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onlymexico · 5 months

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Avelina Lésper (5 de mayo de 1973) es una escritora, historiadora, columnista, y crítica de arte mexicana. Es autora del libro El fraude del arte contemporáneo y es una opositora de algunas de las corrientes del arte contemporáneo como el performance, el videoarte y la instalación.

Es literata de la Universidad Nacional Autónoma de México y graduada en historia del arte de la Universidad Politécnica de Łódź de Polonia.

Escribe constantemente artículos en su página web personal, periódico, y revistas especializadas en arte, varios de estos artículos han sido narrados por ella misma para TV y en su propio canal de YouTube1. Desde 2009, publica la columna «Casta Diva» en el suplemento cultural Laberinto del diario mexicano Milenio y es colaboradora recurrente del programa radiofónico Dispara Margot, Dispara, desde 2014. Asimismo, es directora de la colección de «Milenio Arte», que reúne a múltiples artistas pl��sticos que han realizado obras en México.

Lésper es conocida principalmente por su libro El fraude del arte contemporáneo, que contiene fuertes pronunciamientos que han puesto a opinar en pro y en contra de su tesis. La controvertida crítica argumenta que mucho de la instalación, el videoarte, la performance y el arte encontrado no es arte, «es basura», sostiene que el arte contemporáneo está en crisis.

Es considerada por muchos una acérrima defensora del arte figurativo; sin embargo, en varias ocasiones también reconoce el trabajo de artistas como Mark Rothko, Jackson Pollock, Gabriel Macotela, Manuel Felguérez, entre otros artistas pertenecientes a corrientes abstractas, no figurativas.

Posición respecto al arte contemporáneo

Debate sobre el grafiti en el Museo de la Ciudad de México, agosto de 2018.

En julio de 2018, Avelina Lésper publicó en su blog una fotografía en la que posaba junto a un grafiti ubicado en la calle 4 Poniente esquina con Periférico Sur, cercano a la Sala Ollin Yoliztli en la Ciudad de México; en este se podía leer la frase «¡Avelina Lésper, Me la Pelas!». A partir de dicha situación, la crítica convocó a los autores del grafiti a mantener un diálogo sobre lo que implican estas intervenciones y en qué sustentan su valor artístico, así como por qué deberían permanecer en las calles de la ciudad. El debate fue convocado para el sábado 4 de agosto en el Museo de la Ciudad de México

Durante las intervenciones de Lésper se escucharon silbidos y reclamos por parte del público. Al finalizar el evento, y una vez fuera del museo, la crítica fue interceptada por una persona que la agredió golpeándola con un pastel en el rostro.

El 8 de febrero de 2020 provocó la accidental destrucción de la obra Nimble and Sinister Tricks (To be Preserved with Out Scandal and Corruption) del artista Gabriel Rico, exhibida en el stand de la Galería OMR de la 17 edición de Zona Maco que se realiza en Centro Citibanamex de la Ciudad de México. Ella declaró que se trató de un accidente que sucedió al intentar colocar sobre la obra una lata de refresco en la pieza. La Galería OMR señaló que no tomaría acciones legales en contra de Lésper.

Lésper, Avelina. El fraude del arte contemporáneo. Bogotá: Panamerica Formas e Impresos, 2016.

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macarraqui · 6 months

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Las fotografías que comparto son de la fachada del Museo de Arte Abstracto Español en las Casas Colgadas, una edificación medieval de la ciudad de Cuenca. La ciudad se encuentra en la comunidad autónoma de Castilla-La Mancha, y es la capital de la provincia homónima.

El museo contiene una colección muy completa de pintura y escultura abstracta española, con obras de Elena Asins, Antonio Saura, César Manrique o Fernando Zóbel, principal valedor del centro.

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artemartinpietro · 10 months

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Principales componentes del Futurismo: Técnicas, materiales y ejemplos de obras dinámicas y vanguardistas

A los artistas futuristas les fascinaban los temas de la velocidad, la energía, la violencia, la maquinaria y el progreso. Consideraban que el mundo estaba en constante cambio y creían que la única forma de expresarlo era a través de composiciones dinámicas que transmitieran una sensación de movimiento. El futurismo también glorificaba la modernidad y las nuevas tecnologías de la Revolución Industrial, que estaban transformando la sociedad. Esto se refleja en el uso de materiales industriales como el hierro, el vidrio y la electricidad en las obras futuristas.

Explorando el movimiento y la energía: Técnicas y componentes utilizados por los artistas futuristas en su representación visual

Representación visual

Los artistas futuristas trataban de captar el movimiento y la energía en sus pinturas, utilizando a menudo técnicas como el desenfoque o la repetición de patrones para crear una sensación de movimiento. También utilizaron nuevos medios, como el cine y la fotografía, para crear composiciones dinámicas. En escultura, los futuristas exploraron el concepto de dinamismo, creando obras que parecían estar en movimiento incluso cuando eran estáticas.

Técnicas utilizadas

Los artistas futuristas emplearon diversas técnicas para transmitir movimiento en sus obras. Por ejemplo, difuminando imágenes, utilizando patrones repetidos, pintando desde múltiples puntos de vista y empleando nuevos medios como el cine y la fotografía.

Materiales utilizados

Los futuristas estaban interesados en utilizar materiales industriales como el hierro, el vidrio y la electricidad en sus obras de arte. También experimentaron con nuevos medios, como el cine y la fotografía.

Ejemplos de futurismo en el arte

Jeroglíficos dinámicos de Gino Severini.Parole in Libertà de Filippo Tommaso Marinetti.Figuras enmascaradas de Carlo Carra.

El futurismo, uno de los movimientos de vanguardia más influyentes, dejó una huella imborrable en el mundo del arte. En esta sección analizaremos algunos de los ejemplos más emblemáticos de las obras de arte futuristas.

Las singulares formas de continuidad espacial de Umberto Boccioni.

Boccioni fue una figura destacada del movimiento futurista y está considerado uno de sus artistas más importantes. Su obra trataba de captar el dinamismo y la energía de la vida moderna, utilizando a menudo formas abstractas para transmitir sus ideas sobre el movimiento y el cambio. Una de sus obras más famosas es “Formas únicas de continuidad en el espacio” (1913), que representa una figura humana avanzando a grandes zancadas con poderosa determinación. La obra está muy estilizada y contiene elementos que parecen fluir, transmitiendo una sensación de velocidad y movimiento.

Jeroglíficos dinámicos de Gino Severini

Severini fue otro destacado artista futurista que se centró en representar el dinamismo de la vida moderna a través de sus pinturas. Su obra solía presentar colores vivos y formas geométricas, que utilizaba para crear una sensación de movimiento y energía. Una de sus obras más famosas es “Jeroglífico dinámico” (1912), que muestra a una multitud de personas moviéndose rápidamente por un paisaje urbano lleno de líneas y formas dinámicas. El cuadro transmite la sensación de caos y confusión que a menudo acompaña a la vida urbana.

Parole in Libertà, de Filippo Tommaso Marinetti

Además de artista, Marinetti fue el fundador del movimiento futurista, lo que le convierte en una de sus figuras más importantes. Fue conocido tanto por sus escritos como por sus obras de arte, muchas de las cuales trataban de promover los ideales del futurismo. Un ejemplo es “Parole in Libertà” (1915), una serie de formas abstractas que deletrean varias palabras asociadas con el movimiento, como “velocidad” y “poder”. La obra pretende representar visualmente las ideas que promueve el Futurismo, como su enfoque en el progreso y el cambio.

Figuras enmascaradas de Carlo Carra

Carra fue otro destacado artista asociado al Futurismo, conocido por su uso del color y la luz para crear sensación de movimiento en sus cuadros. Una de sus obras más famosas es “Masked Figures” (1917), que muestra a varias personas con máscaras que ocultan sus rostros. Las máscaras son de colores vivos y tienen motivos geométricos, lo que les da una sensación de dinamismo . El cuadro transmite el interés de Carra por explorar la relación entre los individuos y la sociedad , así como el modo en que nuestras percepciones pueden verse influidas por factores externos.

Cómo apreciar el futurismo

Para entender y apreciar el futurismo, es importante comprender primero los valores fundamentales del movimiento. El futurismo se basaba en la idea del progreso y el cambio, y creía firmemente en el poder de la tecnología y la industria. Los futuristas eran también muy críticos con la cultura y los valores tradicionales, que consideraban que ahogaban la innovación y el progreso.

Apreciar su carácter poco convencional

El futurismo fue un movimiento muy poco convencional, tanto en sus obras de arte como en sus ideas. Los futuristas rechazaban las convenciones artísticas tradicionales, como el dibujo en perspectiva y la representación realista. También defendían las nuevas tecnologías y la industrialización, que en su época se consideraban controvertidas.

El impacto en el arte moderno

El futurismo tuvo un impacto significativo en el arte moderno, tanto por su estilo como por sus ideas. Muchos de los principios clave del movimiento, como el interés por la tecnología y la industria, darían forma a gran parte del arte del siglo XX. El futurismo también contribuyó a allanar el camino a otros movimientos de vanguardia, como el dadaísmo y el surrealismo.

Conclusión

El Futurismo fue un movimiento artístico revolucionario que surgió a principios del siglo XX. Se caracterizó por rechazar los valores tradicionales y abrazar la modernidad, la tecnología y la velocidad. El movimiento futurista tuvo un profundo impacto en el desarrollo del arte moderno, y su influencia aún puede verse en los movimientos artísticos contemporáneos. Si le interesa saber más sobre el Futurismo y comprender su impacto en el arte, esta guía es para usted.

Originally published at http://todosobreballenas.com/ on January 30, 2023.

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auraregina · 2 days

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statement

Aura Regina Vázquez Salazar Mi obra artística aborda lo abstracto, un territorio donde los colores, las formas orgánicas y las texturas convergen. Mi viaje artístico se ha convertido en una búsqueda constante de las formas orgánicas que habitan mi entorno, y esta exploración me ha llevado a experimentar con una variedad de materiales, desde el barro hasta hojas, tierra, conchas, piedras, engobes y óxidos, entre otros. En los últimos años, he dedicado tiempo a adquirir habilidades a través de cursos centrados en la cerámica y las artes del fuego; de manera autodidacta he experimentado con la cianotipia, combinándola con acuarela, gouache y colores prismacolor. El color cian de la cianotipia, juega un papel muy importante en mis obras, ya que es un color que me permite mostrar un carácter autobiográfico en las piezas, y la cianotipia me permite jugar con la fotografía y plasmar momentos de lugares y personas que amo. Establecer un diálogo con la naturaleza es fundamental en mi obra. La conexión con los elementos que me rodean en la cotidianidad impulsa mi creatividad y se refleja en los colores y trazos. Me interesa que mi proceso creativo esté en armonía con la experimentación de materiales orgánicos, ya que no sólo es una elección estética, sino un compromiso con la sostenibilidad del medio ambiente. Considero que el arte y la naturaleza deben coexistir en simbiosis, y esa convicción se refleja en la elección consciente de materiales que no sean perjudiciales para nuestro medio ambiente. Mi obra se caracteriza por su naturaleza espontánea y abstracta, una expresión directa de mi estado físico y emocional en un momento determinado. A través de colores vivos y figuras orgánicas, busco plasmar mi experiencia humana. El juego con colores refleja mi estado emocional, mientras que las formas orgánicas exploran mi conexión con mi entorno. El barro es un protagonista en mi obra, permitiéndome una interacción táctil más íntima con el trabajo en proceso, ya que para mí es sumamente importante crear un lazo energético con mi obra, y al estar en constante contacto físico y sumergirme en la materia de la obra, me permite representar mis emociones de una manera más genuina.

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vermundialbaloncestogratis · 12 days

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¿Cuál es la diferencia entre Cano y Canovas en el arte español?

Historia del arte español

La historia del arte español es vasta y rica, con una tradición que se remonta a miles de años atrás. Desde las pinturas rupestres prehistóricas encontradas en la Cueva de Altamira hasta las obras maestras contemporáneas de artistas como Salvador Dalí y Pablo Picasso, el arte español ha dejado una huella indeleble en la historia cultural del mundo.

Uno de los periodos más conocidos del arte español es el Siglo de Oro, que abarca los siglos XVI y XVII. Durante este periodo, artistas como El Greco, Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán produjeron obras maestras que todavía se estudian y aprecian en la actualidad.

En el siglo XIX, el arte español experimentó un renacimiento con figuras destacadas como Francisco Goya, conocido por sus pinturas oscuras y a menudo críticas de la sociedad de su tiempo. Más tarde, en el siglo XX, artistas como Joan Miró y Antoni Tàpies llevaron el arte español a nuevas fronteras con sus obras surrealistas y abstractas.

Hoy en día, España continúa siendo un importante centro cultural y artístico, con museos de renombre mundial como el Museo del Prado en Madrid y el Museo Guggenheim en Bilbao. La historia del arte español sigue evolucionando y sorprendiendo al mundo con su creatividad y diversidad, consolidando su lugar como una de las grandes potencias artísticas a nivel internacional.

Pintura española

La pintura española es uno de los pilares fundamentales de la historia del arte en el mundo. Con una rica tradición que se remonta a siglos atrás, los artistas españoles han dejado una marca indeleble en la escena artística internacional.

Uno de los mayores exponentes de la pintura española es, sin duda, el maestro Diego Velázquez. Conocido por su maestría en el uso de la luz y la sombra, así como por sus retratos realistas y detallados, Velázquez es considerado uno de los grandes genios del arte barroco.

Otro nombre destacado en la historia de la pintura española es Francisco de Goya, cuyas obras trascienden las fronteras del tiempo y el espacio. Con su estilo único y su capacidad para plasmar la complejidad de la condición humana, Goya ha sido una influencia clave para generaciones posteriores de artistas.

La pintura española no se limita solo a los maestros clásicos, sino que también ha dado lugar a movimientos artísticos innovadores y vanguardistas. Artistas contemporáneos como Salvador Dalí, Pablo Picasso y Joan Miró han llevado la pintura española a nuevas alturas, desafiando las convenciones y explorando nuevas formas de expresión artística.

En resumen, la pintura española es un tesoro cultural de incalculable valor que ha enriquecido el panorama artístico global. Desde los maestros clásicos hasta los artistas contemporáneos, la creatividad y la innovación han sido pilares fundamentales de este legado artístico que sigue fascinando e inspirando a personas de todo el mundo.

Estilo artístico

El estilo artístico es una forma particular en la que un artista expresa su visión y creatividad a través de una obra de arte. Cada artista tiene su propio estilo único que lo distingue de los demás y refleja su personalidad, sus experiencias y sus emociones.

El estilo artístico puede abarcar diferentes áreas como la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía, entre otras. Cada disciplina artística tiene sus propias características y técnicas que permiten a los artistas desarrollar su propio estilo y dejar su huella en el mundo del arte.

A lo largo de la historia del arte, han existido una gran variedad de estilos artísticos que han marcado épocas y movimientos culturales. Algunos ejemplos famosos incluyen el Renacimiento, el Barroco, el Impresionismo, el Expresionismo, el Cubismo, entre muchos otros.

El estilo artístico es una forma de comunicación visual que trasciende las barreras del lenguaje y nos permite conectar con las emociones y experiencias del artista. A través del estilo artístico, los artistas pueden explorar nuevas formas de expresión y transmitir mensajes poderosos que resuenan con el público.

En resumen, el estilo artístico es una manifestación de la creatividad humana que nos permite explorar diferentes perspectivas, emociones y realidades a través del arte. Cada estilo artístico es único y especial, reflejando la diversidad y la riqueza del mundo del arte.

Comparativa artística

La comparativa artística es un ejercicio comúnmente utilizado en el mundo del arte para analizar y contrastar diferentes obras, estilos o movimientos artísticos. Esta técnica permite a críticos, historiadores y amantes del arte profundizar en las similitudes y diferencias entre dos o más piezas, enriqueciendo así su comprensión y apreciación.

Al realizar una comparativa artística, es importante tener en cuenta diversos aspectos como la técnica utilizada, el contexto histórico en el que se crearon las obras, la temática representada, el uso del color y la composición visual, entre otros. Estos elementos nos ayudan a identificar las influencias, innovaciones y peculiaridades de cada pieza, permitiéndonos ahondar en su significado y valor artístico.

Además, la comparativa artística nos brinda la oportunidad de explorar la evolución del arte a lo largo del tiempo, observando cómo ciertos estilos o conceptos han sido reinterpretados y transformados por diferentes artistas en distintas épocas. Asimismo, nos invita a reflexionar sobre la subjetividad de la belleza y la creatividad, demostrando que cada obra de arte es única y conlleva un mensaje o una emoción particular.

En resumen, la comparativa artística es una herramienta invaluable para analizar, interpretar y disfrutar del arte en todas sus manifestaciones. A través de este ejercicio, podemos ampliar nuestra perspectiva artística, enriquecer nuestra sensibilidad estética y nutrir nuestra pasión por la creatividad y la expresión humana. ¡Atrévete a realizar tu propia comparativa artística y descubre las infinitas posibilidades que el arte tiene para ofrecerte!

Análisis de obras

El análisis de obras es una actividad fundamental en el ámbito de la crítica literaria y artística. Consiste en examinar detalladamente una obra de arte, ya sea un libro, una pintura, una película o cualquier otra expresión creativa, con el fin de comprender sus elementos fundamentales y su significado profundo.

En el análisis de obras literarias, se estudian aspectos como la trama, los personajes, el estilo narrativo, el contexto histórico y cultural, entre otros. Se busca interpretar el mensaje que el autor intenta transmitir y analizar cómo lo hace a través de su escritura. Además, se pueden examinar aspectos más específicos, como el simbolismo, la estructura narrativa o los recursos estilísticos utilizados.

En el caso de las obras de arte visual, como pinturas o esculturas, el análisis se centra en aspectos como la composición, el uso del color y la técnica empleada por el artista. Se investiga el contexto histórico y cultural en el que fue creada la obra, así como las influencias que pudo haber recibido el artista en su proceso creativo.

El análisis de obras no solo permite comprender mejor el arte en sí mismo, sino también entender su relevancia en el contexto social y cultural en el que se desarrolla. Además, contribuye a enriquecer la experiencia estética del espectador al proporcionarle herramientas para apreciar y reflexionar sobre lo que está viendo, leyendo o escuchando.

En resumen, el análisis de obras es una práctica indispensable para profundizar en el significado y la importancia del arte en todas sus formas, permitiendo una mayor comprensión y apreciación de la creatividad humana.

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trinfinity1 · 24 days

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Este diseño captura la fascinante mezcla de una taza de café con una explosión de arte abstracto y colorido que emana de ella, ilustrando la interacción dinámica entre la tranquilidad de un momento de café y la vibrante energía de la creatividad. La taza de café en primer plano se destaca contra un fondo mágico y energético, donde los colores vivos y las formas abstractas crean una atmósfera que invita a la imaginación y la inspiración. Es una representación visual que celebra tanto la calma como la pasión artística. Además la técnica fue básicamente una fotografía de una taza de café y exagerarla en Photoshop para darle este efecto abstracto y exageradamente editada

#diseño grafico #ilustración #cafe

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odirinandollieblog · 1 month

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La Fotografía Contemporáneo en Latinoamérica

La fotografía siempre será una herramienta poderosa para comunicar ideas del mundo físico, pero recientemente la fotografía ha tomado un lugar en la representación de formas más abstractas. En publicaciones más recientes, he hablado mucho sobre el movimiento contemporáneo en Latinoamérica, especialmente en su cambio a la abstracción. La fotografía ha tenido un cambio muy similar y temas más amplios ahora tienen un gran impacto en el arte Latinoamérica. Un artista que representa esto en muchas de sus obras de arte es Javier Rey. Él es de Bucaramanga, Colombia, empezó la fotografía en el dos mil diez y continuó creando arte de fotografía hoy. En dos mil quince, Javier Rey fue nombrado como uno de los 145 artistas visuales y fotógrafos más relevantes de la web por ATOPOS. Es todo para decir que es un artista muy importante en la escena de fotografía en Latinoamérica.

Una obra de su arte es el proyecto que se llama “Espejismos.” La obra contiene once fotos y todos son edificios con lados de cristal. La imagen de abajo representa muchos de los ideales y principios del arte contemporáneo.

En la imagen, Javier usa varias técnicas para producir una foto que captura aspectos del arte contemporáneo y su visión artística única da forma a una obra única también. Específicamente, Rey ha usado los temas de patrones repetidos, el gradiente entre el cielo y las ventanas, y el contraste entre partes del edificio y las nubes arribas.

Como puedes ver explícitamente, hay muchas nubes en el cielo que rodea el rascacielos. Esta sirve para reforzar el sujeto de la foto: la parte superior del edificio. Un otro ejemplo de un patrón es la repetición de las ventanas a la derecha del edificio. La distorsión regular que está creada por las ventanas y sus reflexiones produce un efecto de separación entre el sujeto y el resto del cielo y edificio. Todo en el exterior de la foto es azul y blanco. Esto puede reforzar el impacto de los tonos marrones, tostados y apagados en el centro de la imagen. Como probablemente has visto, no hay una parte del edificio a la izquierda de las ventanas. Esto es muy importante en el contexto del arte contemporáneo, especialmente la fotografía; el uso de tecnología como Photoshop y Lightroom, ha aumentado masivamente en años recientes, junto con la evolución de la fotografía contemporánea.

En términos de la simbolización de esta obra de arte y el movimiento, la utilización de esta tecnología está atado a muchos temas que Javier Rey quería capturar en su arte. La imagen abajo es otra foto en su colección y también tiene elementos de Photoshop en el cielo y el edificio.

Creo que el tema viene del perspectivo de Javier Rey, especialmente de su vida en Bucaramanga. La ciudad tiene la sede nacional del banco santandereano, y, según Worldbank, la ciudad ha tenido una de las “economías con mejor desempeño en Latinoamérica.” Sin embargo, la fuente también dice que “Bucaramanga y su región circundante están plagadas de contrastes.” Esto da un poco contexto a los temas en el arte. Es posible que y creo que la elevación de algunas ideas en el cielo sobre la verdad es una manifestación de los pensamientos de Javier Rey, especialmente porque tenía experiencias personales en situaciones donde hay contrastes evidentes como estos en la imagen. Como siempre, el arte es una herramienta para expresar ideas, emociones, pensamientos, y mucho más; hoy, el arte y fotografía contemporánea es otra manera para hacer esto con nuevas técnicas. En el caso de Javier Rey, sus experiencias en Latinoamérica han sido un factor principal en la creación y el cambio del arte hoy, especialmente con nuevas formas de arte como la fotografía. Pero, todo es mi opinión y debes tomarlo con un grano de sal—no estoy en su cabeza y no puedo decirte nada con certeza perfecta.

Gracias siempre,

Ollie

“Competitive Cities: Bucaramanga, Colombia – an Andean Achiever.” Blogs.worldbank.org, 6 Nov. 2015, blogs.worldbank.org/psd/competitive-cities-bucaramanga-colombia-andean-achiever#:~:text=Bucaramanga%2C%20with%20Colombia%27s%20lowest%20unemployment. Accessed 12 Mar. 2024.

Rey, Javier. “Javier Rey - ESPEJISMOS 1.” Javierrey.co, javierrey.co/espejismos. Accessed 15 Mar. 2024.

Rey, Javier. “Javier Rey - ESPEJISMOS 2.” Javierrey.co, javierrey.co/espejismos. Accessed 14 Mar. 2024.

Adobe Inc. (2019). Adobe Photoshop. Retrieved from https://www.adobe.com/products/photoshop.html

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arte-mx · 2 months

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"Arte más allá de solo una pintura"

¿QUÉ ES EL ARTE?

El arte es una forma de expresión humana que utiliza una gama de materiales y técnicas para dar forma a un concepto o sentimiento. Aunque en su origen podría parecer una simple actividad estética, el arte es mucho más que eso: es una forma de comunicación y, a menudo, una forma de protesta o de entendimiento.

¿CUAL ES SU ORIGEN?

La historia del arte se remonta miles de años atrás. La práctica artística inició con la representación y la decoración de los cuerpos humanos, los animales y la naturaleza. En un primer momento, el arte era algo impuesto al entorno natural, como la pintura de cuevas, y no existía una conciencia de cómo podría afectar a la comunidad. Posteriormente, la influencia del arte se extendió más allá. Mientras avanzaba la civilización, la sociedad se desarrolló y se dieron cuenta de que el arte tenía un poder emocional y cognitivo, pues podía modificar la percepción, la emoción y la conciencia humana. A partir de aquí, se desarrollaron distintas corrientes artísticas y estilos visuales que cambiaron a medida que la sociedad avanzaba.

LOS TIPOS DE ARTE

Al hablar de arte podemos empezar con las artes plásticas, que incluyen la pintura, la escultura, la instalación y el dibujo. También podrías hablar sobre las artes aplicadas, que incluyen las artes gráficas, la arquitectura, la fotografía y la moda. Además, podrías mencionar las artes escénicas como el teatro. Una manera en que se pueden clasificar de manera más simplificada el arte es clasificandolas en expresionismo y surrealismo.

EXPRESIONISMO

El expresionismo se refiere a un estilo artístico que intenta representar una reacción emocional o una sensación, más que la representación realista del mundo. El artista intenta transmitir sus emociones y sentimientos a través de sus obras. Los colores, las formas y las composiciones, son siempre exagerados y se alejan de la realidad. Los artistas más importantes de este movimiento son Van Gogh, Munch y Kirchner.

SURREALISMO

El surrealismo es un movimiento artístico, literario y cinematográfico que floreció en la primera mitad del siglo XX. Se caracteriza por intentar expresar el inconsciente y la imaginación en la creación artística. Sus manifestaciones más conocidas son la pintura, la escultura y la literatura, que intentan combinar elementos de la realidad con fantasía.

LA MUSICA UNA FORMA DE ARTE

La música es considerada arte porque es una forma de expresión humana que puede transmitir emociones, ideologías y mensajes. La música puede ser usada para contar historias, transmitir una experiencia o recrear emociones en el oído del oyente. A menudo, la música es considerada una forma de arte porque requiere de la capacidad y la habilidad del compositor o intérprete, y puede también ser apreciada como una forma puramente estética de arte, sin ningún mensaje o narrativa por detrás. A través de instrumentos, composición y ejecución, la música puede convertirse en una forma abstracta de expresión artística. La música también es un arte que puede ser transmitido a través de otros medios, como el cine, la televisión y las redes sociales.

¿QUIEN ES VAN GOGH?

Vincent van Gogh fue un artista holandés nacido en 1853. Fue uno de los artistas más influyentes de la historia y uno de los representantes más importantes del impresionismo y el post-impresionismo. Sus pinturas, a menudo caligrafías y vibrantes, son una manifestación de sus emociones y la forma en que veía el mundo. Una de sus pinturas más famosas es "El café de noche" (1888), una pintura que presenta una sala llena de personas en un bar de una ciudad. La composición y el estilo del cuadro son característicos de la obra de Van Gogh y el impresionismo, con colores vibrantes y sincopados toques, es una pintura especialmente famosa.

A continuación te compartimos un video con más información sobre el gran Vincent van Gogh

youtube

CONCLUSIÓN

En conclusión, el arte es una forma de expresión humana que puede transmitir mensajes, sentimientos y ideas, y también puede tener una función puramente estética. Ha evolucionado a lo largo de la historia y ha sido representado en diversas formas y medios, desde las pinturas de las cavernas a las creaciones digitales actuales. El arte es un medio de expresión humana que puede emocionar a través del lenguaje visual y sonoro, y que puede ser una fuente de inspiración, curiosidad y transformación. Ha sido y será una de las formas fundamentales de la cultura humana y una fuente de creatividad y emoción para generaciones de personas. De esta manera, podemos decir que el arte es una expresión de la esencia humana y un testimonio de la historia humana.

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praza-catalunya · 4 months

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A creación artística despois da II Guerra Mundial

Como afectan os grandes conflitos bélicos á creación artística? O MNAC convida a observar e reflexionar sobre as repercusións da II Guerra Mundial (e mais a Guerrra Civil Española) nos xeitos de facer arte. A vergonza pola barbarie xerada, impedía mostrar a figura humana? Eses grandes conflitos fixeron pular a arte abstracta? A historia da arte vén sendo parte sobranceira da historia da humanidade. Que humanidade?

Lito Caramés

Lasar Sagal. Visões de guerra, 1940-

Quina humanitat? La figura humana després de la guerra (1940-1966). MNAC

O sol abrazaranos / Desde unha terra preñada de sangue / Unha vez máis nacerá o pan / Un po dourado. / (...) Sairán os pans dos fornos / e onde só había fume, mira: / O carreiro da guerra pecharase con flores / rosadas. (Agnieszka Osiecka, Nim Wstanie Dzien, 1964).

Nestes meses finais de 2023, o MNAC presenta unha interesante e intelixente exposición temporal: Quina humanitat? La figura humana després de la guerra (1940-1966). A tese que defende o comisario, Àlex Mitrani, vén sendo: despois da guerra global, do holocausto e da bomba atómica que provocou a Segunda Guerra Mundial, que humanidade -que figura humana- é representada polas e polos creadores plásticos? Esta mostra é heteroxénea na súa composición, pero fiel ao propósito. Está conformada por máis dun cento de obras entre deseños, esculturas, fotografías, pinturas, vídeos e outros soportes, que foron creadas por uns 80 artistas. Destes creadores, unha ducia aproximadamente son mulleres artistas; o resto “artistos”. Tamén houbo -por parte do MNAC- a intención de incluír unha 20 pezas que forman parte da colección (dos fondos) do propio museo, e que poucas veces (ou ningunha) foron exhibidas. En algo se reflicte que o comisario, Àlex Mitrani, é o conservador de arte contemporáneo do propio MNAC.

Á hora de presentar creacións que van desde o ano 1940 (en plena guerra mundial) e mais o ano 1966, a presente mostra mira de reseguir as olladas que artistas moi diversos deitan en papeis, lenzos, bronce e outro tipo de soportes cando queren expresar os fracasos individuais e colectivos, a desesperanza, os cambios, as infinitas dúbidas que as novas realidades que resultan evidentes a finais dos anos 40 e primeiros 50 ante a interrogante: que humanidade sairá destes tempos convulsos? E, nesa pescuda, a exposición temporal Quina humanitat? La figura humana després de la guerra procura presentar ás vítimas; as vítimas como protagonistas dos seus avatares históricos.

Nous ne sommes pas les derniers.

Marc Aleu, Els vençuts, 1956

Outra apreciación que paga a pena ter presente é a atención que Mitrani e outros responsables dedican a creadores de España e Cataluña. Cando se trata de presentar unha tese que evidencie as posicións da internacionalidade de artistas sobre a figura humana, logo das grandes matanzas executadas por todos os contendentes, o MNAC escolle un bo mangado de creadoras e creadores que traballaron baixo o franquismo, baixo a forte e longa noite de pedra.

Co gallo da exposición Quina humanitat? La figura humana després de la guerra (1940-1966), tan ben artellada e tan oportuna (acaso o período dos 40 anos posteriores á II G. M. foi -en Europa- a grande excepción á solución de conflitos pola vía da violencia?), o MNAC ofrece ao público interesado a publicación dun importante catálogo, coa reprodución de todas as obras expostas e coa inclusión de artigos de importantes estudosas e estudosos deses anos 40 a 60, tamén coñecedores das pegadas da violencia na arte. Ao longo dos séculos, do pasado e presente da humanidade, cantxs artistas crearon sen ter nas súas vidas a presencia monstruosa de violencias?, violencias familiares, individuais, colectivas?

Relacionado co parágrafo anterior (a ausencia de traballos de artistas españois nas importantes mostras internacionais), cómpre lembrar que en 2007 o MACBA presentou unha exposición temporal, amplísima, comisariada por Borja Villel, baixo o título de Sota la Bomba. El jazz de la guerra d'imatges transatlántica. 1946-1956. A retrospectiva, de mais de 400 obras, procura captar a vida daqueles anos e non só a pintura, é multidisciplinar. Nas salas do MACBA -e seguindo unha orde cronolóxica- era doado contemplar e oír xornais, filmes artísticos e documentais da época, arquivos en papel, fotografías, moda téxtil. Todo acompañado de pinturas e debuxos. Todo para dalgún xeito evidenciar as contendas estéticas e propagandísticas, neoliberais e proteccionistas, que mantiñan os EEUU e Europa (New York versus París) na primeira década posterior á Segunda Guerra Mundial. Alí apreciáronse as manobras da CIA para promover aos mozos do Expresionismo Abstracto da Escola de New York en contra de artistas como Matisse, Picasso e tantos outros (véxase o exhaustivo traballo de F. Stonor Saunders, La CIA y la guerra fría cultural, 2013). En Sota la Bomba non estaban representados os traballos que se facían na península Ibérica. (Daquela a CIA –a través do MOMA de New York e de todo tipo de axudas– está impulsando por todo o mundo a arte dos enfants terrible do expresionismo abstracto: os Pollock, de Kooning e compañía).

Nous ne sommes pas les derniers.

Music. Nous ne sommes pas les derniers, 1973

A Humanidade entre barbaries. Nous ne sommes pas les derniers

Acotío pasaba por diante dos fornos crematorios, e dicíame un amigo checo: “Ves? Mañá ou pasado pasaremos pola cheminea. Nunca máis pasará unha cousa similar. Nós somos os derradeiros que veremos unha cousa como esta”. Anos despois, cando a carga interior foi demasiado forte, os recordos do campo reapareceron, e comecei a pintalos, e decateime de que non era verdade. Non somos os derradeiros. (Zoran Music, nos anos 70).

Zoran Music (1909-2005), de orixe dálmata, tivo por oficio o periodismo, aínda que sempre practicou a pintura. Destinado a Venecia (1944), os nazis detivérono acusado de actividades ante-alemás e ingresado no campo de exterminio de Dachau. Os meses que estivo no campo debuxa cadáveres amoreados, con tinta que rouba na enfermería; debuxa a dor das vidas eliminadas, a dor da vida diaria. Liberado o campo, volve a Venecia. Na vila dos canais regresa á vida de antes de estar no campo de exterminio, e pinta paisaxes e paisanaxes dálmatas: mulleres, cabalos. O pesadelo do campo desapareceu dos seus miolos.

Por contra, a comezos dos anos setenta volven os cadáveres. Volve debuxa os mortos do campo de Dachau, aquelas imaxes que levaban trinta anos agochadas nas fonduras interiores do pintor. Por que saen agora? Que proceso psíquico se produce ao longo dos anos? Zoran Music dá unha explicación dura e arrepiante. No seu caso os cadáveres saíron nos anos setenta cando comezou a ver as atrocidades doutras guerras (mormente a guerra do Vietnam). A evidencia doutra nova barbarie humana faille revivir a dor, dispara algún subconsciente mecanismo de autodefensa e provoca que as imaxes traumáticas reaparezan outra volta. O que dixeron -con esperanzadora convicción no ano 1945- as persoas que saíron con vida dos campos de exterminios organizados polas autoridades do réxime nazi: Nous sommes les derniers, era desgraciadamente falso. E a serie de pinturas que Music elabora no ano 1973 titúlase: Nous ne sommes pas les derniers. Os corpos sen vida que Music reflicte teñen a cor da terra, do lugar no que descansan. Nunhas declaracións Music afirmou que a súa pintura sempre gravitara arredor dun tema: a paisaxe desértica que é a vida.

As reaccións deste periodista e artista (de perder totalmente as imaxes dunha realidade aterradora e recuperalas ao ser abaneado por novas crueldades) aconteceulles a bastantes persoas, xa en circunstancias similares, xa noutros escenarios e latitudes. Son os casos de Jorge Semprún ou de Primo Lervi, por nomear dous ben coñecidos.

Novos tempos, novo milenio. Mais as barbaries veñen sendo as de sempre. Que humanidade poden representar agora os artistas sobre as atrocidades que están a acontecer en Gaza, en Ucraína, en Sudán, por citar só algúns dos conflitos?

Nous ne sommes pas les derniers.

Juana Frances. Silencio, 1953

Quina humanitat? Artistas e obras

Les Allemands étaient chez moi / Ils m'ont dit "Résigne-toi" / Mais je n'ai pas pu / J'ai repris mon arme / J'ai changé cent fois de nom / J'ai perdu femme et enfants / Mais j'ai tant d'amis / J'ai la France entière (The Partisan, 1943, cantiga da Résistance française, logo adaptada por Leonard Cohen).

Perante a II Guerra Mundial comezou a sentirse nas filas da Résistance française -esa guerrilla interior na que militaron tantos republicanos españois- a cantiga da que aquí se transcriben algúns versos. Logo a letra pasou a unha versión en inglés para ser retransmitida pola BBC desde Londres como parte da propaganda. A finais dos anos 60 Leonard Cohen fai a súa propia versión, na que mestura as dúas linguas. Aínda nas músicas animosas que se crean ao longo dunha guerra, a violencia, as vítimas están presentes.

J'ai perdu femme et enfants / Mais j'ai tant d'amis (I've lost my wife and children / But I've many friends)

Ao rematar esa gran barbarie mundial -e por extensión a Guerra Civil Española-, Europa queda destruída e totalmente empobrecida (Unha proba da situación de Europa vese nas imaxes que a fotógrafa Lee Miller fixo no salon Gervais, de París en 1944, onde homes en tandem, pedaleando, accionan secadores do cabelo para as mulleres que están no salón de peiteado). Nese escenario é no que cómpre seguir coas creacións artísticas. Que tipo de representacións facer? Figuras humanas figurativas? ¿Ou optar por manifestacións nas que non sexa obrigado mostrar a anatomía dos “animais” que teñen a insensatez de destruír o seu fogar (a Terra), e mais de destruírse a si propios? Nas segundas vangardas -chamadas así as que xorden despois de 1945- é certo que a abstracción gaña terreo. O surrealismo anterior (moi figurativo) dá paso ao Expresionismo Abstracto, e fan a súa aparición o minimalismo, ou o informalismo; todas elas tendencias artísticas que contorsionan os corpos humanos ou, sinxelamente, elimínanos das súas teimas estéticas.

Neste proceso de abstracción que en boa parte se produciu a partir de 1945, canto peso tiveron obras de Picasso como Guernica, ou Dama Oferente, ambas de 1937? Ese mural que denuncia o primeiro bombardeo sobre poboación civil?, que emprega linguaxes propias de grafittis?, que vieiros indicou para accións artísticas posteriores? Seguirá sendo un faro para as denuncias actuais de bombardeos de civís en Gaza, en Ucraína, en Iemen? E esa figura entre relixiosa e prehistórica, entre románica e informe, que significou para Henri Moore ou Giacometti?

A nómina de artistas presentes en Quina humanitat? La figura humana després de la guerra (1940-1966) é extensa e de cualidade. Hai obras de Juana Francés, de Joan Miró, de Francis Bacon e de Manolo Millares, de Jorge de Oteiza xunto con Josep Ginovart, de Julio González e tamén de Niki de Saint Phale. María Helena Vieira da Silva, Alberto Giacimetti, Germaine Richier, Pablo Picasso, Louise Bourgeois, ...

Maria Helena Vieira da Silva. O Desastre, 1942

Na sección titulada “Exilio interior”, sorprende a potente obra de Francés, Silencio (1953). Juana Francés foi a única artista fundadora do grupo EL PASO, de tanta transcendencia nas vangardas da España dos anos 50. Que silencio? O silencio que impuña a ditadura franquista? A muller de face pouco definida ergue a man esquerda e tapa por completo a boca. Autocensura? As cores apagadas tampouco axudan a redimir á muller de ombreiros caídos e azos aínda máis deprimidos. No tocante a “El Monstruo y el Santo” a nómina de nomes é espectacular: Jorge de Oteiza está representado por varias cabezas de apóstolos destinados ao santuario de Arantzazu; figuras que -logo dunha forte polémica co Vaticano- foron colocadas no sitio que ocupan hoxe na fachada da igrexa. A conto das barbaries, nun dos seus poemas manifesta un anxo (por boca do escultor): porque cómo vivir arriba un cielo indiferente y mudo / conociendo este mundo irracional y enfermo? / el ángel no sabe vivir aquí no quiere / pero se niega a regresar al cielo. Acompañan ás pezas de Oteiza unha crucifixión de Antonio Saura que afonda na negrura da longa noite de pedra; E outra de Francis Bacon que xoga co desgarro, coa insinuación de figuras que semellan batracios e non humanas, cos anacronismos de espazo e tempo.

Ao comezo da exposición Quina humanitat? preséntase o Desastre, o inmediato consecuente á destrución nos conflitos bélicos. Deses desastres xa ilustraron polo extenso artistas como Goya e mais como Castelao, entre outros. Galicia mártir e Atila en Galicia son dous álbums de debuxos que rachan a alma sobre as brutalidades, violacións e impunidades que aconteceron perante a Guerra Civil Española. É aquí, nos comezos, onde están situados deseños de Z. Music, testemuña directa das barbaridades acontecidas no campo de exterminio de Dachau, e mais de Lasar Segall (artista xudeu que reproduce o que lle contaron persoas que estiveron nos campos programados polos nazis) ou debuxos estarrecedores de Mercé Rodoreda (a escritora). Un pouco máis adiante o comisario escolleu, con bo criterio, debuxos que Josep Bartolí fixo para o libro Campos de concentración. Non se trata de visións de campos nazis. Non. Son os lugares onde os franceses recluíron a tantas e tantos republicanos españois que fuxiron da morte que lles tiña destinada a ditadura franquista. As imaxes evidencian as malas condicións nas que viviron esas persoas e o trato que recibiron por parte de “demócratas” franceses. Un dos debuxos explicita a violación dunha muller por parte dun soldado francés. Tamén dentro da visión da traxedia desde o lugar das vítimas, atópanse varias obras do fundamental escultor Julio González: dúas mans (que semellan berrar ao ceo “por que?”) e a contundente Cap de la Montserrat cridant (1942). Esta última é un dos traballos posteriores que González creou a partires da Montserrat, a escultura que no Pavillón da República Española na Exposición Universal de París, 1937, miraba directamente ao mural grafittero de Guernica, do seu amigo Picasso.

F. Bacon. Fragmento de una crucifixión, 1950

A mostra Quina humanitat? La figura humana després de la guerra (1940-1966) segue por carreiros similares sala tras sala. Visitar esta exposición temporal é unha boa oportunidade para reflexionar (e actuar) diante dos desastres das guerras, pasadas e presentes (e de certo das futuras). Nas “Epístolas a Lucilio”, o filósofo Séneca escribiu hai 2.000 anos: Os homicidios individuais castigámolos, e que dicir das guerras e mais do glorioso delito de arrasar pobos enteiros? As valoracións sobre dualidades morais veñen de lonxe...

Por desgraza cómpre seguir afirmando -a carón de Zoran Music-: Nous ne sommes pas les derniers.

Lito Caramés

EXPOSICIÓN: Quina Humanitat? La figura humana després de la guerra (1940-1966)

Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC)

ata o 11 de febreiro de 2024

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semtituloh · 1 year

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The Game of Naked

David Michael Hinnebusch

Fecha: 2017

Estilo: Contemporary, Neoexpresionismo

Serie: Rosemont

Género: pintura abstracta, pintura figurativa

Media: acrílico, paper, fotografía

Dimensiones: 46 x 61 cm

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almasmoons · 7 months

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Influyentes del arte moderno

El comienzo del siglo XX fue una época llena de cambios, sobre todo en la manera en que la gente percibió la civilización en su conjunto y su objetivo general.

El estallido de la Primera Guerra Mundial y la devastación que vino después, desafiaron los cimientos de los sistemas de creencias de muchas culturas, lo que llevó a una enorme cantidad de exploración por parte de los artistas sobre lo moral y la definición de lo que el arte debía ser y hacer en una cultura.

Fishing Boats, Collioure. André Derain. 1905.

Entre el cambio inmenso que trajeron las guerras y el desarrollo de la sociedad gracias a la revolución industrial, lo que vino luego de esto fue una letanía de movimientos artísticos que buscaban encontrar su lugar en un mundo de constantes cambios.

Aquí hay una exploración de las influencias de estos eventos históricos en el arte moderno:

1. Revolución Industrial:

a. Cambio en la Temática:

Representación de la Vida Urbana: La industrialización llevó a un éxodo masivo en las zonas rurales y al crecimiento de las ciudades por la necesidad de mano de obra en las fábricas. Los artistas modernos, como los impresionistas y los realistas, se sintieron atraídos por la representación de la vida urbana, las fábricas y la nueva dinámica social.

Exploración de la Tecnología: La maquinaria y la tecnología industrial se convirtieron en temas de interés. El futurismo, por ejemplo, celebró la velocidad y la maquinaria en sus obras.

b. Cambios en la Técnica:

Nuevos Materiales y Técnicas: La Revolución Industrial trajo consigo nuevos materiales y técnicas. La pintura al óleo se popularizó, y surgieron movimientos como el cubismo, que exploró la representación tridimensional y el uso de diferentes perspectivas.

Fotografía y su Impacto: La invención de la fotografía influyó en la representación artística. Debido a esto, los artistas ya no tenían la necesidad de adherirse de forma estricta a representar su arte de forma realista, lo que les permitió explorar formas más abstractas y mucho más expresivas.

2. Primera Guerra Mundial

a. Desencanto y Desilución:

Expresionismo: La brutalidad y la desolación de la guerra se reflejaron en obras expresionistas, que buscaban transmitir emociones intensas y estados de ánimo oscuros. Artistas como Otto Dix y Max Beckmann abordaron los horrores de la guerra.

Dadaísmo: En respuesta al caos y la absurdez de la guerra, el dadaísmo surgió como un movimiento antiarte, desafiando las convenciones y cuestionando la lógica establecida.

3. Segunda Guerra Mundial:

a. Reacciones al Conflicto:

Arte Abstracto y Expresionismo Abstracto: Durante y después de la Segunda Guerra Mundial, el arte abstracto y el expresionismo abstracto, representados por artistas como Jackson Pollock y Willem de Kooning, exploraron la abstracción emocional y gestual como respuestas a las tragedias del conflicto.

Arte Existencialista: La filosofía existencialista influyó en artistas que exploraron la angustia y la desesperación posguerra.

b. Reconstrucción y Optimismo:

Cobismo y Arte Concreto: Después de la guerra, movimientos como el cobismo en Europa y el arte concreto en América Latina buscaban la reconstrucción y la creación de una nueva realidad visual.

Expansión del Arte Abstracto: El arte abstracto, en sus diversas formas, experimentó un auge en la posguerra, con artistas explorando nuevas formas de expresión.

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