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emilygraterol · 9 months

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Reseña: A Thousand and One (A.V Rockwell, 2023)

El cuestionamiento de la figura materna. Una familia disfuncional. Traumas traídos a la paternidad. La ausencia. La pequeña línea entre lo ético y lo moral.

Estos son algunos de los tópicos sobresalientes de la ópera prima de A.V Rockwell “A Thousand and One” (Una y mil veces en español), ganadora del premio máximo del jurado en el Festival de Cine de Sundance en 2023. El filme nos presenta la historia de Inez (Teyana Taylor) y su hijo Terry, quienes se encuentran nuevamente en las calles de Brooklyn luego de que la fémina ha salido de la cárcel. El tímido niño parece no estar contento con el regreso de su progenitora debido a rumores que ha oído sobre ella, pero finalmente decide aceptarla. Inez, por su parte, resuelve hacerse cargo de su hijo (que hasta ahora había estado en casas de familia de acogida) secuestrándolo y cambiándole la identidad para evitar las sospechas de servicios sociales. La película mostrará el desarrollo de la relación entre madre e hijo y su posterior quiebre de manera magistral.

El cuestionamiento acerca de lo que es ser madre es uno de los temas principales que Rockwell aborda desde el principio hasta el final de la cinta. Observamos desde el inicio a una Inez decidida a luchar por su cría, caminando entre las calles de Brooklyn para conseguir dinero y refugio para ella y el niño. Esa indetenible búsqueda y sacrificio por parte de las progenitoras es parte de nuestro inconsciente colectivo, ya que sería inimaginable pensar en una madre que abandona a su bebé. Esta concepción nos vuelve nostálgicos y aceptamos cualquier tipo de acciones que justifiquen la manutención y cuidado de una criatura, tal como que Inez pueda saltarse las leyes para criar a su hijo directamente. La moralidad se ve fragmentada por una creencia popular.

A pesar de ello hay algo que pone cuesta arriba esta aceptación y es el constante maltrato que recibe Terry por parte de su mamá, hasta un punto en que nos cuestionamos si realmente es su madre o está fingiendo; una pregunta irrelevante que puede hacerse el espectador la cual tomará sentido con el sorprendente giro de trama que realiza la directora casi al final del filme. Una vez revelada la verdad, volvemos a cuestionarnos sobre la figura materna: ¿Es madre la que cría o la que da a luz? Tomando en cuenta la propuesta de Rockwell apuntaremos a la primera opción.

El filme nos da la bienvenida al mundo real en todos los sentidos. La crianza de los hijos es difícil, los padres están llenos de traumas y vacíos que repercuten en la personalidad de sus descendientes. Salir del círculo de la mala vida es complicado y el racismo sigue siendo una punta de lanza en nuestra sociedad. La buena construcción del guion nos deja ver todos estos ítems a lo largo de los 117 minutos de película, donde la interpretación de Teyana Taylor sorprende y nos conecta con la fragilidad que viven las madres jóvenes negras en Estados Unidos. Josiah Cross (Terry a los diecisiete años) también destaca por su manejo de emociones que van desde la impulsividad hasta manifestar un gran vacío emocional al decir: “Lo único que quise más que una madre fue un padre”

El naturalismo de las actuaciones y diálogos es lo que hace que A Thousand and One enganche con el público, que lo integre en su universo y que se sienta identificado con lo que está sucediendo dentro de la historia. La fotografía realizada por Eric Yue le otorga este carácter sentimental e intimista al filme, cargado de planos con poca profundidad de campo apoyados a su vez con un filtro que favorece los azules y grises muy presentes a partir de la mitad de la cinta.

Un simbolismo interesante es el deterioro del apartamento donde residen los personajes. El hecho de que comience a inundarse debido al rompimiento de unas cañerías justo cuando la relación entre Inez y Terry comienza a fragmentarse demuestra la maestría del guion. El “hogar perfecto” que ha se ha sostenido a bases de mentiras y simulaciones durante años comienza a destruirse por sí mismo, en una especie de bomba que arrastra todo a su paso cuando su tiempo de detonación ha llegado. Las mentiras llegan a su fin. La estabilidad de Inez ha cesado. Es hora de partir y de volver a la vida fugitiva que llevó durante años, su viejo yo ha vuelto.

El amor de la progenitora terminó. Se supone que Una y mil veces las madres darían todo por sus hijos, sin embargo, Inez ya ha concedido mucho de sí misma y por eso se despide y sigue su vida sonriente. Ella ha vuelto a la libertad de ser sin tener quien la limite. Su obra caritativa —el ser madre— ha culminado.

Inez (Teyana Taylor) y Terry (Josiah Cross) se despiden al final del filme.

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the-pleasure-garden · 1 year

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Firestarter (Keith Thomas, 2022)

Blumhouse es quizá la productora más reconocida en el cine de terror comercial. Con algunas obras cinematográficamente notables y narrativas predecibles se ha instalado cotidianamente en la pantalla de espectadores que buscan un género específico: el terror de lo inexplicable. Lo inexplicable desde las fuerzas de espíritus que provienen de antiguas iglesias hasta poderes fantásticos que llevan a otras dimensiones. En este marco de los superpoderes Keith Thomas se une a los creadores bajo esta productora para dirigir la adaptación de la novela de Stephen King Firestarter (cuyo título discutiremos luego). Keith Thomas es un director reciente en la industria, comenzó en 2017 y en su haber se encuentran un corto, otro largo con Blumhouse y un capítulo del Gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro.

Aún cuando su trayecto apunta a una carrera prometedora, este film se queda cortísimo hasta en las categorías de Thriller que lo incluyen. En una cuestión narrativa, no hay una intención de humanizar a los personajes desde una perspectiva lógica en sus reacciones. A partir de una estructura familiar como la que se presenta en el film hay emociones que si o si debería despertar la película y qué sin embargo no ocurre. Siendo la infancia y el poder los tópicos que se conjugan en la protagonista sería de esperar que la inocencia de la niña la llevara a un miedo constante o a un sentimiento de “venganza” (como lo muestra la pobre traducción) que está completamente aferrado a un objetivo de lo que reconoce familiar: sus padres y poder salvarlos. Sin embargo, esta relación familiar y los motivos de Charlie (la niña) son totalmente inesperados e infundamentados (pero no desde la excusa de la infancia como podría esperarse). Aunque parece ser que esto intenta argumentarse en los poderes como una especie de agentes que toman poder sobre la niña, como una especie de posesión de las que ya es costumbre en Blumhouse. Sin embargo, de ser este el caso, en el film no se hace evidente y todo escala de manera tan repentina e infundamentada que ni siquiera bajo una idea del periplo del héroe es entretenido de ver.

En una narrativa que pretende desarrollarse en un periodo corto y efímero de tiempo en donde todo escala demasiado de prisa hay un exceso de personajes como para que el ojo del espectador pueda acomodarse a armar un panorama completo. Y no, esto no es algo novedoso en un buen sentido. Quizá si nos enunciamos en una narrativa del Irreversible de Gaspar Noé en la que la prisa involucra a personajes fugaces que alimentan la estética del exceso y el hastío sería algo remotamente bien logrado. Pero en el caso de Thomas, y Scott Teems como quien adapta la novela de King, la fugacidad de personajes solamente hace que parezca que se nos quiere contar un resumen del libro pero el tiempo simplemente no alcanza para dar detalles. Se enuncian solamente los puntos generales que abarcan todo el libro y se procura llegar al final sin olvidar algún nombre. Es más un ejercicio de memoria de lectura que una película que busque dar un foco sobre algún aspecto o quizá sorprender con alguna explicación posterior.

Quizá como crítica (que busco llamarme) no me compete en lo más mínimo ofrecer alternativas. Pero qué interesante hubiera sido aprovechar este resumen tan mal estructurado del libro, dejando de lado la narrativa de Teems para que Keith explorara con la cámara diferentes perspectivas del fuego y la infancia como motivo. Ofrecer algún sentido estético hubiera sido un salvavidas en medio del agua que apagó todo el fuego.

Sobre el título: Firestarter es un título poderosísimo para la obra de Stephen King. Es un objeto de supervivencia que al estar en el bolsillo (infancia) es inofensivo pero al entrar en contacto con una fricción (venganza) genera llamas. Normalmente usado bajo el poder del ser humano es controlado y genera calor pero este fuego puede propagarse.

Sobre el poster: Retomando el original de 1984 con Drew Barrymore hay un triste remake en esta oportunidad. Con una simple yuxtaposición de una niña en frente de un incendio se transmite un mensaje extremadamente poderoso de dos elementos no compatibles. Sin embargo, esta intención se pierde con la expresión que se le da a la actriz Ryan Kiera Armstrong con un ímpetu no necesariamente razonable.

Una película de:

Familias particulares

Legado

Lo inexplicable

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un-viaje-en-blanco-y-negro · 4 months

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He visto muchas criticas negativas acerca de esta película y quiero expresar mi opinion que parece ser no muy popular. “¡Que viva Mexico!” En mi opinion es una película que refleja perfectamente muchas verdades que el mexicano no le gusta admitir, muchas personas que le han criticado se enfocan mas en detalles como los hoyos en el trama y en la critica política por parte de el director Luis Estrada.

Para mi, me dejo en un estado de reflexion de muchas cosas, las cuales expresare a continuación. (Spoilers!!)

La historia empieza con nuestro protagonista “Pancho” un hombre bien acomodado que parece le va bien en la vida trabajando en una empresa y viviendo en una casa bonita con su esposa Mari y sus dos hijos. Durante los primeros 15 minutos no me agradaba para nada el personaje. Se presenta como una persona que vive en un mundo gobernado por reglas sociales impuestas por las personas de clase alta y literalmente se presenta como si fuera arriba de los demás.

Uno pensaría que le hace falta humildad y que es una persona demasiado vanidosa, superficial o egoísta. Mas adelante cuando nos enteramos que el venia de una familia extremadamente pobre y que tiene mas de 20 años sin verlos también pensé mal del personaje. Cuando llegamos a la parte de la historia en que se le notifica a Pancho que su abuelo falleció y que en su testamento pidió como ultimo requisito que estuvieran todos los familiares presentes en el funeral antes de leer el testamento y después de pensarlo bien, al principio no queriendo ir, se decide ir y ahí conocemos a su familia.

La abuela, sus padres, hermanos, cuñadas y mas de 20 sobrinos. El hermano mayor que nunca se caso ni tiene trabajo. Una hermana que quiso ser monja pero actualmente se encuentra embarazada de un “poeta” tartamudo e invalido, otro hermano que es mariachi cuya esposa es una jovencita adolescente y ya tienen mas de 10 hijos, un hermano que ahora es hermana ya que es transexual, un hermano narco (o por lo menos quiere aparentarlo o querer llegar a serlo) quien tiene a una mujer muy coqueta como esposa y una hermana de quince años que también ya tiene muchos hijos de diferentes padres cada uno.

Aparte su padre es trilliso, uno de ellos se dedica a la política como presidente municipal, otro es sacerdote y el padre de Pancho es minero. Me encanta la referencia que hace eso a la pelicula “los tres huastecos”

A primera impresión sentí algo de coraje, ya que todos los miembros de la familia se presentan como estereotipos sumamente exagerados. Cosa que al final de la película entendí que fue una elección por parte del director y no de manera maliciosa. En cierto modo tiene razón en personalizar el aspecto conservador, religioso, machista y homofobico en los personajes.

A simple vista puede ser ofensivo pero de esa manera nos llegamos a ver nosotros mismos, nadie es mas racista contra los mexicanos, que el propio mexicano.

La familia le hace pasar malos ratos a pancho, haciendo fiestas las cuales no pueden pagar y Pancho termina pagando, pidiéndole dinero constantemente, espiándole mientras esta íntimamente con su esposa, robándole la ropa y joyas a su esposa, rompiéndole los juguetes a sus hijos, y pidiéndole que page mordida para que no arresten al hermano que se cree narco.

Todo esto hace que Pancho quiera irse lo más pronto posible, al leerse el testamento es revelado que pancho es el heredero universal de todo, los terrenos de una vieja mina que supuestamente esta agotada, tierras en las cuales según no se puede sembrar nada y una casa que esta en el medio de la nada y casi en ruinas (casa en la cual vive la familia de Pancho). Él a no creer ningún valor en los bienes piensa dejárselo todo a su familia, pero todo cambia cuando le entregan la caja fuerte del abuelo y dentro de ella encuentran mucho oro, la familia cree que pancho compartirá el botín pero pancho les miente diciéndoles que dentro de la caja no hay nada de valor. Esto les molesta tanto a la familia que incendian el coche de Pancho, con eso impiden que se vaya, ya que el pueblo esta a horas de la ciudad y no hay transporte fiable en el area.

A partir de ese momento, la atmósfera de la película cambia drásticamente, pasa de sentirse como una comedia a sentirse como un reflejo de la familia quebrada y tóxica. La abuela usando su estados de “viejita dulce e inocente” manipulando a pancho y a los demas, los hermanos y cuñadas queriendo ganar favor con pancho para que comparta el oro queriendo armar lazos por medio del apadrinamiento, sus padres usando el nombre de “la sangre” y “el deber” porque “somos familia”. En este punto de la película empece a simpatizar con Pancho y darme cuenta del porqué abandono a su familia por tanto tiempo.

Por equivocación Pancho termina en la cárcel, para poder sacarlo, su esposa Mari busca el oro que escondieron pero no lo puede encontrar, la familia empieza a ayudar pero no logran encontrarlo, su esposa cansada se regresa a la ciudad con sus hijos en lo que Pancho sale libre. Ya libre, Pancho se dedica a buscar el oro pero exige hacerlo sin ayuda, busca sin parar hasta el punto de colapsar.

Vemos el paso del tiempo, como su barba crece, su familia le insiste que ya pare y mejor se regrese a la ciudad con su familia. Un momento deprimente sin duda, me hace pensar en todas las personas que han dejado todo para alejarse de la familia toxica y al volver, recuerdan el motivo por el que se fueron. Esta en un ambiente en el que no puede pedirles ayuda, ya que no confía en ellos y no lo merecen después de demostrarles que son capaces de todo para realizar sus propios intereses.

Pancho eventualmente se rinde y decide darle todo a su tio el politico presidente municipal, quien inmediatamente al irse Pancho, desaloja de manera violenta a la familia y todos van a la cárcel. El tio politico paga a una compañía estranjera para escarbar y encontrar el oro, el cual efectivamente encuentran y mas aparte encuentran mas oro bajo tierra, pero el tio olvido que al contratarlos firmo un acuerdo en el que dice que todo lo que encuentren les pertenece a los extranjeros.

Al salir la familia de la cárcel, regresan al lugar donde estaba su casa y encuentrar una enorme mina industrial.

Para mi, esta es la parte que me apuñalo al corazón. Sobre todo al ver a la abuela al final de la escena, sola y enfrente de la cerca en donde antes era su hogar.

Para mi el hecho de que en el ultimo fragmento, la única que se ve es la abuela es como si fuera una metáfora de las personas vulnerables e indefensas que son robadas de sus recursos por muchos factores. Así como Mexico mismo, robado de sus materias primas para ser explotado por extranjero que cuentan con los recursos para hacerlo.

Al final, vemos como pancho volvió a trabajar en la misma empresa pero con un puesto mucho mas bajo y “humilde” y recordé como al principio de la película quería verlo exactamente así. Solo para darme cuenta de que me sentía mal por él, quien había llegado al cargo de gerente por su propio esfuerzo y por su cuenta después de haberse ido de casa y de su familia, quien desesperadamente busco un tesoro para mejorar su situación solo para terminar peor que antes y con su tediosa familia viviendo con el, para que su padre le diga en su cara que le da gusto verlo “igual de miserable que ellos” demostrando que la misma sangre puede ser tu peor enemigo.

A muchos se les quedo todo como si el mensaje fuera “el pobre es pobre porque quiere” y les molesto esa impresión. Sin embargo yo creo que el mensaje mas bien es:

El pobre es pobre porque quiere? Si y No.

Si, como por ejemplo en el aspecto de que a pesar de haber muchos miembros de la familia sanos y fuertes, ninguno trabaja y viven dependiendo del gobierno.

No, porque por ejemplo los personajes viven en un lugar en el que no se puede sembrar nada, no hay nada, no hay oportunidades de trabajo y no es tan facil como decir “vamonos a otro lado” y ya. Porque para irse, con que dinero? Como transportarían a toda la familia? Si se fueran solamente algunos familiares, no hay garantia de que tubieran lo suficiente para ayudar a toda la familia cuando apenas una persona pude valerse por si misma en las ciudades, donde todo es mucho mas caro.

No, porque como vemos en la historia, la familia literalmente estaban sentados en oro, pero sin el equipo necesario para trabajar una mina. No tenían para comer, mucho menos para adquirir maquinaria para poder trabajarla, si les ofrecieran ayuda fácilmente se quedan igual que el tio, sin nada porque carecen el conocimiento para manejar contratos llenos de engaños y cláusulas.

Pero mas que nada, el mensaje de como estamos no solamente políticamente sino el origen de porque lad personas son como son, la familia. Los traumas generacionales y las ideologías y maneras de pensar anticuadas y fuera de toque. No solamente esta roto el sistema, el núcleo familiar esta roto. A muchos les ofendió ese mensaje, pero las verdades duelen.

Si en vez de molestarnos por una critica, nos pusiéramos a analizar nuestras propias faltas y como podemos mejorar, creo que podríamos empezar un camino de mejoramiento.

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kacic1 · 1 month

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A todos, boa noite! E a noite é de grande estreia!

Hoje convido vocês a visitarem Os Filmes do Kacic, para conferir minha nova crítica sobre este thriller repleto de ação protagonizado por Jake Gyllenhaal, remake do veículo estrelado pelo saudoso Patrick Swayze em 1989, e que estreia no catálogo do Prime Video no dia 21 de março. Texto imperdível e sem spoilers!

Crítica: MATADOR DE ALUGUEL (ROAD HOUSE) | 2024

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faniacmag · 7 months

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SENSACINE. ALEJANDRO G. CALVO

Crítica 'EL CONDE' de Pablo Larraín | Festival Venecia 2023 #netflix

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angelmbo · 2 years

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X (2022)

Llega la polemica con "X" pelicula que viene con la esperanza de ser la pelicula del año... sera?

Película polémica por el simple hecho de que como en años anteriores los rumores de los siguientes lanzamientos hacen que la gente suban sus expectativas a niveles muy altas.Claro que si corre la voz de que en las proyecciones de otros países se hacían con las luces encendidas para que la gente la soporte. Con todo esto “X” es realmente es una muy buena película desde las interpretaciones donde…

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#cine #completa #critica #horror #noche de miedo #opinion #pelicula #terror #terror movie

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xabieresquiroz · 8 days

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Punto de Vista 2024 (2/3)

"Retrato de Mondongo" Dir. Mariano Llinás

La nueva obra de Mariano Llinás, el director de la Flor al que tuve el placer de conocer y hasta de charlar con él durante unos minutos en una estimulante conversación intelectual, emerge como una obra maestra que desafía las convenciones del retrato tradicional porque, como dice el propio documental: “Todo retrato es un autorretrato”. Es un ejercicio de introspección, al mismo tiempo que un documental acerca de un grupo artístico argentino que utiliza materiales inusuales para recrear obras.

En el corazón de esta película yace una intrahistoria conmovedora sobre la dolorosa pérdida de unas amistades, explorada con una sensibilidad y profundidad que tocan el alma del espectador. A través de este relato íntimo, Llinás nos invita por medio de poemas que vemos construirse en un arduo proceso a explorar temas como la amistad, el arte y hasta las opiniones de letterbox.

La mezcla ecléctica entre música, arte y poesía en "Retrato de Mondongo" añade capas de riqueza y textura a la narrativa, creando una experiencia sensorial que estimula tanto la mente como el corazón. Esta fusión creativa eleva la película más allá de los límites del género, un soplo de aire fresco en el festival con ya varias formas establecidas. Se echan de menos piezas tan comedidas como esta.

"Corazón embalsamado" Dir. Julieta Seco

Un autorretrato conmovedor que se presenta como un relato de coming of age, explorando con sensibilidad y profundidad los recovecos del corazón adolescente. A través de la lente de la directora, somos testigos de un viaje de autodescubrimiento marcado por la mezcla entre la idiosincrasia adolescente y el fervor religioso, creando una narrativa rica en matices y emociones.

Lo que destaca en este documental es el excelente diseño de sonido, que envuelve al espectador en la experiencia sensorial del protagonista, intensificando cada momento de la narrativa. Los sonidos ambiente, la música y los efectos sonoros se utilizan como una herramienta importante así como el formato de la imagen y las texturas desde el digital, el analógico del VHS o simplemente una cámara de móvil envolviendo al espectador en una experiencia inmersiva y emotiva.

En definitiva, "Corazón Embalsamado" se revela como un documental íntimo y tierno que captura la esencia misma de la adolescencia. Con su enfoque sensible, su mezcla única de temas y su excelente diseño de sonido, la pieza logra transmitir emociones universales de una manera auténtica y conmovedora .Sin olvidar la producción técnica que pudo hacer posible una gran proyección en el Baluarte.

"Avalancha" Dir. Daniel Cortés Ramírez

En un monumental ejercicio de documentación histórica “Avalancha” nos sumerge en la apasionante historia de las manifestaciones en Colombia. Ofreciendo un testimonio conmovedor y revelador de la lucha del pueblo por la justicia y la libertad que nos lleva en un viaje a través de la edición sin recurrir a ningún tipo de narración.

Desde película antigua en blanco y negro, al digital analógico. El documental se convierte así en una experiencia sensorial pura, donde las imágenes y el diseño de sonido se entrelazan.

El diseño de sonido de "Avalancha" merece un elogio especial, ya que al utilizar el estruendo de las avalanchas de rocas (así como diferentes sonidos donde la naturaleza se muestra despiadada), para generar al espectador sensación de inmediatez y tensión. Claramente el impacto y la fuerza son los temas principales de la película, pues las protestas mostradas a menudo acaban en violencia y, tristemente en muerte.

"Ôte-toi de mon soleil" Dir. Messaline Raverdy

Utilizando ambas definiciones de maremágnum, el comienzo de "Ôte-toi de mon soleil" nos sumerge en unos planos rápidos de desorden. Los sonidos de mar nos hacen pensar que se trata de un barco en hundimiento. Nada más lejos de la realidad nos encontramos ante un retrato sobre un moderno Diogenes un personaje inteligente pero desastroso cuya existencia caótica es tanto desconcertante como cautivadora.

El protagonismo compartido entre la entrevistadora y el entrevistado es otro aspecto notable de la película. Sorprendentemente, a medida que la relación entre ambos se desarrolla, somos testigos de una evolución afectuosa que añade una dimensión humana y conmovedora a la historia.

El respeto hacia personas pertenecientes a colectivos en riesgo de exclusión no solo se palpa en el documental sino también su perspectiva inclusiva a la hora de realizar una intertextualidad en el espectador generando así una sensación de intimidad enorme a través de los retazos de la vida que muestra el documental.

"Submarino volador" Dir. Lucas Zacarias

"Submarino Volador" ofrece al festival un género que es poco visto en el cine documental y que me gusta llamar la Ciencia No-Ficción, ofreciendo una visión fascinante y especulativa del mundo que nos rodea. A través de una mezcla ingeniosa de elementos científicos y narrativa imaginativa, también consigue juntarlo con lo cotidiano creando así una auténtica obra de realismo mágico.

En el centro de la historia se encuentra una familia que se convierte en el motor de la imaginación del más joven, creando un ambiente de juego y descubrimiento que es a la vez inspirador y conmovedor. La película nos ofrece una mirada cálida y sincera sobre la inocencia infantil, celebrando la creatividad y la capacidad de asombro que define la niñez.

Esta creatividad acaba sangrando en la propia dirección documental mezclando diferentes estilos de épocas más antiguas acompañados de música de sintetizadores creando así una fiesta a favor de la imaginación y su capacidad para hacer feliz a todos.

#cine #critica #punto de vista

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