROGELIO GARZA

Ciudad Satélite fue un experimento urbanístico de los años sesenta que se desorbitó. Mis padres fueron colonos que aterrizaron como personajes de Bradbury al pie de sus cinco torres creadas por Luis Barragán y Mathias Goeritz. El suburbio espacial, diseñado en 1954 por los arquitectos Mario Pani y José Luis Cuevas, concibió una idiosincrasia que hoy es motivo de orgullo local: el sateluco. Aislado de la capital, pero conectado al Chuco, este personaje hizo su propio rock en fiestas caseras y tocadas en el Club Cuicacalli, en el sótano de la Iglesia de Circuito Economistas —entonces obra gris— y en el bar Satélite Rocks. La mezcla de rock progresivo, heavy metal y pop se llamó Sonido Satélite, registrado en discos, casetes, notas de prensa, crónicas y cuentos. 

PERO NADIE HABÍA EMPRENDIDO una documentación formal de esta historia, desde los ochenta hasta hoy, como la del colectivo Satélite M17. Homero Fernández Segura y María José Arteaga son productores culturales que presentaron el corto El Nuevo Sonido Satélite, documental donde participaron el periodista Ricardo Bravo, especialista del rock sateluco, y Adrián Brizuela, generador de proyectos de arte urbano en esta zona. Convocaron a músicos y artistas en el Film Club Café, el epicentro cultural de Satélite, donde grabaron entrevistas con miembros de grupos que tocaron en los ochenta, noventa y dosmiles: Axis, Consumatum Est, El Clan, Camposanto, San Pascualito Rey, hasta la revelación sónica de nuestros días, El Shirota.

El corto es un pilar de algo mucho más grande, pergeñado por Homero y María José desde 2022: el festival-movimiento de arte público, cine y música SM172023, que se llevó a cabo durante agosto con el fin de consolidar una comunidad de artistas emergentes y articular un modelo de producción y gestión artística. Las actividades incluyeron el Andador 23, un encuentro de arte en la célebre Zona Azul de Satélite, en el que ocho artistas realizaron una intervención pictórica en más de 220 metros. También la Declaración 0.1, una gira musical en casas de Satélite que cerró con una fiesta electrónica. En el Film Club Café se presentó la muestra de cine Messier 17 y en el Centro Cultural Ágora del Naucalli se hizo el performance How to climb a mountain, de César Brodermann y Guy Davidson, más la instalación sonora Knock! Knock!, de Víctor Palacio. Todo esto hace de Satélite M17 un parteaguas cultural en este gran rancho de neón.

#rogeliogarza #periodismomusical #satélitem17

[rockanrolario]

Ritmo Peligroso celebra 45 años con el lanzamiento de "Pachanga Peligrosa" en el Teatro de la Ciudad

El concierto contará con la participación especial de destacados músicos como Cecilia Toussaint, Dr. Shenka, Rubén Albarrán, Armando Palomas, Sabo Romo y Sergio Arau   La icónica banda de rock mexicana, Ritmo Peligroso, regresa al escenario para presentar su nuevo álbum "Pachanga Peligrosa" en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Este concierto, programado para el miércoles 15 de noviembre a las 20:30 horas, marca no solo el lanzamiento de un nuevo disco sino también la celebración del 45 aniversario de la banda. Desde sus inicios en 1978 como Dangerous Rhythm, pioneros del punk rock en México, hasta su evolución hacia la fusión de rock con ritmos latinos bajo el nombre de Ritmo Peligroso a partir de 1985, la agrupación ha dejado una huella indeleble en la escena musical mexicana.   Colaboraciones especiales y un repaso por la trayectoria musical El concierto contará con la participación especial de destacados músicos como Cecilia Toussaint, Dr. Shenka, Rubén Albarrán, Armando Palomas, Sabo Romo y Sergio Arau. Estos artistas aportarán su talento para dar un toque único a la presentación. La noche promete un recorrido por los éxitos de Ritmo Peligroso, desde clásicos como "Estás perdida" y "Marielito" de los ochenta hasta himnos como "Déjala tranquila" y "Contaminado" de los noventa. Del nuevo álbum, "Pachanga Peligrosa", el público podrá disfrutar de temas como "Dejen a los niños en paz", "La tribu pachanga", "Un minuto de silencio", "Tiempo de locura", "Algo va a suceder", "Pistolero" y "Agradecido". https://www.youtube.com/watch?v=EijWKsW9jAo&t=1s   Innovación y creatividad en "Pachanga Peligrosa" El disco marca una nueva etapa para Ritmo Peligroso, explorando "otros horizontes musicales sin perder su esencia, con un sonido actual y maduro". La creación de este álbum, que inició durante la pandemia, representa un regreso a los estudios después de casi 20 años para una producción discográfica completa. Ritmo Peligroso, compuesto por Piro Pendas, Mosy Bit, Avi Michel, Jorge Gato Arce, Armando Pinaca Espinosa y Manny Murillo, promete una noche de baile, canto, ritmo y festejo. Este concierto no solo presenta un nuevo disco, sino que también celebra 45 años de una carrera musical rica y diversa. La banda invita a todas las generaciones a sumarse a esta experiencia única, resaltando que el rock nacional es una propuesta creativa y variada que merece ser explorada. La noche del 15 de noviembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris será testigo de un hito en la historia musical de Ritmo Peligroso. Read the full article

#Disco #RitmoPeligroso #TeatrodelaCiudad

[laguaridadelnagual]

Ritmo Peligroso celebra 45 años con el lanzamiento de "Pachanga Peligrosa" en el Teatro de la Ciudad

El concierto contará con la participación especial de destacados músicos como Cecilia Toussaint, Dr. Shenka, Rubén Albarrán, Armando Palomas, Sabo Romo y Sergio Arau   La icónica banda de rock mexicana, Ritmo Peligroso, regresa al escenario para presentar su nuevo álbum "Pachanga Peligrosa" en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Este concierto, programado para el miércoles 15 de noviembre a las 20:30 horas, marca no solo el lanzamiento de un nuevo disco sino también la celebración del 45 aniversario de la banda. Desde sus inicios en 1978 como Dangerous Rhythm, pioneros del punk rock en México, hasta su evolución hacia la fusión de rock con ritmos latinos bajo el nombre de Ritmo Peligroso a partir de 1985, la agrupación ha dejado una huella indeleble en la escena musical mexicana. https://youtu.be/EijWKsW9jAo?si=xvDuwVH8rHDuG8w4 Colaboraciones especiales y un repaso por la trayectoria musical El concierto contará con la participación especial de destacados músicos como Cecilia Toussaint, Dr. Shenka, Rubén Albarrán, Armando Palomas, Sabo Romo y Sergio Arau. Estos artistas aportarán su talento para dar un toque único a la presentación. La noche promete un recorrido por los éxitos de Ritmo Peligroso, desde clásicos como "Estás perdida" y "Marielito" de los ochenta hasta himnos como "Déjala tranquila" y "Contaminado" de los noventa. Del nuevo álbum, "Pachanga Peligrosa", el público podrá disfrutar de temas como "Dejen a los niños en paz", "La tribu pachanga", "Un minuto de silencio", "Tiempo de locura", "Algo va a suceder", "Pistolero" y "Agradecido".   Innovación y creatividad en "Pachanga Peligrosa" El disco marca una nueva etapa para Ritmo Peligroso, explorando "otros horizontes musicales sin perder su esencia, con un sonido actual y maduro". La creación de este álbum, que inició durante la pandemia, representa un regreso a los estudios después de casi 20 años para una producción discográfica completa. Ritmo Peligroso, compuesto por Piro Pendas, Mosy Bit, Avi Michel, Jorge Gato Arce, Armando Pinaca Espinosa y Manny Murillo, promete una noche de baile, canto, ritmo y festejo. Este concierto no solo presenta un nuevo disco, sino que también celebra 45 años de una carrera musical rica y diversa. La banda invita a todas las generaciones a sumarse a esta experiencia única, resaltando que el rock nacional es una propuesta creativa y variada que merece ser explorada. La noche del 15 de noviembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris será testigo de un hito en la historia musical de Ritmo Peligroso. Read the full article

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[crestametalica]

#EnLaCrestaDeLaOla | 💀👊🏻 | • @humbertosam No son pocos los que dicen que "Pies Descalzos" es el mejor disco de Shakira, aquellos que extrañan a la @shakira de antes. ¿Qué tal si volvemos a esa obra para indagar sobre aquello que la hace tan importante? La próxima edición de Disco Club estará dedicada a este álbum clave de los años noventa, década que sonó a "Estoy aquí", "Pienso en ti", "Quiero", "Antología" y "Te necesito". Como panelistas estarán la social media y community manager de @cusicavzla Gaby Domínguez (@gabydoms), la poeta Jennifer Ávila (@jenn_avila13) y el productor John Fabio Bermúdez (@johnfbermudez). Además, ese día es el cumpleaños de Shakira. La cita será el jueves 2 de febrero de 2023, a las 6:00 pm, en el Bar Restaurant La Guacamaya (@laguacamayabar), en la calle Sucre de Chacao. Entrada libre. Disco Club es una producción de El Miope con apoyo de @circuitoonda, @crestametalica, @mayer_perdomo y La Guacamaya Bar. Para leer más pueden visitar la sección "Noticias Cresta" en "Cresta Cultural" de nuestra revista web, enlace en la bio. . . . . #DiscoClub #Shakira #PiesDescalzos #Rock #Pop #PopRock #RockPop #Álbum #Album #HumbertoSánchezAmaya #NoticiasCresta #CrestaCultural #CrestaNoticias #CrestaMetalica #CrestaMetalicaProducciones #LaCrestaEnLaOla #EnLaCrestaDeLaOla #Cultura #Culture #Musica #Music #Música #LaGuacamaya #LaGuacamayaBar #HumbertoSanchezAmaya #Caracas #Venezuela #PublicidadCresta (en Cresta Metalica) https://www.instagram.com/p/CoFz2B4u8Og/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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[zerounotvadri]

Ciudad de México, noviembre de 2023

RITMO PELIGROSO PRESENTARÁ SU NUEVO DISCO EN EL TEATRO DE LA CIUDAD ESPERANZA IRIS

Pachanga peligrosa es el título del nuevo material de la agrupación y con el que celebran su 45 aniversario de trayectoria

Única función: miércoles 15 de noviembre a las 20:30 horas

Se contará con la participación especial de músicos como Cecilia Toussaint, Dr. Shenka, Rubén Albarrán, Armando Palomas, Sabo Romo y Sergio Arau, quienes darán un toque especial a la sesión

La banda de rock mexicana Ritmo Peligroso ofrecerá un único y especial concierto para presentar su nuevo disco titulado Pachanga peligrosa y celebrar al mismo tiempo sus 45 años de intensa actividad, que la ha colocado como una de las agrupaciones más emblemáticas del rock en español.

El concierto se llevará a cabo el próximo miércoles 15 de noviembre a las 20:30 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

En Pachanga peligrosa, la banda mexicana explora “otros horizontes musicales, sin perder su esencia, con un sonido actual y maduro”. El disco comenzó a tomar forma en la pandemia durante un streaming de la banda, cuando Piro y Mosy se reunieron en el estudio para empezar con el proceso creativo del acetato, el cual, finalmente, se grabó en los estudios de Discos Ciudad y en Dilo con Música, de Mosy, lo que significó su regreso a los estudios después de casi 20 años para una nueva y completa producción discográfica.

El concierto de aniversario será el marco ideal para hacer un repaso por los éxitos de la agrupación, desde los ochenteros Estás perdida y Marielito, hasta los himnos Déjala tranquila y Contaminado, los cuales marcaron el rumbo en la nueva etapa de la agrupación en los años noventa.

De Pachanga peligrosa se escucharán Dejen a los niños en paz, La tribu pachanga, Un minuto de silencio, Tiempo de locura, Algo va a suceder, Pistolero y Agradecido, temas que llevarán al público a vivir las diferentes etapas musicales de la banda.

Cabe destacar que, en el concierto especial, Ritmo Peligroso contará con la participación de algunos de los artistas que  han colaboraron en todos estos años con la banda como Cecilia Toussaint, Dr. Shenka, Rubén Albarrán, Armando Palomas, Sabo Romo y Sergio Arau, quienes darán un toque especial a la sesión.

En la Pachanga peligrosa, Piro, Mosy, Avi, Gato, Manny y Pinaca se entregarán al público de una manera muy especial, “porque no solamente presentarán un nuevo disco, sino que también estarán celebrando 45 años de carrera”, dicen los integrantes de la banda, quienes aseguran que “será una noche de baile, canto, ritmo y festejo… una experiencia inolvidable…”.

Pachanga peligrosa. Presentación del nuevo disco de Ritmo Peligroso se llevará a cabo el miércoles 15 de noviembre a las 20:30 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, Centro Histórico, Metro Allende).

Admisión: Luneta, $450; Primer Piso Central, $400; Primer Piso Lateral, $350; Anfiteatro, $300, y Galería, $150. Los boletos se pueden adquirir en la taquilla del teatro y en las plataformas digitales de Ticketmaster.

Para conocer la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México visite las redes sociales: Facebook @TeatrosCdMexico, Twitter @TeatrosCdMexico e Instagram @teatroscdmexico.

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[drujulo]

Nevermind, bebé.

La identidad musical, ese producto.

Juan Sánchez para CriticÓn. 15 de Octubre de 2023.

«Andaba en soledad, como un perro ralengo.»

Carolina Giraldo.

«I feel stupid and contagious, here we are now —Entertain us!»

Kurt Cobain.

Vuelvo a Nirvana, a "Nevermind", y regresar a Nirvana ahora es como volver a Rodolfo Aicardi: la gente te lo recuerda constantemente en todas partes y es feliz; existe una memoria colectiva que, más que vergonzosa, se convierte en identidad compartida. La música, el arte, no está para revelar estéticas exquisitas; el arte es como el agua: va y viene, sucia o limpia, siempre parece repetida, parece la misma, pero cada vez es diferente. Y esa idea, lo sé, pertenece a Heráclito, donde sea que esté. Pero bueno, no vine a hablar del agua ni del fuego ni de Heráclito; vine a hablar de Nirvana, de esa cosa simple, de esa banda que, sin preverlo demasiado, hizo que el rock de nicho (en este caso, el grunge) se convirtiera en un producto dispuesto a ser masivamente industrializado. Y luego, en Latinoamérica, tuvimos la forma de recibir a MTV con todo el afecto y la necesidad que tenían los millenials sudacas. Qué cosa tan hermosa, que nos vendieran una identidad, así, vendida, al mejor estilo estadounidense.

Nosotros, los niños y adolescentes de los noventa, creyéndonos diferentes, consumiendo puras estrategias de marketing televisivas, nosotros, tan bellos, odiando el reguetón de principios de los dos mil para que luego viniera Karol G a demostrarnos que la música es un producto y no una esencia pura de identidad, como creíamos cuando escuchábamos Simple Plan y Green Day. Nosotros, los "oscuritos", los raros, los diferentes. Nosotros, tan bellos, sujetos a las reglas estrictas de la hegemonía cultural de los Estados Unidos de posguerra.

No me dispongo a hacer ensayos aquí que no me competen; solo sé que así se vive. La música, y sobre todo ella, me ha enseñado que los lugares comunes son pura memoria y que sin la memoria, la música misma pierde todo el sentido. Cantar es repetir y repetir es recordar. Y recordar lo cantado, cantar lo repetido, es vivir, es volver a lugares específicos de la realidad subjetiva anterior, almacenada a pedazos con emociones precisas. No es porque sean repetidos o destinados a las masas que los sonidos dejen de merecer lugares que satisfagan nuestra identidad, a quiénes somos; ya irá cualquiera otro después a buscar su nicho raro en el que sea capaz de sentirse más elevado. Ya irá después, claro, a ser el mismo hipster que disfruta a Karol G cuando la sociedad se lo exija. Y si no sucumbe a Karol G o a Drake, o a cualquier figura pop que venda muchos discos, estará muy lejos de disfrutar lo que se disfruta al ser parte de una tribu.

Nacemos para repetir sonidos y sin ese mero instinto seríamos incapaces de aprender un lenguaje, y sin lenguaje -cualquiera que este sea- no existe el amor ni el deseo. Y ya sin deseo, solo nos queda el puro instinto, que se le parece mucho más a la muerte que a otra cosa.

Vuelvo a "Nevermind" porque lo escuché por ahí en la calle, una calle abarrotada de discotecas y música popular. Ahora, ¿qué es Nirvana si no más que eso: otra canción de Peso Pluma, una canción de Rocío Dúrcal, una nueva canción de Shakira con más dembow y beat que guitarras? Volveré siempre, me verán volver, como si Kurt Cobain fuera el mismísimo Julio Jaramillo, al "Nevermind" de Nirvana. Otro día decidiré si vuelvo a "Appetite for Destruction" para darles la bienvenida a mi jungla, donde tenemos diversión, juegos y todo lo que tú necesitas.

📀 Todo suena.

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[decibelico]

La Gusana Ciega – “La rueda del diablo” 2006. Independiente. Rock.

Por: Chel

Recuerdo mucho la segunda mitad de la década de los noventa. Había muy buenos videos de bandas mexicanas y uno en especial llamaba mi atención. No tenía complicaciones: un lote de autos chatarra y una banda formada por chavos sin un vestuario “de concepto”. Lo mejor era el tema. Un sonido distinto que tenía un coro respaldado por guitarrazos y un ritmo pegajoso: “Eres papel de celofán, la que cambia de color…”. La banda era La Gusana Ciega. 

La Gusana, como le dicen algunos, nace en 1989. El primer tema que colocó fue “Merlina”. Entre sus credenciales más importantes está el haber abierto el concierto de Oasis y Cardigans en México.  La banda sacó 4 discos hasta que decide separarse en julio de 2002. En los años siguientes, algunos de sus integrantes hicieron proyectos por separado pero no tuvieron mucha promoción. 

Después de cinco años, La Gusana Ciega se reúne en 2005 con una nueva alineación: Daniel Gutiérrez (voz y guitarra), Germán Arroyo (batería), Julio Vilchis (guitarra, ex integrante de Guillotina) y Lu en el bajo.  Es hasta septiembre de 2006 cuando entran al estudio y graban de manera independiente  “La rueda del diablo” con una producción de Benny Faccone (Stevie Wonder, Los Fabulosos Cadillacs, Fito Páez y Robi Draco Rosa, entre otros).

En este disco, la banda mantiene la característica principal de su sonido, una especie de rock inglés con un toque mexicano. Las guitarras son mucho más protagónicas que en sus discos anteriores y las letras conservan su sencillez. Un ejemplo lo podemos notar en “Me puedes”, su primer sencillo (“No necesito ser un místico nuclear para saber que nunca vas a regresar”).

Los temas procuran mantener una secuencia con el título del disco. La feria siempre está presente, así como su característico surrealismo.  Hay una estructura básica en cada tema pero siempre hay un cambio inesperado. En eso radica su atractivo. En un inicio puede sonar extraño, pero uno se termina adaptando hasta disfrutarlos totalmente.

La Gusana Ciega ha regresado para bien y nos recuerda que ha logrado el sueño de todas las bandas: un sonido propio. 

Para más información sobre La Gusana Ciega:

www.lagusanaciega.com.mx

www.myspace.com/lagusanaciega

Publicado el 2 de octubre de 2006 en Milenio Blogs.

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